戏曲艺说 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 戏曲
• 戏曲理论
• 表演艺术
• 文化研究
• 中国传统文化
• 舞台艺术
• 艺术史
• 戏曲史
• 文学
• 艺术

这本书中的三辑论剧之文，全是作者近十年来的作品。上辑中作者评论了大陆的新编名剧《曹操与杨修》，以及改老戏《法门寺》〈双娇奇缘〉为《法门寺众生相》。在我看来，《曹》剧之优越处，「昭贤纳士」之讥讽已耳。《法》剧之嘲讽，只在口唇皮上，焉如《双娇奇缘》之涵韫深远也。可颂者，《春草闯堂》耳！诚然，佳构也。第二辑之所论者，仅局于《牡丹亭》之「惊梦」一折。下辑所论，乃近数年来之两岸新旧剧，在演出上，涉及的舞台问题，悉有可议可赞之处，实则呢，我这本书的选辑，其目标之率意，胥在「舞台」问题上立论的。盖「戏剧」是「空间」艺术，戏剧展现艺术的「空间」，即今之所谓「舞台」也。

《艺海拾遗：中国传统戏曲的流变与精粹》 引言：穿越时空的舞台，探寻梨园的千年回响 中国戏曲，被誉为“东方歌剧”，是中华民族审美情趣、哲学思想与民间叙事精神的集大成者。它集文学、音乐、舞蹈、武术、美术于一身，历经千年的打磨与演变，形成了令人叹为观止的艺术体系。本书《艺海拾遗：中国传统戏曲的流变与精粹》，旨在跳脱出对某一特定剧种或某一特定历史阶段的聚焦，而是以一种宏观而细致的视角，梳理中国戏曲艺术的发生、发展、繁荣及其内在的审美法则和文化意蕴。我们将探寻的，不是某部剧目的具体情节，而是构成这些剧目生命力的底层结构与精神内核。 第一章：戏曲的起源与胚胎——从雅乐到土乐的漫长孕育 戏曲的诞生并非一蹴而就，它是一系列古老表演艺术形式，如歌舞、说唱、杂技、傀儡戏等，长期相互渗透、融合的结果。本章将追溯汉代的“百戏”、唐代的“参军戏”、宋代的“诸宫调”和“杂剧雏形”，直至元杂剧的最终成熟。我们将重点探讨在不同历史时期，音乐如何从宫廷雅乐的束缚中解放出来，逐步贴近民间生活，成为推动叙事和塑造人物情感的主导力量。 雅俗共赏的张力： 分析早期表演形态中，官方文化与民间趣味之间的张力如何塑造了戏曲的初步格局。 角色与程式的萌芽： 探讨在唐宋时期，早期角色行当（如丑角、生角）的雏形如何开始出现，以及舞台调度和服装的初步程式化趋势。 “科”与“扮”的初探： 考察早期表演中，如何通过固定的动作（科）和面部表情（扮）来暗示人物身份和情绪，为后世的“一招一式”奠定基础。 第二章：元曲的辉煌与格局的奠定——体制化表演的里程碑 元代，是中国戏曲史上一个无法绕开的黄金时代。关汉卿、白朴、马致远等人的杰作，标志着中国戏曲真正意义上达到了文学与舞台艺术的完美统一。本章将聚焦于元杂剧的结构特点——“一折一楔子”的严谨框架，以及“一人主唱，群唱伴和”的音乐模式。 结构美学： 深入分析元杂剧的“正名”与“副末”的设置，以及曲牌体的运用如何控制叙事节奏与情感高潮。 虚拟空间的构建： 探讨元杂剧舞台对写意性的极致追求——一张桌子、两把椅子如何构建出万水千山、朝堂后宫的宏大场景，这种“空”的艺术哲学如何与观众的想象力达成共谋。 唱腔与口语的平衡： 分析元曲中高度文学化的语言（书面语）如何与当时白话口语巧妙结合，既保证了艺术格调，又不失民间传播的生命力。 第三章：明清的流变与地域的勃兴——昆曲的典雅与地方戏的争流 元杂剧衰落后，戏曲并未停滞，而是在江南地区孕育出更为精细、更具文人气息的昆山腔（后称昆曲），同时，明清两代自下而上涌现出大量地方声腔，如徽州腔、弋阳腔等，最终汇集成京剧的“四大声腔”基础。