台湾歌仔戏史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　歌仔戏是台湾土生土长的剧种，其强烈的草根性和活泼的表演方式，最能彰显本土文化的特色与魅力。百年来，她陪伴民众走过漫长艰辛的岁月，抚慰千千万万受挫委屈的心灵，成为台湾人民共同的记忆与骄傲。

　　本书对应台湾的社会变迁，呈现歌仔戏的形成与发展历程，既可让您深入歌仔戏的世界，更能了解台湾社会的另一个面向。

作者简介

曾永义（1941～）
台湾台南县人。国家文学博士。现任台大中文系所教授，中华民俗艺术基金会董事长。
长年从事民俗艺术之维护发扬与研究。着有学术专着十余种，散文集与剧本多种。

杨馥菱（1972～）
台湾宜兰县人。辅仁大学中文博士。现任台北市立师范学院语文教育学系专任助理教授。投入歌仔戏研究多年并亲自参与演出。着有《杨丽花及其歌仔戏艺术之研究》（1997）、《台湾歌仔戏》（1999）、《台闽歌仔戏之比较研究》（2001）。

台湾歌仔戏史：一卷流光中的本土剧种兴衰录 图书简介 《台湾歌仔戏史》并非仅仅是一部简单的剧种编年史，而是一部深入挖掘台湾本土文化肌理、追溯其剧艺发展脉络的宏大叙事。本书旨在全面梳理“歌仔戏”——这一糅合了闽南传统戏曲元素与台湾本土生活经验的独特剧种——自萌芽、成长、鼎盛直至今日面临挑战的完整生命周期。它以严谨的史学态度，辅以大量珍贵的田野调查资料、档案文献及口述历史，力求展现歌仔戏在台湾社会变迁中的独特地位与艺术贡献。 本书的架构分为几个主要部分，层层递进，构建起一个清晰而立体的历史图景。 第一部分：溯源与初生——本土曲调的汇流 本部分着重探讨歌仔戏的“前世今生”，即其在台湾这片土地上如何孕育和形成。歌仔戏并非凭空出现，而是明清时期移民文化带来的闽南南管、北管、七音戏等民间曲艺在台湾本土环境中的持续互动与融合。 殖民背景下的文化适应： 详细分析了日据时期，日本殖民政府对传统戏曲的管控与影响，以及在这种高压环境下，歌仔戏如何利用其灵活性和群众基础，在庙口、街角低调地发展。重点剖析了早期“土戏”或“改良戏”的雏形，它们在表演形式、伴奏乐器（如月琴的引入与主导地位的确立）上的关键性转变。 剧本的“在地化”： 早期歌仔戏题材大多取材于民间故事、历史演义，但其叙事方式和语言风格迅速吸收了台湾地方的俚语、风俗和生活哲思，形成了区别于中国大陆同源剧种的独特“台湾味”。本部分详细记录了早期重要班社的诞生，如“锦上台”、“新乐天”等，他们的舞台布景、服装造型是如何初步定型的。 第二部分：广播与剧场的双轨并行——黄金时代的构建 随着台湾社会经济结构的变化，歌仔戏迎来了其艺术与商业上的高峰期，这个时期是其艺术性、普及度和市场规模达到巅峰的阶段。 电台的赋能： 广播电台的兴起是歌仔戏发展史上的一个关键转折点。本部分详尽论述了“广播歌仔戏”的诞生及其对剧本创作、角色塑造的影响。录音技术的普及使得歌仔戏得以突破地域限制，进入寻常百姓家，并催生了“唱将型”演员的崛起。分析了如“正中广播剧团”等重要团体的运作模式，以及他们如何通过广播剧本的连载，维持观众的长期黏性。 舞台艺术的革新： 电视尚未普及的年代，歌仔戏的舞台制作达到了前所未有的繁荣。本书细致描绘了舞台美术的进步，包括布景的立体化、灯光的运用，以及武打场面的设计。重点研究了这一时期代表性的艺术家群体，探讨了他们对传统“做功”（表演技巧）的继承与创新，特别是“生、旦、净、丑”四大行当在台湾语境下的细微差别与表演规范。 剧目题材的拓展： 这一时期的剧目不再局限于古典神怪或历史故事，开始大量吸收民间流传的武侠传奇，以及受港台电影影响的新兴叙事元素，这极大地拓宽了剧种的受众基础。 第三部分：电视时代的冲击与转型——从庙口到荧幕的迁徙 台湾经济起飞后，大众娱乐的多元化对传统表演艺术构成了严峻的挑战。本书将深入分析歌仔戏如何应对电视媒体的革命性冲击。 电视歌仔戏的诞生与辉煌： 详述了台视、中视等电视台在早期自制歌仔戏节目的尝试，以及民视等电视台后期对歌仔戏艺术的系统性保护和再创作。分析了从舞台剧到电视剧的改编过程中，表演节奏、镜头语言、以及化妆造型所必须进行的调整。重点梳理了如“杨丽花”、“叶青”等标志性人物在电视领域的成就，以及他们如何通过荧幕塑造了一代观众的审美标准。 艺术风格的分流： 电视的普及导致了两种主流的并行发展：一是迎合商业市场、节奏明快的“电视歌仔戏”；二是坚持传统舞台风格、保留大量“真功夫”的“传统戏班”。本书对比分析了这两种模式在艺术追求、市场反馈及人才培养上的异同。 本土语言的坚守： 在国语政策和西方流行文化渗透的双重压力下，歌仔戏作为一种高度依赖台语（闽南语）的艺术形式，其使用语言的地位和传承面临挑战。本书记录了艺术家们在保持剧种生命力时，如何坚守本土语言的文化载体作用。 第四部分：当代困境与未来展望——文化的断层与传承的努力 进入二十一世纪，歌仔戏面临的挑战更加复杂，包括老一代观众的流失、新一代观众的培养困难，以及专业人才断层的危机。 学院教育的角色： 记录了台湾各大艺术院校将歌仔戏纳入科班教育体系的努力。分析了科班教育在理论构建、技艺传承上的优势与局限，特别是在如何平衡“学院派的规范”与“民间戏曲的灵动”之间的矛盾。 新媒体与跨界合作： 探讨了当代歌仔戏团体如何利用网络平台、社交媒体进行推广，以及与摇滚乐、现代舞蹈等其他艺术形式的跨界合作，试图吸引年轻观众。分析了如“布袋戏”的成功经验对歌仔戏的借鉴意义。 保存与研究： 梳理了政府与民间机构在文物保护、剧本数字化、老艺术家口述历史抢救方面所做的努力，强调了保存活态艺术所必需的系统性工程。 结语： 本书以一种充满敬意的笔触收尾，总结了歌仔戏作为台湾社会变迁的忠实见证者，其在塑造台湾人集体记忆中的不可替代性，并对这种充满生命力的本土艺术的未来发展前景进行了审慎的展望。全书力求在学术深度与可读性之间找到平衡点，为所有对台湾民间艺术、戏剧史、以及本土文化史感兴趣的读者，提供一份全面、详尽、且充满温度的参考文本。

