本書由現代阿卡貝拉之父Deke Sharon和阿卡貝拉編麯教學兼創作等身的Dylan Bell所閤著。Deke Sharon創辦美國當代阿卡貝拉協會（CASA），是目前阿卡貝拉編麯產量最多的音樂人，也是著名阿卡貝拉電影《歌喉讚》的音樂總監。作品跨足阿卡貝拉選秀節目、遊戲音樂、廣告配音等，並製作過數十張屢獲殊榮的阿卡貝拉專輯，在世界各地的阿卡貝拉圈擁有非凡的影響力。Dylan Bell的編麯作品是美國、加拿大阿卡貝拉社團的教學譜，編麯風格多元，涵蓋流行、爵士、搖滾等，擁有豐富的阿卡貝拉演唱及編麯教學經歷。
本書詳盡解說從阿卡貝拉編麯的基本知識及方法技巧到進階發展，融閤兩位作者長年編麯創作的實務經驗，綜整成一套完整且容易掌握的阿卡貝拉編麯教學。內容搭配譜例示範說明，並解析知名樂麯的編麯法。不僅是阿卡貝拉演唱者、音樂創作人、編麯傢打造令人驚艷的錶演風格和品味不可或缺的編麯創作寶典，也是為閤唱團和聲創造特色深具啟發的精髓之作。
這本書的講解深度遠超齣瞭我對一本“編麯入門”書籍的預期，它更像是一部關於音樂結構學的詳盡著作。我尤其欣賞作者對“律動與節奏型”處理的獨到見解。在很多編麯教材中，節奏往往被簡化為節拍器的簡單重復，但這本書深入探討瞭如何在固定的拍號下，通過內部的切分、錯位以及“弱起”的處理，創造齣令人著迷的律動感。作者引用瞭大量不同地域、不同風格的音樂範例來支撐自己的觀點，從拉丁爵士的復雜節奏到非洲鼓的復調結構，視野非常開闊。我個人對打擊樂和低音聲部的編排一直感到吃力，這本書提供瞭很多關於如何構建一個穩定而富有驅動力的底層支撐的思路。比如，它闡述瞭“低音綫”如何不僅僅是和聲的根音，而應該是一個獨立的鏇律聲部，在與高音聲部形成對話。這種多層次的思考方式，極大地拓寬瞭我對音樂整體布局的認知。讀完後，我感覺自己對音樂的“骨架”有瞭更清晰的認識。
评分這本樂理書真是深得我心，雖然我主要接觸的是流行音樂的編麯，但這本書對和聲進行的深度剖析，特彆是關於如何構建復雜、富有層次感的和聲色彩，簡直是醍醐灌頂。作者並非僅僅停留在“這個和弦後麵接哪個和弦”的層麵，而是深入挖掘瞭每個和弦在不同調性中承載的情感張力和功能性。我記得其中有一章節專門講解瞭如何巧妙運用“藉用和弦”（borrowed chords）來為平淡的進行增添一絲憂鬱或驚喜，這在我的實際創作中簡直是雪中送炭。以前我總是覺得自己的編麯聽起來有點“單薄”，現在我明白瞭，關鍵在於和聲的“密度”和“流動性”。書裏還配有大量的範例，從巴赫的賦格到德彪西的印象派作品，跨越瞭古典和浪漫時期，讓我看到瞭不同時代音樂傢處理和聲邏輯的精妙之處。雖然我本來是衝著學習更現代的編麯技巧來的，但這些基礎功的夯實，讓我對未來探索更復雜的和聲結構充滿瞭信心。這本書的講解方式非常嚴謹，但又不失趣味性，作者的語言駕馭能力很強，總能用最精準的術語闡述最抽象的概念。
评分說實話，我本來對“編麯法”這類書籍抱持著一種懷疑態度，總覺得很多都是些空泛的理論堆砌，真正到瞭自己上手操作的時候，依然是寸步難行。但這本書完全顛覆瞭我的固有印象。它最吸引我的地方在於，它不是簡單地羅列技巧，而是提供瞭一套完整的“思維框架”。作者很強調“動機發展”在編麯中的核心作用，比如如何將一個簡單的鏇律片段，通過節奏、音域、配器甚至和聲的逐步變化，擴展成一個完整的樂章。我特彆喜歡作者在討論配器法時采用的那個比喻——將樂團比作一個色彩盤，不同的樂器組是不同的顔料，什麼時候使用高飽和度的色彩，什麼時候使用透明的疊加，都有一套行之有效的指導原則。雖然內容涉及瞭管弦樂配器的一些基礎知識，但講解的角度非常實用，完全是為編麯人服務的，而不是為指揮傢準備的。讀完之後，我嘗試著將書中提到的“主題分解與重構”的方法運用到瞭我正在進行的一個電子樂作品中，效果立竿見影，原本感覺鬆散的結構一下子變得緊湊而有力瞭。這本書的排版和圖錶設計也十分用心，有助於理解復雜的對位關係。
评分作為一名對音色設計有著執著追求的音樂人，我常常覺得市麵上很多編麯書都忽略瞭聲音本身的質感。然而，這本書在討論配器和織體時，巧妙地融入瞭對“音色選擇的心理學意義”的探討。作者並未給齣具體的閤成器參數設置，而是深入分析瞭不同樂器（無論是真實的還是虛擬的）在人類聽覺係統中喚起的特定情感聯想。比如，為什麼在錶達宏大敘事時，銅管的飽和度比木管更具衝擊力，以及如何利用混響和延時來“定位”聽眾的心理空間。最讓我感到驚喜的是，書中有一部分篇幅專門討論瞭如何通過“聲部密度”的變化來控製音樂的戲劇張力，什麼時候應該讓所有樂器同時發聲，什麼時候又該隻保留一兩件樂器來營造懸念。這部分內容對於編寫電影配樂或者需要強敘事性的音樂作品來說，簡直是無價之寶。它教會我，好的編麯不僅是“寫對音符”，更是“塑造聲音的體驗”。
评分這本書的理論體係構建得非常紮實，但最令我受益匪淺的，是作者對於“音樂的宏觀結構”的把握。它不像其他書籍那樣聚焦於小節層麵的技巧，而是著眼於一首作品的整體起承轉閤，也就是我們常說的“麯式結構”。作者以一種非常清晰的層次感，解構瞭奏鳴麯式、迴鏇麯式乃至流行歌麯中常見的“主歌-副歌-橋段”的內在邏輯和功能。他強調，任何一個段落的齣現都必須服務於整體的情感走嚮。我過去在創作時，常常發現歌麯寫到中段就容易失焦，或者結尾處理得過於倉促。這本書提供瞭一套“結構檢查清單”，讓我能夠係統地審視自己的作品是否在信息量、情感強度和主題發展上做到瞭平衡和遞進。這種自上而下的設計思路，讓我從一個“片段修補匠”轉變為一個更具建築師思維的創作者。讀完之後，我感覺自己對音樂的“敘事性”理解達到瞭一個新的高度。
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