本章将对比分析昆曲与地方戏在艺术取向上的巨大差异。 昆曲的“典雅之美”： 重点剖析昆曲的“水磨腔”——其对气息控制、旋律润腔的极致要求，以及它如何与高度程式化的表演（如水袖、台步）相结合，成为文人士大满的审美理想。 地方声腔的生命力： 分析徽班进京等重大历史事件，探讨皮黄、高腔等地方声腔如何以其刚劲、奔放的特质，为日后京剧的形成积累了丰富的表现手法。 舞台管理与行当的定型： 考察在这一时期，以“生旦净丑”为核心的四行当体系如何最终固化，以及舞台管理（如灯光、布景的象征化运用）的进一步成熟。 第四章：表演的内核——程式、气韵与“做功”的哲学 戏曲的魅力，很大程度上源于其高度凝练的表演语言。本章将抛开具体的剧目，专注于解析这些表演语汇背后的哲学意涵。 “程式”的本质： 探讨程式化并非僵化，而是“从自然中提炼出的最本质的动作”，分析如“圆场”、“亮相”、“起势”等基本功，如何通过内在“气”的引导，表达出外显的情绪和意图。 “气韵”的追求： 阐述戏曲表演中对“气韵生动”的极致追求，这不仅是技巧的展现，更是一种生命力的流淌，是演员个体生命体验与角色精神的融合。 “身段”与“做功”的辩证关系： 分析武生和花旦身段训练的差异，以及“做功”（表演的细致刻画）如何通过面部表情和眼神（即“眼神功”）完成对人物内心世界的微妙呈现。 第五章：音乐体系的脉络——板式、腔调与锣鼓的指挥棒 戏曲的音乐是其灵魂所在，但其复杂性往往令人望而却步。本章将系统梳理中国戏曲音乐的结构，而非仅仅罗列剧目中的曲牌名。 板式与腔调的逻辑： 解释“慢板、中板、快板”等不同板式在叙事功能上的区别，以及腔调如何根据情绪的起伏进行变化（如“一腔多变”）。 文武场的协同作用： 深入分析以锣鼓为核心的“武场”与以弦乐为主的“文场”如何构成一个有机整体，以及它们如何作为舞台的“指挥棒”，精确控制演员的动作节奏和情绪转换。 声腔的地域性差异： 对比不同剧种（如川剧的高腔、粤剧的板腔体）在音乐结构上的核心区别，揭示不同地域的地理气候、社会生活如何塑造了独特的唱腔韵味。 结语：传统戏曲在现代语境下的回响与新生 戏曲作为活态的非物质文化遗产，其生命力在于不断适应和回应时代。本章将简要探讨近现代戏曲在吸收西方舞台艺术经验后的探索，以及其如何在新媒体和教育领域中寻求新的传承路径。它提醒我们，每一次对“旧”的审视，都是为了更好地理解“新”的生成——那跨越数百年依然能够直击人心的艺术力量，从未消逝。 本书不提供具体剧本的注解，也不详述某个名家的生平轶事，而是致力于构建一个完整的、关于中国传统戏曲艺术体系的“骨架”和“血脉”图谱，供读者在领略具体剧目之美前，建立起对这门复杂艺术的系统认知。

叙说

【上编】
一、 认识中国戏剧的舞台
二、 元杂剧的上下场
三、 编剧怎能不顾及剧中的史地—论新编京剧〈曹操与杨修〉
四、 论〈春草闯堂〉的喜剧结构
五、 论《法门寺》与《法门寺众生相》拟说
六、 论「四郎探母」的艺术结构
七、 《红楼梦》的脂批「山门」
八、 黄梅戏的《红楼梦》
九、 黄梅戏的《秋千架》

【中辑】
十、 说《牡丹亭》「惊梦」的曲意
十一、 支离破碎话「惊梦」
十二、 从「皂罗袍」说文章义理
十三、 华文漪演出的《牡丹亭》—兼论曲情与舞台时空
十四、 「惊梦」何尝支离破碎？
十五、 曲牌与曲情—兼致詹媛小姐
十六、 《牡丹亭》的情处理
十七、 《牡丹亭》的性处理
十八、 《牡丹亭》的「惊梦」秽语