评分☆☆☆☆☆

《台湾歌仔戏史》这本书，对我来说，是一次关于“看见”的奇遇。作者用他严谨的学术态度和充满人文关怀的笔触，让我“看见”了歌仔戏背后那段波澜壮阔的历史，以及那些为之奉献一生的人们。书中对歌仔戏艺术本体的深入分析，涵盖了唱腔、身段、表演程式、服装道具等各个方面，让我得以窥见这门艺术的精妙之处。作者并非止步于表面的描述，而是深入挖掘其形成原因、发展脉络和时代特征。我惊喜地发现，歌仔戏的唱腔并非一成不变，它在吸收了其他戏曲剧种的精华后，形成了独具特色的“七字调”、“都马调”等，而这些唱腔的变化，又与当时的社会环境和观众的审美需求息息相关。书中对几位关键艺术家的生平事迹和艺术贡献的描绘，更是让我深受感动。他们的坚持、创新和奉献，共同铸就了歌仔戏的辉煌。特别是作者对他们面对时代变迁时的困境与抉择的细致刻画，让我看到了艺术家的坚韧与伟大。我仿佛能想象出，在那个信息不发达的年代，他们如何通过口耳相传、剧本抄写，将歌仔戏的精髓一代代传承下来。书中的论述，让我深刻理解了歌仔戏作为一种活态的艺术形式，其生命力在于不断的创新和适应。它在与外来文化交流融合的过程中，逐渐形成了自己独特的风格，也才能在时代的洪流中屹立不倒。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅《台湾歌仔戏史》时，我仿佛走进了一座巨大的宝库，里面陈列着台湾歌仔戏的过去、现在和未来。作者的叙述，并非线性地讲述历史，而是以一种宏观的视角，将歌仔戏的各个发展阶段、各个重要元素，以及它所处的社会文化背景，编织成一张精密的网。我从中看到了歌仔戏的“前世今生”，从它如何在民间兴起，如何在时代浪潮中演变，又如何在新世纪面临挑战。书中对歌仔戏在不同地域、不同剧团的差异化发展的描写，让我看到了这门艺术的丰富性和多样性。作者并没有将歌仔戏描述成一个统一的整体，而是细致地梳理了它在不同地方所呈现出的独特风貌，这让我对歌仔戏有了更全面、更深刻的认识。我尤其欣赏书中对歌仔戏“在地化”的探讨。作者分析了歌仔戏如何融入台湾本土的文化元素，形成具有台湾特色的表演风格和剧目内容。这让我明白了，歌仔戏之所以能够深入人心，成为台湾重要的文化符号，正是因为它与这片土地有着天然的联系。书中对新媒体时代歌仔戏的挑战与机遇的分析，也让我看到了这门古老艺术的未来发展方向。作者并没有给出简单的结论，而是提出了深刻的思考，引导读者去探索歌仔戏在数字时代的新可能。这本书让我意识到，理解歌仔戏，就是理解台湾的文化基因，理解台湾人民的情感世界。

