本書特色
★深度欣賞西洋雕塑，一本讀通西洋雕塑史
為什麼米開蘭基羅《大衛》像頭大身體小？為什麼《摩西》的頭上要長角？《垂死的奴隸》為什麼神態看似享受？《聖殤》為什麼要採取聖母膝上抱著耶穌的姿態？
羅丹動人的人體雕塑，為何偉大？
現代雕塑，布朗庫西、亨利‧摩爾等人抽象與極簡的風格，又是源自何處？
深度解析西洋雕塑的三大領域：希臘羅馬時期、米開蘭基羅、現代雕塑，一次看懂所有的西方雕塑的源流、派別、技法與美感。
★藝術界必讀私房書！最正確的藝術史觀
美國大學的必修課程都有個編號「101」，錶示其重要性與基礎性，因此得名。本書為藝術史權威學者王德育教授，繼前一本《藝術史101：從印象派到超現實主義》後延續性的第二本藝術史著作，深獲藝術史研究者、工作者、收藏者與藝術愛好者的認可與欣賞，藝術界必讀私房書。
★從完整的脈絡齣發，清楚分析各雕塑風格的來龍去脈，讓讀者真正理解雕塑的世界，進入藝術史的堂奧。
本書為《典藏投資》雜誌的人氣專欄集結，每篇五韆字深入淺齣，將其中西洋雕塑從米開蘭基羅到現代雕塑的文章20篇重要文章選編成書。
有脈絡地理解藝術傢的時代背景，創作理念，與前人的影響，重要作品的精要介紹，抓到正確的主軸，從觀念來理解，讓讀者從一本書貫通西洋雕塑，獲得最正確的藝術史觀。
名人推薦
宋齊有 逢甲大學航太與係統工程學係特聘教授
佟立華 佳士得亞洲二十世紀及當代藝術部門資深專傢
林亞偉 《典藏投資》總編輯
蕭博中 索卡藝術中心總監
（按姓氏筆畫排列）
具體描述
好的，這是一份關於一本名為《雕塑史101：從古典到現代西洋雕塑》的書籍的不包含其內容的圖書簡介，側重於其他領域的書籍。 --- 《文明的織錦：世界紡織藝術的韆年流變》 書籍簡介 本書深入探討瞭全球範圍內紡織藝術從史前時代到當代實踐的漫長而輝煌的發展曆程。它並非聚焦於三維的塊體藝術，而是將目光投嚮瞭縴維的柔韌、色彩的交織以及織物所承載的文化密碼。 《文明的織錦》以時間為經、地域為緯，構建瞭一部宏大的紡織物視覺史與技術史。它揭示瞭縴維材料的選擇、染色工藝的革新以及編織技術的演變，如何與人類社會的政治結構、宗教信仰、經濟貿易以及日常生活緊密相扣。 第一部分：遠古的縴維與早期的圖案（史前至公元前500年） 本部分追溯瞭人類與自然縴維材料的最初接觸。從考古發現的史前麻屑、植物縴維編織物，到古代文明如美索不達米亞和古埃及在喪葬儀式和王室服飾中對精細亞麻和羊毛的運用，我們考察瞭紡織如何從單純的保暖需求演變為身份的象徵。重點分析瞭古代提花技術的萌芽，以及這些早期圖案中蘊含的原始宇宙觀。其中，對中國早期絲綢的齣現及其早期形態的探討尤為細緻，闡釋瞭它在早期部落文化中的儀式性價值。 第二部分：古典帝國的華服與異域的交融（公元前500年——公元500年） 本章聚焦於希臘、羅馬以及早期中亞帝國中紡織品貿易的興盛。《文明的織錦》詳細描繪瞭羅馬貴族對來自東方奢華絲綢的迷戀，以及這種需求如何推動瞭絲綢之路的早期發展。我們審視瞭古希臘壁掛和帷幔上的敘事性圖案，這些圖案往往是神話和英雄事跡的視覺轉譯。書中還專門開闢章節，研究瞭波斯薩珊王朝在染色技術和金銀綫刺綉上的突破，這些技術如何被後來的拜占庭帝國所吸收和轉化。 第三部分：中世紀的信仰與手工藝的巔峰（公元500年——1400年） 中世紀是紡織藝術從實用走嚮宗教聖儀的關鍵時期。本書詳盡考察瞭歐洲大教堂中的聖袍、聖壇帷幔的製作工藝，這些作品往往耗費數十年時間，是集體信仰和高超技藝的結晶。特彆關注瞭拜占庭的織錦（如“σπαθάρια”）如何成為外交禮品，以及伊斯蘭世界在西班牙和北非地區發展齣的復雜幾何圖案和書法裝飾的運用。我們對比瞭歐洲掛毯與伊斯蘭地區地毯在空間處理上的哲學差異。 第四部分：文藝復興與全球化前夜的奢華（15世紀——17世紀） 隨著大航海時代的開啓，全球範圍內的縴維和技術交流達到瞭空前的速度。本部分剖析瞭意大利城邦（如佛羅倫薩、威尼斯）如何成為歐洲的紡織中心，及其對古典寫實主義美學嚮平麵織物轉化的努力。書中對荷蘭和佛蘭德斯掛毯在16世紀的工業化生産模式進行瞭深入分析，探討瞭這些大型敘事作品如何服務於新興的王室和富商階層。同時，書中也關注瞭來自印度和東南亞的棉織品（如印花布）開始衝擊歐洲市場時，所引發的本地手工業的反應與適應。 第五部分：工業革命的顛覆與現代性的萌芽（18世紀末——19世紀） 工業革命對紡織業造成瞭結構性的劇變。本書詳細描述瞭珍妮紡紗機、動力織布機的發明如何從根本上改變瞭生産的速度和規模。然而，我們同時也探討瞭對機械化生産的反思，例如拉紮魯斯·雅卡爾的提花織機如何預示瞭信息處理的未來，以及威廉·莫裏斯領導下的工藝美術運動如何試圖迴歸手工的“真誠”與“美感”。這部分旨在展現技術進步與藝術精神之間的復雜張力。 第六部分：20世紀的抽象與身份的重構 進入20世紀，紡織品藝術徹底掙脫瞭其依附於牆壁或身體的傳統束縛。本書聚焦於抽象錶現主義對編織形式的影響，以及現代主義建築師如何利用織物來定義和軟化空間。我們探討瞭阿涅絲·馬丁等藝術傢如何將重復的綫條和紋理視為冥想的媒介，以及二戰後新興的縴維藝術（Fiber Art）如何將地毯、掛毯材料提升為純粹的雕塑性錶達。最後，本書探討瞭當代藝術中，女性主義藝術傢如何利用縫紉、拼貼和傳統女性手藝（如刺綉、絎縫）來探討權力結構、身體政治和文化記憶的復雜議題。 結論：縴維的未來 本書最後總結瞭紡織藝術在數字時代和可持續性挑戰下的新方嚮，強調瞭從傳統手工技藝到高科技智能織物，紡織品始終是人類文明最直觀、最持久的錶達載體之一。 --- 《文明的織錦》是一部麵嚮藝術史愛好者、紡織專業學生以及對全球文化交流史感興趣的讀者的深度研究讀物。
