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　　从摄影史的长河史轴中，开启25位摄影大师的作品窗口
　　驻足认识摄影史上最具个人表现力与历史价值的摄影艺术代表

　　摄影术发明以来，有数以百计乃至于千计的摄影家享誉国际。但锋头可能都不比本书的25位摄影家来得强健。

　就作品的类型、文化意义、市场价值等元素，促就了这些摄影家的摄影史定位。世纪之交，艾弗瑞．史提葛立兹（Alfred Stieglitz）的「直接式摄影」奠定了美国摄影，爱德华．史泰钦（Edward Steichen）则令「作画式摄影」凌越绘画的价值。1920-1940的战间年代，超现实主义摄影、社会写实摄影、静物摄影与景观摄影几大类别有了互相争艳的氛围，曼．雷（Man Ray）主导了超脱意识的超现实摄影，沃克．伊凡斯（Walker Evans）忠恳地取实美国经济大萧条的乡间，爱德华．魏斯顿（Edward Weston）拍出世上最不朽的〈青椒〉，另外，安德烈．科泰兹（Andre Kertesz）且以感性制出前卫性的纪实，比尔．布兰特（Bill Brandt）则混合自然、人体、建筑为另类的景观。而战间至战后，「纪实摄影」的风华年代，则非亨利．卡地亚-布列松（Henri Cartier-Bresson）、劳勃．端诺（Robert Doisneau）乃至劳勃．法兰克（Robert Frank）的少数才得诠释。

　　当今，还有热度不减的「时尚摄影」与「编导摄影」，时尚摄影表征人物艾尔文．潘（Irving Penn）、理察．亚维登（Richard Avedon）与汉姆特．纽顿（Helmut Newton），其影像似乎永远不褪流行；编导摄影于继续挑战纪实与观念的同时，还结合了自拍摄影、矫饰摄影、数位摄影，并而出现了对手「后新客观摄影」。德国的后新客观摄影，有安德列亚．格斯基（Andreas Gursky）与汤玛斯．史彻斯（Thomas Struth）两人为首，企图用如假包换的真实来对抗劳勃．梅波索普（Robert Mapplethorpe）、安德烈．塞拉诺（Andres Serrano）、珊．泰勒-伍德（Sam Taylor-Wood）等人的花招尽出……。

　　这25位摄影家之作，实是收藏市场上的瑰宝。就在2007年，安德烈亚．格斯基以其＄3,346,456美元作品，打败了原先爱德华．史泰钦的＄2,928,000美元，目前暂居第一。而本书唯一的亚洲摄影家杉本博司（Sugimoto Hiroshi）、身价最高的女性摄影家辛蒂．雪曼（Cindy Sherman）、编导摄影家代表杰夫．沃尔（Jeff Wall）等亦有百万美元创作……。除外，具相当特色的马力欧．杰考梅力（Mario Giacomelli）、强．苏戴克（Jan Saudek）、皮耶与吉尔双人组（Pierre & Gilles），更是摄影艺术史上的罕见人物。

　　就创作年代排序，自十九世纪末延伸到二十一世纪初的三个世纪，历经了时代与市场的考验；这25位摄影名家，值得我们于初探摄影艺术史之余，再进一步领会摄影家们的创作过程与特色，与其作品在历史上的价值。因此，本书绝对是摄影藏家的参考，亦是单一摄影家研究爱好者的必读。

作者简介

郑意萱

　　巴黎第八大学工艺美术系博士候选人。
　　主要研究摄影、复印与当代艺术。

　　论文及作品已由西班牙电导影像美术馆（Museo Internacional De Electrofia）与魁北克复印艺术中心等机构收藏。曾任教于岭东科技大学商设系摄影课程，现为专职艺术评论者，着有《摄影艺术简史》。

