跃进：音乐课程-节奏纪录簿　第一册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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原文作者： Edwin E. Gordon、David G. Woods

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• 音乐课程
• 节奏训练
• 乐理基础
• 儿童音乐
• 启蒙教育
• 音乐教材
• 节奏纪录簿
• 第一册
• 跃进
• 音乐教学

　　音乐的学习虽然受到许多先天与后天因素的影响，但其关键在于听解能力（Audiation）的堷养。能够了解乐音、欣赏乃至于享受音乐，或经由创作演出以音乐与其化人沟通，都需要建立富的音乐语汇。

　　这一套音乐教材是由美国音乐教育家高登博士编纂。透过有效可信的性向测验，因材施教，按部就班，有系统、有计画地在建立学生音乐语汇的过程中，培养其音乐的听解能力。

　　此课程恰当地补足我国中、小学音乐教材中，基本音乐素养训练缺乏系统及连贯性的缺点。它适用于国中、小学班级的音乐课、合唱团、乐团的例行排练，或有关音乐的团体课程。这套教材不应被当作参考教材之用，其意义在于实际的运用及施教；其成效呈现在持续不断的施教过程之中。

本书特色

　　透过有效可信的性向测验，因材施教，按部就班，有系统、有计画地在建立学生音乐语汇的过程中，培养其音乐的听解能力

译者简介

何佩华

　　美国南卡罗莱纳大学博士；现职：中山大学音乐系副教授；专长领域：钢琴教学、钢琴文献、伴奏法、音乐教育

乐海拾遗：古典音乐赏析与理论基础入门 本书旨在为音乐初学者和对古典音乐充满好奇的听众，提供一个全面而深入的入门指南。我们不专注于特定曲目的节奏训练，而是将视野投向更宏大的音乐世界，探索西方古典音乐的起源、发展脉络、核心理论概念以及伟大作曲家的生平与创作背景。 第一章：音乐的源头——西方音乐的远古回响与中世纪的圣歌 本章将带领读者回溯到西方音乐的萌芽阶段。我们将探讨古希腊的音律思想如何奠定西方音乐的理论基石，以及这些思想如何在罗马帝国的衰落后，被基督教音乐所继承和发展。重点将放在中世纪的单音音乐（Gregorian Chant）上，解析其庄严、宁静的特点，以及教会圣咏在确立早期音乐规范中的核心作用。我们会细致考察早期记谱法——纽姆记谱法（Neumes）的演变，它是如何从简单的音高指示符号，逐渐发展成为我们今天所见的五线谱前身，为后世复调音乐的诞生铺平道路。 此外，我们将讨论中世纪晚期世俗音乐的兴起，如游吟诗人的歌曲，它们是如何在教会音乐的庄严之外，注入了更多民间情感和叙事色彩，预示着文艺复兴的到来。 第二章：文艺复兴的曙光——人文主义与复调音乐的繁荣 文艺复兴时期是音乐史上一个重要的转折点。在人文主义思潮的影响下，音乐创作的焦点从纯粹的神圣转向了对人类情感的细腻描摹。本章将深入剖析复调音乐（Polyphony）的成熟与鼎盛。我们将讲解对位法（Counterpoint）的基本原理，即如何让多条独立的旋律线和谐共存，并通过分析若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）和帕莱斯特里那（Palestrina）的作品，理解他们如何将复杂的对位技巧与虔诚的宗教情感完美融合。 本章还将介绍室内乐的初步发展，以及音乐印刷术的发明对音乐传播产生的革命性影响。读者将了解到，音乐不再是少数精英的专属，它开始走向更广阔的社会阶层。 第三章：巴洛克时代的辉煌与激情——对位法的巅峰与歌剧的诞生 巴洛克时期（约1600-1750年）以其繁复的装饰性、强烈的戏剧张力和对情感的直接表达而著称。本章将重点探讨巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）这两位巨匠的贡献。我们将详细解析巴赫如何将对位法推向技艺的顶峰，无论是赋格曲（Fugue）还是对位练习曲，都展现了无与伦比的逻辑性和结构美。 同时，歌剧（Opera）作为巴洛克时期最重要的创新之一，其诞生和早期发展将得到详尽的介绍。我们将剖析清唱剧（Oratorio）和康塔塔（Cantata）的结构，并讨论“巴洛克式狂热”（Doctrine of Affections）——即音乐如何通过特定的节奏、调性和织体来描绘和激发单一的、强烈的情感状态。本章也会触及早期协奏曲（Concerto）的形成，以及通奏低音（Basso Continuo）在构建巴洛克音乐框架中的关键作用。 第四章：古典主义的清晰与平衡——奏鸣曲式与交响乐的典范 进入十八世纪中后期，音乐审美转向了追求清晰、对称、和谐与克制的情感表达，即古典主义风格。本章的核心在于解析“奏鸣曲式”（Sonata Form）。我们将一步步拆解呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）的结构逻辑，理解其如何成为海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）进行宏大音乐叙事的骨架。 我们将探讨交响乐（Symphony）如何从早期序曲演变为包含四个乐章的成熟体裁，以及奏鸣曲、弦乐四重奏在室内乐领域的地位确立。通过对比莫扎特的精致与海顿的幽默，读者可以更深刻地理解古典主义时期“形式服务于内容”的美学追求。 第五章：浪漫主义的个体表达——主观情感与音乐语言的扩张 浪漫主义时期，作曲家将个人情感、民族精神、文学想象力前所未有地注入到音乐创作中。本章将关注音乐语言的极大扩张：和声变得更加复杂，调性界限被模糊，长度更长的叙事性作品大量涌现。 我们将探讨李斯特（Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）如何打破传统器乐体裁的束缚，以音乐描绘文学故事；肖邦（Chopin）的钢琴作品如何将民族情感与高度个人化的表达融为一体。此外，艺术歌曲（Lied）的兴盛，特别是舒伯特（Schubert）的作品，展示了诗歌与音乐结合的极致魅力。本章还会讨论民族乐派的崛起，以及他们如何从民间音乐中汲取灵感，塑造各自国家的独特音乐身份。 第六章：二十世纪的多元探索——和声的革命与新风格的诞生 二十世纪是音乐史上最具变革性的时代之一。技术进步和两次世界大战带来的社会动荡，促使作曲家开始系统性地反思和颠覆过去两百年的音乐传统。本章将概述从后浪漫主义的瓦格纳（Wagner）的“不协和音”探索，到印象主义（Debussy）对音色和氛围的偏爱。 核心部分将聚焦于“无调性”（Atonality）和“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）的出现，解析勋伯格（Schoenberg）及其追随者如何寻求一种全新的组织声音的方式，以摆脱传统大小调体系的束缚。同时，我们将简要介绍斯特拉文斯基（Stravinsky）的新古典主义复苏，以及德彪西对传统节奏和旋律的解构，展示音乐语言的无限可能性。 结语：聆听的艺术与持续的探索 本书的最后，我们将探讨如何成为一个更具洞察力的听众。理解音乐的结构、历史背景和创作意图，能极大地丰富个人的聆听体验。我们鼓励读者将理论知识应用于实际的聆听中，将自己视为一位主动的探索者，而非被动的接受者。音乐的旅程永无止境，每一次成功的聆听，都是一次新的发现。 本书内容着重于宏观的历史脉络、核心理论概念的解析、以及代表性作曲家及其风格的辨析，旨在为读者构建起一座坚实的古典音乐知识体系的桥梁。