著者信息
作者簡介
王德育
王德育現任臺北市立教育大學視覺藝術學係教授。他於美國藝術史頂尖名校紐約大學取得藝術史博士學位，並於美國任教多年；1999年返颱創辦元智大學藝術管理研究所並任所長，是當時國內第一所藝術管理研究所，從零開始設計規劃完善的課綱，培養眾多的藝術管理人纔。之後轉任臺北市立大學，一路投身藝術教育不遺餘力。
王德育在碩士階段研習西洋藝術史、博士階段研究中國藝術史；這當中又緻力於颱灣美術史，可說中西藝術皆有深厚研究。除瞭學術期刊等專業著述外，他的文字也散見《典藏‧藝術投資》、《藝術傢》、颱藝館《美育》月刊等雜誌。多年來常受兩岸三地藝術界邀約前往各大機構舉辦講座，如在颱灣與典藏藝術投資閤作定期講座，並與中國中歐國際工商協會、香港佳士得閤作擔任「藝術鑑賞與投資」相關課程的常態閤作講師。
王德育
王德育現任臺北市立教育大學視覺藝術學係教授。他於美國藝術史頂尖名校紐約大學取得藝術史博士學位，並於美國任教多年；1999年返颱創辦元智大學藝術管理研究所並任所長，是當時國內第一所藝術管理研究所，從零開始設計規劃完善的課綱，培養眾多的藝術管理人纔。之後轉任臺北市立大學，一路投身藝術教育不遺餘力。
王德育在碩士階段研習西洋藝術史、博士階段研究中國藝術史；這當中又緻力於颱灣美術史，可說中西藝術皆有深厚研究。除瞭學術期刊等專業著述外，他的文字也散見《典藏‧藝術投資》、《藝術傢》、颱藝館《美育》月刊等雜誌。多年來常受兩岸三地藝術界邀約前往各大機構舉辦講座，如在颱灣與典藏藝術投資閤作定期講座，並與中國中歐國際工商協會、香港佳士得閤作擔任「藝術鑑賞與投資」相關課程的常態閤作講師。
圖書目錄
Part 1 史詩、發掘、闡釋
1. 荷馬史詩：特洛伊的考古發掘
2. 重披彩衣的希臘羅馬雕刻：白色美感的顛覆
Part 2 米開蘭基羅的雕刻
3. 米開蘭基羅的生平： 文藝復興鼎盛期的曠世奇纔
4. 米開蘭基羅的早期雕刻：《階梯聖母》、《爭戰》、《巴剋斯》
5. 《大衛》：超越物質的精神象徵
6. 教宗硃裏亞斯二世的陵寢：《摩西》、《勝利》、《奴隸》
7. 梅迪奇禮拜堂：建築與雕刻的結閤
8. 梵蒂岡《聖殤》：啼鶯初試
9. 《佛羅倫斯聖殤》：自我投射
10. 《隆達尼尼聖殤》：天鵝之歌
Part 3 現代雕塑
11. 羅丹的傳承與創新：《號召應戰》與《卡萊市民》
12. 羅丹的經典之作：《地獄門》
13. 布碟爾的雕塑：與羅丹的聯屬與分離
14. 布碟爾的獨特風格：氣勢磅礡的雄偉美感
15. 布朗庫西的女性雕像：超越形像的內蘊本質
16. 布朗庫西的雕塑：以簡馭繁的藝術錶現
17. 亨利‧摩爾的藝術：深沉人道關懷的藝術錶現
18. 亨利‧摩爾的成熟風格：享譽國際的公共雕塑巨擘
19. 賈寇梅提的雕塑：存在主義式的疏離感
20. 賈寇梅提的詮釋與轉化：友誼與愛情
1. 荷馬史詩：特洛伊的考古發掘
2. 重披彩衣的希臘羅馬雕刻：白色美感的顛覆
Part 2 米開蘭基羅的雕刻
3. 米開蘭基羅的生平： 文藝復興鼎盛期的曠世奇纔
4. 米開蘭基羅的早期雕刻：《階梯聖母》、《爭戰》、《巴剋斯》
5. 《大衛》：超越物質的精神象徵
6. 教宗硃裏亞斯二世的陵寢：《摩西》、《勝利》、《奴隸》
7. 梅迪奇禮拜堂：建築與雕刻的結閤
8. 梵蒂岡《聖殤》：啼鶯初試
9. 《佛羅倫斯聖殤》：自我投射
10. 《隆達尼尼聖殤》：天鵝之歌
Part 3 現代雕塑
11. 羅丹的傳承與創新：《號召應戰》與《卡萊市民》
12. 羅丹的經典之作：《地獄門》
13. 布碟爾的雕塑：與羅丹的聯屬與分離
14. 布碟爾的獨特風格：氣勢磅礡的雄偉美感
15. 布朗庫西的女性雕像：超越形像的內蘊本質
16. 布朗庫西的雕塑：以簡馭繁的藝術錶現
17. 亨利‧摩爾的藝術：深沉人道關懷的藝術錶現
18. 亨利‧摩爾的成熟風格：享譽國際的公共雕塑巨擘
19. 賈寇梅提的雕塑：存在主義式的疏離感
20. 賈寇梅提的詮釋與轉化：友誼與愛情
圖書試讀
編輯小語
每年都有眾多國人齣國旅行，前往巴黎、義大利、倫敦參訪各地的美術館，而在其中陳列的古典希臘羅馬雕像、米開蘭基羅、羅丹雕像是必看的重點。然而在走馬看花之後，這些精采的雕像帶給觀者的感動是什麼？恐怕隻是浮光掠影，印象所剩無幾。這是很可惜的一件事。
王德育教授從美國紐約大學取得藝術史博士後，投身藝術研究30年，紮紮實實地研究，堪稱融會貫通中西藝術史。其著作與研究的特色是，所文必有根據，提齣正確的觀念與脈絡，深入淺齣、清新好讀，讓讀者不再霧裡看花、似懂非懂，不再誤解藝術傢與畫作，進而能真正完全讀懂，得到藝術欣賞的樂趣。
近年，看似冷僻的藝術史漸成顯學。在社會的整體經濟條件提升後，走嚮追求美感與文化的境界是必然的趨勢，而藝術史是否能真正說齣一些觀念，啟迪觀者？相信內行的讀者、藏傢、藝術愛好者，會對一本藝術史書的要求越來越高。讀藝術史跟讀歷史有什麼不同？我想基本功是相通的，人文與藝術都是歷史的積纍，長久的浸淫，而形成文化的深度。歷史考據不斷有新的發現與詮釋，而時代與社會的影響也不能忽略，單一的看一個藝術傢，往往不知其所以然，當我們將前後的雕塑風格與審美觀對照，便豁然開朗。
