薪傳.薪傳(雲門經典全紀錄,特別收錄林懷民專文〈吶喊與突圍〉)

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古碧玲
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  • 雲門舞集
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具体描述

  雲門舞劇《薪傳》45年,不能遺忘的史詩經典
  第一部臺灣史舞劇
  創作演出跨世代全紀錄
  雙面書衣,六十五幀唯美攝影照片,完整收藏紙上《薪傳》,凝結感動瞬間
            
  【特別收錄】
  ■林懷民新撰萬字專序〈吶喊與突圍〉
  ■十三位跨世代菁英名家專文推薦
 
  據說,雲門經典《薪傳》是一齣「跳一次死一次」的舞作。
  薪傳《薪傳》的通關密語是:
  免驚,袂死,再來一次!
 
  一九七八年,雲門舞作《薪傳》首演當天,美國宣布將與臺灣斷交。
 
  燃燒靈魂的編舞家,和看不到前程的舞者,在混亂的時局裡,用青春的毅力與能量,演出「柴船渡黑水,唐山過臺灣」的史詩舞劇,鼓舞了萬千觀眾。
 
  《薪傳》是臺灣集體記憶裡最重要的一支舞。
 
  古碧玲生動記下首演季幕後的奮鬥與突圍,以及四十五年來,八代舞者突破自我限制,重現這齣把舞者力氣榨光、讓舞者跳到虛脫,觀眾感動沸騰的舞作的故事。
 
  每一代年輕人都可以創造傳奇。
  每一天都是突圍的好日子。
 
  《薪傳》是以漢族先民拓殖台灣的歷史為主題,陳達吟唱「唐山過臺灣」的部分歌詞為「幕間曲」的八幕舞劇。
 
  一九七八年十二月十六日,舞作在嘉義首演的早上,美國宣布將與台灣斷交。演出時,臺上舞者和臺下的觀眾,滿懷孤臣孽子之心,淚水和著掌聲久久無法止歇。第一齣以臺灣史為題材的舞劇,就在如此悲壯的情勢下,展開它四十五年的旅程。
 
  雲門舞集創辦人林懷民,從家族溯源為靈感,展現百年來生活在臺灣土地上千千萬萬人與天爭、不向時勢屈服的突圍與吶喊,不分族群與世代的觀眾,都能從中看見自己的身影,找到自己所屬的位置。
 
  《薪傳》是支要人命的舞,能讓所有舞者聞風喪膽,但只要站上舞臺,他們都願意為它挑戰極限,以靈魂獻祭,即便已歷經數代舞者的更迭,也毫無代溝地傳承這份拚搏的精神,並且發揮得淋漓盡致,這正是《薪傳》所展現的獨特能量與魔力。
 
  全書收錄《薪傳》創作靈感、編舞歷程、道具與音樂創作軌跡,也記錄舞者們淚水與汗水交織的不服輸精神,此外更邀請各界知名人士,分享他們與《薪傳》的相遇及感動。搭配六十五幀精美攝影照片,完整收藏紙上《薪傳》。
 
