录像艺术启示录 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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追溯录像艺术的起源、发展、风格与类型，介绍当今具代表性的十位国际录像艺术家
深入浅出、图文对照，为中文读者了解录像艺术发展之最佳途径。

　　录像艺术从1960年代至今，因拍摄器材的生产，使录像媒材很快地被艺术家认定是有意义的工具，且逐渐融入他们的独立影像创作。历经数十年的录像艺术，即是生活与科技的一体两面，早期创作从跨越电视媒材到实验性的尝试，陆续开发出与身体、观念、纪录、电影、电脑、互动、装置等相互结合的概念，让它从多元艺术流派中冒出新芽而茁壮。录像艺术在科技不断创新、人文观念辗转革新的环境中，使它在当代艺术的座标中，逐渐佔据重要地位。

　　《录像艺术启示录》从录像艺术的发展历史、创作风格与类型分析为基础，继而叙及当今具有重要影响力的艺术家，包括白南准（Nam June Paik）、比尔．维欧拉（Bill Viola）、盖瑞．希尔（Gary Hill）、汤尼．奥斯勒（Tony Oursler）、席琳．奈沙特（Shirin Neshat）、马克．渥林格（Mark Wallinger）、山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）、马修．巴尼（Matthew Barney）、史密斯和史都华德（Smith/Stewart）、克里斯．康宁汉（Chris Cunningham）等人的创作与观念。本书从录像艺术之父到录像艺术大师菁华，串连这些深具指标意义的创作内涵与精神启示，进而诠释科技时代的艺术风格。本书荣获财团法人国家文化艺术基金会赞助。

作者简介

陈永贤

　　1965年出生于台湾，国立台北艺术大学美术系学士、美术史硕士，英国布莱顿大学艺术博士。创作主轴以身体行为与新媒体艺术为方向，曾举办个展包括：「身体之歌」、「人层回圈」、「他者之他」。作品受邀参加亚洲、美洲、欧洲各地美术馆之展览四十余次；2009获选为美国剧场大师Robert Wilson的Watermill Center驻村艺术家；作品获加拿大枫叶新人奖、英国贝克奖。

　　他也身兼独立策展人，策展经历包括：「幻象之丘—台湾新媒体艺术展」(SCOPE迈阿密，凤甲美术馆)、「第一届台湾国际录像艺术展」(凤甲美术馆)、「第二届台湾国际录像艺术展」(凤甲美术馆、台艺大)、「寻找马纬度—新媒体艺术展」( MOT ARTS)、「动漫快感—数位媒体艺术展」(阳明大学艺文中心）、「夜视．台北—国际录像艺术展」诚品艺文空间)、「Random-ize Film & Video Art Festival」(伦敦）。在写作方面，论述以当代艺术评论、新媒体艺术为研究领域，发表学术论文十余篇、论述九十余篇；出版着作《台湾插画图像美学》、《身体之歌》、《他者之他》，主编《当代科技与录像艺术》、《幻象之丘—新媒体艺术》专书；现为国立台湾大学多媒体动画艺术系所助理教授。

