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本书编纂自夏商周秦至清，分为实用时期、礼教时期、宗教化时期、文学化时期论述。文本画学史之主要资料不出三类，画家传、画蹟录、画学论，三者互相参证，以见各时各地之绘画情形。书中附有历代各种绘画盛衰比例表，以明各种绘画发生成熟之后先及其盛衰之趋势。

本书特色

　　1.本书为蔡元培誉之「中国有画史以来集大成之巨着」。
　　2.本书编纂自夏商周秦至清，分为实用时期、礼教时期、宗教化时期、文学化时期论述，为研究中国画史重要论着。
 

煌煌巨著，洞察古今：一部描绘世界艺术文明的宏伟画卷 书名：世界艺术通史：从史前洞穴到数字时代的光影变迁 作者：[此处可设想一位资深艺术史学家或研究团队] 出版社：[此处可设想一家权威的学术出版社] 字数：约 1500 字 --- 导言：超越疆域的视觉史诗 《世界艺术通史：从史前洞穴到数字时代的光影变迁》并非简单罗列艺术作品的目录，而是一部立足于人类文明发展脉络，深入剖析视觉艺术在不同社会、文化和技术背景下如何演变、对话与革新的宏大叙事。本书旨在构建一个无国界的艺术知识体系，引导读者理解艺术如何作为人类经验的镜子，映照出从最早的生存图腾到当代观念探索的全部历程。我们摒弃了单一民族或地域的视角，致力于呈现一个真正意义上的“世界艺术史”，探究艺术在地球不同角落的独立起源、相互影响，以及最终汇流融合的复杂过程。 第一部：文明的曙光与早期形态的奠基（约 30000 BCE – 500 CE） 本部分聚焦于艺术作为人类文化最早的物质载体的阶段。 第一章：石器时代的低语——史前艺术的诞生与巫术思维 我们将从法国拉斯科（Lascaux）和西班牙阿尔塔米拉（Altamira）的洞穴壁画出发，探讨这些早期创作的符号学意义，分析它们与狩猎、生育及早期宗教观念的紧密联系。随后，我们将考察新石器时代的陶器艺术（如美索不达米亚的萨马拉文化）和早期纪念性建筑（如哥贝克力石阵），揭示人类在定居后对形式和永恒性的初次尝试。 第二章：河流的馈赠与帝国的威仪——古代近东与埃及 重点分析尼罗河流域艺术的“永恒性”原则。从吉萨金字塔的精确几何结构到图坦卡蒙陵墓的黄金艺术，深入解析埃及艺术的程式化、象征主义以及其在宗教和王权维护中的核心作用。同时，本书将穿插考察两河流域苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述的楔形文字、神庙（如空中花园的理论复原）和浮雕艺术，对比其与埃及艺术在表现“力量”上的不同侧重。 第三章：光影与理想的追求——古希腊罗马的古典遗产 本书将雅典的帕特农神庙作为古典美学的范本，细致阐释“黄金分割”和“人体比例”的哲学基础。重点剖析雕塑如何从早期的古拙向古典主义的完美过渡（如米隆的《掷铁饼者》），以及希腊化时期艺术情感表达的增强。进入罗马时期，我们将关注其实用主义的艺术倾向——凯旋门、万神殿的工程学成就，以及肖像雕塑对现实主义的极致追求，探讨这些成就如何构建了西方世界的审美基础。 第四章：东方轴心的崛起——印度河谷与早期佛教艺术 在探讨西方古典艺术的同时，本书将视线转向东方。详细考察摩亨佐-达罗（Mohenjo-Daro）的城市规划与青铜工艺，随后聚焦于孔雀王朝阿育王时期的石柱艺术，以及犍陀罗（Gandhara）和秣菟罗（Mathura）地区佛教造像艺术的融合与创新，分析其如何在外来文化（如希腊化风格）的影响下，成功塑造了佛陀的经典形象。 第二部：信仰的构建与文明的碰撞（约 500 CE – 1400 CE） 这一时期，世界各大宗教的传播深刻地塑造了视觉语言。 第五章：拜占庭的金色穹顶与伊斯兰的几何迷宫 本书详细分析了东罗马帝国（拜占庭）对马赛克艺术的登峰造极。圣索菲亚大教堂的内部空间感、圣像画（Icons）的神秘光晕，体现了神圣与人间的媒介特性。紧接着，我们对比伊斯兰艺术的突飞猛进，分析其在禁止偶像崇拜背景下，如何将细密画、阿拉伯书法和复杂的几何图案（如星形多边形）发展到极致，形成了独特的装饰美学，并探讨了其对西班牙阿尔罕布拉宫等地的深远影响。 第六章：黑暗时代中的微光——中世纪西欧的艺术重生 从加洛林文艺复兴到罗马式建筑的厚重与庄严，本书关注艺术如何服务于教会的教义传播。