编剧高手Writing Scripts for Stage ＆ Screen pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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作者十年来在耕莘文教院开设编剧课程所累积的心得与感想。

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分析近年着名电影电视剧

　　作者以近年上映过的外国着名电影、中外戏剧与台湾电视剧，具体地分析各种编剧的技巧与需注意的事项。内容包括了八章，一.编剧作用与沿革；二.剧本的前期创作：「如何提出故事大纲」、「分场大纲」与「分集大纲」的撰写。三.剧本的编写；四.情节与结构；五.对白应用；六.具象与冲突；七.主旨与思维；八.总结。书末附录包括：内文所提电影与戏剧的剧情简介、台湾各处剧本甄选单位与奖金多寡、编剧人才训练班等实用资料。

成为最佳的编剧高手

• 作者十年来在耕莘文教院开设编剧课程所累积的心得与感想。
• 有心学编剧或对戏剧创作有兴趣的读者最佳的入门指南。

作者简介

黄英雄

　　1947出生，于美国波特兰州立大学研读戏剧及电影。主要着作有《明天是新年》、《急诊室风波》、《独家报导》等。曾获联合报小说奖、时报週刊武侠小说新人奖、佛光山文学奖、新闻局优良电影奖、文建会优良舞台剧本奖、教育部文艺创作奖、五四文艺奖章等。2003年任国立中正大学驻校作家。

