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　　随着时代飞轮的运转，我们的生活形态也在快速改进中。美术教学的观念、方法受到新教育思潮的冲击、科技进步、及艺术表现媒材的更新，也产生无可抗拒的转变。

　　本套教材，荣获教育部国民中学教具创作优选奖，依美术活动表现的内容分为材料技巧实验、平面绘画、联想系列、平面设计、立体造形、贴画、美的欣赏等七大类，共一百五十个教学单元。网罗了美术各类不同的表现方法，提供多样式的引导刺激，拓展创作的领域。每一单元皆以简易的方式说明学习目的，适用年级、材料用具、引导方法及图解制作步骤，全本精美彩色印刷。对教材教法之开拓亦加探讨。可作为美术教师之辅助教材，亦可提供学生创作时的参考。对即将步出校门执教的美术系学生而言，它提供你开发新教材的方向。对关心美术教育的家长而言，它可作为辅导子女创作的参考题材。

建筑的诗意栖居：跨越时代的建筑美学与空间叙事 书籍名称：《建筑的诗意栖居：跨越时代的建筑美学与空间叙事》 内容提要： 本书并非一本简单的建筑史编年，而是一场深入探讨建筑作为人类文明载体，如何承载时间、文化、哲学与日常生活的深度对话。它聚焦于建筑艺术的本质——空间塑造、材料运用、光影捕捉以及与自然环境的和谐共生。我们将摒弃枯燥的年代划分，转而以“主题性”的脉络，带领读者穿越古今，从宏大的纪念性建筑到精微的日常居所，探寻那些真正打动人心的建筑“灵魂”。 第一章：原始的渴望与土木的初心——建筑的起源与地域性 本章追溯人类对遮蔽与界限需求的最初表达。我们探讨穴居、简易棚屋如何演变为具有象征意义的早期聚落结构。重点分析了地域性材料（如泥土、木材、石块）如何决定了早期建筑的形态和技术。从新石器时代的环形石阵到美索不达米亚的泥砖高塔，我们考察这些“大地之书”如何记录了早期社会的组织结构和宇宙观。特别关注了在极端气候下，因地制宜产生的智慧，例如北欧的茅草屋顶、非洲的土坯建筑（如苏丹的泥庙），揭示了建筑美学并非凭空产生，而是人类与环境长期博弈、妥协与融合的产物。 第二章：秩序、神圣与永恒——古典主义的几何学沉思 古典建筑是人类对理性、完美比例和永恒秩序的极致追求。本章深入剖析古希腊和古罗马建筑的内在逻辑。我们不再仅停留在柱式的表面分类，而是探讨多立克、爱奥尼和科林斯柱式背后的数学比例（如黄金分割）如何影响了人们对美与和谐的感知。帕特农神庙的视错觉修正技术，万神殿穹顶的精准计算，不仅仅是工程学的胜利，更是哲学思想在物质世界中的投射。本章阐述了古典建筑如何通过清晰的轴线、重复的韵律和明确的体量，构建起一个庄严、稳定且具有普世价值的“神圣空间”。 第三章：信仰的攀升与光线的捕捉——中世纪的垂直向度和精神追求 从中世纪的黑暗转向光明，哥特式大教堂是人类精神力量最直观的体现。本章细致描绘了从罗马式厚重到哥特式轻盈的转变过程。我们重点研究尖拱、肋拱和飞扶壁这三大技术的突破，它们如何使建筑得以向天空无限延伸。更重要的是，本章将焦点放在“光”——彩绘玻璃窗如何将外部的自然光转化为内在的叙事性神光，将冰冷的石头转化为充满宗教寓言的媒介。空间不再是静止的，而是引导信徒进行精神朝圣的动态路径。 第四章：镜厅的辉煌与宫廷的戏剧性——巴洛克与洛可可的感官盛宴 文艺复兴的理性之光被巴洛克的热情所取代。本章探讨建筑如何成为权力的舞台和情感的放大器。巴洛克建筑的标志性特征——动感、曲线、强烈的明暗对比（明暗对比法）以及对观众视角的精确控制，共同营造出一种戏剧性的、沉浸式的体验。从贝尼尼的圣彼得广场到凡尔赛宫的镜厅，建筑不再满足于稳定，它要求运动、眩目和情感的震撼。而洛可可则将这种华丽推向了私密化和精致化的极致，通过轻盈的装饰和柔和的色彩，描绘出贵族生活的细腻与感伤。 第五章：工业的阴影与新旧的对峙——现代主义的理性洗礼 工业革命彻底改变了建筑的材料和建造方式。本章聚焦于19世纪末至20世纪中叶的现代主义浪潮。我们分析了钢铁、钢筋混凝土和玻璃的出现，如何解放了墙体，使建筑师能够实现“自由平面”和“自由立面”。勒·柯布西耶的“新建筑五点”是理性至上的宣言，米斯·凡德罗的“少即是多”是对装饰的彻底否定。本章探讨了现代主义对社会功能、标准化生产和清晰表达结构逻辑的执着，以及这种理性美学在不同文化背景下的接受与冲突。 第六章：反思与回归：后现代的语境与批判性地域主义 20世纪下半叶，对纯粹功能至上的现代主义的反思成为主流。本章探讨后现代主义如何重新引入历史符号、幽默感和文饰。然而，更具持久影响的是“批判性地域主义”的思潮。它不再简单地复制传统形式，而是试图在现代技术与地方气候、文化记忆之间寻找一种微妙的平衡。本书将分析阿尔瓦罗·西扎、路易斯·康等大师的作品，探讨他们如何通过对光线、材料的质朴处理，使建筑回归到对“场所精神”（Genius Loci）的深刻体察。 第七章：流动的边界与人居的未来——当代建筑的场所营造与可持续性 终章将目光投向当下。当代建筑的趋势是打破固有的刚性边界，追求更具生态意识和参与性的设计。我们研究参数化设计如何塑造出仿生形态，以及可持续性如何从一个技术指标转变为一种新的美学追求——如零能耗建筑、雨水收集系统与建筑形态的融合。最终，本书落脚于对“人居体验”的关注：一个优秀的建筑，无论风格如何，都必须是一个能够滋养人类精神、激发想象力的“诗意栖居地”。我们将探讨建筑如何通过细微的空间暗示，引导我们的行为，影响我们的情绪，最终成为我们生命故事的安静背景。