重点分析手抄本插画（如《凯尔斯的书》）中对装饰性的狂热，以及罗马式大教堂（如圣塞宁教堂）中“沉默的教诲”——基于雕塑的门楣装饰。 第七章：哥特式的向上精神——垂直的颂歌 哥特艺术被视为中世纪精神的最高体现。本书将以法国圣但尼（Saint-Denis）和沙特尔大教堂为例，深入解析飞扶壁、肋拱和尖拱如何使建筑突破质量的限制，实现“以光为砖”的理想。彩色玻璃窗如何将世俗的叙事转化为神圣的色彩体验，成为中世纪最重要的媒介之一。 第八章：盛唐的气度与宋代的内敛——东亚的古典高峰 本书在此部分详细描绘了唐宋时期中国艺术的辉煌，但完全侧重于其自身的系统发展。唐代壁画的雄浑大气、佛教造像的丰满圆润，展现了大一统帝国的气魄。宋代则迎来艺术的“文人化”转折，重点分析米芾、范宽等大师如何将“意境”和“理学精神”融入山水画，探讨了水墨技法（如披麻皴、斧劈皴）的成熟，及其与哲学思想的内在联系，强调其在构图和笔墨语言上的独立成就。 第三部：全球化初现与现代性的孕育（约 1400 CE – 1900 CE） 文艺复兴带来的个体意识觉醒，成为艺术史的巨大转折点。 第九章：文艺复兴的“人”的发现与透视的革命 本书详述了佛罗伦萨如何成为艺术的中心。马萨乔对线性透视的几何学运用，多那太罗对人体动态的重新发掘，以及达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔对古典理想与人文主义的完美融合，如何彻底颠覆了中世纪的审美规范。 第十章：巴洛克的激情与洛可可的享乐 分析巴洛克艺术（如卡拉瓦乔的戏剧性光影和贝尼尼的动态雕塑）如何服务于反宗教改革的需要，强调其情感的张力与运动感。随后，探讨洛可可风格作为宫廷艺术的精致、轻盈与感官愉悦，及其在法国的盛行。 第十一章：东方艺术的影响与世界博览会 本章重点分析了在地理大发现和殖民扩张背景下，欧洲对异域艺术（尤其是日本浮世绘和东南亚工艺品）的“发现”与借鉴，这为后来的印象派提供了视觉冲击力，同时也审视了殖民活动对非西方本土艺术体系的冲击与重塑。 第十二章：工业革命的冲击与视觉媒介的革新 探讨摄影术的发明对绘画“再现”职能的解放。解析从中世纪欧洲古典艺术传统中挣脱出来的过程：从现实主义到对光影瞬间捕捉的印象派，再到对内在情感的表达——后印象派对梵高色彩和塞尚结构的探索，预示着现代艺术的到来。 第四部：碎片化与数字化的时代（1900 CE 至今） 本部分彻底拥抱全球视野，审视20世纪以来艺术在面对战争、科技和全球化时的自我解构与重构。 第十三章：激进的实验与现代主义的爆发 详细阐述野兽派、立体主义对客观现实的彻底解构，以及未来主义对速度的赞美。分析达达主义对艺术本体的质疑，以及超现实主义对潜意识的探索。同时，本书将详细对比德累斯顿“桥社”的表达主义与俄国构成主义在政治和社会语境下的形式差异。 第十四章：二战后的重心转移与抽象的对话 分析二战后艺术中心的转移，重点剖析美国抽象表现主义（如波洛克和罗斯科）如何继承和发展了欧洲的现代主义精神，以及欧洲同期存在的“零群体”等对材料和光线的探索。 第十五章：波普的回归与观念的胜利 探讨安迪·沃霍尔和李奇登斯坦如何将商业文化引入艺术殿堂，以及极简主义（Minimalism）如何通过减少艺术家的主观干预，使作品回归到其物质性本身。观念艺术（Conceptual Art）的兴起，标志着艺术关注点的最终转移——从“如何画”到“为何是艺术”。 第十六章：全球视野下的当代艺术实践 本书最后一部分聚焦于后殖民语境下的多元化声音。讨论如南美洲的社会政治艺术、非洲的身份表达，以及亚洲（包括东南亚和东亚地区）艺术家如何在全球艺术市场中，结合本土传统与国际前沿观念，创造出独特的视觉语言。最后，本书将探讨数字媒体、虚拟现实（VR/AR）和人工智能（AI）对艺术创作和鉴赏所带来的范式转变，展望视觉艺术的未来形态。 --- 总结： 《世界艺术通史：从史前洞穴到数字时代的光影变迁》以其宏大的跨度、严谨的学术态度和广阔的地理视野，旨在提供一个全面、深入且相互关联的世界艺术史图景。它不仅是一部关于“看”的学问，更是一部关于人类“如何思考与感受”的历史记录。通过对比不同文明的视觉策略，读者将能更深刻地理解人类文明演进的复杂性与艺术的永恒魅力。

