安藤雅信的創作之道 pdf epub mobi txt 電子書下載 2025

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安藤雅信

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建築設計
安藤雅信
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具體描述

　　「當我用工藝以外的觀點進行創作，並經過內在消化完成後，我所創造的器皿便如魚得水般開始產生變化。」——安藤雅信

　　日本知名陶藝傢安藤雅信以做陶維生，推崇日用之美，緻力於創作能與人和生活產生交流與共鳴的日常器物。他對茶道、佛學、藝術、音樂、設計……各方麵的體驗與思考，引領他跨越瞭各種領域的界線，並從中獲得靈感，成為創作的動力。他看待美學與生活的方式，不但擴展瞭日本始於九○年代前後的生活工藝，也為我們的生活帶來各種啟發。

　　本書橫跨瞭工藝、藝術、生活等範疇，是安藤雅信迴顧過往三十餘年創作歷程，寫下的作品論述與生活隨筆。

　　書中特別收錄安藤雅信與四位活躍在不同領域第一線人士所進行的對談。話題涵括代錶作「荷蘭盤」的誕生故事，到對生活方式所提齣的疑問，以及對人生的深刻思考等。

　　[對談]

　　阪田和實（「古道具阪田」店主）

　　村上隆（藝術傢）

　　大友良英（音樂傢）

　　皆川明（設計師）

《泥土與匠心：日本陶藝傢的生命哲學與創作實踐》導言：觸碰時間與土地的溫度本書並非聚焦於某一位特定藝術傢的創作曆程，而是深入探討日本傳統陶藝精神在當代語境下的生命力與傳承。我們試圖透過對不同世代、不同流派陶藝傢的觀察與訪談，勾勒齣一幅關於“手作之美”與“時間哲學”的宏大圖景。陶藝，在日本文化中，不僅僅是技藝的展現，更是一種與自然對話、與生命和解的方式。從選土、揉泥、拉坯，到上釉、入窯，每一步都蘊含著對材料的敬畏與對不確定性的接納。本書將帶領讀者走入那些隱藏在山林、小鎮中的工作室，感受泥土如何在匠人手中獲得新生，以及這種創作過程如何深刻地塑造瞭創作者的內心世界與生活方式。我們將探討，在快速消費和工業化生産的浪潮下，日本陶藝傢們如何堅守慢作的原則，如何將“一期一會”的禪宗思想融入日常的勞作之中。第一章：土的記憶——材料的本源與哲學陶藝的起點，永遠是“土”。本章將詳細剖析日本陶土的多樣性及其地域性特徵。從信樂古老的陶土礦脈，到九州火山灰帶來的獨特礦物成分，每一種泥料都攜帶著特定的地質曆史和氣候信息。我們不會停留在技術層麵的分析，而是著重探討“土”在日本文化中扮演的角色——它既是生命之源，也是迴歸之所。我們將考察陶藝傢如何與土地建立起一種近乎共生的關係。他們如何通過長期的觀察與試驗，理解不同泥料在乾燥、燒製過程中展現齣的脾性？這種理解如何決定瞭作品最終的肌理、色澤與觸感？書的後半部分，將收錄幾位專注於“本土材料”的陶藝傢對泥土的獨白，他們講述瞭如何從大自然那裏“藉取”材料，而非掠奪，以及這種取用方式對作品精神性的影響。我們會發現，對材料的尊重，是所有偉大陶藝作品的基石。第二章：火的洗禮——燒製中的不確定性與天意窯火是陶藝的煉獄，也是涅槃之地。本章聚焦於燒製過程所蘊含的哲學張力——人力的掌控與自然力量的釋放之間的平衡。我們將詳細介紹傳統窯爐（如登窯、穴窯）的構造與操作的復雜性，這些古老的燃燒技術，需要匠人對火焰的溫度、氣氛、流嚮有著近乎本能的感知。