影像之外的风景：现代艺术大师的非摄影创作世界 一、引言：从镜头到画布——艺术家的多重身份 当我们提及那些定义了二十世纪乃至今日视觉文化的面孔时，首先浮现在脑海的往往是他们标志性的摄影作品：布列松的决定性瞬间、安塞尔·亚当斯对自然光影的精确捕捉，或是辛迪·舍曼对女性身份的颠覆性解构。然而，许多享誉盛名的摄影大师，其艺术生命力远不止于取景框之内。他们如同文艺复兴时期的全才，对绘画、雕塑、电影、文学乃至装置艺术都抱持着强烈的探索欲与实践精神。 本书并非聚焦于这些艺术家的光影杰作，而是将聚光灯投向一个常常被主流艺术史叙事所忽略的领域：摄影艺术家们在摄影媒介之外的创作实践及其深刻内涵。 我们将深入探究，当这些视觉语言的权威放下相机，他们转向其他媒介时，其核心美学理念和哲学思考是如何转换、延伸或甚至产生全新的对话。 二、绘画的召唤：捕捉运动的凝固与色彩的张力 许多早期摄影师，尤其是在摄影术尚未完全被艺术界接纳的年代，都拥有深厚的古典绘画功底。他们视摄影为一种新的“素描”工具，但当他们回归传统绘画时，其对光线和构图的敏感性，却为他们的画作注入了前所未有的现代感。 例如，某些以纪实摄影著称的大师，在油画中展现出对“瞬间的永恒化”的痴迷。他们的画作可能描绘的是静物，但笔触和光影的处理，却仿佛是快门开启的瞬间被拉伸、被赋予了更强烈的心理暗示。他们并非简单地复制现实，而是利用颜料和画布的物质性，去探讨摄影所无法完全捕捉的时间厚度。 更进一步，一些战后艺术家将对摄影中非物质性（如曝光、冲洗过程的偶然性）的迷恋，转化为了抽象表现主义的绘画实践。他们笔下的色彩和纹理，是对传统胶片颗粒感和化学反应的致敬与超越。这些画作，往往以一种“意外的精确性”挑战着观者对“艺术家的意图”的传统认知。 三、雕塑的体积与空间：从二维平面到三维介入 摄影本质上是一种二维的艺术形式，但优秀的摄影师对空间和体积的把握能力是毋庸置疑的。当他们转向雕塑或装置艺术时，这种空间意识得到了最直观的释放。 本书将详述几位摄影大师如何利用现成品（Found Objects）进行创作。他们不再是被动地记录被摄主体，而是主动地“构建场景”，将镜头语言中的“景深”和“透视”转化为物理上的“侵入性”和“可触碰性”。这些雕塑作品往往带有强烈的社会批判性，利用日常物品的并置，模仿了摄影作品中常见的“并置叙事”（Juxtaposition Narrative），迫使观众从一个全新的、需要移动和绕行的角度去解读被呈现的主题。 特别值得关注的是，一些将行为艺术融入摄影的先驱，其雕塑作品常常体现出对身体局限性和环境制约的探索。他们的三维作品，往往是他们摄影创作中关于“场所精神”或“个体在巨大结构中的位置”的具象化延伸。 四、电影的叙事与运动：扩展时间的维度 摄影是凝固的时间，而电影则是流动的叙事。许多视觉艺术家对时间流逝的迷恋，自然而然地将他们引向了电影制作领域，无论是以实验短片的形式还是参与到更宏大的叙事结构中。 我们不谈论那些仅仅是拍摄纪录片的摄影师。本书关注的是那些利用电影语言“解构”摄影本身局限性的实践者。例如，他们可能通过慢镜头或快速剪辑，揭示了“决定性瞬间”背后的复杂时间序列；或者，他们利用蒙太奇手法，在不同的画面片段之间创造出一种类似“双重曝光”的心理叠加效果。 这些电影作品往往是高度个人化的视觉日记，它们不再依赖于通过取景器观察世界，而是通过声音设计、配乐和场景调度，将观众直接拖入艺术家内心世界的节奏之中。这些跨界作品，为我们理解他们摄影作品中隐含的叙事线索，提供了至关重要的背景信息。 五、文学与文本的交织：对图像意义的注释 视觉与语言的关系，是艺术史上永恒的辩证主题。一些摄影大师深知，纯粹的图像往往是“沉默的暴君”，其意义易被误读或过度简化。因此，他们以作家的身份，通过诗歌、散文或直接在照片背面/作品说明中撰写的文本，来引导、修正或故意模糊图像的含义。 本书将分析这些文本创作的特征。它们往往不是对图像内容的简单描述，而是哲学性的反思，探讨“观看行为”本身、图像的复制性、以及媒介的局限性。对于那些擅长概念摄影的艺术家而言，文字往往是作品的“骨架”，没有文字，图像便失去了其概念的支撑。这些文字作品本身，也构成了他们艺术遗产中不可或缺的一部分。 六、结论：跨界实践中的统一美学内核 摄影艺术名家集的核心魅力，在于他们拒绝被单一媒介的边界所定义。他们的绘画、雕塑、电影和文字实践，并非是摄影技艺的“副产品”，而是其美学哲学的自然衍生和必要补充。 通过考察这些“影像之外的风景”，我们能够更全面地理解，在那个快速变化的艺术年代，一位真正的视觉思想家是如何通过手中可用的任何工具，去挑战我们对现实、时间、空间和意义的既有认知。本书旨在揭示，支撑这些大师作品的，是他们对人类经验的深刻洞察力，而非仅仅是手中那台相机的品牌或镜头的光学性能。他们的跨界探索，恰恰证明了艺术的本质是无边界的表达冲动。