好的，这是一份关于一本假定图书的详细简介，书名为《录像艺术启示录》： --- 书名： 录像艺术启示录 作者： [请在此处填写作者姓名] 出版年份： [请在此处填写年份] 出版社： [请在此处填写出版社名称] --- 内容简介： 《录像艺术启示录》是一部深入探讨20世纪下半叶艺术史转折点的开创性著作。本书并非仅是对录像艺术运动的回顾，更是一次对媒介本体论、视觉文化的深入剖析，旨在揭示录像技术在挑战传统艺术范式、重塑观众体验以及构建新的社会感知图景中所扮演的关键角色。 本书的核心论点在于，录像技术从最初作为一种大众传播工具的附属品，如何一步步被艺术家转化为一种具有颠覆性的艺术媒介。作者细致梳理了从20世纪60年代中期，录像技术首次进入艺术家的工作室，到其在当代艺术领域占据重要地位的整个历程。 第一部分：从“屏幕”到“舞台”——录像技术的解放 本书的开篇追溯了录像技术早期的发展脉络。在索尼便携式摄像机（Portapak）问世之前，影像艺术主要受制于电影工业的巨大预算和院线发行机制。录像的出现，以其低廉的成本、即时记录的能力以及对传统胶片逻辑的解放，为那些试图逃离艺术市场和商业逻辑的先锋艺术家提供了新的可能性。 作者重点分析了“过程艺术”与录像的交集。录像不再仅仅是记录最终作品的工具，它本身成为了作品。艺术家们开始关注时间、空间、人与机器的互动。书中详尽描述了早期录像实践的几个关键转向： 时间性的实验： 录像循环、慢动作、延时摄影等手法，如何打破了线性叙事，迫使观众以一种全新的、非线性的方式体验时间。 身体与媒介的交织： 录像被用于探索身体的边界、身份的构建以及表演的瞬时性。它不再是“观看”，而是“在场”。 对电视语言的反叛： 艺术家们利用录像固有的“非专业感”和电视语言的语汇，进行解构和挪用，暴露了大众媒体意识形态的内在矛盾。 第二部分：重塑空间与感知——装置与环境的革命 随着录像技术的发展，艺术家们开始将录像从传统的屏幕展示中解放出来，将其融入空间叙事之中。本书深入探讨了录像装置艺术的兴起，指出这不仅是形式上的变化，更是对艺术品与观众关系的一次根本性重构。 作者认为，录像装置艺术的核心在于“环境浸入性”。通过多屏、环绕式投影、以及对光线和声音的综合运用，艺术家创造了一种“在场感”或“迷失感”，迫使观众成为作品环境的一部分。 书中重点分析了以下几个关键议题： 1. 场景的重构： 录像如何被用来构建虚拟景观或记忆碎片，挑战观众对现实空间与虚构空间的界限认知。 2. 叙事的碎片化： 装置中的多重影像流，要求观众主动参与到意义的建构中，而非被动接受单一叙事。 3. 后电影时代的思考： 录像艺术如何与电影保持张力，并预示了当代沉浸式体验艺术的某些雏形。 第三部分：社会批判的棱镜——身份、权力与历史的重写 《录像艺术启示录》的后半部分将焦点转向录像作为一种批判性工具的潜力。本书强调，录像的“民主性”和“可复制性”使其成为对抗中心化权力叙事和精英艺术体制的有力武器。 作者详细分析了不同社群如何利用录像技术来记录、表达和传播被主流媒体忽视的声音。这部分内容尤其关注： 身份政治的表达： 录像在女性主义艺术、酷儿艺术以及少数族裔艺术实践中的应用，如何通过自我呈现和颠覆刻板印象来建立新的主体性。 对历史记录的质疑： 录像作为“即时记录者”的属性，如何被用来挑战官方历史叙事，通过私人视角和边缘化经验来重写历史。 媒体景观的解剖： 探讨艺术家如何反向利用大众传媒的视觉符号，揭示其背后的意识形态控制。 结语：面向未来的“录像”遗产 本书最后一部分对录像艺术的遗产进行了总结，并展望了其对当代数字艺术，特别是网络影像、虚拟现实（VR）和增强现实（AR）的深远影响。作者认为，虽然技术形态不断更迭，但录像艺术所确立的“媒介自觉性”——即艺术家对自身所使用的技术工具的内在局限与可能性进行反思——仍然是当代所有新媒体艺术实践的基石。 《录像艺术启示录》不仅是艺术史的梳理，更是一份对“观看”行为本身的哲学考察。它邀请读者重新审视屏幕内外的一切，理解影像如何塑造了我们理解世界的方式，以及艺术在这一过程中所能达到的深刻洞察力。本书配有大量珍贵的历史图片和文献资料，是理解20世纪艺术实验不可或缺的参考书。 ---

摘要
第 一 章、录像艺术的发展风格
第 二 章、录像艺术的科技先驱—白南准（Nam June Paik）
第 三 章、时序递嬗的一道灵光—比尔．维欧拉（Bill Viola）
第 四 章、视觉文本的共振韵律—盖瑞．希尔（Gary Hill）
第 五 章、荒谬弔诡的幽默语汇—汤尼．奥斯勒（Tony Oursler）
第 六 章、跨越性别的影像之歌—席琳．奈沙特（Shirin Neshat）
第 七 章、无人之地的生命基调—马克．渥林格（Mark Wallinger）
第 八 章、点燃情绪的惊爆激点—山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）
第 九 章、诡谲氛围的不确定性—马修．巴尼（Matthew Barney）
第 十 章、双人身体的隐喻符码—史密斯和史都华德（Smith/Stewart）
第十一章、数位影音的漫游疆界—克里斯．康宁汉（Chris Cunningham）
参考文献
专有名词英译
图版索引
索引

自序
录像艺术与文化思维的时代意义
陈永贤

　　以摄录影机作为创作媒介的录像艺术，结合了观念艺术、行为艺术、装置艺术，抑或与电影、动画、纪录……等动态影音属性，相互在时间、空间向度里共构出影像美学，成为当代艺术发展中的重要指标。本书从录像艺术的发展历史、创作风格与类型分析为基础，继而论及当今具有重要影响力的艺术家，串连这些深具指标意义的创作内涵与精神启示，进而诠释科技时代的艺术风格。