评分☆☆☆☆☆

《台湾歌仔戏史》这本书，对我来说，是一次关于“传承”的深度解读。作者不仅在梳理歌仔戏的历史脉络，更是在挖掘它之所以能够代代相传的内在逻辑。书中对早期歌仔戏艺人之间师徒相授、技艺传承的描写，让我看到了这门艺术最朴素也最宝贵的传承方式。他们不仅仅传授唱腔、身段，更传承着对艺术的热爱和对观众的敬意。作者在分析歌仔戏的唱腔、音乐、表演程式时，也着重强调了它们在传承过程中所发生的变化和创新。他并没有将歌仔戏描述成一个僵化的艺术，而是看到了它在传承中不断融入新的元素，保持其生命力。我尤其被书中对一些老一辈艺术家为了保存和推广歌仔戏所付出的努力所打动。他们可能在艺术道路上遭受过挫折，但却从未放弃对歌仔戏的热爱，用自己的方式，将这门艺术传承下去。书中的论述，让我看到了歌仔戏在不同历史时期所面临的挑战，例如外来文化的冲击、娱乐方式的多样化等等，但每一次挑战，都促使歌仔戏进行思考和变革，从而找到新的传承之路。我读到书中关于电视歌仔戏的兴盛，以及后来传统剧场歌仔戏的复兴，都看到了歌仔戏在不同媒介和平台上的传承方式。这本书让我明白，歌仔戏的传承，不仅仅是技艺的延续，更是精神的传递，是文化记忆的赓续。

评分☆☆☆☆☆

在翻开《台湾歌仔戏史》之前，我原本以为自己对歌仔戏的了解仅限于它那充满地方色彩的唱腔和身段，以及那些在庙口常能听到的经典片段。然而，这本书彻底颠覆了我的认知，将我带入了一个更为广阔、也更为深邃的艺术世界。作者并非只是简单地梳理年代的更迭，而是像一位经验丰富的考古学家，小心翼翼地挖掘出歌仔戏这门艺术在台湾这片土地上扎根、生长、繁荣又历经变迁的全部脉络。从它的萌芽时期，那些最初的吟唱如何在民间流传，到它如何在时代洪流中吸收融合，发展出独具一格的表演形式，再到它如何在新媒体冲击下寻求突破与传承，每一个阶段都被细腻地描绘出来。书中对早期艺人、剧团的介绍，他们的生活状态、艺术追求，都仿佛将我拉回了那个遥远的年代。我仿佛能听到他们在简陋的戏台上挥洒汗水，用最朴素的道具和最真挚的情感打动观众。特别是关于歌仔戏如何与时代思潮相结合的部分，让我看到了这门古老艺术的生命力。它不仅仅是娱乐，更是时代的镜子，反映了社会变迁、民众情感和文化认同。当我读到书中关于战后时期，歌仔戏如何在电视媒介上开辟新天地时，我甚至能想象出当时全家围坐在电视机前，被那些跌宕起伏的剧情所吸引的场景。作者对每一个重要转折点的分析都鞭辟入里，逻辑清晰，让我对歌仔戏的发展历程有了系统性的理解。它不是一个静态的艺术符号，而是一个充满活力的生命体，在历史的长河中不断演化，展现出惊人的韧性和创造力。这本书让我意识到，歌仔戏的价值远不止于它的观赏性，它承载着台湾的历史记忆、社会文化和民族情感，是理解台湾这片土地不可或缺的一扇窗。