作者简介

郑昶（1894-1952年）

　　毕业于北京师范大学。1922年受聘于上海中华书局任编辑，旋任美术部主任。1929年编着出版了35万言的《中国画学全史》，蔡元培誉之为「中国有画史以来集大成之巨着」。他又是当时海派画坛的活跃人物，曾发起组织「蜜蜂画社」、「中国画会」等社团。兼长山水、人物、花卉，在三十年代，画誉已远播四海，作品参加过在英、德、日、比、美和苏联等国的国际展览。

实用时期
第一章　画学之起源与成立
第一节　画之起源
第二节　画之成立

礼教时期
第二章　夏商周秦之画学
第三节　图画应用与三代政教
第四节　周秦间之画家
第三章　汉之画学
第五节　概况
第六节　画家
第七节　画家
第八节　画论

宗教化时期
第四章　魏晋之画学
第九节　概况
第十节　画蹟
第十一节　画家
第十二节　画论
第五章　南北朝之画学
第十三节　概况
第十四节　画蹟
第十五节　画家
第十六节　画论
第六章　隋之画学
第十七节　概况
第十八节　画蹟
第十九节　画家
第二十节　画论
第七章　唐之画学
第二十一节　概况
第二十二节　画蹟
第二十三节　画家
第二十四节　画论
第八章　五代之画学
第二十五节　概况
第二十六节　画蹟
第二十七节　画家
第二十八节　画论

文学化时期
第一章　宋之画学
第二十九节　概况
第三十节　画蹟
第三十一节　画家
第三十二节　画论
第九章　元之画学
第三十三节　概况
第三十四节　画蹟
第三十五节　画家
第三十六节　画论
第十章　明之画学
第三十七节　概况
第三十八节　画蹟
第三十九节　画家
第四十节　画论
第十一章　清之画学
第四十一节　概况
第四十二节　画蹟
第四十三节　画家
第四十四节　画论
 

