安藤雅信的創作之道 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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安藤雅信

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安藤雅信
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具体描述

　　「當我用工藝以外的觀點進行創作，並經過內在消化完成後，我所創造的器皿便如魚得水般開始產生變化。」——安藤雅信

　　日本知名陶藝家安藤雅信以做陶維生，推崇日用之美，致力於創作能與人和生活產生交流與共鳴的日常器物。他對茶道、佛學、藝術、音樂、設計……各方面的體驗與思考，引領他跨越了各種領域的界線，並從中獲得靈感，成為創作的動力。他看待美學與生活的方式，不但擴展了日本始於九○年代前後的生活工藝，也為我們的生活帶來各種啟發。

　　本書橫跨了工藝、藝術、生活等範疇，是安藤雅信回顧過往三十餘年創作歷程，寫下的作品論述與生活隨筆。

　　書中特別收錄安藤雅信與四位活躍在不同領域第一線人士所進行的對談。話題涵括代表作「荷蘭盤」的誕生故事，到對生活方式所提出的疑問，以及對人生的深刻思考等。

　　[對談]

　　坂田和實（「古道具坂田」店主）

　　村上隆（藝術家）

　　大友良英（音樂家）

　　皆川明（設計師）

《泥土与匠心：日本陶艺家的生命哲学与创作实践》导言：触碰时间与土地的温度本书并非聚焦于某一位特定艺术家的创作历程，而是深入探讨日本传统陶艺精神在当代语境下的生命力与传承。我们试图透过对不同世代、不同流派陶艺家的观察与访谈，勾勒出一幅关于“手作之美”与“时间哲学”的宏大图景。陶艺，在日本文化中，不仅仅是技艺的展现，更是一种与自然对话、与生命和解的方式。从选土、揉泥、拉坯，到上釉、入窑，每一步都蕴含着对材料的敬畏与对不确定性的接纳。本书将带领读者走入那些隐藏在山林、小镇中的工作室，感受泥土如何在匠人手中获得新生，以及这种创作过程如何深刻地塑造了创作者的内心世界与生活方式。我们将探讨，在快速消费和工业化生产的浪潮下，日本陶艺家们如何坚守慢作的原则，如何将“一期一会”的禅宗思想融入日常的劳作之中。第一章：土的记忆——材料的本源与哲学陶艺的起点，永远是“土”。本章将详细剖析日本陶土的多样性及其地域性特征。从信乐古老的陶土矿脉，到九州火山灰带来的独特矿物成分，每一种泥料都携带着特定的地质历史和气候信息。我们不会停留在技术层面的分析，而是着重探讨“土”在日本文化中扮演的角色——它既是生命之源，也是回归之所。我们将考察陶艺家如何与土地建立起一种近乎共生的关系。他们如何通过长期的观察与试验，理解不同泥料在干燥、烧制过程中展现出的脾性？这种理解如何决定了作品最终的肌理、色泽与触感？书的后半部分，将收录几位专注于“本土材料”的陶艺家对泥土的独白，他们讲述了如何从大自然那里“借取”材料，而非掠夺，以及这种取用方式对作品精神性的影响。我们会发现，对材料的尊重，是所有伟大陶艺作品的基石。第二章：火的洗礼——烧制中的不确定性与天意窑火是陶艺的炼狱，也是涅槃之地。本章聚焦于烧制过程所蕴含的哲学张力——人力的掌控与自然力量的释放之间的平衡。我们将详细介绍传统窑炉（如登窑、穴窑）的构造与操作的复杂性，这些古老的燃烧技术，需要匠人对火焰的温度、气氛、流向有着近乎本能的感知。我们深入探讨了“窑变”现象，这既是技术失误的可能，也是被视作“天意”或“自然馈赠”的艺术惊喜。书中将对比不同烧成气氛（氧化焰与还原焰）对釉面和胎体的影响，以及陶艺家如何学会“放弃控制”，允许材料在极端的温度下展现其固有的美。几位陶艺家分享了他们面对窑口打开瞬间的忐忑与释然，这种对“不完美”的拥抱，正是日本美学中“侘寂”精神的体现。第三章：器皿的对话——功能、形式与日常的审美陶艺作品最终要回归到日常生活中。本章讨论了从“艺术品”到“器物”的转化过程，以及这种转化背后的审美考量。我们审视了日本茶道（Chado）对陶器造型、手感、乃至使用时发出的声音所提出的严苛要求。本书将分析几类典型器形——茶碗、花器、盘碟——它们的形式是如何在千年演变中，逐渐契合人体工程学与精神需求。例如，一个茶碗的口沿为何要略微内收？其底足的设计如何影响持握的稳定性？我们将探讨创作者如何在满足实用性的前提下，注入个人的艺术表达，使日常器物成为具有精神重量的载体。我们采访了使用者，他们如何看待与每日使用的陶器之间的关系，这种关系如何影响了他们的感知世界。第四章：时间的刻度——传承、革新与手作的未来陶艺的创作是一个漫长的过程，它要求创作者拥有超越短期利益的耐心。本章探讨了在快速迭代的现代社会中，陶艺家如何维系传统技艺的生命力。我们考察了学徒制度的现代形式，以及老一辈匠人如何向年轻一代传授那些无法写入书本的“手感”与“经验”。同时，本书也关注那些勇于实验、将传统技术与当代设计理念、甚至新材料相结合的革新者。他们如何处理“传统”与“现代”的张力？他们的作品如何与全球化的艺术语境进行对话？最后，本章回归到“慢作”本身的价值。在信息爆炸的时代，亲手触摸泥土、感知温度，进行长时间的专注劳作，成为了对抗精神碎片化的有效途径。本书旨在揭示，陶艺不仅仅是制作物品，更是一种维护专注力、连接历史、并为未来留下实体印记的生活方式。它提醒我们，真正的创造力，往往诞生于对耐心与沉静的最高献祭之中。结语：在不完美中寻找圆满全书以对陶艺家内心世界的探索作结。他们的创作之路，映射出一种坚韧而谦卑的生活哲学。他们懂得，每一个器物都是一次尝试，一次与自然界限的协商。这些看似平凡的泥塑，实则承载着匠人对生命、对时间、对宇宙秩序的深刻理解与敬意。他们的作品，邀请每一位使用者，慢下来，重新审视自己与周围世界的连接。