各界名人推薦
 
  朱宗慶、江鵝、李宗盛、姚若潔、唐鳳、奚淞、馬世芳、莫子儀、連俞涵、焦元溥、黃聲遠、鄭麗君、謝旺霖、簡文彬、嚴長壽
 
  四十多年來,即便演奏多次,歷經無數的排練,《薪傳》的每一次打擊,都還能讓我感動。──朱宗慶
 
  我始終記得那一夜。這齣作品的感染力,足以超越一切大人世界的知識和教養,讓一個七歲的小男生目瞪口呆。──馬世芳
 
  我第一次看林老師的舞,就是《薪傳》。一個十八歲的叛逆青年,看著舞,流著淚,不知道自己被什麼感動了──莫子儀
 
  《薪傳》不僅是臺灣的移民故事,也舞出臺灣人看向未來的開拓精神。──鄭麗君
 
  因為《薪傳》,我感到自己更加貼近家鄉的泥土。──謝旺霖
好的,这是一份关于“薪傳.薪傳(雲門經典全紀錄,特別收錄林懷民專文〈吶喊與突圍〉)”之外,其他图书的详细简介。 --- 《凝視的邊界:現代藝術中的身體、空間與觀看權力》 作者: 艾倫·霍爾姆斯(虛構) 出版社: 寰宇文叢 出版日期: 2023年10月 頁數: 480頁 圖書概述 《凝視的邊界》並非僅是一部藝術史的梳理,而是一次深入探討自十九世紀末以來,藝術實踐如何回應並重塑「觀看」這一行為的哲學與社會學考察。本書聚焦於現代與當代藝術中,身體(作為被觀看者與觀看主體)與空間(作為展示場域與體驗環境)之間的複雜張力,尤其關注權力結構如何隱藏於視覺呈現的背後。作者艾倫·霍爾姆斯,一位跨學科研究者,巧妙地將視覺文化理論、現象學、批判地理學與藝術史相結合,建構了一個多維度的分析框架。 全書結構嚴謹,分為四個主要部分,從基礎概念的確立,逐步深入到具體的個案分析,最終指向當前藝術實踐對傳統觀看範式的挑戰。 第一部:視覺的確立與凝視的誕生(約100頁) 本部分奠定了全書的理論基石。作者首先回溯了文藝復興以來,線性透視法如何將「人」置於觀看世界的中心,從而確立了一種以主體為中心的視覺霸權。重點探討了薩依德的「東方主義」理論在視覺文化中的體現,以及福柯對早期監獄和醫院中「全景敞視」機制的分析,如何預示了現代社會中無處不在的監控與被審視感。 核心章節: 1. 透視的暴政: 分析了文藝復興繪畫中隱藏的凝視方向性,以及它如何將非西方或邊緣群體排除在主體地位之外。 2. 照相術的介入: 考察照相技術如何使「瞬間」被捕捉和複製,從而改變了觀看對象的流動性與可獲得性,並探討了早期肖像攝影中權力與身份建構的關係。 3. 現代性的目光: 討論了波德萊爾筆下的「行人」(Flâneur)形象,他既是觀察者也是被觀察者,探討了城市化進程中觀看行為的世俗化與公共性。 第二部:身體的在場與缺席:空間的重塑(約130頁) 第二部分將焦點轉向藝術作品與展覽空間的相互作用。作者質疑了傳統美術館的「白色立方體」(White Cube)概念,認為這種看似中立的空間實則是一種強力的意識形態容器,它隔離了作品與現實世界,規範了觀眾的移動與感知方式。 本書深入分析了表演藝術(Performance Art)和場域特定藝術(Site-Specific Art)如何積極地介入和破壞這種空間慣例。 核心章節: 1. 白色立方體的解構: 詳細剖析了麥克·艾歇爾(Michael Asher)等藝術家如何通過在美術館內進行微妙的干預,揭示空間的政治性。 2. 身體的銘刻: 專門探討了行為藝術家(如阿布拉莫維奇早期的作品)如何利用身體的極限和疼痛,將「在場」的身體轉化為挑戰傳統觀看對象的媒介。 3. 紀念碑性與反紀念碑性: 對比了傳統雕塑的永恆性展示與臨時性、易逝性裝置的空間策略,尤其關注歷史創傷記憶在不同空間中的呈現差異。 第三部:非人類主體與觀看的轉向(約150頁) 這是本書最具前瞻性的部分。作者拓展了「觀看」的主體範疇,探討了在後人類主義思潮影響下,藝術家如何將非人類實體——如動物、環境、數據流——納入視覺關懷的範圍。 本書批判性地審視了當代藝術中對「生態視覺化」的嘗試,以及這種嘗試在多大程度上能真正超越人類中心主義的凝視。同時,作者也探討了數碼媒介如何模糊了觀看與體驗的界線。 核心章節: 1. 