　　录像艺术大师之菁华，如白南准（Nam June Paik）从早期实验性创作探索到晚期的录像装置，将东方哲思的融合现代技术，作品涵盖自我对于影像与电子媒介的组构诠释。比尔．维欧拉（Bill Viola）透过传统宗教图像思考，以影像并置的呈现状态，追求深层话语的视觉结构，隐喻着世间的失乐园与人性超脱，显现一种时序渐变下的灵光流汇。盖瑞．希尔（Gary Hill）借由语言结构和语言诠释的观念转化，把身体置于客体中的一个主体，显现出其特性，不仅活化了影像和语言的律动，也让身体∕文字∕语言达到共振共鸣的关系。汤尼．奥斯勒（Tony Oursler）採用转绎手法，把影像转移到自制的物体上，借由具体的外貌进而延异为影像特征，以轻松诙谐∕讽刺暗喻的形式，挑战既定的社会价值观。而席琳．奈沙特（Shirin Neshat）则围绕于性别与东西方文化差异的议题，对西方世界所迷恋的异国情调予以对等嘲讽，同时也试图揭开伊斯兰教黑色面纱，为守旧的社会训规提出另一种关照。

　　再如马克．渥林格（Mark Wallinger）作品中透露的弔诡氛围，是社会存在的一种迷失现象，并以谐谑的文字符号及象征意义，经营一种对立性与矛盾感的视觉冲突，企图颠覆传统的视觉美学。山姆．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）精准地掌握住人际互动时所产生的温暖、失落、忧伤、喜悦等错综复杂的反应，适时反应人生多变的情绪与感情，亦道尽人生颓美与死亡的意像。马修．巴尼（Matthew Barney）作品充满了诡异图像，以及隐藏着多重符码，同时也在时髦光鲜的色彩里，夹杂着虚构与形而上的视觉语言，其意义经由身体记忆而建构。史密斯和史都华德（Smith/Stewart）以自身的身体愉悦或痛苦表征来表达一份属于内在情绪，透过影像指射男性∕女性之结构关系，借此检验理想化的自身形象，以及以自我身体的实践过程中所隐含的冲突与辩论。克里斯．康宁汉（Chris Cunningham）则透过天马行空想像力与荒诞的创作意念，结合实验音乐与流行音乐，表达一种抽象的情慾关系，展现个人强烈且诡异的视觉风格。

　　笔者于1999年留学英国期间，在伦敦歌德史密斯学院巧遇薛保瑕老师，在她鼓励下开始从欧洲各美术馆观察当代艺术现况，撰述相关文章并陆续发表于艺术家杂志。笔者亲临拜访各大美术馆或国际展览，发现录像艺术已经从早期萌芽阶段，而今已蜕变出令人震撼的视觉语汇。这段期间承蒙义大利威尼斯双年展、法国庞毕度艺术中心、英国泰德现代馆、泰德英国馆、皇家艺术学院、ICA、Hayward Gallery、Serpentine Gallery、Saatchi Gallery、South London Gallery、Anthony D’offay等单位，热心提供文字及图片资料，特致谢意。

　　学成归国后，笔者继而从事录像艺术创作与相关教学，并致力推动以台湾为主体的发声平台。2003年和胡朝圣、吕佩怡策划「夜视．台北—国际录像艺术展」（诚品艺文空间），之后再度与胡朝圣合作，分别策展「居无定所？2008第一届台湾国际录像艺术展」（凤甲美术馆）、「食托邦—2010第二届台湾国际录像艺术展」（凤甲美术馆、台艺大、香港微波新媒体艺术节），试图将录像艺术作为教育推广，并让更多的创作者共同参与展出。……