著者信息

作者簡介

安藤雅信（Masanobu Ando）

　　1957年生於多治見市，百草藝廊創辦人、陶藝家。畢業於武藏野美術大學雕塑學系，在成為藝術家後，以燒製陶器為職業。不僅創作了一千多款東西方料理均適用的日用餐具，也製作茶具以及雕塑作品。

譯者簡介

褚炫初

　　畢業於早稻田大學亞太研究所。曾任職於電子媒體新聞部、日商智庫、廣告代理商及包裝設計公司。現為建築、藝文、品牌行銷等相關領域之課程／參訪規劃顧問、中日口筆譯員、自由文字工作者。

图书目录

前言

第一章模稜兩可的創作旅程
模稜兩可的起始／探見主幹／實用工藝與當代藝術
當代藝術與茶道／隧道之中／多此一舉
探索藝術的工藝／我們家的習慣
與荷蘭白釉陶器的邂逅／物與空間／荷蘭盤的誕生
生活工藝之始／模仿與個性／對白色的想望
工藝與工業／喝茶的時間／什麼是生活提案？
功能考——融通無礙／功能考——感覺的功能
上半生與下半生／連結與持續／誠實的工作

第二章我喜愛的物件
柳茶碗——畫不好也是畫
松木板與蘋果箱——窯廠的工具
研磨碟——找到空隙

第三章由外而內的對話
坂田和實&安藤雅信「沒有標準的美」
工藝與藝術的關聯——寫在與坂田和實先生的對談之後
村上隆&安藤雅信「當代藝術↔陶藝」
能否解開鎖國——寫在與村上隆先生的對談之後
大友良英&安藤雅信「從小海女到noise 的彼岸」
noise講義——寫在與大友良英先生的對談之後
皆川明&安藤雅信「共鳴的製造」
重拾喜悅——寫在與皆川明先生的對談之後

結語

图书序言

ISBN：9789860682427
規格：平裝 / 200頁 / 15 x 21 x 1.4 cm / 普通級 / 部份全彩 / 初版
出版地：台灣

本書分類：藝術設計> 藝術總論> 藝術家傳記

图书试读

前言

　　我的興趣很廣，不只是美術、包括音樂、時尙，對什麼都感興趣，因此常被父親叨念：「你啊就是因為屬雞，才會喜歡這裡沾沾那裡碰碰，做什麼都是半吊子。」我的確沒有出眾的才華，也缺乏努力鑽研的耐性，正如父親一直以來對我的評語，就這樣東摸摸西摸摸活到了六十歲。儘管想要反省，但個性畢竟是天生，反省也徒勞，我甚至認為：「等等，就算什麼都半吊子，累積了幾十年下來，不也聚少成多了嗎？而且如今這個時代，模稜兩可、似是而非也不見得是件壞事吧。」想通以後，我便將自己這一路上迂迴曲折，包含了工藝以及所有對於藝術的思考，做了一個總結。