【下辑】
十九、 《天下第一楼》的故事人物
二十、 《关汉卿》的舞台处理
二十一、 《OK股票》的舞台设计
二十二、 《论郑成功与台湾》
二十三、 论韩信这位大将军
二十四、 虚实相揉的喜剧—我看复兴剧校的改编《阿Q正传》
二十五、 看了京剧《罗生门》
二十六、 看了京剧《出埃及记》
二十七、 礼失求诸野

作者出版品专辑目录
后记

评分☆☆☆☆☆

这本书，怎么说呢，它让我对“看戏”这件事有了全新的认知。以前总觉得戏曲就是咿咿呀呀，听不懂也看不懂，但《戏曲艺说》就像一把钥匙，打开了我对这个古老艺术的误解之门。作者对于戏曲的“程式化”这一概念的解读，简直是点睛之笔。他没有生硬地罗列那些复杂的程式，而是通过生动的故事和形象的比喻，让我理解了这些程式是如何在长期的实践中形成的，以及它们在舞台上所扮演的“语言”角色。比如，他解释了为什么演员要“甩袖”，这不仅仅是为了美观，更是为了表达人物的情感，无论是喜悦的飞扬，还是悲伤的沉重，都能通过袖子的舒展和收拢传递出来。还有那些“走圆场”，看似简单的步伐，却蕴含着人物的思绪万千，或者是在原地徘徊，或者是在沉思踱步，通过不同的“走法”，就能传达出角色的内心活动。作者还花了大量篇幅分析了戏曲的“虚拟性”，这一点让我觉得非常神奇。在现代舞台上，我们习惯了逼真的布景和道具，但戏曲却能在最简洁的舞台上，通过演员的表演，调动观众的想象力，创造出无穷的世界。比如，演员用手比划一个水杯，观众就能“看到”一杯美酒；演员挥舞着马鞭，观众就能“听见”马蹄声响彻战场。这种“无中生有”的艺术魅力，是其他艺术形式难以比拟的。他还深入浅出地探讨了戏曲的“脸谱”艺术，解释了不同颜色和图案所代表的人物性格和身份，让我以后再看戏时，可以一眼看穿角色的命运。书中的例子非常丰富，从经典剧目到具体的表演技巧，都写得深入浅出，让我这个初学者也能茅塞顿开。更重要的是，作者的文字充满了对戏曲的热爱，这种热爱能够感染读者，让我不由自主地想要去了解更多，去欣赏更多。

评分☆☆☆☆☆

这本书，简直是为我这种对传统文化半懂不懂的人量身定做的！《戏曲艺说》中关于戏曲“音乐”的探讨，让我对那些悠扬的唱腔有了全新的认识。我以前总觉得戏曲的音乐有点单调，但作者的深入讲解，让我明白了其中的奥妙。他不仅仅介绍了不同剧种的音乐特点，如京剧的锣鼓点子，昆曲的唱腔旋律，更是深入分析了音乐在戏曲中的作用。我才知道，戏曲的音乐不仅仅是为唱词伴奏，它本身就是一种重要的叙事手段，能够直接传达角色的情感，烘托舞台气氛，甚至推动剧情发展。书中对“唱腔”的分析，让我理解了为什么有些唱腔听起来如此悲伤，有些则如此激昂，这背后是音乐与情感的完美结合。他还详细介绍了戏曲中各种“打击乐器”的作用，比如锣、鼓、钹等，它们如何通过不同的节奏和力度，来表现人物的动作、情绪以及场景的变化。读到这里，我才意识到，戏曲的音乐是一种高度精炼和富有表现力的艺术，它能够用最少的音符，传达最丰富的情感。书中还穿插了许多关于音乐创作和演奏的故事，让我对那些默默付出的音乐家们充满了敬意。这本书让我真正“听懂”了戏曲，它不再是枯燥的唱段，而是充满了生命力和情感的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我感到“耳目一新”的书！《戏曲艺说》在探讨戏曲“剧目”和“文学性”方面，给我留下了深刻的印象。我一直觉得戏曲的剧情，要么是历史故事，要么是民间传说，但这本书让我看到了戏曲剧本背后隐藏的深刻哲学和人文关怀。作者不仅仅是简单地罗列剧目，更是深入分析了这些剧目所反映的时代背景、社会风貌和人们的思想情感。他举例分析了《窦娥冤》、《西厢记》、《牡丹亭》等经典剧目，让我看到了它们在不同历史时期所承载的意义，以及它们如何触及人类共通的情感主题，如爱情、忠诚、正义、命运等等。我尤其喜欢关于“主题挖掘”的探讨，作者认为，优秀的戏曲剧本，不仅仅是讲故事，更是要通过故事来传递某种思想，引发观众的思考。他指出，戏曲的文学性体现在其精炼的语言、深刻的寓意以及富有张力的情节设计上。书中还穿插了许多关于剧本创作的趣闻轶事，让我对那些伟大的剧作家们的创作过程有了更深的了解。这本书让我意识到，戏曲不仅仅是一种表演艺术，更是一种充满智慧和深度的文学艺术。它让我不再将戏曲视为简单的娱乐，而是将其看作一面映照现实、 Reflecting 人生百态的镜子。