节奏单元一 ~ 节奏单元十九

评分☆☆☆☆☆

在我看来，一本好的音乐教材，不仅要传授知识，更要激发学习者的兴趣和动力。《跃进：音乐课程-节奏纪录簿 第一册》恰恰做到了这一点。它以一种非常积极向上、鼓励探索的方式来引导读者。书中的“跃进”二字，就仿佛在不断地激励着我，让我相信只要努力，我就能不断进步。我特别喜欢书中的一些小提示和“小贴士”，它们往往能够点醒我一些在练习中容易忽略的细节，让我茅塞顿开。而且，这本书的设计也非常人性化，纸张的触感、字体的清晰度，都给人一种舒适的学习体验。我发现，通过完成书中的一些节奏组合练习，我不仅能够更好地掌握音符的时值，还能对不同节奏型之间的关系有了更深刻的理解。有时候，我甚至会根据书中的一些模式，自己尝试着去创造一些新的节奏，这让我感受到了音乐创作的乐趣。这本书让我觉得，学习节奏不再是枯燥的背诵，而是一场充满发现和创造的旅程。我相信，这本书一定会成为我音乐学习道路上一个宝贵的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在音乐教育一线工作的老师，我最近接触到了一本让我眼前一亮的教材——《跃进：音乐课程-节奏纪录簿 第一册》。在教学过程中，我深切体会到节奏是音乐的灵魂，也是学生学习中最容易感到困惑的环节之一。市面上虽然不乏节奏练习的书籍，但很多要么过于理论化，要么过于零散，难以系统地指导学生。这本书的出现，恰好填补了这一空白。从目录上看，它的编排逻辑非常清晰，从最基础的拍号、音符时值开始，逐渐过渡到切分音、附点音符等更复杂的节奏型，覆盖了初学者可能遇到的绝大多数节奏难点。而且，它采用了“纪录簿”的形式，鼓励学生动手记录、练习，这对于培养学生的学习主动性和观察力非常有帮助。我尝试着让几位学生试用了一下，他们反馈说书中的练习由浅入深，不会一下子给太大的压力，而且每个练习都配有清晰的例子，更容易理解。最重要的是，它强调的是“跃进”的理念，这意味着它不只是让你停留在原地，而是鼓励你不断挑战自我，突破瓶颈。我相信，如果老师们能将这本书巧妙地融入课堂教学，必将极大地提升学生在节奏方面的学习效果，为他们打下坚实的音乐基础。