　　我會開始這麼思考的契機，源於讀了一篇日本樂評家中山康樹的評論，寫的是我從高中時期就很喜愛的美國爵士樂小號演奏家邁爾士．戴維斯（Miles Dewey Davis III）。中山康樹在文章中利用一張圖表，將爵士與搖滾樂的歷史時間軸並列，同時以黑人運動極其盛行的一九六八年前後為分界，由此可以一目瞭然的看出，邁爾士．戴維斯的樂風，是在什麼時候跨越了不同的音樂類別。這張圖表揭示了既不屬於爵士樂亦不屬於搖滾樂，無法被定義的藝術家邁爾士，開始將電音融入爵士樂的來龍去脈。這個事實對過去認為他突然的轉型是迎合流行的我，帶來極大的衝擊。在那個時代，原本壓抑的社會框架已被一股強大的力量衝破，年輕人與公民逐漸取得了主導權，人與人之間橫向的連結、以及許多渾沌、不拘泥於歸屬與形式的人事物，有效的為新舞台揭開了序幕。對於七○年代正處於靑春期的我來說，儘管見證了橫向跨界百花齊放的起始，還有其後與商業利益的相互糾結，不過因為嚮往六○年代那股狂潮的餘韻與餘味的記憶，已刻印在我的腦海裡，即便到如今，我仍對打破疆界充滿期待，並且試圖把它正當化。

　　雖說我這個那個什麼都沾過一點邊，但我主要的工作畢竟還是做陶。一般對從事陶藝工作的人，都會稱之為陶藝家，但我總對這稱謂感到很不自在，所以自稱是陶作家。這代表著我既不屬於陶藝圈，也不屬於藝術界，只是一個做陶、燒陶的創作者，這立場有點微妙。但也正因為這樣的立場，反而讓我看淸一些事，在陶作家的身邊，有些看似不相干的存在，例如音樂、時尙，還有美術，都是互相有所關聯的，為了證明並且實踐這個想法，我從一九九八年開始經營百草藝廊直到現在。作為藝廊經營者，這些年來我策展從不設界線，但是回首過往二十年，我挑選的無論是作品的藝術性還是創作者的意圖，都帶入了一些來自其他領域的元素，我也在它們之間發現了一些共同點，那正是我想要傳達的訊息。

　　第一點是，我想改變人們對工藝固有的價値判斷。當代藝術與工藝之間存在著巨大的鴻溝，為了弭平這個差距就要將其他領域的元素帶進工藝，使其蛻變為自由度更高的形式。我認為這點至關重要。因此我挑選的並非只是走在前面的前衛藝術家，而是不在乎工藝與藝術之間藩籬的創作者。然而，也許這個想法還無法獲得大眾理解，至今日本對於工藝的價値判斷尙未產生太大變化。這是因為即使到現在，人們對於明治時代的萬國博覽會、二戰後的陶藝創作熱潮那種「重振舊日雄風」的期待，依然根深蒂固。試圖要改變工藝界的價値觀，是我的自以為是，走出這個世界腳踏實地的搬石砌牆，才是百草藝廊該扮演的角色、也是我創作的態度。不知不覺的，雖然志趣相投的人很自然地聚集在一起，經由「生活工藝」相互連結，但在這過程中養成了我從外部洞察的習慣，看的不是昔日工藝的繁盛、而是尋獲創作的初心與工藝之所以存在的根本意義。我發現如果不要站在對抗工藝的角度，而是回到初心去探索，看見的就不僅只是身為陶藝創作者的個人表現，同時還潛藏著與社會拉扯的矛盾，要持續下去才能確立自己的理念。特別是大正與昭和初期的個人陶藝家，創作思考極為深厚，具有當代也適用的開創性以及先見之明，然而這些理念卻都無法持續到今日，實在令人惋惜。如果要將這種思考延續下去，便不能只關注工藝的縱深，還需要建立與當代藝術、設計，以及古器物等領域橫向交織的寬廣視野，才能讓過往的理念在今日更具生命力。還有，不只是關注個人創作者的陶藝，日本最大的陶瓷產地美濃存在著各種與陶瓷相關的行業，如果把那裡也當成橫軸的一部分，秉持初心專注研究的話，應能看見不同面相。總而言之，我認為自己的立足點是穿梭於工藝界裡外，還有從橫向綜觀連結，今後希望也能持續下去。