比如此書中提到，古典藝術，希臘羅馬時期的寫實風格和有彩繪（並非純白），這特色也影響到文藝復興時期，重現希臘的藝術觀，如實地模擬大自然。其模仿並非模仿實體，而也是呼應希臘的理想美的概念，追求一種理想型的普世價值。
十八世紀龐貝城與海剋力士城遺址的發掘，激起當時對新古典主義的嚮往，而以白色大理石雕刻，形成「高貴的單純與寧靜的雄偉」的美感。當時人們誤以為希臘羅馬時期的雕刻美學是白色，而將許多原本有彩繪的雕像「美白」去除顏料，也是一種藝術史的誤解。
十六世紀，歷經數百年的黑暗中世紀，雖然曾經讓裸體雕像絕跡，但米開蘭基羅復古的緻敬下，同樣採用古典的對比姿態，更毅然恢復裸體，一如《大衛》像。同樣的，為什麼大衛像頭大身體小？為什麼《摩西》的頭上要長角？《垂死的奴隸》為什麼神態看似享受？要錶達的是什麼？這些其實都不是憑想像去看圖說故事，而是從史觀中找解答。當我們理解其中的趣味，再次欣賞這些名作時，想必心中的迴響與感動，會更為深刻。這，就留給讀者去書中找答案瞭。
序‧導讀
歐美的藝術史研究涵蓋三大領域：繪畫、雕刻以及建築。繪畫錶現的麵嚮較多，如構圖、造型、色彩、筆觸、乃至空間的錶現等等，題材也較廣，從人物肖像、文學抒情、歷史性敘事、甚至超現實的心象等等；相形之下，雕塑的題材變化較少，除瞭浮雕的歷史性敘事之外，不外乎人物和動物的錶現，加上雕塑著重的是形體本身的容貌和動態，可以論述的麵嚮較少，文字的錶達也較難，因此歐美藝術史學者傾嚮研究繪畫，而在颱灣有關西洋雕塑的研究更為欠缺。
雕與塑
一般都是「雕塑」並列，但其實「雕」與「塑」的製作過程截然不同。所謂「雕」是一種減法的過程，選擇一塊石材或木材，鑿除不需要的部分，而留下構想的形體；而「塑」則是一種加法的過程，使用黏土堆疊成構思的形體，由於黏土的「塑像」無法長久保存，再翻鑄成石膏像或青銅像。
由於翻鑄的技巧複雜，加上材料昂貴，在希臘羅馬時代，乃至文藝復興時期，青銅像的價碼遠高於石雕；在米開蘭基羅之前的義大利藝術傢多半被視為技藝嫻熟的匠人，其酬勞是依據所使用的材料成本和工作天數來計算，然而，由於米開蘭基羅的石雕藝術卓越，造詣懾服人心，這種情形於是斐然改觀。
羅丹基本上採用「塑造」的方式，再由助手翻模成為石膏像和青銅像，或是雕刻成大理石像。值得一提的是，在助手翻刻或翻鑄的過程中，羅丹會依照買傢的需求，或是在原作上稍加改變，或者提供不同尺寸的完成品。從這個角度而言，羅丹可說是現代文創業的始祖。
導讀
本書的第一篇闡述〈特洛伊的考古發掘〉。希臘是西方藝術的源頭，由於十九世紀德國人海恩立奇‧希裏曼對「荷馬史詩」的信心和堅持，而啟動瞭特洛伊遺址的挖掘，以至於啟迪瞭現代對希臘早期藝術的認識，並促進瞭考古學術的發展。
「荷馬史詩」的故事引人入勝，「特洛伊戰爭」的木馬屠城更是傢喻戶曉，而特洛伊遺址齣土的文物則更加珍貴，這些文物增進人們對古文明的認識。一般對希臘藝術的認知比較偏嚮後期的雕刻，這篇〈特洛伊的考古發掘〉引導讀者認識早期的希臘藝術，諸如「普裏安的寶藏」、「邁錫尼文明」以及著名的《阿嘎眠農的麵具》等等。
第二篇〈重披彩衣的希臘羅馬雕像〉介紹希臘羅馬的「彩色復原像」，並從這個角度闡述西方在各個時期對於雕塑藝術的美感和美學。長久以來，西方對希臘羅馬雕塑的認知是單色的，特別是白色的大理石，而導緻瞭新古典主義的美學思維「白色美感」；但是由於科技的精進，近年來的研究發現其實古典雕塑都有彩繪，顛覆瞭往昔對古典雕刻的理解，促使我們重新審視古典藝術。
從第三篇至第十篇都是有關米開蘭基羅的雕刻錶現。米開蘭基羅的雕刻作品非常豐富，而且相當卓越，為增進讀者的瞭解，闡述的文字頗多，因此依序分為八篇，俾便讀者循序閱讀。除瞭基本的介紹之外，筆者儘量將近年來對有關米開蘭基羅的研究融入論述中，讓讀者對這位雕刻大師有更深入的認識。
義大利文藝復興時期，政治情勢複雜，米開蘭基羅與梅迪奇傢族的關係密切且錯綜，又處身於宗教改革理想與教廷反宗教改革的拉扯中，更飽受新柏拉圖主義人文思想與撒沃納羅拉宗教狂熱之間的矛盾和睏擾，而晚年的米開蘭基羅對藝術的熱衷與宗教的情懷又有瞭主觀上的轉移。
為錶現他對神聖慈愛的景仰和孺慕，米開蘭基羅的三尊《聖殤》尤其扣人心弦，這三尊《聖殤》的造型和風格各有韆鞦，錶達的是他在不同階段的宗教情懷，展現的是他源源不絕的藝術風格，引起後來許多藝術傢的矚目和感動，影響瞭往後數個世紀的藝術錶現。
從第十一篇至第二十篇介紹西洋現代雕塑。十九世紀末到二十世紀初是西方藝術史相當精彩的時期，在繪畫上如此，在雕刻也不遑多讓，雕塑名傢輩齣。
羅丹突破瞭十九世紀盛行的新古典主義風格，重新以真人為模特兒，賦予雕塑有血有肉的真實身軀，創造瞭諸多傑作，開啟瞭二十世紀雕塑的前衛創意。
羅丹的《地獄門》膾炙人口，他的創作理念、技巧以及風格有何特殊之處，著名的《沉思者》和《擁吻》等作品的內涵又是如何，都有待深入解析。從第十一到十二篇的兩篇關於羅丹的專文僅對不同時期的重要代錶作予以介紹和分析，還有許多重要的作品將留待日後另以專文介紹。
本書的第十三、十四篇介紹布碟爾的雕塑，颱灣的讀者可能對布碟爾較為陌生，其實高雄市立美術館在1994年隆重開幕時，舉辦的盛大展覽即是「布碟爾雕塑展」，當時筆者應邀為展覽目錄撰寫中英文對照的研究專文。然而，布碟爾的雕塑僅在高雄展齣，對颱灣北部的藝術愛好者而言，當時可能沒有機緣南下觀賞，而筆者當時精心撰寫的專文也已佚失在歷史中。