评分☆☆☆☆☆

《台湾歌仔戏史》不仅仅是一部关于歌仔戏的史书，更像是一部关于台湾社会变迁和文化基因的探索报告。作者以一种旁征博引、融会贯通的方式，将歌仔戏的发展历程与台湾社会、经济、政治的脉动紧密地联系在一起。我从中看到了歌仔戏如何在不同历史时期，被赋予不同的社会功能和文化意义。例如，在日据时期，歌仔戏如何成为一种抵抗压迫、维系民族认同的文化载体；在国民政府迁台后，它又如何适应新的政治环境，甚至在某些时期承担起宣传的功能。书中对这些社会背景的深入剖析，让我对歌仔戏的理解超越了单纯的艺术范畴，将其置于更广阔的社会文化语境中去审视。我仿佛看到了在每一个重要的历史节点，歌仔戏都在扮演着不同的角色，或成为时代的先声，或成为民众情感的出口，或成为文化传承的桥梁。作者在论述中，引用的史料极为丰富，涵盖了文献、口述、图像等多种类型，这使得他的论证更为有力，也让读者能够更直观地感受到歌仔戏的历史厚度。我尤其欣赏书中对于歌仔戏与其他艺术形式的互动与融合的描写，例如它如何借鉴京剧、地方戏曲，又如何影响了后来的电影、电视等媒介。这些细节的展现，让我看到歌仔戏作为一门活态的艺术，其开放性和包容性。这本书让我明白了，理解歌仔戏，就是在理解台湾的历史，理解台湾人民的集体记忆和情感。

评分☆☆☆☆☆

《台湾歌仔戏史》的阅读体验，对我而言，是一次关于“根”的寻访。作者通过对歌仔戏起源、发展、变迁的梳理，揭示了这门艺术如何在台湾这片土地上生根发芽，并最终成为台湾重要的文化符号。书中对歌仔戏与台湾民间信仰、民俗活动、地方文化紧密结合的描写，让我看到了歌仔戏的生命力之所在。它并非脱离群众的阳春白雪，而是深深植根于台湾民众的生活之中，反映了他们的喜怒哀乐，承载了他们的情感寄托。作者在追溯歌仔戏的源头时，引用的史料非常丰富，从早期福建的戏曲流派，到台湾本土的音乐元素，都进行了细致的梳理。他勾勒出了歌仔戏从无到有、从小到大的发展轨迹，让我对其形成有了清晰的认知。书中的论述，也让我看到了歌仔戏在不同历史时期所承担的社会功能。它不仅仅是舞台上的表演，更是一种社会交往的媒介，一种文化传承的载体，甚至在某些时期，成为民众表达情感、凝聚共识的方式。我尤其被书中对战后台湾歌仔戏电视化浪潮的描绘所打动。作者分析了电视媒介如何为歌仔戏带来新的机遇和挑战，以及歌仔戏如何在这种媒介中进行创新和突破。这些内容让我看到了歌仔戏的适应性与创造力。读完这本书，我仿佛能够触摸到台湾的文化脉搏，感受到歌仔戏在这片土地上留下的深深印记。

评分☆☆☆☆☆

初读《台湾歌仔戏史》，我被书中对歌仔戏“粗糙”到“精致”的演变过程的细致描绘所吸引。作者并没有将歌仔戏塑造成一个完美的、一成不变的艺术神话，而是真实地展现了它在不同历史时期所面临的挑战和蜕变。从早期在街头巷尾、庙会庆典中简陋的表演，到后来剧院化的舞台呈现，再到电视歌仔戏的兴盛，每一个阶段都充满了艰辛与探索。书中对早期歌仔戏艺人的生存状态的描写，让我深切体会到他们为了艺术付出的巨大努力。他们可能生活拮据，却依然怀揣着对歌仔戏的热爱，不断打磨技艺，为观众带来欢乐。这种朴实而坚韧的精神，正是歌仔戏能够流传至今的重要原因之一。作者在分析歌仔戏的唱腔、音乐、表演程式时，也深入浅出，让我这样一个非专业读者也能领略到其中的奥妙。他对不同时期唱腔变化的梳理，以及不同剧团在音乐上的探索，都让我对歌仔戏的艺术内涵有了更深的认识。书中的分析非常有条理，引用的史料也十分详实，让我能够跟随作者的思路，一步步地了解歌仔戏的演进轨迹。我尤其欣赏作者在提及歌仔戏的衰落与复兴时，所展现出的那种客观而辩证的态度。他没有回避问题，而是深入分析其原因，同时也看到了希望和未来的可能性。这本书让我看到，歌仔戏的生命力在于它的不断调整和创新，在于它能够与时俱进，与民众产生共鸣。