黄宾虹序

　　夫虞廷作绘五采彰施周代象形六书俶始记述图画繇来旧已易曰道形而上艺成而下上焉者视道为高深口能言而语不详下焉者习艺之庸俗言无文而行不远国画精微迭经蜕变若断若续緜数千年而弗坠初非古人立说代远年湮无所征引而羣言恨荟萃支离蹖駮未能芟繁就简提要钩玄如丝之引绪如肉之在串者此诚学者之忧也方今佉卢梵书遐陬重译之艺术滂溥宇内英奇才儁之士将欲举其殊形异制曲意附会而沟通之以为自古至今绘事变迁之迹胥系乎此不谓知新原于温故竟委贵于寻源由栔刀而柔豪分作家与士习雅格独刱逸品弥遒董玄宰所称读万卷书行万里路方可作画其旨深矣盖画之有法肇于古人着之载籍非徒夸远游务泛览也古者方技一门列于志乘一都一邑之间绘事传世代有名人学风所播成为流派画史姓氏亦既伙颐要之大家杰出诣臻神妙多师造化几于化工其最着者如荆浩之写太行山董元之写江南山米元章写京口江山黄子久写海虞山水诸如此类又皆因其所居之地朝夕目睹各有不同一一施之于笔墨厯世久远衣钵相承矩步绳趋墨守家法古今名流赖以勿替直接薪传全凭口授而已廊庙山林青蓝特出既精鉴别手摹心追思兼众长独抒己见知非闾师之讲导庸史之练习所可穷其奥窔因稽古训载咏篇章解衣槃礴识画者之真濡笔淋漓得诗人之意多文晓画论述益繁所惜窥管一斑尚非全豹破壁十丈讵曰真龙审择之精惟善读书者心领神会焉吾友郑君午昌工诗文善绘画方闻博雅跞古逴今阅数寒暑辑成卷帙名曰中国画学全史有条不紊类聚羣分众善兼该为文之府行见衣被寰宇脍炙士林媲美前徽嘉惠后学家珍和璧人握隋珠则度世之金鍼迷津之宝筏无以逾此因书简端以志忻幸戊辰四月黄宾虹序
 