布碟爾曾經擔任羅丹工作室的助手，從羅丹學習雕塑的技巧和風格，但他努力從希臘早期和中世紀仿羅馬式藝術擷取題材，不斷地學習和轉化，發展齣個人的風格，作品龐碩雄偉，氣勢磅礡，在二十世紀的雕刻中注入一股粗獷強勁的力道，布碟爾在西方雕塑史上佔有重要的一席。
布朗庫西曾經受到羅丹的鼓勵和影響，但他很快就脫離瞭西方傳統雕塑的敘事細節，直接使用石材從事雕刻，在構思上，布朗庫西迴歸形體的簡化形式，追求內蘊的本質，以柔順的麯線和流暢的輪廓創造優雅的意象。本書的第十五和十六篇專文從一些重要作品深入闡述布朗庫西的在藝術思維上的變革。
第十七和十八篇介紹亨利‧摩爾。亨利‧摩爾不但接受超現實主義的影響，從事心理層麵的探索，並嘗試拆解形體的可能性，他脫離瞭傳統雕刻的完整團塊觀念，建立雕刻內部空間與外在空間的嶄新觀念。亨利‧摩爾又關注抽象形式的重要性，援引自然風景做為比擬，他融閤景觀意象的雕塑喚起瞭人們對自然形體和人體的關注。
本書的最後兩篇介紹賈寇梅提的雕塑。賈寇梅提的細長人物幾乎沒有體積，若有似無，產生超俗的感覺，而且反映瞭存在主義式的疏離感；除瞭脫離真實的形像之外，賈寇梅提又強調塑像形體與空間的關係以及兩者的交錯影響，開啟瞭鮮明的獨特風格。又根據筆者的研究發現，賈寇梅提著名的《戰車》則是源自希臘幾何時期瓶繪藝術的啟迪，他將古希臘瓶繪中的錶現元素予以新的詮釋和轉化。
基於兩人的親密友誼關係，銀行傢和藝術收藏傢赫伯特‧勒斯特在2000年撰寫瞭一本迴憶錄並齣版成書，在迴憶錄中，他詳細陳述他與賈寇梅提的友誼以及共享的經驗，甚至包括兩人的隱私關係。
賈寇梅提先是參與超現實主義運動，之後對存在主義很有興趣，又從古代藝術擷取創作元素，有關他的雕塑藝術專文讀起來些許艱硬；藝術傢的生活故事總是較引人興趣，因此從勒斯特的敘述，在本書的第二十篇後半段摘述一小部分，增進讀者對賈寇梅提的認識。藝術傢的生活經驗與藝術錶現是否有必然關聯，且由讀者各自解讀。
羅丹、布碟爾、布朗庫西、亨利‧摩爾以及賈寇梅提的雕塑各有鮮明的現代風格特色，但即使是雕塑大師，他們的藝術風格並非無緣無故、突如其來、一蹴可成，其實他們在藝術養成的過程以及個人風格的發展，都有脈絡可循。
羅丹的雕塑之所以能突破十九世紀的藝術風格，除瞭以自然為師，突破當時的美感準則之外，他也從米開蘭基羅得到啟迪，羅丹的許多傑作的姿態造型和壯碩身體反映瞭米開蘭基羅的影響。布碟爾曾經擔任羅丹工作室的助手，他努力從古代藝術汲取靈感，因此得以脫離羅丹的風格，進而開創獨特的風格。
布朗庫西曾經受到羅丹的鼓勵，並在羅丹工作室擔任助手，但時間非常短，因藝術理念不同而離職。賈寇梅提曾經在大茅屋學院受業於布碟爾，因此布碟爾衍自古希臘仕女立像的拉長比例很有可能成為賈寇梅提細長人體的濫觴；賈寇梅提的創作理念與造型也有源自布朗庫西的影響。亨利‧摩爾曾坦承他受到同時期超現實風格作品的影響，諸如畢卡索、阿爾普以及賈寇梅提。
職是之故，筆者在論述這些雕塑大師時，除瞭討論各自風格的傳承與創新之外，還特別著重他們與西方古代藝術以及非西方藝術的關聯，以彰顯西方現代藝術與傳統藝術的脈絡淵源，並且釐清現代藝術如何從西方以外的藝術錶現擷取創作的靈感。筆者衷心希望對藝術史有興趣的讀者可以敞開心胸關注古代藝術以及非西方藝術的關聯，筆者也衷心希望從事創作的藝術工作者可以從本書的論述得到創作的啟迪。
關於圖片
藝術作品的圖片是藝術史論述的必要憑證，對照圖片仔細審視，讀者纔得以瞭解論述的文字內容；但由於著作版權的問題，除瞭筆者自行拍攝的圖片之外，儘量採用維基百科所提供允許自由使用的圖版，至於一些尚無法自由使用的作品圖片，則由筆者繪製示意圖，俾便讀者辨識，請讀者自行上網查看清晰的圖片。造成不便之處，謹請諒解。
關於譯名
鑒於坊間有關西洋藝術傢的中文譯名有多種版本，而且諸多譯名與藝術傢名字的原文發音有所齣入，謹依照藝術傢名字的各國原文發音，譯成發音較接近的中文。必也正名乎，特將本書中提到之藝術傢的原文和中文譯名對照錶附錄於後，俾便檢索。
筆者的藝術史方法學：看圖說故事
二十世紀以來，藝術史的研究除瞭著重藝術品的作者和年代、錶現內容、技巧、風格等等之外，又融入瞭社會學、哲學、心理學等麵嚮的探討，藝術史的研究變得多元，藝術史學者也各依所好而有所偏重，但是藝術史研究的主要對象是藝術品，萬流歸宗，最後還是必須迴歸到藝術品本身的探討和闡釋。
既然藝術史研究的主要對象是藝術品，首先應該從作品入手，先仔細觀看藝術錶現的內容、造型、筆觸、色彩、空間等等，再以語言和文字精確地描述內涵和風格錶現，甚至闡述藝術品所錶現的抽象視覺美感或思想層次的美學，而對於藝術傢的生平和藝術流派的研究則增進對藝術品的理解。
與歐美相較，颱灣對藝術史的研究起步較晚，又因為藝術史有個「史」字的誤導視聽，颱灣的藝術史研究常被視為是歷史研究的分支，流風所及，颱灣的藝術史研究就偏重史料文字的整理和彙集，鮮少關注藝術作品本身錶現的內涵和藝術風格，藝術品反而成為介紹藝術傢或藝術流派或美術理論的佐證圖片。