评分☆☆☆☆☆

《台湾歌仔戏史》带给我的，是一种前所未有的“看见”。作者用他严谨的学术态度和充满人文关怀的笔触，让我“看见”了歌仔戏背后那段波澜壮阔的历史，以及那些为之奉献一生的人们。书中对歌仔戏艺术本体的深入分析，涵盖了唱腔、身段、表演程式、服装道具等各个方面，让我得以窥见这门艺术的精妙之处。作者并非止步于表面的描述，而是深入挖掘其形成原因、发展脉络和时代特征。我惊喜地发现，歌仔戏的唱腔并非一成不变，它在吸收了其他戏曲剧种的精华后，形成了独具特色的“七字调”、“都马调”等，而这些唱腔的变化，又与当时的社会环境和观众的审美需求息息相关。书中对几位关键艺术家的生平事迹和艺术贡献的描绘，更是让我深受感动。他们的坚持、创新和奉献，共同铸就了歌仔戏的辉煌。特别是作者对他们面对时代变迁时的困境与抉择的细致刻画，让我看到了艺术家的坚韧与伟大。我仿佛能想象出，在那个信息不发达的年代，他们如何通过口耳相传、剧本抄写，将歌仔戏的精髓一代代传承下来。书中的论述，让我深刻理解了歌仔戏作为一种活态的艺术形式，其生命力在于不断的创新和适应。它在与外来文化交流融合的过程中，逐渐形成了自己独特的风格，也才能在时代的洪流中屹立不倒。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅《台湾歌仔戏史》的过程中，我感受到了一种强烈的“在地认同”。作者以一种深沉的情感，描绘了歌仔戏如何在台湾这片土地上扎根、生长，并最终成为台湾重要的文化标识。书中对歌仔戏与台湾民俗、宗教、社会生活紧密结合的描写，让我看到了歌仔戏的生命力之所在。它不仅仅是舞台上的表演，更是台湾人民情感世界的一部分。我尤其被书中对歌仔戏在不同历史时期所承担的社会功能所打动。它曾经是民众的娱乐消遣，是记录社会变迁的镜子，也是凝聚民族情感的载体。作者在追溯歌仔戏的起源时，引用的史料非常丰富，从早期福建的戏曲流派，到台湾本土的音乐元素，都进行了细致的梳理。他勾勒出了歌仔戏从无到有、从小到大的发展轨迹，让我对其形成有了清晰的认知。书中对几位关键艺术家的生平事迹和艺术贡献的描绘，更是让我深受感动。他们的坚持、创新和奉献，共同铸就了歌仔戏的辉煌。我仿佛能看到，在那个信息不发达的年代，他们如何用自己的血汗，将歌仔戏的艺术精髓传承下来。这本书让我深刻理解了歌仔戏作为一种活态的艺术形式，其生命力在于不断的创新和适应。它在与外来文化交流融合的过程中，逐渐形成了自己独特的风格，也才能在时代的洪流中屹立不倒。

评分☆☆☆☆☆

阅读《台湾歌仔戏史》的过程，对我而言，更像是一场深入田野的访谈，一次穿越时空的对话。作者的笔触并非冰冷的学术陈述，而是充满了对歌仔戏艺术的深情与敬意。他没有回避歌仔戏发展过程中所遭遇的挑战与困境，反而以一种更为客观和理性的视角，剖析了这些因素对歌仔戏形态产生的影响。书中对于不同时期歌仔戏的剧目、唱腔、表演风格的细致梳理，让我看到了这门艺术的多样性和丰富性。我惊喜地发现，歌仔戏并非一成不变，它在不同地域、不同时代、不同剧团的演绎下，呈现出千姿百态的风貌。作者通过大量的史料和个案分析，将这些细微的差别娓娓道来，让我得以窥见歌仔戏艺术发展的精妙之处。尤其让我印象深刻的是，书中对几位对歌仔戏发展做出杰出贡献的艺术家进行了深入的描绘，他们的艺术人生、创作理念以及在时代浪潮中的坚持与创新，都成为了书中最为动人的篇章。我仿佛能看到他们如何在艰苦的条件下，怀揣着对艺术的热爱，不断打磨技艺，为歌仔戏注入新的生命力。书中的学术深度与人文关怀并存，它既有扎实的考证，又饱含对艺术家的理解和尊重。读完这本书，我对歌仔戏的敬意油然而生，也更加理解了它在台湾文化中所扮演的重要角色。它不仅仅是一门舞台艺术，更是台湾人民集体记忆和情感的载体，是他们在历史变迁中寻找精神归属的重要途径。