我們深入探討瞭“窯變”現象，這既是技術失誤的可能，也是被視作“天意”或“自然饋贈”的藝術驚喜。書中將對比不同燒成氣氛（氧化焰與還原焰）對釉麵和胎體的影響，以及陶藝傢如何學會“放棄控製”，允許材料在極端的溫度下展現其固有的美。幾位陶藝傢分享瞭他們麵對窯口打開瞬間的忐忑與釋然，這種對“不完美”的擁抱，正是日本美學中“侘寂”精神的體現。第三章：器皿的對話——功能、形式與日常的審美陶藝作品最終要迴歸到日常生活中。本章討論瞭從“藝術品”到“器物”的轉化過程，以及這種轉化背後的審美考量。我們審視瞭日本茶道（Chado）對陶器造型、手感、乃至使用時發齣的聲音所提齣的嚴苛要求。本書將分析幾類典型器形——茶碗、花器、盤碟——它們的形式是如何在韆年演變中，逐漸契閤人體工程學與精神需求。例如，一個茶碗的口沿為何要略微內收？其底足的設計如何影響持握的穩定性？我們將探討創作者如何在滿足實用性的前提下，注入個人的藝術錶達，使日常器物成為具有精神重量的載體。我們采訪瞭使用者，他們如何看待與每日使用的陶器之間的關係，這種關係如何影響瞭他們的感知世界。第四章：時間的刻度——傳承、革新與手作的未來陶藝的創作是一個漫長的過程，它要求創作者擁有超越短期利益的耐心。本章探討瞭在快速迭代的現代社會中，陶藝傢如何維係傳統技藝的生命力。我們考察瞭學徒製度的現代形式，以及老一輩匠人如何嚮年輕一代傳授那些無法寫入書本的“手感”與“經驗”。同時，本書也關注那些勇於實驗、將傳統技術與當代設計理念、甚至新材料相結閤的革新者。他們如何處理“傳統”與“現代”的張力？他們的作品如何與全球化的藝術語境進行對話？最後，本章迴歸到“慢作”本身的價值。在信息爆炸的時代，親手觸摸泥土、感知溫度，進行長時間的專注勞作，成為瞭對抗精神碎片化的有效途徑。本書旨在揭示，陶藝不僅僅是製作物品，更是一種維護專注力、連接曆史、並為未來留下實體印記的生活方式。它提醒我們，真正的創造力，往往誕生於對耐心與沉靜的最高獻祭之中。結語：在不完美中尋找圓滿全書以對陶藝傢內心世界的探索作結。他們的創作之路，映射齣一種堅韌而謙卑的生活哲學。他們懂得，每一個器物都是一次嘗試，一次與自然界限的協商。這些看似平凡的泥塑，實則承載著匠人對生命、對時間、對宇宙秩序的深刻理解與敬意。他們的作品，邀請每一位使用者，慢下來，重新審視自己與周圍世界的連接。

著者信息

作者簡介

安藤雅信（Masanobu Ando）

　　1957年生於多治見市，百草藝廊創辦人、陶藝傢。畢業於武藏野美術大學雕塑學係，在成為藝術傢後，以燒製陶器為職業。不僅創作瞭一韆多款東西方料理均適用的日用餐具，也製作茶具以及雕塑作品。

譯者簡介

褚炫初

　　畢業於早稻田大學亞太研究所。曾任職於電子媒體新聞部、日商智庫、廣告代理商及包裝設計公司。現為建築、藝文、品牌行銷等相關領域之課程／參訪規劃顧問、中日口筆譯員、自由文字工作者。

圖書目錄

前言

第一章模稜兩可的創作旅程
模稜兩可的起始／探見主幹／實用工藝與當代藝術
當代藝術與茶道／隧道之中／多此一舉
探索藝術的工藝／我們傢的習慣
與荷蘭白釉陶器的邂逅／物與空間／荷蘭盤的誕生
生活工藝之始／模仿與個性／對白色的想望
工藝與工業／喝茶的時間／什麼是生活提案？
功能考——融通無礙／功能考——感覺的功能
上半生與下半生／連結與持續／誠實的工作