　　第二點是，如何克服長久以來面對西洋文化會感到自卑這個課題。儘管在二戰後二十年出生的世代，嘴巴上都說「我們已經不會自卑了」，但我認為事實並非如此，只不過大眾沒有自覺。到現在還是有人對於酷日本這種日本文化的特殊性，是否獲得歐美認同而患得患失，還有日本人至今仍滿足於加拉巴哥化的狀態，便是最好的證明。此外，被公認是日本固有文化的工藝，也殘存著濃厚的自卑感。

　　很久以前，我去參觀福岡縣宗像大社策畫的國寶展，其中展示了許多國寶級的陶瓷文物。然而當時被列為國寶的陶瓷竟然只有十四件，令我感到很不可思議。在那些被視為國寶的藝術品當中，有八件來自中國唐代、一件來自朝鮮半島，還有五件是日本。而可以視為國寶的宗像大社的收藏、繩文維納斯、火焰型土器，則被歸納為歷史文物。身為日本人的我們，明明從來就不曾將藝術品與歷史文物分開來看，卻在那裡做了區隔，只選了十四件當成藝術品，這不就顯示出面對西方文化的自卑嗎？藉由十四件能讓歐美人士接受、可看性十足的工藝品，來與西方藝術相抗衡。然而這十四件作品卻只能反映出部分日本人的審美觀，明顯的不合時宜。連國寶的選擇上都陷入崇洋意識的「攘夷」，與為了引進文明而「開國」的自相矛盾，讓我對西方藝術的影響力感到震驚不已。我認為自明治時期以來這種矛盾的反動驅使了藝術工藝的加拉巴哥化，因而養成日本人「反正外國人也看不懂」自鳴得意的習慣。包括我自己，過去也曾將西方藝術概念奉為圭臬，是被充滿矛盾的明治政府調教出來的學生。在面對西方時，我同樣擁有日本人加拉巴哥化的美學意識所引發的優越感，到了國外便想要盡量宣揚日本文化的特殊之處。要說面對西方文化時沒有自卑感，還眞沒有資格。

　　從此我開始避免拿西洋與日本做比較，而是展開追尋能夠融合、折衷的方法論。這樣不僅可以建構生活工藝發展的方向性，也是不斷跨越領域的我，應該要走的道路。我個人的目標是希望超脫日式或西式，成就一種極致的融合東西方的飮食，正如就算再過一百年，應該也不會在日本消失的「紅豆麵包」這樣的文化形態。西元一八七四年，日本人不用當時物以稀為貴的麵包酵母，改而採用容易入手的淸酒酵母讓麵團發酵，融合了和菓子的傳統技法做出了紅豆麵包。由於它沒有去隱藏矛盾，而是在融合兩者的生活智慧中誕生，紅豆麵包因此得以在社會上紮根。對於自己的創作，還有在藝廊策畫的展覽，我都期盼能像紅豆麵包一樣，把生活當成關鍵字，用嶄新的折衷方案來確立路線。