《镜头背后的魔法：电影叙事与视听语言的深度解析》 前言：捕捉光影间的灵魂 电影，作为二十世纪最伟大的艺术形式之一，其魅力不仅在于绚烂的视觉奇观，更在于其独特的叙事结构和情感共鸣能力。一部优秀的电影作品，是剧本的骨架、导演的血肉、演员的呼吸以及无数技术细节共同作用的结果。本书旨在深入剖析电影制作的内在逻辑，特别是叙事艺术的精髓与视听语言的构建，为有志于电影创作或热爱电影艺术的读者提供一套系统且深入的理论与实践指南。我们将剥离那些浮于表面的技巧，直抵电影叙事的心脏地带，探讨如何用镜头、声音和剪辑，将抽象的情感和复杂的主题转化为可感知的银幕体验。 第一章：叙事的核心——故事的生命力 任何伟大的电影都始于一个引人入胜的故事。本章将聚焦于故事的核心要素，而非具体的剧本格式。我们将探讨“什么是好故事”这一根本命题，分析经典叙事结构，如三幕剧、英雄之旅等在现代电影中的演变与解构。 主题的提炼与深度： 电影叙事绝非简单的情节堆砌，而是对某一核心主题的探索与表达。本章将教授读者如何从日常观察中捕捉具有普世价值的主题，并将其融入人物动机与情节冲突之中。我们将分析不同类型片（如黑色电影、科幻片、历史片）中主题的承载方式。 人物塑造的层次感： 观众记住的是人物，而非场景。本章将详细解析如何构建复杂、可信且具有弧光的人物。这包括内部动机（Internal Desire）与外部需求（External Need）的张力，人物的“伤痕”（Wounds）及其如何驱动其行动。我们将探讨次要人物（Supporting Characters）在推动情节和反映主角内心世界中的关键作用。 冲突与张力的管理： 冲突是叙事的燃料。本章不仅关注显性的外部冲突，更侧重于内在的情感冲突和哲学冲突。我们将研究如何通过悬念、误导、信息不对称等手法，精确控制叙事的节奏和张力，确保观众全程保持投入。 第二章：超越文字——剧本的视听转化 剧本是蓝图，而电影是建筑。本章将探讨剧本语言如何转化为银幕上的影像和声音，强调“展示而非告知”（Show, Don't Tell）的终极实现。 场景的密度与效率： 每一个场景都必须承载多重功能。本章会分析如何通过一个场景，同时推进情节、揭示人物性格和建立气氛。我们将学习如何撰写富有视觉冲击力的场景描述，使未来的摄影指导和美术指导能清晰地捕捉到导演的意图。 对话的艺术： 优秀的电影对话是高度提炼和功能性的。我们不再讨论对白如何自然，而是探讨对白如何“不自然地真实”——即它如何用最少的文字传达最多的潜台词（Subtext）。分析不同时代和文化背景下电影对话风格的演变。 结构与节奏的调控： 探讨叙事片段的长度、场景之间的过渡（Transitions）如何影响观众对时间的感知。我们将深入研究“节奏点”（Beat）的设置，以及如何通过调整信息释放的速率来操纵观众的情绪曲线。 第三章：导演的语言——视听元素的协同作用 电影的魔力在于其独特的视听语言系统。本章是关于如何用镜头、光线和声音来“说话”的实践指南。 摄影机运动的心理学： 镜头不只是一个记录的工具，它是一个角色的眼睛，甚至是一种情绪的延伸。本章将分类讨论固定镜头、推拉摇移、手持摄影等技术在不同叙事情境下的心理暗示作用。例如，特定的景别（Close-up）如何放大情感，而广角镜头（Wide Shot）如何强调环境的压迫性。 光影的叙事功能： 光线是电影的素描笔。本章将超越技术层面的布光，着重于光影如何建立电影的世界观和氛围。分析自然光、人工光、高调与低调照明在烘托戏剧张力、区分正邪或表达角色内心状态中的作用。 声音景观的构建： 声音是常常被低估的叙事元素。我们将详细解析对白、音效（Sound Effects）和音乐（Score）三者如何协同工作。探讨“画外音”（Off-Screen Sound）的强大潜力，以及声音设计如何成为角色潜意识的外化。 第四章：时间与空间的重塑——剪辑的哲学 剪辑是电影的最后一次重写，是赋予影片最终形态的关键步骤。它决定了观众看到什么、何时看到、以及看到多少。 连续性剪辑与非连续性剪辑： 探讨经典好莱坞连续性剪辑的规则（如180度线、跳切的避免）及其背后的心理学基础。随后，深入分析打破规则的剪辑手法——如跳切（Jump Cut）、蒙太奇（Montage）——是如何在特定艺术语境下服务于叙事目的的。 蒙太奇的类型与应用： 区别于简单的时间流逝，蒙太奇是一种思想的碰撞。我们将分析爱森斯坦的知性蒙太奇与苏联的叙事蒙太奇，并探讨现代电影如何运用“印象式蒙太奇”来快速传递情感状态或时间跨度。 节奏的掌控与重塑： 剪辑师如何通过调整镜头长度和组接顺序来控制影片的呼吸。分析“长镜头”（Long Take）如何建立沉浸感，以及快速剪辑如何制造混乱或高潮。 结语：将愿景付诸实现的工匠精神 电影制作是一个庞大的协作过程，但其源头永远是清晰、富有洞察力的叙事愿景。本书提供了一套工具箱，帮助创作者超越单纯的模仿，发展出属于自己独特的电影“声音”。理解这些内在的运作机制，才能真正掌握将想象转化为银幕奇观的力量。 本书不提供现成的模板或公式，而是引导读者深入理解每一个技术选择背后的哲学含义，最终目标是培养创作者在面对无尽的可能性时，做出最精准、最富于情感冲击力的艺术决策。

评分☆☆☆☆☆

说实话，在购买《编剧高手Writing Scripts for Stage ＆ Screen》之前，我曾对它能否真正帮助我提升编剧能力表示怀疑。毕竟，写作的技巧很多时候是需要天赋和经验的积累。但这本书完全打消了我的疑虑。它提供了一种非常系统化的学习方法，从基础的剧本格式到复杂的叙事结构，都进行了条理清晰的讲解。我尤其欣赏书中的“结构模型”部分，作者详细介绍了不同类型的剧本结构，并用图示的方式展示了它们之间的区别和联系，这让我能够更直观地理解如何构建一个完整的剧本。而且，这本书不仅仅停留在理论层面，还提供了大量的练习题和写作提示，鼓励读者动手实践。我尝试着按照书中的方法来构思和撰写一个小故事，发现很多之前困扰我的问题都迎刃而解了。作者还强调了“修改”在剧本创作中的重要性，并提供了一些实用的修改技巧，这对于我这样容易陷入完美主义困境的人来说，简直是及时雨。这本书让我明白，编剧并非遥不可及的艺术，而是一门可以通过学习和实践掌握的技能。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对视觉叙事充满热情的人，一直梦想着用镜头讲故事。《编剧高手Writing Scripts for Stage ＆ Screen》这本书，正好满足了我对电影和戏剧剧本创作的渴望。它不仅仅是一本教你如何写剧本的书，更是一本关于如何“思考”和“看见”故事的书。书中的“场景构建”部分，让我意识到每一个场景都应该有其独特的功能和视觉元素。作者通过分析不同场景的调度、镜头语言和声音设计，详细地讲解了如何将文字转化为生动的画面，让观众身临其境。我尤其喜欢书中关于“蒙太奇”的讲解，作者用非常形象的方式解释了如何通过快速剪辑来传达信息、营造气氛，甚至塑造人物的情感。读完之后，我感觉自己对电影语言有了更深刻的理解，也开始学着用更具象化的方式来构思我的故事。这本书的价值在于，它将抽象的编剧理论与具体的视觉呈现紧密结合，让读者能够同时兼顾故事的内核和影像的魅力。