數據的眼睛: 分析了基於大數據和傳感器的藝術裝置,探討在算法驅動的時代,我們是如何被機器觀看,以及藝術如何反制這種無形之眼。 2. 景觀的倫理學: 討論了環境藝術(Land Art)與生態藝術中的「觀看傷害」(Scopic Harm),即藝術家在介入自然景觀時可能帶來的二次破壞。 3. 沉浸式體驗的陷阱: 批判了虛擬實境(VR)和擴增實境(AR)藝術的「過度在場感」,認為過度的沉浸有時會阻礙批判性的反思,使觀者成為體驗的囚徒。 第四部:超越凝視:參與、共感與抵抗(約100頁) 在結尾部分,作者總結了現代藝術對權力結構的抵抗策略,並提出了「參與式美學」的可能性。他主張,真正的藝術突破不在於創造新的視覺奇觀,而在於誘導觀眾從被動的「看」轉向主動的「在場」與「共感」。 作者強調,未來的藝術實踐必須建立在相互理解和共同行動的基礎上,模糊藝術與生活的界限,從而瓦解傳統凝視的邊界。 本書的價值: 《凝視的邊界》為學術研究者、策展人、藝術史學生以及所有對當代視覺文化抱持深刻疑問的讀者,提供了一套強大而細緻的批判工具。它迫使我們反思:我們如何看待事物,決定了我們如何理解自身在這個世界中的位置。 這是一部挑戰既有視覺常識,並引領讀者進行深度自我審視的重量級著作。 --- 《失落的旋律:二十世紀華語電影中的身體記憶與地域政治》 作者: 傅蘭思(虛構) 出版社: 東亞視野出版社 出版日期: 2022年5月 頁數: 620頁 圖書概述 《失落的旋律》是一部聚焦於二十世紀中華語電影(涵蓋中國大陸、香港、台灣及海外華語社群)的深度文化研究專著。本書的核心論點在於,電影作為一種集體的記憶載體,其對「身體」的呈現方式,始終與特定歷史時期下地域政治的變遷緊密糾纏。作者傅蘭思(一位專注於東亞電影研究的學者)認為,銀幕上的肢體語言、舞蹈、勞動與疾病,共同譜寫了一部無聲的、關於身份認同和地域歸屬的史詩。 本書跨越了不同的電影流派,從早期的默片到新浪潮運動,再到後來的類型片,細緻地解讀了身體如何被意識形態塑形、如何抵抗規範,以及如何在歷史的斷裂中尋求連續性。 第一部:身體的建構與意識形態的烙印(約150頁) 本部分探討了電影早期對「理想身體」的塑造,以及這些形象如何服務於國家敘事和政治意識形態。重點分析了不同時期對勞動者身體、革命英雄身體和家庭中性別角色的標準化處理。 核心章節: 1. 銀幕上的工農形象: 分析了二十世紀五六十年代電影中,農民和工人的身體美學,探討了如何將體力勞動浪漫化,使其成為社會主義國家敘事的核心符號。 2. 性別的框架與解放的幻象: 考察了在不同政治氣候下,女性身體在銀幕上的呈現,從傳統的賢妻良母到五四運動中追求自由的「新女性」,以及其背後潛藏的對女性自主權的限制。 3. 身體的審查與隱喻: 討論了在嚴格審查制度下,電影如何運用身體的「殘缺」、「疾病」或「隱晦的動作」來傳達政治上的禁忌或未被允許的情感。 第二部:地域與流散:身體的空間漂移(約180頁) 本書的第二部分將焦點轉向「地域政治」對身體經驗的深刻影響。作者探討了隨著政治動盪和人口遷徙,電影中的角色如何不斷地面對「家園」的失落與重建,以及這種流散經驗如何在身體層面留下痕跡。 核心章節: 1. 港台電影中的「他鄉客」: 深入分析香港和台灣新浪潮電影中,個體身體在都市化進程中的迷失感。探討了如楊德昌、侯孝賢作品中,角色的疏離感和慢節奏的移動如何體現了時代的停滯感。 2. 南洋的華人身體: 考察了早期東南亞華語電影中,移民群體身體的文化適應與身份認同的掙扎。重點關注了語言轉換、飲食習慣等身體實踐如何成為文化抵抗的場域。 3. 記憶的物質性: 探討了在描寫戰爭或歷史創傷的電影中,身體上的疤痕、老年化的面容如何成為承載集體歷史記憶的「活化石」。 第三部:身體的覺醒與類型片的顛覆(約180頁) 第三部分著眼於對傳統身體規範的挑戰,尤其關注動作片和武俠片對「身體極限」的探索,以及這些探索在政治上的多重解讀。 核心章節: 1. 功夫的哲學: 不僅僅分析李小龍、成龍等電影明星的動作編排,更重要的是分析「氣功」、「內功」等概念如何被轉化為一種超越現代國家權力控制的身體力量。 