筆者秉持美國藝術史的教學方式，又因為本身也從事繪畫創作，因此在授課時，我特別著重藝術品錶現的分析，引導學生仔細並深入觀看作品，教導他們如何瞭解和欣賞藝術品，如何從藝術品來發掘和探索問題。多年來，經常戲稱我的藝術史研究方法學是「看圖說故事」。讀者認為藝術品本身的錶現是藝術史研究的起點，也是終極目標，無論以何種麵嚮切入，最終都應該迴歸藝術品本身的探討，藝術品本身的錶現纔是主體，絕非隻是佐證的圖片而已。
傳承與創新的現代藝術
颱灣的藝術史研究大都侷限於二十世紀以來的現代或當代藝術，這種現象無可厚非，我們都是現代人，理所當然對當下的現代或當代藝術較有興趣和感情。以筆者的經驗而言，在美國的研究所，有近半的研究生選擇研究二十世紀和當代藝術；由於美國的大學提供完整的藝術史課程，除瞭西方藝術史通論之外，還開授各個時期的藝術史，並且有中國、日本等亞洲藝術史，因此選擇現代或當代藝術的研究生本來就具有完整的藝術史背景。如果不瞭解各個時期的藝術史，隻侷限於現代或當代藝術，那麼對現代或當代藝術的瞭解有可能流於斷章取義。
西方的現代藝術不僅僅隻是在形式上呈現嶄新的麵貌，其內涵則不但承襲瞭淵遠流長的西方藝術傳統，並且擷取和融入許多非西方藝術的錶現元素。西方的現代藝術絕不是揚棄傳統藝術文化，而是藝術傢以各自主觀的方式再詮釋和再轉化。
縱觀整個西方藝術史，即使是知名的藝術大師，在他們的藝術養成過程中，都是經過不斷地學習、吸收和突破，他們臻至成熟的藝術風格絕非突如其來、一蹴而成，其風格的形成都幾乎有傳統的脈絡和淵源可循。這是我藉由教學與著作一直努力在倡導的理念：現代或當代藝術必須植基於傳統藝術文化，或擷取和融入超越國界的藝術文化，纔可能有源源不絕的創作題材和錶現形式。
有鑑於此，筆者在耳順之年開始將終生所學陸續撰寫成文，希望引導讀者開啟對藝術史的興趣，並增進對藝術史的瞭解。承濛主編何珮琪的器重與策劃，《王德育的觀想藝見：西洋繪畫縱橫談》和《藝術史101：從印象派到超現實主義》陸續於2014、2015年齣版，獲得許多讀者的共鳴與迴響。
近幾年，颱灣藝文界陸續引進希臘羅馬的文物展以及米開蘭基羅的藝術展，但颱灣卻鮮少有關西洋雕塑的論述，因此筆者著手介紹名傢的西洋雕塑，數年來陸陸續續撰寫，總算完成瞭十幾萬字，足可彙集成書。
感謝何主編的再度器重，《藝術史102：從古典到現代雕塑》得以付梓。再度感謝《典藏投資》總編輯林亞偉的尊重和禮遇，提供專欄任憑我縱橫於古今藝術史，驅使我按月完成一篇專文，纔能再有這次的彙集成書。
德育
每年都有眾多國人齣國旅行，前往巴黎、義大利、倫敦參訪各地的美術館，而在其中陳列的古典希臘羅馬雕像、米開蘭基羅、羅丹雕像是必看的重點。然而在走馬看花之後，這些精采的雕像帶給觀者的感動是什麼？恐怕隻是浮光掠影，印象所剩無幾。這是很可惜的一件事。
王德育教授從美國紐約大學取得藝術史博士後，投身藝術研究30年，紮紮實實地研究，堪稱融會貫通中西藝術史。其著作與研究的特色是，所文必有根據，提齣正確的觀念與脈絡，深入淺齣、清新好讀，讓讀者不再霧裡看花、似懂非懂，不再誤解藝術傢與畫作，進而能真正完全讀懂，得到藝術欣賞的樂趣。
近年，看似冷僻的藝術史漸成顯學。在社會的整體經濟條件提升後，走嚮追求美感與文化的境界是必然的趨勢，而藝術史是否能真正說齣一些觀念，啟迪觀者？相信內行的讀者、藏傢、藝術愛好者，會對一本藝術史書的要求越來越高。讀藝術史跟讀歷史有什麼不同？我想基本功是相通的，人文與藝術都是歷史的積纍，長久的浸淫，而形成文化的深度。歷史考據不斷有新的發現與詮釋，而時代與社會的影響也不能忽略，單一的看一個藝術傢，往往不知其所以然，當我們將前後的雕塑風格與審美觀對照，便豁然開朗。
比如此書中提到，古典藝術，希臘羅馬時期的寫實風格和有彩繪（並非純白），這特色也影響到文藝復興時期，重現希臘的藝術觀，如實地模擬大自然。其模仿並非模仿實體，而也是呼應希臘的理想美的概念，追求一種理想型的普世價值。
十八世紀龐貝城與海剋力士城遺址的發掘，激起當時對新古典主義的嚮往，而以白色大理石雕刻，形成「高貴的單純與寧靜的雄偉」的美感。當時人們誤以為希臘羅馬時期的雕刻美學是白色，而將許多原本有彩繪的雕像「美白」去除顏料，也是一種藝術史的誤解。
十六世紀，歷經數百年的黑暗中世紀，雖然曾經讓裸體雕像絕跡，但米開蘭基羅復古的緻敬下，同樣採用古典的對比姿態，更毅然恢復裸體，一如《大衛》像。同樣的，為什麼大衛像頭大身體小？為什麼《摩西》的頭上要長角？《垂死的奴隸》為什麼神態看似享受？要錶達的是什麼？這些其實都不是憑想像去看圖說故事，而是從史觀中找解答。當我們理解其中的趣味，再次欣賞這些名作時，想必心中的迴響與感動，會更為深刻。這，就留給讀者去書中找答案瞭。
序‧導讀
歐美的藝術史研究涵蓋三大領域：繪畫、雕刻以及建築。繪畫錶現的麵嚮較多，如構圖、造型、色彩、筆觸、乃至空間的錶現等等，題材也較廣，從人物肖像、文學抒情、歷史性敘事、甚至超現實的心象等等；相形之下，雕塑的題材變化較少，除瞭浮雕的歷史性敘事之外，不外乎人物和動物的錶現，加上雕塑著重的是形體本身的容貌和動態，可以論述的麵嚮較少，文字的錶達也較難，因此歐美藝術史學者傾嚮研究繪畫，而在颱灣有關西洋雕塑的研究更為欠缺。
雕與塑
一般都是「雕塑」並列，但其實「雕」與「塑」的製作過程截然不同。所謂「雕」是一種減法的過程，選擇一塊石材或木材，鑿除不需要的部分，而留下構想的形體；而「塑」則是一種加法的過程，使用黏土堆疊成構思的形體，由於黏土的「塑像」無法長久保存，再翻鑄成石膏像或青銅像。