　　因此，本书内容以国际录像艺术大师的创作脉络为主轴，着眼于艺术创造的精神性和视觉文化的延伸，主要目的在于扩展国际视野，透过创作者之思考脉络与背景结合，探讨科技时代下录像艺术与文化思维的样貌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，虽然探讨的是一个相对专业的艺术领域，但作者的笔触却充满了文学性和哲学性，读起来并不枯燥，反而像是在进行一场引人入胜的智力冒险。我特别喜欢书中那些充满诗意的譬喻和深刻的洞察，它们将抽象的理论概念变得鲜活而易于理解。例如，作者将录像艺术的传播比作“思想的病毒”，这种形象的比喻，让我瞬间理解了影像内容如何在群体中快速扩散和变异。书中对于“观看”这一行为的深入剖析，也让我受益匪浅。我们每天都在观看，但有多少次我们真正“看见”了？作者提醒我们，观看不仅仅是被动地接收信息，更是一种积极的互动和诠释过程。通过对观看行为的解构，我开始意识到，自己作为观看者，在影像的意义生成过程中扮演着多么重要的角色。这本书不是一本教你如何“创作”录像艺术的书，而是一本教你如何“理解”和“思考”录像艺术的书，它提升了我的思辨能力，也拓展了我对艺术与生活关系的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事结构和逻辑清晰度也令人称道。尽管内容丰富且涉及诸多跨学科的理论，但作者始终能够将复杂的概念梳理得井井有条，使得读者能够跟随他的思路，一步步深入理解录像艺术的演变脉络。书中对不同时期、不同流派的录像艺术的介绍，都显得非常具有代表性，而且作者善于在宏观的理论框架下，引入具体的作品案例进行佐证，让理论不再是空中楼阁，而是有了坚实的落地。我尤其欣赏的是，作者在结尾部分提出的展望，他并没有给出确切的答案，而是鼓励读者继续思考，继续探索录像艺术未来的可能性。这种开放式的结尾，恰恰符合了“启示录”的主题，它意味着这不仅仅是一个终点，更是一个新的起点。读完这本书，我感觉自己对录像艺术的理解，不再是零散的点，而形成了一个清晰的网络，我迫不及待地想将这份理解应用到我日常的影像消费和思考中去。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的是其对“时间”这一概念在录像艺术中独特处理的阐述。以往我对录像艺术的理解，更多停留在其视觉形式或者所探讨的主题上，但这本书却将“时间”本身视作一种媒介，一种可以被操控、被颠覆、被重新构建的元素。作者通过对一系列案例的细致分析，展现了录像艺术如何打破线性的时间叙事，如何通过循环、停顿、闪回、蒙太奇等手法，去挑战我们对过去、现在和未来的固有认知。这种对时间的深刻反思，让我不禁联想到现实生活中，数字技术是如何改变我们对时间流逝的感知——一方面是信息的即时性，另一方面却是碎片化、被不断打断的注意力。书中关于“暂停”和“慢放”的讨论，尤其具有启发性，它促使我去思考，在信息爆炸的时代，我们是否也需要有意识地“暂停”下来，去消化和反思，而不是被无休止的“播放”所裹挟。这种对时间维度内在价值的挖掘，是这本书给我带来的一个非常重要的思想启迪，它让我重新审视自己在信息洪流中的存在状态。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让人耳目一新的书，作者的视角极其独特，对于我们理解当代影像的传播方式和它所蕴含的深刻意义，提供了一种全新的解读路径。我一直觉得，录像艺术不仅仅是停留在艺术史课本上的某个冷僻的流派，它早已悄无声息地渗透进了我们生活的方方面面，从短视频的碎片化叙事，到社交媒体上精心设计的视觉呈现，再到某些纪录片对社会议题的尖锐触碰。这本书就像一把钥匙，为我打开了认识这些现象背后更深层次逻辑的大门。它并没有简单地罗列艺术家和作品，而是试图去解析录像艺术在技术发展、社会变迁和文化思潮交织的背景下，如何演化出其独特的表达逻辑和影响力。读完后，我发现自己看待手机屏幕上的每一个画面，都带上了一种审视的眼光，开始去思考它们是如何被创造、传播，以及它们最终如何塑造我们的认知和情感。这种“启示录”般的体验，让我对“影像”这个词有了更丰富、更具批判性的理解，感觉自己仿佛获得了一种观察世界的“超能力”。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，艺术作品的价值，很大程度上在于它能否激发出读者对自身处境和周遭世界的思考。这本书在这方面做得非常出色。它并没有回避当代社会中存在的种种困境和焦虑，而是将录像艺术的演变与这些现实议题紧密地联系在一起。从社会运动中的影像记录，到关于身份认同的视觉表达，再到对权力结构的反思，书中探讨的每一个主题，都与我们息息相关。阅读这本书的过程，就像是在进行一次深入的自我对话，每一次翻页，都仿佛是在揭开一层新的认知壁垒。作者的观点并非简单地呈现，而是充满了一种辩证的力量，他引导读者去质疑，去探索，去形成自己独立的判断。这本书最打动我的地方在于，它让我感受到了一种力量，一种通过理解影像的力量，去更好地理解我们所处的这个复杂而充满挑战的时代的力量。