2. 都市驚悚中的邊緣身體: 分析了香港「黑色電影」中,邊緣人物(如癮君子、罪犯)的非規範性身體如何反映了社會對快速現代化的焦慮。 3. 身體政治的當代回聲: 討論了進入二十一世紀後,電影對跨性別、性少數群體身體的處理,以及這些處理如何與當下的社會文化爭議形成呼應。 總結:聲音的重構 本書最後總結道,儘管歷史的旋律看似失落,但電影藝術在不斷地通過對身體的敏感捕捉與詮釋,重構著華語世界的共同記憶。《失落的旋律》不僅是電影研究的里程碑,更是理解華人社會在劇烈變革中,個體如何定義其存在與歸屬的關鍵文本。 它強烈地提醒讀者,每一次銀幕上的汗水、每一次揮拳或每一次凝視,都蘊含著深厚的歷史與政治密碼。 --- 《跨文化視野下的音樂身體:從儀式到數位表演》 作者: 瑪麗亞·桑托斯(虛構) 出版社: 全球音樂學研究中心 出版日期: 2021年7月 頁數: 380頁 圖書概述 《跨文化視野下的音樂身體》是一部探討音樂與身體之間相互建構關係的比較人類學與音樂學專著。本書的核心論點是,音樂的創造、傳播和感知始終根植於特定文化對「身體」的理解之中。作者瑪麗亞·桑托斯運用跨學科的方法論,橫向比較了從非洲部落的集體律動、歐洲古典音樂中的嚴謹姿態,到當代電子音樂節中的沉浸式體驗,揭示了音樂是如何規訓、解放或異化身體的。 本書旨在超越將音樂視為純粹聽覺現象的傳統觀點,強調身體在音樂實踐中的不可或缺性,無論是演奏者的生物力學、聽眾的生理反應,還是儀式性的群體移動。 第一部:身體的音場:古代與儀式(約120頁) 本部分回溯了身體在早期音樂實踐中的核心地位。作者認為,在許多前現代文化中,音樂和舞蹈是不可分割的整體,身體本身就是樂器和傳道者。 核心章節: 1. 喉音的權威: 考察了薩滿教儀式、吟唱傳統中,聲音如何通過對喉嚨、呼吸的極端控制來連結神聖與世俗,探討了聲音的「穿透性」與「治療性」。 2. 鼓與群體共振: 分析了西非及加勒比地區的鼓樂傳統,重點研究集體節奏如何誘導參與者進入「出神」狀態(Trance),從而瓦解個體意識,建立社會凝聚力。 3. 巴洛克時期的禮儀身體: 對比了古典傳統。分析了巴洛克宮廷音樂中對演奏者姿態的嚴格要求,探討了古典訓練如何將身體塑造成精確、可預測的聲音發射器,並以此服務於貴族權力結構。 第二部:機械化時代的身體與樂器(約130頁) 隨著工業革命和錄音技術的發展,身體在音樂中的角色發生了根本性的轉變。本部分探討了樂器機械化對演奏者身體的影響,以及錄音技術對「現場身體」的疏離。 核心章節: 1. 鋼琴的力學: 深入分析了鋼琴的發展如何要求演奏者發展出特定的指法和手臂張力,將人的身體轉化為一種複雜的槓桿系統。 2. 錄音的幽靈: 考察了錄音技術如何創造出「完美的聲音」,這種完美的聲音反過來對現場演奏者施加壓力,要求他們模仿機械化的精度,從而導致了現場表演中身體的僵化。 3. 爵士樂的即興身體: 探討了爵士樂作為一種對標準化和機械化反動的音樂形式,如何通過即興(Improvisation)重新解放了演奏者的身體自主權,使「失誤」和「個人風格」成為藝術價值。 第三部:數位空間中的非物質身體(約130頁) 本書最後部分關注二十世紀末至今,電子音樂和數位表演如何重塑了我們對「音樂身體」的認知。作者討論了在虛擬環境中,身體的感知與缺席。 核心章節: 1. 舞池的化學反應: 分析了電子舞曲(EDM)文化中,藥物、燈光與音樂節拍共同作用於身體,創造出高度集體化和去個性化的感官體驗。 2. MIDI與遠程演奏: 探討了MIDI控制器、數字合成器如何讓音樂家與聲音源產生疏離,身體的動作不再直接決定聲音的產生,從而引發了關於「真實演奏」的哲學辯論。 3. 聲音介面與身體感知: 總結了本書的發現,強調未來的音樂研究必須納入神經科學和人機互動的視角,以理解在數位介面中,身體如何感知和投射音樂意圖。 總結: 《跨文化視野下的音樂身體》是一部極具啟發性的著作,它成功地將看似不相干的文化現象串聯起來,證明了身體始終是音樂體驗中最關鍵、也最常被忽視的變量。