　　過去的我有時會站在日本的立場，有時又以西方藝術的觀點摸索著「藝術為何物」，直到一天有人對我指出：「安藤先生的特徵，就是模稜兩可的態度吧。」於是我便擅自以正面的角度接受了他的說法，並且以此作為自己創作的態度與立足點。我認為模稜兩可不是優柔寡斷，而是願意讓心保持打開的狀態。本書記錄了我作為一個生活者的基本態度以外，在創作者、溝通者、使用者各種角色之間轉換、來去不同領域的所見所聞。書中對談的對象，都是我從不同領域邀請而來，每位各有其迂迴曲折之處，廣義來說都與藝術有關，感謝他們留下許多打動人心的話語。我的「模稜兩可」之道還很靑澀，距離紅豆麵包那樣的完成式尙有一大段距離，因為與外界的連結才獲得力量，希望此書能帶給有志投身工藝與藝術，或是生活工藝的人，一點微不足道的參考。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的阅读体验是有些“慢热”的，它要求读者放下急躁的心态，真正沉浸进去。它不是那种一口气读完就会有所收获的快餐读物，更像是一壶需要时间慢炖的好茶，初尝可能平淡无奇，但回味无穷。我尤其欣赏作者对于“留白”和“不完美”的独特见解。在充斥着“完美主义”和“效率至上”的时代，他却在歌颂那些未被填满的空间，歌颂那些刻意保留的粗糙纹理，这无疑是对主流价值观的一种温柔反抗。这种反抗不是激烈的呐喊，而是通过作品本身散发出的强大定力。它教会了我，真正的力量往往来自于克制和节制，来自于对事物本质的深刻洞察，而不是表面的喧哗。对于任何试图在喧嚣中保持自我声音的创作者来说，这本书都是一座坚固的灯塔。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计到文字排版，这本书本身就散发着一种与作者创作理念高度一致的审美取向，透露出一种对细节的极致尊重。内容上，作者深入探讨了“时间感”在创作中的核心作用。他谈到如何让作品“呼吸”，如何让观看者在作品前停留超过三秒钟，而不是匆匆一瞥就走开。这种对“观看体验”的精妙设计，远超出了单纯的技法层面，触及到了人与艺术品之间更深层的情感共鸣。书中的一些关于“重复”与“变化”的辩证关系论述，对我理解传统艺术中的“形式母题”帮助极大。它告诉我，真正的创新不是凭空捏造，而是在对传统的深刻理解之上，进行微妙而精准的偏移。读完后，我感到自己对“慢工出细活”这句话有了更具象、更富实践意义的理解，它不再是老生常谈的口号，而是一种严肃的创作态度。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻被那种沉静而有力的文字风格所吸引。它不像一本教科书那样充满条条框框的教条，更像是一份私密的日记，记录了一个艺术家在面对空白画布或沉默空间时的真实挣扎与喜悦。作者毫不避讳地展示了那些被大多数人掩盖的脆弱时刻，比如灵感枯竭时的焦虑，以及如何从看似毫无希望的境地中重新汲取力量。这种坦诚让人倍感安慰，因为它提醒我们，伟大的作品背后，必然有无数次的“不行”和“重来”。书中的一些关于材料和媒介的论述，虽然非常具体，却又上升到了哲学的层面，探讨了物质与精神之间的辩证关系。它让我开始思考，我所从事的任何一项工作，是否也能通过这种深度的自我对话和材料的敬畏，达到一种超越日常的功能性？这本书的价值在于，它提供了一种思考的框架，而非现成的答案，这对于追求真正原创性的人来说，无疑是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

这本关于创作的书籍，给我的感觉就像是走进了一个迷宫，但这个迷宫却充满了意想不到的惊喜。作者以一种近乎冥想的方式，引导我们去探索灵感的源泉，那些看似随机、不经意的瞬间，如何被捕捉并转化为深刻的作品。我特别欣赏他对“过程”的强调，这不像许多其他艺术类书籍那样只关注最终的成品和耀眼的成就，而是把焦点放在了日复一日的打磨、犹豫和自我怀疑上。那种将日常琐事提炼成艺术语言的技巧，简直让人茅塞顿开。读完之后，我感觉自己看待周遭世界的方式都变了，那些曾经被忽略的细节，现在似乎都在向我诉说着它们的故事。书中的语言有一种独特的韵律感，读起来非常流畅，仿佛作者就在你耳边轻声讲述他多年来的心路历程，让人既感到亲切，又充满敬畏。它不是一本教你如何“复制”成功的指南，而是一把钥匙，帮你打开通往自己内心深处那扇门。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大震撼，在于它彻底颠覆了我对“灵感”的刻板印象。我过去总以为灵感是某种神秘的降临，像闪电一样倏忽即逝。但在这本书里，作者将灵感描述为一种可以被“培养”和“等待”的状态，它与日常的观察、习惯性的记录、以及对周遭环境的持续敏感度紧密相连。他分享的许多具体片段，比如对光影变化的长期追踪，或是对某种特定材质声音的反复聆听，都像是打开了新世界的大门。这些看似微不足道的日常积累，最终汇聚成了创作的洪流。我开始尝试模仿书中的方法，每天为自己设置一些“无目的的观察时间”，结果发现，我的创作思路确实变得更加开阔和持久了。这本书的叙事结构也很有意思，它不是线性的，而是螺旋上升的，每一次回顾似乎都能发现新的层次。