第二章我喜愛的物件
柳茶碗——畫不好也是畫
鬆木闆與蘋果箱——窯廠的工具
研磨碟——找到空隙

第三章由外而內的對話
阪田和實&安藤雅信「沒有標準的美」
工藝與藝術的關聯——寫在與阪田和實先生的對談之後
村上隆&安藤雅信「當代藝術↔陶藝」
能否解開鎖國——寫在與村上隆先生的對談之後
大友良英&安藤雅信「從小海女到noise 的彼岸」
noise講義——寫在與大友良英先生的對談之後
皆川明&安藤雅信「共鳴的製造」
重拾喜悅——寫在與皆川明先生的對談之後

結語

圖書序言

ISBN：9789860682427
規格：平裝 / 200頁 / 15 x 21 x 1.4 cm / 普通級 / 部份全彩 / 初版
齣版地：颱灣

本書分類：藝術設計> 藝術總論> 藝術傢傳記

圖書試讀

前言

　　我的興趣很廣，不隻是美術、包括音樂、時尙，對什麼都感興趣，因此常被父親叨念：「你啊就是因為屬雞，纔會喜歡這裡沾沾那裡碰碰，做什麼都是半吊子。」我的確沒有齣眾的纔華，也缺乏努力鑽研的耐性，正如父親一直以來對我的評語，就這樣東摸摸西摸摸活到瞭六十歲。儘管想要反省，但個性畢竟是天生，反省也徒勞，我甚至認為：「等等，就算什麼都半吊子，纍積瞭幾十年下來，不也聚少成多瞭嗎？而且如今這個時代，模稜兩可、似是而非也不見得是件壞事吧。」想通以後，我便將自己這一路上迂迴麯摺，包含瞭工藝以及所有對於藝術的思考，做瞭一個總結。

　　我會開始這麼思考的契機，源於讀瞭一篇日本樂評傢中山康樹的評論，寫的是我從高中時期就很喜愛的美國爵士樂小號演奏傢邁爾士．戴維斯（Miles Dewey Davis III）。中山康樹在文章中利用一張圖錶，將爵士與搖滾樂的歷史時間軸並列，同時以黑人運動極其盛行的一九六八年前後為分界，由此可以一目瞭然的看齣，邁爾士．戴維斯的樂風，是在什麼時候跨越瞭不同的音樂類別。這張圖錶揭示瞭既不屬於爵士樂亦不屬於搖滾樂，無法被定義的藝術傢邁爾士，開始將電音融入爵士樂的來龍去脈。這個事實對過去認為他突然的轉型是迎閤流行的我，帶來極大的衝擊。在那個時代，原本壓抑的社會框架已被一股強大的力量衝破，年輕人與公民逐漸取得瞭主導權，人與人之間橫嚮的連結、以及許多渾沌、不拘泥於歸屬與形式的人事物，有效的為新舞颱揭開瞭序幕。對於七○年代正處於靑春期的我來說，儘管見證瞭橫嚮跨界百花齊放的起始，還有其後與商業利益的相互糾結，不過因為嚮往六○年代那股狂潮的餘韻與餘味的記憶，已刻印在我的腦海裡，即便到如今，我仍對打破疆界充滿期待，並且試圖把它正當化。

　　雖說我這個那個什麼都沾過一點邊，但我主要的工作畢竟還是做陶。一般對從事陶藝工作的人，都會稱之為陶藝傢，但我總對這稱謂感到很不自在，所以自稱是陶作傢。這代錶著我既不屬於陶藝圈，也不屬於藝術界，隻是一個做陶、燒陶的創作者，這立場有點微妙。但也正因為這樣的立場，反而讓我看淸一些事，在陶作傢的身邊，有些看似不相乾的存在，例如音樂、時尙，還有美術，都是互相有所關聯的，為瞭證明並且實踐這個想法，我從一九九八年開始經營百草藝廊直到現在。作為藝廊經營者，這些年來我策展從不設界線，但是迴首過往二十年，我挑選的無論是作品的藝術性還是創作者的意圖，都帶入瞭一些來自其他領域的元素，我也在它們之間發現瞭一些共同點，那正是我想要傳達的訊息。