序

艾弗瑞．史提葛立兹 美国摄影艺术的先驱（Alfred Stieglitz，1864-1946）
爱德华．史泰钦 划时代的时尚摄影家（Edward Steichen，1879-1973）
曼．雷 超现实主义摄影大师（Man Ray，1890-1976）
安德烈．科泰兹 抽象与感性的前卫摄影家（Andre Kertesz，1894-1985）
爱德华．魏斯顿 裸体与静物摄影一代宗师（Edward Weston，1886-1958）
沃克．伊凡斯 最客观的社会写实摄影家（Walker Evans，1903-1975）
比尔．布兰特 另类的景观摄影家（Bill Brandt，1904-1983）
亨利．卡地亚-布列松 决定性的瞬间（Henri Cartier-Bresson，1908-2004）
劳勃．端诺 法国人道观怀摄影的代表（Robert Doisneau，1912-1994）
艾尔文．潘 《风尚》杂志的灵魂人物（Irving Penn，1917-2009）
威廉．克莱 反摄影的摄影家（William Klein，1928-）
马力欧．杰考梅力 黑与白的义大利剪影（Mario Giacomelli，1925-2000）
理察．亚维登 时尚界的人像摄影家（Richard Avedon，1923-2004）
汉姆特．纽顿 性解放的女性时尚（Helmut Newton，1920-2004）
劳勃．法兰克 经典之作《美国人》（Robert Frank，1924-）
劳勃．梅波索普 人体、同性、花之恋（Robert Mapplethorpe，1946-1989）
强．苏戴克 躲在地下室的摄影家（Jan Saudek，1935-）
杰夫．沃尔 似戏如真的编导摄影家（Jeff Wall，1946-）
皮耶与吉尔 奇想双人组（Pierre et Gilles，1950&1953-）
杉本博司 概念的形式（Sugimoto Hiroshi，1948-）
辛蒂．雪曼 百变的自拍摄影家（Cindy Sherman，1954-）
安德烈．赛拉诺 挑战禁忌的摄影家（Andres Serrano，1950-）
安德列亚．格斯基 后新客观主义摄影家（一）（Andreas Gursky，1955-）
汤玛斯．史彻斯后新客观主义摄影家（二）（Thomas Struth，1954-）
珊．泰勒-伍德 半悬空的摄影家（Sam Taylor-Wood，1967-）

评分☆☆☆☆☆

这本《摄影艺术名人集》真的太让我惊喜了！我一直是个摄影爱好者，但总感觉自己的作品缺乏灵魂，像是技术上的堆砌，却打动不了人心。偶然翻到这本书，一开始也没抱太大期望，想着也就是看看大师们的作品，学点技巧。结果呢？它完全颠覆了我的认知。书中的每一个人物，不仅仅是摄影师，更是他们那个时代的记录者，是情感的传递者，是思想的表达者。我印象最深刻的是其中一位关于战争摄影师的介绍，他用镜头捕捉到的不是血腥和暴力，而是战争中普通人的眼神，那种绝望、坚韧又充满希望的目光，真的像一把钝刀子，慢慢地割裂我的心。我一遍遍地翻看他拍摄的那张照片，试图理解他按下快门的那一刻，内心承受了多大的痛苦与挣扎，又怀揣着怎样的使命感。这本书没有枯燥的技术讲解，而是将摄影艺术上升到了哲学和人文的高度，让我开始思考，作为一名摄影师，我应该用我的镜头去观察什么，去记录什么，去表达什么。它不仅仅是一本介绍摄影大师的书，更是一次关于生命、关于情感、关于时代的反思之旅。我感觉我的摄影之路，因为这本书，从此有了更明确的方向和更深邃的意义。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些能够用镜头讲述故事的人心怀敬意，《摄影艺术名人集》这本书，无疑满足了我对这方面的所有好奇。我特别着迷于其中几位艺术家，他们将摄影视为一种语言，用画面来表达情感、批判社会，甚至是唤醒沉睡的意识。我记得其中一位艺术家，他的作品聚焦于城市中的边缘人群，用强烈的对比和略带忧郁的色调，展现了他们的生活困境和内心的孤独。这些照片，不是为了猎奇，而是为了引起人们的关注和反思。我甚至能从那些眼神中，感受到一种无声的呐喊。这本书不仅展示了精美的作品，更重要的是，它深入剖析了这些艺术家是如何通过他们的创作，来传递人文关怀和对社会问题的思考。我从中学习到的，不仅仅是构图和用光，更是如何让我的摄影作品具有更强的思想性和情感深度，如何用我的镜头去关注那些容易被忽视的声音，去讲述那些值得被听见的故事。