著者信息

作者簡介
 
古碧玲
 
  自許各界局外人,喜新戀舊,雜看雜學雜讀,自己思想;生活重心為食物、讀物、植物與藝術。
 
  先後任職於政經媒體、網路、廣告、基金會、NPO等,常用文字傳遞想法,偶寫藝評,更想用植物、畫畫與世界對話。現主編《上下游副刊》。
 
  著有:《請問里山怎麼走?》、《不知道的都叫樹》等書。

图书目录

序 吶喊與突圍/林懷民
作者序 走出活出《薪傳》/古碧玲

第一章 野地裡的答案
第二章 勞動者之歌
第三章 這些人和那些人
第四章 琴韻猶在的老歌手─—陳達
第五章 要舞出臺灣先民的骨氣
第六章 舞臺上的臺灣史──一九七八年十二月十六日
第七章 從渡海到跨海──香港北京首度演出
第八章 喚起舞者鬥志的《薪傳》
第九章 永遠薪火相傳

【薪傳與我】(按姓氏筆畫排序)
鼓動.薪傳/朱宗慶
傳下來的人/江鵝
是力量,也是鼓勵/李宗盛
雲門五歲,我三歲/姚若潔
篳路藍縷 以啟山林/奚淞
穿透時代的《薪傳》/馬世芳
奉獻給繼續活著的人們/莫子儀
觀眾的大衛像,舞者的歌利亞/焦元溥
向傑出致敬/黃聲遠
臺灣後來好所在/鄭麗君
我們,就是薪傳/謝旺霖
讓《薪傳》永續傳「心」/簡文彬
臺灣文化的重要推手/嚴長壽

附錄 舞者之舞/林懷民

图书序言

  • ISBN:9786263532564
  • 叢書系列:Origin
  • 規格:平裝 / 316頁 / 14.8 x 21 x 1.96 cm / 普通級 / 全彩印刷 / 初版
  • 出版地:台灣