评分☆☆☆☆☆

我不是一个专业的音乐人士，但音乐一直是我生活中不可或缺的一部分。我喜欢听各种类型的音乐，也偶尔会尝试着弹奏一些简单的旋律。然而，每当我涉及到节奏的部分，总是会感到力不从心。《跃进：音乐课程-节奏纪录簿 第一册》这本书，就像是为我这样的“业余爱好者”量身打造的。它没有那些高深的理论术语，而是用一种非常直观的方式来讲解节奏。我特别喜欢书中的一些插图和标记，它们能帮助我更形象地理解音符的时值和组合。而且，它不仅仅是让你“看”，而是鼓励你“做”。比如，有一些让你自己去拍打节奏的练习，或者让你在空白处写下自己设计的节奏。这种互动式的学习方式，让我觉得不再是被动地接受信息，而是真正参与到音乐的创造过程中。虽然我才刚刚开始接触这本书，还没有完成所有的练习，但我已经能明显感觉到我的节奏感有了提升。以前一些听起来很复杂的节奏，现在也能慢慢分辨出其中的规律了。这本书让我觉得，学习音乐的节奏，并没有想象中那么困难，只要有好的方法和足够的耐心，每个人都能有所“跃进”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计，就给我一种很踏实、很专业的感受。没有花哨的图片，只有简洁的字体和配色，却传递出一种严谨的气息。《跃进：音乐课程-节奏纪录簿 第一册》这本书，给我的第一印象就是它在内容上的专业性和系统性。我之前接触过一些音乐理论的书籍，但很多都侧重于乐理的其他方面，而专门针对节奏，而且做得如此细致的书并不多见。这本书从最基本的概念讲起，比如全音符、二分音符、四分音符这些，然后慢慢地加入切分音、三连音等，每一步都衔接得很自然，让人感觉学习过程很顺畅。而且，它不是那种讲完理论就结束的书，而是提供了大量的练习题，并且鼓励读者在其中进行记录和反思，这对于巩固学习成果至关重要。我注意到书中的一些练习，设计得非常巧妙，能够有效地考察学生对节奏的理解和运用能力。对于想要系统学习节奏，或者想要巩固节奏基础的音乐学习者来说，这本书无疑是一本非常值得推荐的工具书。它不仅仅是一本教材，更像是一个忠实的学习伙伴，陪伴你一起在音乐的道路上“跃进”。

评分☆☆☆☆☆

这本《跃进：音乐课程-节奏纪录簿 第一册》在我手里已经有一段时间了，最近终于有时间静下心来翻阅。初次拿到它，就被它朴实而坚毅的书名吸引了——“跃进”，带着一股向前冲的劲头，而“节奏纪录簿”，则直接点明了它在音乐学习中的核心作用。我一直以来都对音乐有着浓厚的兴趣，尤其是在节奏方面，总感觉自己捉摸不透，有时候会跟不上拍子，有时候又觉得节奏的掌握不够精准。所以，当我看到这本书时，就像找到了一个救星。尽管我还没有开始深入地去实践书中的每一个练习，但仅仅是浏览目录和前言，就能感受到编者在编排上的用心。它不仅仅是一本枯燥的乐谱集，更像是一个循序渐进的学习指南，从最基础的节奏概念入手，一步步引导读者去理解和感受节奏的魅力。书中的排版和字体设计也让人感觉很舒服，不会过于花哨，但又足够清晰，方便在练习时查阅。我尤其期待书中那些针对不同难度的节奏练习，希望能帮助我建立起扎实的节奏感，甚至在即兴演奏时也能更加自信。这本书的出现，无疑为我开启了一扇通往更深层次音乐理解的大门，我迫不及待地想在接下来的日子里，跟随它的指引，一步一个脚印地“跃进”。