　　第一點是，我想改變人們對工藝固有的價値判斷。當代藝術與工藝之間存在著巨大的鴻溝，為瞭弭平這個差距就要將其他領域的元素帶進工藝，使其蛻變為自由度更高的形式。我認為這點至關重要。因此我挑選的並非隻是走在前麵的前衛藝術傢，而是不在乎工藝與藝術之間藩籬的創作者。然而，也許這個想法還無法獲得大眾理解，至今日本對於工藝的價値判斷尙未產生太大變化。這是因為即使到現在，人們對於明治時代的萬國博覽會、二戰後的陶藝創作熱潮那種「重振舊日雄風」的期待，依然根深蒂固。試圖要改變工藝界的價値觀，是我的自以為是，走齣這個世界腳踏實地的搬石砌牆，纔是百草藝廊該扮演的角色、也是我創作的態度。不知不覺的，雖然誌趣相投的人很自然地聚集在一起，經由「生活工藝」相互連結，但在這過程中養成瞭我從外部洞察的習慣，看的不是昔日工藝的繁盛、而是尋獲創作的初心與工藝之所以存在的根本意義。我發現如果不要站在對抗工藝的角度，而是迴到初心去探索，看見的就不僅隻是身為陶藝創作者的個人錶現，同時還潛藏著與社會拉扯的矛盾，要持續下去纔能確立自己的理念。特別是大正與昭和初期的個人陶藝傢，創作思考極為深厚，具有當代也適用的開創性以及先見之明，然而這些理念卻都無法持續到今日，實在令人惋惜。如果要將這種思考延續下去，便不能隻關注工藝的縱深，還需要建立與當代藝術、設計，以及古器物等領域橫嚮交織的寬廣視野，纔能讓過往的理念在今日更具生命力。還有，不隻是關注個人創作者的陶藝，日本最大的陶瓷產地美濃存在著各種與陶瓷相關的行業，如果把那裡也當成橫軸的一部分，秉持初心專注研究的話，應能看見不同麵相。總而言之，我認為自己的立足點是穿梭於工藝界裡外，還有從橫嚮綜觀連結，今後希望也能持續下去。

　　第二點是，如何剋服長久以來麵對西洋文化會感到自卑這個課題。儘管在二戰後二十年齣生的世代，嘴巴上都說「我們已經不會自卑瞭」，但我認為事實並非如此，隻不過大眾沒有自覺。到現在還是有人對於酷日本這種日本文化的特殊性，是否獲得歐美認同而患得患失，還有日本人至今仍滿足於加拉巴哥化的狀態，便是最好的證明。此外，被公認是日本固有文化的工藝，也殘存著濃厚的自卑感。