评分☆☆☆☆☆

《摄影艺术名人集》这本书，对我来说，与其说是一本摄影集，不如说是一次关于“看见”的哲学探讨。我一直觉得，摄影就是按下快门，记录下眼前的景象。但这本书，通过一个个鲜活的艺术家案例，让我意识到，真正的摄影，是一种“看见”的能力，一种穿透表象，直抵事物本质的智慧。书中有一位艺术家，他专注于拍摄日常生活中被忽略的细节，比如雨滴落在窗户上的痕迹，或者是一片被遗忘在角落的落叶。他的作品，看似平淡无奇，却蕴含着一种诗意的宁静和哲理的深意。我反复揣摩他如何用简单的画面，唤起观者内心深处的共鸣。我开始反思自己平时观察世界的角度，是不是过于急躁，错过了太多美好的瞬间。这本书就像一面镜子，照出了我观察世界时的“盲区”，也引导我去探索更广阔的视觉领域。它让我明白，摄影不仅仅是一种技能，更是一种生活方式，一种与世界建立深度连接的方式。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初是被这本书的封面所吸引，那张充满艺术感的黑白照片，让我觉得它肯定蕴含着不寻常的故事。而读完之后，我的感觉完全超出了预期。《摄影艺术名人集》为我打开了一个全新的世界。我之前对摄影的认识，很大程度上停留在技术层面，比如光圈、快门、构图技巧等。但这本书，通过介绍一位位摄影大师的生平和作品，让我看到了摄影更深层次的魅力。我印象最深的是关于一位纪实摄影师的故事，他花费了十年时间，记录了一个偏远村落的生活变迁。照片中，有孩子天真的笑容，有老人饱经风霜的脸庞，有辛勤劳作的身影，也有节庆时的热闹景象。这些画面，不仅仅是简单的影像记录，它们串联起了一个民族的记忆，展现了一个时代的缩影。我能感受到摄影师对所拍摄对象的深厚情感，以及他对社会现实的关注和思考。这本书让我明白，摄影不仅是捕捉瞬间，更是与世界对话，是用镜头去发声，去传递一种态度和一份责任。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《摄影艺术名人集》的内容极其丰富，我甚至觉得它更像是一部穿越时空的摄影史诗。里面介绍的每一位艺术家，都有着截然不同的风格和独特的视角，仿佛一场视觉盛宴，让人目不暇接。我尤其被其中一位专注于黑白肖像的摄影师所吸引。他镜头下的人物，无论男女老少，眼神都充满了故事，仿佛下一秒就要开口倾诉。光影在他的手中被运用得炉火纯青，每一个面部的细微轮廓，每一道深刻的皱纹，都被赋予了生命。我花了很长时间去研究他如何通过构图和光线来营造出如此深刻的情感张力，感觉自己仿佛置身于那个年代，与他一同凝视着那些面孔。这本书不仅仅是展示作品，它还深入挖掘了这些艺术家创作背后的心路历程，他们的灵感来源，他们对摄影这门艺术的理解和追求。我从中看到了不同时代背景下，摄影艺术所承载的社会功能和文化意义。读完这本书，我对摄影的理解不再局限于“拍得好看”，而是开始关注作品所传达的思想和情感，思考如何才能让我的照片具有更强的生命力和感染力。