评分☆☆☆☆☆

当我拿到《编剧高手Writing Scripts for Stage ＆ Screen》这本书时，其实是抱着一种试试看的心态。我之前也看过一些关于编剧的书，但总觉得它们要么过于学术化，要么过于浅显，不能真正解决我遇到的瓶颈。这本书的出乎意料地让我感到惊喜。它并没有回避创作中的难点，反而直面问题，并提供了切实可行的解决方案。其中关于“场景的节奏感”的论述，让我眼前一亮。我之前一直觉得场景的推进主要依靠情节，但这本书告诉我，即使是同一个场景，通过不同的叙事手法、人物的反应以及环境的细节描写，也能创造出不同的节奏和情绪，从而更好地抓住观众的注意力。作者还分享了很多自己亲身经历的创作故事和心得，这些真实的分享让这本书读起来格外有温度，也让我觉得这些技巧是可以被模仿和实践的。我尤其喜欢书中的“反高潮”设计技巧，这在我以前的认知里是很少见的，但作者的讲解让我明白了它在制造戏剧张力和出人意料的效果上的强大作用。这本书的价值在于，它不仅教会你“做什么”，更教会你“为什么这么做”，让你从根本上理解剧本创作的逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这是一本令人耳目一新的编剧指南！《编剧高手Writing Scripts for Stage ＆ Screen》最大的亮点在于它对“人物弧光”的深入挖掘。很多编剧书籍都会提及人物塑造，但这本书不仅仅停留在表面，而是教我们如何让人物在故事发展中经历真实的成长和转变。作者通过分析大量的经典电影和戏剧案例，详细讲解了如何设计人物的内在动机、价值观以及他们将如何面对挑战并最终做出改变。我读到关于“催化剂事件”的部分时，恍然大悟。原来，一个好的故事，不仅仅在于情节的跌宕起伏，更在于它能够触及人物内心深处，引发他们性格上的蜕变。书中的“人物小传”的填写指导也非常实用，它帮助我系统地梳理人物的背景、性格特点和潜在的弱点，为后续的人物发展打下了坚实的基础。而且，作者还鼓励我们在创作过程中保持对人性的洞察，用真诚的情感去打动观众。这本书让我对“写人”这件事有了全新的认识，也充满了创作的动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！我一直以来都有着写故事的冲动，脑子里也总是充满了各种奇思妙想，但真正坐下来动笔写剧本的时候，却总感觉无从下手，仿佛被一张无形的网困住了。阅读《编剧高手Writing Scripts for Stage ＆ Screen》的过程，就像是获得了一把开启我创意之门的钥匙。书中的内容并非简单地罗列一些理论，而是通过大量生动具体的案例，深入浅出地讲解了剧本创作的各个环节。从最初的角色塑造，到如何构建引人入胜的情节，再到对话的艺术，以及场景的描写，每一个部分都被讲解得细致入微。我特别喜欢书中关于“冲突”的部分，作者用非常形象的比喻解释了冲突在剧本中的重要性，以及如何设置不同层次的冲突来推动故事发展。读完之后，我感觉自己对剧本的结构和人物的塑造有了更清晰的认识，不再是凭着感觉乱写一通，而是有了一套行之有效的方法论。而且，这本书的语言风格也很平实易懂，不会让人感到枯燥乏味，反而充满了启发性，让我读起来兴致盎然，甚至常常在深夜也忍不住继续往下读。