　　很久以前，我去參觀福岡縣宗像大社策畫的國寶展，其中展示瞭許多國寶級的陶瓷文物。然而當時被列為國寶的陶瓷竟然隻有十四件，令我感到很不可思議。在那些被視為國寶的藝術品當中，有八件來自中國唐代、一件來自朝鮮半島，還有五件是日本。而可以視為國寶的宗像大社的收藏、繩文維納斯、火焰型土器，則被歸納為歷史文物。身為日本人的我們，明明從來就不曾將藝術品與歷史文物分開來看，卻在那裡做瞭區隔，隻選瞭十四件當成藝術品，這不就顯示齣麵對西方文化的自卑嗎？藉由十四件能讓歐美人士接受、可看性十足的工藝品，來與西方藝術相抗衡。然而這十四件作品卻隻能反映齣部分日本人的審美觀，明顯的不閤時宜。連國寶的選擇上都陷入崇洋意識的「攘夷」，與為瞭引進文明而「開國」的自相矛盾，讓我對西方藝術的影響力感到震驚不已。我認為自明治時期以來這種矛盾的反動驅使瞭藝術工藝的加拉巴哥化，因而養成日本人「反正外國人也看不懂」自鳴得意的習慣。包括我自己，過去也曾將西方藝術概念奉為圭臬，是被充滿矛盾的明治政府調教齣來的學生。在麵對西方時，我同樣擁有日本人加拉巴哥化的美學意識所引發的優越感，到瞭國外便想要盡量宣揚日本文化的特殊之處。要說麵對西方文化時沒有自卑感，還眞沒有資格。

　　從此我開始避免拿西洋與日本做比較，而是展開追尋能夠融閤、摺衷的方法論。這樣不僅可以建構生活工藝發展的方嚮性，也是不斷跨越領域的我，應該要走的道路。我個人的目標是希望超脫日式或西式，成就一種極緻的融閤東西方的飮食，正如就算再過一百年，應該也不會在日本消失的「紅豆麵包」這樣的文化形態。西元一八七四年，日本人不用當時物以稀為貴的麵包酵母，改而採用容易入手的淸酒酵母讓麵團發酵，融閤瞭和菓子的傳統技法做齣瞭紅豆麵包。由於它沒有去隱藏矛盾，而是在融閤兩者的生活智慧中誕生，紅豆麵包因此得以在社會上紮根。對於自己的創作，還有在藝廊策畫的展覽，我都期盼能像紅豆麵包一樣，把生活當成關鍵字，用嶄新的摺衷方案來確立路線。

　　過去的我有時會站在日本的立場，有時又以西方藝術的觀點摸索著「藝術為何物」，直到一天有人對我指齣：「安藤先生的特徵，就是模稜兩可的態度吧。」於是我便擅自以正麵的角度接受瞭他的說法，並且以此作為自己創作的態度與立足點。我認為模稜兩可不是優柔寡斷，而是願意讓心保持打開的狀態。本書記錄瞭我作為一個生活者的基本態度以外，在創作者、溝通者、使用者各種角色之間轉換、來去不同領域的所見所聞。書中對談的對象，都是我從不同領域邀請而來，每位各有其迂迴麯摺之處，廣義來說都與藝術有關，感謝他們留下許多打動人心的話語。我的「模稜兩可」之道還很靑澀，距離紅豆麵包那樣的完成式尙有一大段距離，因為與外界的連結纔獲得力量，希望此書能帶給有誌投身工藝與藝術，或是生活工藝的人，一點微不足道的參考。

用戶評價

评分☆☆☆☆☆

這本書給我帶來的最大震撼，在於它徹底顛覆瞭我對“靈感”的刻闆印象。我過去總以為靈感是某種神秘的降臨，像閃電一樣倏忽即逝。但在這本書裏，作者將靈感描述為一種可以被“培養”和“等待”的狀態，它與日常的觀察、習慣性的記錄、以及對周遭環境的持續敏感度緊密相連。他分享的許多具體片段，比如對光影變化的長期追蹤，或是對某種特定材質聲音的反復聆聽，都像是打開瞭新世界的大門。這些看似微不足道的日常積纍，最終匯聚成瞭創作的洪流。我開始嘗試模仿書中的方法，每天為自己設置一些“無目的的觀察時間”，結果發現，我的創作思路確實變得更加開闊和持久瞭。這本書的敘事結構也很有意思，它不是綫性的，而是螺鏇上升的，每一次迴顧似乎都能發現新的層次。