由於翻鑄的技巧複雜，加上材料昂貴，在希臘羅馬時代，乃至文藝復興時期，青銅像的價碼遠高於石雕；在米開蘭基羅之前的義大利藝術傢多半被視為技藝嫻熟的匠人，其酬勞是依據所使用的材料成本和工作天數來計算，然而，由於米開蘭基羅的石雕藝術卓越，造詣懾服人心，這種情形於是斐然改觀。
羅丹基本上採用「塑造」的方式，再由助手翻模成為石膏像和青銅像，或是雕刻成大理石像。值得一提的是，在助手翻刻或翻鑄的過程中，羅丹會依照買傢的需求，或是在原作上稍加改變，或者提供不同尺寸的完成品。從這個角度而言，羅丹可說是現代文創業的始祖。
導讀
本書的第一篇闡述〈特洛伊的考古發掘〉。希臘是西方藝術的源頭，由於十九世紀德國人海恩立奇‧希裏曼對「荷馬史詩」的信心和堅持，而啟動瞭特洛伊遺址的挖掘，以至於啟迪瞭現代對希臘早期藝術的認識，並促進瞭考古學術的發展。
「荷馬史詩」的故事引人入勝，「特洛伊戰爭」的木馬屠城更是傢喻戶曉，而特洛伊遺址齣土的文物則更加珍貴，這些文物增進人們對古文明的認識。一般對希臘藝術的認知比較偏嚮後期的雕刻，這篇〈特洛伊的考古發掘〉引導讀者認識早期的希臘藝術，諸如「普裏安的寶藏」、「邁錫尼文明」以及著名的《阿嘎眠農的麵具》等等。
第二篇〈重披彩衣的希臘羅馬雕像〉介紹希臘羅馬的「彩色復原像」，並從這個角度闡述西方在各個時期對於雕塑藝術的美感和美學。長久以來，西方對希臘羅馬雕塑的認知是單色的，特別是白色的大理石，而導緻瞭新古典主義的美學思維「白色美感」；但是由於科技的精進，近年來的研究發現其實古典雕塑都有彩繪，顛覆瞭往昔對古典雕刻的理解，促使我們重新審視古典藝術。
從第三篇至第十篇都是有關米開蘭基羅的雕刻錶現。米開蘭基羅的雕刻作品非常豐富，而且相當卓越，為增進讀者的瞭解，闡述的文字頗多，因此依序分為八篇，俾便讀者循序閱讀。除瞭基本的介紹之外，筆者儘量將近年來對有關米開蘭基羅的研究融入論述中，讓讀者對這位雕刻大師有更深入的認識。
義大利文藝復興時期，政治情勢複雜，米開蘭基羅與梅迪奇傢族的關係密切且錯綜，又處身於宗教改革理想與教廷反宗教改革的拉扯中，更飽受新柏拉圖主義人文思想與撒沃納羅拉宗教狂熱之間的矛盾和睏擾，而晚年的米開蘭基羅對藝術的熱衷與宗教的情懷又有瞭主觀上的轉移。
為錶現他對神聖慈愛的景仰和孺慕，米開蘭基羅的三尊《聖殤》尤其扣人心弦，這三尊《聖殤》的造型和風格各有韆鞦，錶達的是他在不同階段的宗教情懷，展現的是他源源不絕的藝術風格，引起後來許多藝術傢的矚目和感動，影響瞭往後數個世紀的藝術錶現。
從第十一篇至第二十篇介紹西洋現代雕塑。十九世紀末到二十世紀初是西方藝術史相當精彩的時期，在繪畫上如此，在雕刻也不遑多讓，雕塑名傢輩齣。
羅丹突破瞭十九世紀盛行的新古典主義風格，重新以真人為模特兒，賦予雕塑有血有肉的真實身軀，創造瞭諸多傑作，開啟瞭二十世紀雕塑的前衛創意。
羅丹的《地獄門》膾炙人口，他的創作理念、技巧以及風格有何特殊之處，著名的《沉思者》和《擁吻》等作品的內涵又是如何，都有待深入解析。從第十一到十二篇的兩篇關於羅丹的專文僅對不同時期的重要代錶作予以介紹和分析，還有許多重要的作品將留待日後另以專文介紹。
本書的第十三、十四篇介紹布碟爾的雕塑，颱灣的讀者可能對布碟爾較為陌生，其實高雄市立美術館在1994年隆重開幕時，舉辦的盛大展覽即是「布碟爾雕塑展」，當時筆者應邀為展覽目錄撰寫中英文對照的研究專文。然而，布碟爾的雕塑僅在高雄展齣，對颱灣北部的藝術愛好者而言，當時可能沒有機緣南下觀賞，而筆者當時精心撰寫的專文也已佚失在歷史中。
布碟爾曾經擔任羅丹工作室的助手，從羅丹學習雕塑的技巧和風格，但他努力從希臘早期和中世紀仿羅馬式藝術擷取題材，不斷地學習和轉化，發展齣個人的風格，作品龐碩雄偉，氣勢磅礡，在二十世紀的雕刻中注入一股粗獷強勁的力道，布碟爾在西方雕塑史上佔有重要的一席。
布朗庫西曾經受到羅丹的鼓勵和影響，但他很快就脫離瞭西方傳統雕塑的敘事細節，直接使用石材從事雕刻，在構思上，布朗庫西迴歸形體的簡化形式，追求內蘊的本質，以柔順的麯線和流暢的輪廓創造優雅的意象。本書的第十五和十六篇專文從一些重要作品深入闡述布朗庫西的在藝術思維上的變革。
第十七和十八篇介紹亨利‧摩爾。亨利‧摩爾不但接受超現實主義的影響，從事心理層麵的探索，並嘗試拆解形體的可能性，他脫離瞭傳統雕刻的完整團塊觀念，建立雕刻內部空間與外在空間的嶄新觀念。亨利‧摩爾又關注抽象形式的重要性，援引自然風景做為比擬，他融閤景觀意象的雕塑喚起瞭人們對自然形體和人體的關注。
本書的最後兩篇介紹賈寇梅提的雕塑。賈寇梅提的細長人物幾乎沒有體積，若有似無，產生超俗的感覺，而且反映瞭存在主義式的疏離感；除瞭脫離真實的形像之外，賈寇梅提又強調塑像形體與空間的關係以及兩者的交錯影響，開啟瞭鮮明的獨特風格。又根據筆者的研究發現，賈寇梅提著名的《戰車》則是源自希臘幾何時期瓶繪藝術的啟迪，他將古希臘瓶繪中的錶現元素予以新的詮釋和轉化。
基於兩人的親密友誼關係，銀行傢和藝術收藏傢赫伯特‧勒斯特在2000年撰寫瞭一本迴憶錄並齣版成書，在迴憶錄中，他詳細陳述他與賈寇梅提的友誼以及共享的經驗，甚至包括兩人的隱私關係。
賈寇梅提先是參與超現實主義運動，之後對存在主義很有興趣，又從古代藝術擷取創作元素，有關他的雕塑藝術專文讀起來些許艱硬；藝術傢的生活故事總是較引人興趣，因此從勒斯特的敘述，在本書的第二十篇後半段摘述一小部分，增進讀者對賈寇梅提的認識。藝術傢的生活經驗與藝術錶現是否有必然關聯，且由讀者各自解讀。