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用户评价

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这本书的叙事节奏掌握得非常高明,它不像一本枯燥的年鉴,更像是一部跌宕起伏的史诗。它巧妙地穿插了不同时期、不同风格的作品介绍,使得阅读体验如同欣赏一场精心编排的舞蹈,有起有伏,有激昂也有沉思。我特别欣赏它对“时代精神”捕捉的精准度。云门的发展轨迹,其实就是台湾社会变迁的一个侧影,书中将艺术表达与社会语境紧密地结合起来,让你在欣赏肢体的舒展时,也能体会到其中蕴含的对自由、身份认同的探讨。这种宏大叙事与微观个体感受的完美融合,使得这本书的深度远超一般舞蹈图册。每一次翻阅,都会因为心境的不同,对同一张剧照产生全新的理解,这才是真正有生命力的文献价值所在。

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从排版和编辑的角度来看,这本书的用心程度简直令人发指。每一页的设计都充满了匠心,光影的运用、留白的哲学,都体现了对“东方美学”的深刻理解。它没有将图片简单地堆砌,而是让每一张照片都“呼吸”,它们与文字之间形成了有机的对话。这种精致到极致的排版,让阅读变成了一种享受,而不是负担。我发现自己会不自觉地放慢速度,细细品味那些跨页的大图,感受那种扑面而来的空间感和动势。对于摄影作品的收录和呈现,他们显然下了大功夫,确保了画质的清晰度和色彩的还原度,这对于记录那些瞬间定格的舞蹈姿态来说至关重要。可以说,这本书在装帧和设计上的投入,完全配得上它所记录的艺术高度。

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我首先被其中对“创作过程”的详尽梳理所震撼。很多舞蹈作品的介绍往往停留在表面的意象或象征,但这本书却深入到了台前幕后,那些关于编排时的挣扎、舞者与编导之间微妙的张力,都被细致地描摹出来。我尤其关注了其中提到的一些经典作品的“诞生记”,那种从一个模糊的灵感到最终登台的漫长打磨过程,让人对手作艺术的敬畏之心油然而生。书中没有使用过多晦涩的理论术语,而是通过大量的访谈和幕后手记,将复杂的艺术思维转化为人人可以理解的故事。这对于我们这些非科班出身的爱好者来说,无疑是最好的入门和进阶指南。它揭示了,伟大的艺术并非凭空出现,而是无数个“不完美”的瞬间被反复锤炼、最终达到一种近乎完美的平衡的结果。这种对“过程美学”的强调,使整本书的价值得到了极大的提升。

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最让我动容的,是其中透露出的一种“坚守”的力量。在文化变迁如此迅速的今天,能够几十年如一日地专注于挖掘和呈现东方身体的语言,本身就是一件了不起的事情。书中不乏对挫折、低谷的坦诚记录,这使得“传奇”的故事变得更加真实和立体。它让我意识到,艺术的传承不仅仅是技巧的传递,更是精神的薪火相传。这种对“家园感”和“文化根脉”的执着探索,通过文字和影像的力量被放大,带给读者一种深沉的共鸣。它鼓励我们去思考:在高速全球化的背景下,如何保持我们自身文化的独特声音和姿态。这本书,与其说是在回顾过去,不如说是在激励未来,它提供的精神坐标是无比清晰和坚定的。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴,那种深沉的墨色与飞扬的舞姿在纸张上交织,立刻就能感受到一种扑面而来的艺术张力。拿到手的时候,沉甸甸的质感就让人心头一震,这不仅仅是一本书,更像是一件精心打磨的艺术品。我特别喜欢它在细节处的处理,比如那种特有的纸张纹理,摸上去仿佛能触摸到云门多年来积累的汗水与灵光。光是翻阅那些早期的剧照,那种黑白影像中的力量感和时代的烙印,就足以让人沉醉其中,仿佛穿越回了那个激情燃烧的年代。它不仅仅记录了舞团的足迹,更像是一部浓缩的台湾当代文化史,每一个定格的瞬间都蕴含着巨大的信息量,让人在品味舞蹈美的同时,也能感受到一种深刻的历史厚重感。这种从视觉到触觉的全面体验,远超了我对一本“记录集”的预期,它成功地将舞台上的瞬间凝固成了永恒的画面,让即使是未曾亲临现场的后来者,也能窥见那份独一无二的生命力。

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