评分☆☆☆☆☆

读完《戏曲艺说》，我才真正理解了什么叫做“台上一分钟，台下十年功”。这本书对戏曲“表演艺术”的深入剖析，让我对戏曲演员的付出和技艺有了全新的认识。作者并没有枯燥地列出各种表演技巧，而是通过生动的描述和感人的故事，展现了戏曲演员的艰辛训练和高超技艺。他详细介绍了戏曲演员是如何通过童子功、压腿、开嗓等基本功训练，来打下坚实的表演基础。尤其让我动容的是，书中对于“唱念做打”四个基本功的阐述，以及它们之间是如何相互依存、相辅相成的。他解释了“唱”不仅仅是发声，更是情感的抒发；“念”不仅仅是说话，更是人物的内心独白；“做”不仅仅是动作，更是情感的写照；“打”不仅仅是武打，更是力量和技巧的展现。书中还通过一些著名演员的例子，比如梅兰芳、程砚秋等，讲述了他们是如何在表演中不断创新和突破，将戏曲艺术推向新的高峰。我尤其喜欢关于“眼神”和“身段”的描写，作者认为，一个演员的眼神能够传递出万语千言，一个演员的身段能够展现出角色的命运轨迹。读到这里，我才明白，为什么一些戏曲演员的表演能够如此深入人心，让人久久不能忘怀。这本书让我看到了戏曲演员不仅仅是表演者，更是情感的传递者，是文化的传承者，是艺术的创造者。