评分☆☆☆☆☆

这本《美术创意150》的书名实在是太吸引人了，我拿到的时候就充满了期待。翻开第一页，就被里面丰富多样的内容深深吸引。它不像市面上很多那种枯燥乏味的理论书，而是用一种非常接地气的方式，引导你发掘身边的创意灵感。比如，它会教你怎么从日常生活中的物件里提取元素，然后转化为绘画的语言，我之前总觉得灵感枯竭，看什么都差不多，但是这本书给了我全新的视角。它不只是罗列技巧，更重要的是启发思维。我记得有一章讲的是“光影的游戏”，里面分析了不同光线下物体形态的变化，以及如何利用这些变化来增强画面的表现力。这让我意识到，即使是同一个静物，通过不同的打光方式，也能呈现出截然不同的意境。书中还穿插了很多作者的亲身经历和一些小故事，读起来一点都不枯燥，反而让人觉得亲切，好像在和一位经验丰富的艺术家面对面交流一样。我尤其喜欢它关于“色彩的情感表达”那一章节，它不是简单地告诉你红黄蓝是什么颜色，而是深入剖析了每种颜色背后所蕴含的情感和象征意义，以及如何巧妙地运用色彩来传递情绪。我尝试着根据书里的指导，用了一些之前不敢尝试的色彩搭配，出来的效果让我自己都感到惊喜。总的来说，这本书就像一位循循善诱的老师，它不会强行灌输，而是用一种鼓励和启发的方式，让你自己去探索，去发现，去创造。

评分☆☆☆☆☆

《美术创意150》这本书，带给我的冲击是潜移默化的，但又异常深刻。它最让我赞赏的一点是，它能够将那些抽象的、难以捉摸的“创意”概念，转化为具体、可操作的步骤和方法。我一直觉得，艺术创作很大程度上依赖于“天赋”，但这本书告诉我，天赋固然重要，但后天的培养和方法的掌握同样不可或缺。它里面提到的“从错误中学习”的理念，让我深感共鸣。我们往往害怕犯错，但这本书鼓励我们要拥抱错误，从中挖掘出意想不到的可能性。它举了很多例子，说明那些伟大的艺术家，他们的许多经典之作，恰恰是源于一次次看似“失败”的尝试。我印象最深的是它关于“情绪的视觉化”那一章，它教我如何将内心的情绪，比如喜悦、悲伤、愤怒，通过色彩、线条、甚至是笔触的粗细来表达。我之前画画，总是侧重于形似，而忽略了神似，这本书让我意识到，真正的艺术，是能够触动人心的。它还提供了一些“创意练习”，比如“蒙眼速写”、“逆向思维创作”等等，这些练习虽然简单，但却能有效地打破思维定势，激发我新的想法。这本书不是那种读完就放下的书，它更像是一位长期的伙伴，每次翻阅，都能从中获得新的启发和动力。