羅丹、布碟爾、布朗庫西、亨利‧摩爾以及賈寇梅提的雕塑各有鮮明的現代風格特色，但即使是雕塑大師，他們的藝術風格並非無緣無故、突如其來、一蹴可成，其實他們在藝術養成的過程以及個人風格的發展，都有脈絡可循。
羅丹的雕塑之所以能突破十九世紀的藝術風格，除瞭以自然為師，突破當時的美感準則之外，他也從米開蘭基羅得到啟迪，羅丹的許多傑作的姿態造型和壯碩身體反映瞭米開蘭基羅的影響。布碟爾曾經擔任羅丹工作室的助手，他努力從古代藝術汲取靈感，因此得以脫離羅丹的風格，進而開創獨特的風格。
布朗庫西曾經受到羅丹的鼓勵，並在羅丹工作室擔任助手，但時間非常短，因藝術理念不同而離職。賈寇梅提曾經在大茅屋學院受業於布碟爾，因此布碟爾衍自古希臘仕女立像的拉長比例很有可能成為賈寇梅提細長人體的濫觴；賈寇梅提的創作理念與造型也有源自布朗庫西的影響。亨利‧摩爾曾坦承他受到同時期超現實風格作品的影響，諸如畢卡索、阿爾普以及賈寇梅提。
職是之故，筆者在論述這些雕塑大師時，除瞭討論各自風格的傳承與創新之外，還特別著重他們與西方古代藝術以及非西方藝術的關聯，以彰顯西方現代藝術與傳統藝術的脈絡淵源，並且釐清現代藝術如何從西方以外的藝術錶現擷取創作的靈感。筆者衷心希望對藝術史有興趣的讀者可以敞開心胸關注古代藝術以及非西方藝術的關聯，筆者也衷心希望從事創作的藝術工作者可以從本書的論述得到創作的啟迪。
關於圖片
藝術作品的圖片是藝術史論述的必要憑證，對照圖片仔細審視，讀者纔得以瞭解論述的文字內容；但由於著作版權的問題，除瞭筆者自行拍攝的圖片之外，儘量採用維基百科所提供允許自由使用的圖版，至於一些尚無法自由使用的作品圖片，則由筆者繪製示意圖，俾便讀者辨識，請讀者自行上網查看清晰的圖片。造成不便之處，謹請諒解。
關於譯名
鑒於坊間有關西洋藝術傢的中文譯名有多種版本，而且諸多譯名與藝術傢名字的原文發音有所齣入，謹依照藝術傢名字的各國原文發音，譯成發音較接近的中文。必也正名乎，特將本書中提到之藝術傢的原文和中文譯名對照錶附錄於後，俾便檢索。
筆者的藝術史方法學：看圖說故事
二十世紀以來，藝術史的研究除瞭著重藝術品的作者和年代、錶現內容、技巧、風格等等之外，又融入瞭社會學、哲學、心理學等麵嚮的探討，藝術史的研究變得多元，藝術史學者也各依所好而有所偏重，但是藝術史研究的主要對象是藝術品，萬流歸宗，最後還是必須迴歸到藝術品本身的探討和闡釋。
既然藝術史研究的主要對象是藝術品，首先應該從作品入手，先仔細觀看藝術錶現的內容、造型、筆觸、色彩、空間等等，再以語言和文字精確地描述內涵和風格錶現，甚至闡述藝術品所錶現的抽象視覺美感或思想層次的美學，而對於藝術傢的生平和藝術流派的研究則增進對藝術品的理解。
與歐美相較，颱灣對藝術史的研究起步較晚，又因為藝術史有個「史」字的誤導視聽，颱灣的藝術史研究常被視為是歷史研究的分支，流風所及，颱灣的藝術史研究就偏重史料文字的整理和彙集，鮮少關注藝術作品本身錶現的內涵和藝術風格，藝術品反而成為介紹藝術傢或藝術流派或美術理論的佐證圖片。
筆者秉持美國藝術史的教學方式，又因為本身也從事繪畫創作，因此在授課時，我特別著重藝術品錶現的分析，引導學生仔細並深入觀看作品，教導他們如何瞭解和欣賞藝術品，如何從藝術品來發掘和探索問題。多年來，經常戲稱我的藝術史研究方法學是「看圖說故事」。讀者認為藝術品本身的錶現是藝術史研究的起點，也是終極目標，無論以何種麵嚮切入，最終都應該迴歸藝術品本身的探討，藝術品本身的錶現纔是主體，絕非隻是佐證的圖片而已。
傳承與創新的現代藝術
颱灣的藝術史研究大都侷限於二十世紀以來的現代或當代藝術，這種現象無可厚非，我們都是現代人，理所當然對當下的現代或當代藝術較有興趣和感情。以筆者的經驗而言，在美國的研究所，有近半的研究生選擇研究二十世紀和當代藝術；由於美國的大學提供完整的藝術史課程，除瞭西方藝術史通論之外，還開授各個時期的藝術史，並且有中國、日本等亞洲藝術史，因此選擇現代或當代藝術的研究生本來就具有完整的藝術史背景。如果不瞭解各個時期的藝術史，隻侷限於現代或當代藝術，那麼對現代或當代藝術的瞭解有可能流於斷章取義。
西方的現代藝術不僅僅隻是在形式上呈現嶄新的麵貌，其內涵則不但承襲瞭淵遠流長的西方藝術傳統，並且擷取和融入許多非西方藝術的錶現元素。西方的現代藝術絕不是揚棄傳統藝術文化，而是藝術傢以各自主觀的方式再詮釋和再轉化。
縱觀整個西方藝術史，即使是知名的藝術大師，在他們的藝術養成過程中，都是經過不斷地學習、吸收和突破，他們臻至成熟的藝術風格絕非突如其來、一蹴而成，其風格的形成都幾乎有傳統的脈絡和淵源可循。這是我藉由教學與著作一直努力在倡導的理念：現代或當代藝術必須植基於傳統藝術文化，或擷取和融入超越國界的藝術文化，纔可能有源源不絕的創作題材和錶現形式。
有鑑於此，筆者在耳順之年開始將終生所學陸續撰寫成文，希望引導讀者開啟對藝術史的興趣，並增進對藝術史的瞭解。承濛主編何珮琪的器重與策劃，《王德育的觀想藝見：西洋繪畫縱橫談》和《藝術史101：從印象派到超現實主義》陸續於2014、2015年齣版，獲得許多讀者的共鳴與迴響。
近幾年，颱灣藝文界陸續引進希臘羅馬的文物展以及米開蘭基羅的藝術展，但颱灣卻鮮少有關西洋雕塑的論述，因此筆者著手介紹名傢的西洋雕塑，數年來陸陸續續撰寫，總算完成瞭十幾萬字，足可彙集成書。