评分☆☆☆☆☆

这本《戏曲艺说》简直是一次奇妙的文化溯源之旅。我一直对戏曲中的“程式化”表演感到好奇，总觉得演员的动作和表情似乎过于夸张，但在这本书中，我找到了答案。作者用非常系统和形象的方式，解释了戏曲程式化的由来和意义。他指出，程式化并非是艺术的束缚，而是经过无数代艺人提炼、凝练而成的艺术语言，是一种高度概括和象征性的表达方式。书中关于“身段”的讲解尤其让我印象深刻，那些行云流水般的动作，每一个眼神，每一个手势，都蕴含着丰富的含义。比如，演员如何用“亮相”来展现人物的内心力量，如何用“眼神”来传递角色的情绪，如何用“跑圆场”来表现时间的流逝或人物的思绪。作者还详细介绍了戏曲中的“虚拟道具”的使用，比如一根马鞭可以代表骑马，一把扇子可以变成各种场景，这种“意会”式的表演，反而极大地激发了观众的想象力，让戏曲的艺术魅力更加无穷。他引用了许多具体的例子，比如《空城计》中诸葛亮挥扇，或者《白蛇传》中许仙撑伞，让我真实地感受到了这些程式化表演的精妙之处。这本书让我明白，戏曲的魅力在于它是一种高度提炼和凝练的艺术，它用最简洁的舞台，创造出最丰富的意境，让观众在有限的空间里，体验无限的想象。它不仅是对戏曲表演技巧的介绍，更是对中国传统文化中“少即是多”和“意境深远”美学思想的生动诠释。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，《戏曲艺说》是一本让我真正“听懂”了戏曲的书。以前，我总觉得戏曲唱词晦涩难懂，听着也觉得有些单调，但这本书彻底改变了我的看法。作者对戏曲“声腔”的分析，真是太精彩了！他不仅仅是介绍了京剧、昆曲、越剧等不同剧种的唱腔特点，更是深入探讨了这些唱腔背后的审美哲学和情感表达方式。我这才明白，为什么昆曲的唱腔如此婉转缠绵，仿佛是吴侬软语在诉说相思；为什么京剧的唱腔如此跌宕起伏，充满了戏剧张力。书中对“字正腔圆”的解读，让我理解了戏曲发声的奥秘，以及如何通过咬字、吐字、行腔来塑造人物的情感和性格。他引用了大量的经典唱词，并对其进行细致的解读，让我恍然大悟，原来那些看似简单的唱词，背后竟然蕴含着如此丰富的文学和哲学内涵。比如，他解析了《锁麟囊》中“这富贵不能挡，这荣华不能长”的唱段，让我体会到了世事无常、人生如梦的深刻寓意。他还特别强调了戏曲“念白”的重要性，认为念白是连接唱腔和表演的桥梁，能够让人物的内心世界更加立体和丰满。读到这里，我才意识到，戏曲不仅仅是听觉的享受，更是视听结合的综合艺术。书中还穿插了许多关于戏曲演员的轶事和故事，这些故事让冰冷的艺术理论变得鲜活起来，也让我对那些在舞台上挥洒汗水的艺术家们充满了敬意。这本书让我重新认识了戏曲，它不再是遥远过去的遗物，而是充满生命力和艺术魅力的活态文化。

评分☆☆☆☆☆

不得不承认，《戏曲艺说》这本书给了我一个巨大的惊喜。我原本抱着随便翻翻的心态，结果却被深深吸引。作者对戏曲“脸谱”艺术的解读，简直是让我叹为观止！我一直以为脸谱只是简单的色彩涂抹，没想到背后竟然蕴含着如此深厚的文化内涵和象征意义。书中详细介绍了不同颜色在脸谱中的寓意，比如红色代表忠诚勇猛，黑色象征刚直不阿，白色则意味着奸诈狡猾，绿色暗示莽撞冲动，等等。这些颜色不仅仅是视觉上的冲击，更是人物性格、身份、甚至命运的直接象征。作者通过分析一些经典剧目中的典型人物脸谱，如关羽的红脸、曹操的白脸、李逵的黑脸，让我清晰地看到了这些人物的性格特征。他甚至还探讨了脸谱的绘制技巧和变化，比如“抹脸”、“勾脸”等不同手法，以及这些手法如何影响人物的舞台形象。更让我惊叹的是，作者还深入探讨了脸谱的“变脸”艺术，这是一种将脸谱在瞬间变化的神奇技艺，它不仅仅是技术的展示，更是人物内心冲突和命运转折的视觉化呈现。书中引用了许多生动的例子，让我仿佛置身于热闹的戏院，亲眼目睹着那些鲜活的人物在舞台上展现他们的喜怒哀乐。这本书让我意识到，脸谱艺术不仅仅是中国戏曲的独特符号，更是中国传统文化中“形神兼备”美学思想的集中体现。它让我在欣赏戏曲时，能够更加深入地理解人物的内心世界，也让我对中国传统艺术的智慧和创造力充满了由衷的赞叹。