评分☆☆☆☆☆

《美术创意150》这本书，给我带来的最大收获，在于它教会我如何“打破常规”。我之前总觉得，绘画创作需要遵循一定的“规则”和“章法”，但这本书却告诉我，有时候，正是对这些规则的打破，才能产生真正令人惊艳的作品。它不是鼓励你去胡乱创作，而是让你在理解了规则的基础上，有意识地去挑战和颠覆它们。我特别欣赏它关于“不确定性的美学”的探讨。它引导我认识到，在创作过程中，保留一些“不确定性”和“意外”，反而能让作品更具生命力和感染力。它鼓励我们去尝试一些看似“错误”的笔触、颜色搭配，或者构图方式，然后去观察这些“错误”所带来的意想不到的效果。书中还提供了一些“创意游戏”，这些游戏非常有趣，而且能够有效地激活我的想象力。比如，有一个游戏是“三分钟内画出你想象中最奇怪的生物”，这看似简单，但却能逼迫我在极短的时间内，跳出固有的思维模式，去构思一些前所未有的形象。这本书的语言风格非常活泼，充满了热情和鼓励，读完之后，你会有种想要立刻拿起画笔，去尝试新事物的冲动。它让我明白，创意并不是遥不可及的，而是隐藏在每一个角落，等待你去发掘。

评分☆☆☆☆☆

在我拿到《美术创意150》之前，我对“创意”这个词的理解，还停留在比较表层、比较刻板的印象中。这本书彻底颠覆了我固有的认知。它并不是教你怎么去“复制”别人的创意，而是引导你去“创造”属于自己的创意。它强调的是一种“过程”的重要性，而不是仅仅关注最终的结果。我最喜欢它讲的“好奇心的力量”这个部分，它鼓励读者保持孩童般的好奇心，去探索未知，去质疑常规。它用非常生动有趣的案例，展示了当一个人对某个事物产生强烈好奇心时，他会如何主动地去观察、去思考、去尝试，最终从中找到独特的视角和表达方式。书中还提到了“联想力的训练”，它教我如何通过关键词、图片、甚至声音来引发一连串的联想，然后将这些联想串联起来，形成新的创意点。我尝试着每天用书里的方法，给自己设定一个“联想主题”，比如“天空”，然后尽可能地将它与我生活中的各种事物联系起来，结果发现，平时司空见惯的东西，在联想的作用下，竟然变得如此丰富多彩。这本书的排版也很精美，图片丰富，案例详细，读起来非常赏心悦目。它不是那种需要你花费大量时间和精力去啃的书，而是一种轻松、愉悦的学习过程，让你在不知不觉中，就打开了创意的闸门。

评分☆☆☆☆☆

最近读完《美术创意150》，感觉像是打开了一个全新的世界。我一直对绘画有兴趣，但总是感觉自己缺乏那种“创意”，画出来的东西总是显得平淡无奇。这本书的出现，可以说彻底改变了我的看法。它没有给我一些死板的模板，而是教我如何“看”世界。举个例子，书里有一个章节是关于“形状的解构与重组”，它教我如何将复杂的物体分解成基本的几何形状，然后再用这些形状去组合出新的、具有独特风格的画面。这让我明白，创意并不是凭空产生的，而是源于对现有元素的重新认识和组合。我最受触动的是它关于“跨界艺术的碰撞”那一章，它鼓励读者将不同领域的元素融入到自己的创作中，比如音乐、文学、甚至是科学。这给了我非常大的启发，我开始尝试将一些我喜欢的诗歌意境用绘画表现出来，也尝试从自然界的某些规律中寻找绘画的灵感。这本书的语言风格也很特别，非常幽默风趣，时不时会冒出一些让人会心一笑的段子，读起来一点都不费力。我记得其中一个例子，作者把“构图”比作“一场电影的镜头调度”，用电影的语言来解释绘画的构图原则，这让我茅塞顿开，之前觉得很难理解的构图，瞬间变得清晰明了。总而言之，这本书不仅仅是一本关于美术创意的书，更是一本关于如何用创意去观察和理解世界的书。