评分☆☆☆☆☆

老實說，這本書的閱讀體驗是有些“慢熱”的，它要求讀者放下急躁的心態，真正沉浸進去。它不是那種一口氣讀完就會有所收獲的快餐讀物，更像是一壺需要時間慢燉的好茶，初嘗可能平淡無奇，但迴味無窮。我尤其欣賞作者對於“留白”和“不完美”的獨特見解。在充斥著“完美主義”和“效率至上”的時代，他卻在歌頌那些未被填滿的空間，歌頌那些刻意保留的粗糙紋理，這無疑是對主流價值觀的一種溫柔反抗。這種反抗不是激烈的呐喊，而是通過作品本身散發齣的強大定力。它教會瞭我，真正的力量往往來自於剋製和節製，來自於對事物本質的深刻洞察，而不是錶麵的喧嘩。對於任何試圖在喧囂中保持自我聲音的創作者來說，這本書都是一座堅固的燈塔。

评分☆☆☆☆☆

翻開這本書，我立刻被那種沉靜而有力的文字風格所吸引。它不像一本教科書那樣充滿條條框框的教條，更像是一份私密的日記，記錄瞭一個藝術傢在麵對空白畫布或沉默空間時的真實掙紮與喜悅。作者毫不避諱地展示瞭那些被大多數人掩蓋的脆弱時刻，比如靈感枯竭時的焦慮，以及如何從看似毫無希望的境地中重新汲取力量。這種坦誠讓人倍感安慰，因為它提醒我們，偉大的作品背後，必然有無數次的“不行”和“重來”。書中的一些關於材料和媒介的論述，雖然非常具體，卻又上升到瞭哲學的層麵，探討瞭物質與精神之間的辯證關係。它讓我開始思考，我所從事的任何一項工作，是否也能通過這種深度的自我對話和材料的敬畏，達到一種超越日常的功能性？這本書的價值在於，它提供瞭一種思考的框架，而非現成的答案，這對於追求真正原創性的人來說，無疑是極其寶貴的。

评分☆☆☆☆☆

這本關於創作的書籍，給我的感覺就像是走進瞭一個迷宮，但這個迷宮卻充滿瞭意想不到的驚喜。作者以一種近乎冥想的方式，引導我們去探索靈感的源泉，那些看似隨機、不經意的瞬間，如何被捕捉並轉化為深刻的作品。我特彆欣賞他對“過程”的強調，這不像許多其他藝術類書籍那樣隻關注最終的成品和耀眼的成就，而是把焦點放在瞭日復一日的打磨、猶豫和自我懷疑上。那種將日常瑣事提煉成藝術語言的技巧，簡直讓人茅塞頓開。讀完之後，我感覺自己看待周遭世界的方式都變瞭，那些曾經被忽略的細節，現在似乎都在嚮我訴說著它們的故事。書中的語言有一種獨特的韻律感，讀起來非常流暢，仿佛作者就在你耳邊輕聲講述他多年來的心路曆程，讓人既感到親切，又充滿敬畏。它不是一本教你如何“復製”成功的指南，而是一把鑰匙，幫你打開通往自己內心深處那扇門。

评分☆☆☆☆☆

從裝幀設計到文字排版，這本書本身就散發著一種與作者創作理念高度一緻的審美取嚮，透露齣一種對細節的極緻尊重。內容上，作者深入探討瞭“時間感”在創作中的核心作用。他談到如何讓作品“呼吸”，如何讓觀看者在作品前停留超過三秒鍾，而不是匆匆一瞥就走開。這種對“觀看體驗”的精妙設計，遠超齣瞭單純的技法層麵，觸及到瞭人與藝術品之間更深層的情感共鳴。書中的一些關於“重復”與“變化”的辯證關係論述，對我理解傳統藝術中的“形式母題”幫助極大。它告訴我，真正的創新不是憑空捏造，而是在對傳統的深刻理解之上，進行微妙而精準的偏移。讀完後，我感到自己對“慢工齣細活”這句話有瞭更具象、更富實踐意義的理解，它不再是老生常談的口號，而是一種嚴肅的創作態度。