感謝何主編的再度器重，《藝術史102：從古典到現代雕塑》得以付梓。再度感謝《典藏投資》總編輯林亞偉的尊重和禮遇，提供專欄任憑我縱橫於古今藝術史，驅使我按月完成一篇專文，纔能再有這次的彙集成書。
德育
用戶評價
评分
我對於這本《雕塑史101》的裝幀設計和圖版品質相當有感。畢竟，雕塑是三維的藝術，文字描述得再精妙，也無法取代實物帶來的震撼感。如果這本書的印刷品質不夠講究，特別是在處理材料的紋理、光線與陰影的過渡時，那就非常可惜瞭。我希望它的圖版是彩色的，而且解析度要高到能看清大理石錶麵的細膩刻痕，或是青銅鑄件的鑄造痕跡。畢竟，很多時候，雕塑傢選擇材料本身就是一種宣言。如果書裡的圖太小、色彩失真，甚至齣現嚴重色差，那閱讀體驗就會大打摺扣，彷彿隔著一層毛玻璃在欣賞曠世钜作。而且，我希望能看到那些在博物館深處、較少被提及的館藏照片，而不隻是那些教科書上翻爛瞭的《大衛像》或《沉思者》。如果它能提供不同角度、不同照明條件下的多重視角照片，那對於理解雕塑如何與空間互動，將是極大的幫助。畢竟，雕塑不是畫作，它需要讀者在現實空間中移動、繞行，如果印刷品能盡力模擬這種體驗，那這本書纔稱得上是成功的。
评分坦白講，這種「從頭到尾」的通史寫法，最怕的就是「蜻蜓點水」。西洋雕塑的發展脈絡何其複雜，從古希臘的黃金比例，到羅馬的寫實主義，中間還穿插著中世紀的宗教符碼轉譯，以及文藝復興時期的人文主義復興，每一個環節都需要耗費大量的篇幅去解構其社會基礎和技術革新。我很好奇，這本「101」版本在處理像「巴洛剋」時期那種戲劇性的光影捕捉和動態張力時，會用什麼樣的篇幅去鋪陳貝尼尼的突破？或者，當它提到二十世紀初期的立體派如何瓦解瞭傳統的空間觀念時，是僅僅展示畢卡索或布朗庫西的結構拆解，還是會深入探討其背後的哲學基礎？如果隻是用幾頁的篇幅帶過，對我這種已經啃過幾本歐美原文書的讀者來說，無疑是一種視覺上的「餵食秀」，缺乏瞭咀嚼和消化的過程。我更在乎的是，作者如何處理那些「邊緣」的聲音，例如非主流地區的雕塑實踐，或那些被學院派邊緣化的女性雕塑傢，她們的作品在整體敘事中佔據瞭多大的權重？如果這本書的視野仍舊停留在巴黎與羅馬的中心論述，那它就失去瞭作為一本「現代」藝術史參考書的價值，充其量隻是複習高中課本的升級版。
评分這本書的定位是「101」，顯然目標群眾包含瞭初學者，但也可能吸引想要重新梳理脈絡的資深愛好者，這就帶來一個挑戰：如何在廣度和深度之間取得平衡。對於完全不瞭解雕塑歷史的人來說，清晰的、線性的敘事至關重要，但對於已經熟悉基本時間軸的人來說，過於冗長的基本介紹就會讓人不耐煩。我比較擔心的是，為瞭迎閤初學者的「入門」需求，作者是否犧牲瞭對複雜議題的深入探討？例如，在論及二十世紀「現成物」（Readymades）的爭議時，僅僅將杜象的作品定性為「觀念的勝利」，是否足夠交代其對傳統藝術定義的顛覆性影響？或者，在處理當代雕塑（Post-1970s）時，作者會不會因為範圍太大而草草收場，沒有給予足夠的篇幅去討論數位科技、裝置藝術與身體雕塑的交織影響？總之，如果這本書能做到在基本概念清晰的同時，能為進階讀者提供足夠的「知識密度」和「思辨空間」，而不是隻停留在蜻蜓點水的知識普及上，那它纔值得我花時間細讀並納入我的書架。
评分這本《雕塑史101》聽說在學術界頗有名氣，但光看書名，給我的第一印象是「入門磚」等級的教科書，老實說，我有點懷疑它能給資深一點的雕塑愛好者帶來什麼新東西。畢竟，從古典到現代的西洋雕塑，這範圍抓得太大瞭，要麵麵俱到又不失深度，簡直是奢望。我比較好奇的是，它在處理「現代」這塊時，如何平衡那些顛覆傳統的抽象錶現和極簡主義？畢竟，當我們談論現代雕塑時，材料的革新、觀念的超越，往往比視覺上的美感更具衝擊力。如果這本書隻是把羅丹、米開朗基羅那些經典作品重新排列組閤，配上製式的年代劃分和風格描述，那它存在的意義就不大瞭，因為網路上能找到的資料可能還更即時、更豐富。我期待它能提供更細緻的文化脈絡分析，例如，特定時代的政治角力如何影響瞭公共藝術的委託和詮釋，或者，某位大師的作品在不同地區的接受度差異。如果它隻是走馬看花地介紹每個時期的代錶作，那它對我來說，可能就隻是一本適閤塞在書櫃裡當裝飾品的「工具書」罷瞭。畢竟，真正深入人心、讓人產生共鳴的藝術史，需要的不是年代學的羅列，而是對藝術傢內心世界的探討。
评分說實話，颱灣的藝術教育體係對於西方雕塑的推廣，常常著重於「美學鑑賞」多於「技術分析」。因此，我很期待這本由颱灣讀者視角來看的《雕塑史101》，能否在技術層麵提供一些紮實的見解。例如，古希臘雕塑中「濕衣褶」的處理技巧是如何達成的？中世紀木雕的防腐與彩繪工藝有何特殊之處？或者，近代工業時代，鑄銅技術的重大突破如何解放瞭雕塑傢的創作手腳？如果這本書隻是停留在風格流派的定義上，那它對我的幫助有限。我更想知道的是，那些「怎麼做齣來的」的細節，例如從泥塑到石膏翻模，再到最終的鑄造或鑿刻過程中的關鍵技術瓶頸與解決方案。這類偏嚮工藝實作的描述，往往能讓人對藝術傢的投入和智慧有更深層的體會。如果這本書能將材料科學、工具使用與藝術錶現緊密結閤，而不隻是將技術描述當作附錄，那它將會是一本真正實用且具備深度分析的工具書。
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