评分☆☆☆☆☆

这本《戏曲艺说》真是让我大开眼界！我一直以为戏曲离我生活很远，只是一些老旧的表演形式，但读了这本书，我才发现自己错得有多离谱。作者的笔触非常细腻，他不仅仅是罗列史实，更是将那些古老的水袖、唱腔、锣鼓背后蕴含的情感和时代印记娓娓道来。书中关于不同剧种的起源和发展，比如京剧如何融合吸收了昆曲、徽剧等元素，又如何在历史洪流中形成了独特的风格，描写得生动有趣。我尤其喜欢关于“声腔”的探讨，作者通过对不同唱腔的分析，让我理解了为什么有些戏听起来婉转悠扬，有些则慷慨激昂，这背后是情感的表达，更是时代的呼唤。他还深入浅出地讲解了戏曲的“程式化”表演，比如那些看似夸张的身段和手势，其实都承载着丰富的象征意义，是一种高度提炼和凝练的艺术语言。读到这里，我仿佛看到了几百年前的观众，他们是如何在这些程式化的表演中体会人情世故、褒贬善恶的。书中对于“脸谱”的解读也让我印象深刻，那些色彩斑斓的面孔，不仅仅是简单的化妆，更是人物性格、身份乃至命运的直接体现。红色代表忠勇，白色象征奸诈，绿色表现莽撞，黑色寓意耿直……每一种颜色都像一个无声的符号，传递着强大的信息。作者还花了很大篇幅讲述戏曲的“虚拟性”，比如一根马鞭可以代表骑马，一把扇子可以变化出各种场景，这种“意会”式的表演，反而激发了观众的想象力，让戏曲的魅力更加无穷。他引用了许多经典的唱词和剧目作为例证，让我对《牡丹亭》、《霸王别姬》、《贵妃醉酒》等耳熟能详的作品有了更深层次的理解。整本书读下来，我感觉自己仿佛穿越时空，亲身经历了一场场跌宕起伏的戏曲盛宴。它不仅仅是一本介绍戏曲的书，更是一扇通往中国传统文化深处的窗户。

评分☆☆☆☆☆

《戏曲艺说》这本书，让我对“戏曲角色”的理解，达到了一个前所未有的深度。我之前看戏，总是分不清那些唱旦角的、生角的、净角的，但这本书就像一本生动的“人物百科全书”，将这些角色一一呈现在我面前。作者对戏曲“行当”的划分和讲解，让我茅塞顿开。他详细介绍了青衣、花旦、老生、小生、净、丑等不同行当的表演特点、服装扮相和人物性格。我这才明白，为什么有些角色总是端庄稳重，有些则活泼俏皮，有些则威武雄壮，有些则滑稽可笑。书中还深入探讨了“唱念做打”这四种基本功在不同行当中的运用，以及它们是如何塑造出不同角色的艺术形象。我尤其喜欢关于“净角”的描写，那些色彩斑斓的脸谱，以及他们粗犷豪放的表演，都充满了独特的艺术魅力。作者还引用了许多经典剧目中的典型人物作为例子，比如林黛玉的“青衣”，孙悟空的“净角”，让我能够更直观地理解不同行当的表演风格。这本书让我意识到，戏曲角色不仅仅是简单的类型划分，更是对人物性格、命运和情感的深刻刻画。它让我以后再看戏时，能够更精准地把握角色的内心世界，也让我对那些能够将不同角色演绎得活灵活.。

评分☆☆☆☆☆

《戏曲艺说》这本书，让我仿佛置身于一个充满古老智慧的殿堂。我一直觉得戏曲中的“虚拟性”是一种很抽象的概念，但作者通过一系列生动形象的例子，将它解释得淋漓尽致，让我拍案叫绝。他指出，戏曲的虚拟性并非是一种简陋，而是一种高明的艺术手法，它能够极大地发挥观众的想象力，让观众参与到艺术创作之中。书中对于“道具”和“场景”的虚拟化处理，让我印象深刻。比如，演员手里的一根马鞭，可以变成骑马奔驰的场景；一把扇子，可以根据不同的情境，变成各种道具，如拐杖、剑，甚至是一片飘落的树叶。作者还深入探讨了“舞台的虚拟性”，指出戏曲舞台的简洁，反而能够让观众的注意力更加集中在演员的表演上，从而更好地体会角色的情感和命运。他引用了许多经典的剧目，如《三岔口》中的黑暗，《空城计》中的空城，这些看似简单的舞台设计，却能够营造出强大的戏剧张力，让观众身临其境。这本书让我明白了，戏曲的虚拟性，其实是中国传统文化中“意境”美学的体现，它强调的是“言有尽而意无穷”，通过有限的艺术形式，引发无限的联想。读完这本书，我感觉自己对戏曲的欣赏水平提高了一个层次，我不再是被动地接受信息，而是主动地参与到艺术的创造和体验之中。