评分☆☆☆☆☆

《中国画学全史》这本书，我是在一次偶然的机会中，从一位在艺术品收藏界颇有名望的朋友那里看到的。当时我正苦于找不到一本能够系统性地梳理中国画发展脉络的书籍，这本书的出现，简直如同沙漠中的甘泉。它不仅仅是简单地罗列画家的生平和作品，而是从更宏观的角度，将中国绘画的发展视为一个连续的、具有内在逻辑的体系。作者对于不同时期绘画流派的界定，以及它们之间的相互影响和演变，都做了深入的剖析。例如，宋代山水画的“全景式”构图，以及如何体现“天人合一”的哲学思想，作者用了大量的篇幅来阐释。他引用了许多当时文人画家如范宽、郭熙的理论，并结合他们的代表作，让读者能够清晰地理解这些理论在实践中的应用。我尤其欣赏书中对“笔墨”二字背后深层含义的解读。在西方艺术体系中，“色彩”和“造型”往往是核心，而中国画的“笔墨”却承载了更多元的意义，它既是技法，也是精神，更是画家内心世界的抒发。作者通过对历代书法、诗歌与绘画之间相互渗透的论述，让我更加深刻地认识到中国画的“文人画”特质，以及它与文学、哲学的紧密联系。这本书的语言风格也十分严谨，充满了学术的严谨性，但又不失流畅和可读性。对于我这样渴望深入理解中国画精髓的读者来说，这本书无疑是一本不可多得的案头宝典。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中国画学全史》这本书，说实话，我一开始是带着一丝挑战的心态去翻阅的。我自认为对中国画有一定程度的了解，也看过不少相关的画册和研究。但这本书的“全史”二字，总让我觉得它必然包含了我尚未接触到的信息。而当我真正沉浸其中时，我发现我的预想被远远地超越了。作者对于中国画的演变，不仅仅是按照朝代来划分，更是将绘画的题材、风格、审美趣味的变化，以及与之相关的社会思潮、宗教信仰、技术革新等因素，都巧妙地融为一体。比如，在讲述元代绘画时，作者并没有简单地归纳为“文人画的复兴”，而是深入分析了元朝特殊的政治格局下，文人阶层的心态变化，以及这种变化如何体现在他们笔下的梅兰竹菊和山水之中。他对元四家，如黄公望、王蒙等人的解读，不仅仅是技法的分析，更是对其绘画思想，如“逸笔草草”背后的精神追求，做了深刻的解读。另外，书中关于明清时期画坛的论述，也让我耳目一新。不同于以往一些偏重于宫廷绘画或海派绘画的叙述，这本书对金陵八家、扬州八怪等地方性画派的介绍，以及他们如何挑战传统、追求个性，都给予了充分的关注。这种不落俗套的视角，让我觉得作者对中国画史的研究是相当全面且具有批判性的。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开《中国画学全史》，就被其厚重所震撼。我平日里闲来无事，最爱在书店里寻觅些古籍善本，尤其是关于中国传统艺术的书籍。这本《中国画学全史》的装帧便显得格外典雅，纸质细腻，印刷清晰，字里行间都透着一股子传承的气息。虽然我并非科班出身，对画学理论涉猎不深，但从小耳濡目染，对水墨丹青总怀有一份莫名的亲近感。翻开第一页，便被作者对中国画起源的溯源所吸引。从远古时期的岩画、陶器纹饰，到秦汉之际的墓室壁画，再到魏晋南北朝时期的顾恺之、陆探微等大家，作者如同一位饱经风霜的老者，娓娓道来，将那些模糊的、被历史尘埃掩埋的绘画图景一点点勾勒出来。其中对于各朝代绘画风格的演变，以及其背后所承载的社会文化背景的分析，更是让我大开眼界。比如，作者对唐代人物画的细致描绘，不仅提及了阎立本、吴道子等名家，还深入探讨了他们作品的时代特征，如杨贵妃画像中的丰腴之美，以及仕女图中精细的服饰纹样，都仿佛跃然纸上，让我得以窥见那个繁盛时代的艺术风貌。更让我惊喜的是，作者并没有仅仅停留在对名家名作的罗列，而是尝试梳理中国画的“学”——即绘画的理论、技法、思想的传承与发展。这种“全史”的视角，让我觉得这本书不仅仅是一本画册，更是一部了解中国艺术精神的入门指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，《中国画学全史》这本书，我购买的原因更多的是基于一种“补课”的心态。我曾经在学习中国传统文化的过程中，觉得绘画的部分总是模模糊糊，概念不清。每次看到画册，虽能欣赏其美，却难以理解其背后深厚的文化底蕴。这本书的出现，正好填补了我这方面的空白。它如同一个精心设计的路线图，引领我一步步走近中国画的过去。作者在梳理各个时期绘画风格时，非常注重细节的刻画，比如对不同时期人物造型的细微变化，对山水画中皴法的演变，甚至对绘画材料和工具的介绍，都力求详尽。我尤其喜欢书中关于佛教绘画和道教绘画的章节，它们往往被一些通史性书籍所忽略，但作者却对其在中国绘画史上的地位和影响，做了非常有价值的探讨。比如，敦煌壁画的艺术价值，以及它如何吸收和融合了外来艺术元素，并最终形成了独特的中国佛教绘画风格，作者的论述让我受益匪浅。此外，书中对文人画中“写意”精神的阐释，也让我对中国画的“意境”有了更深的理解。它不再是简单的“画得像不像”，而是通过寥寥几笔，传达出画家内心的情感和对自然的感悟。这本书的语言风格，可以说是兼具学术的深度和通俗的易懂，让非专业人士也能轻松地遨游于中国画的海洋。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对中国画情有独钟的艺术爱好者，尤其喜欢收藏一些关于中国画的经典著作。当我第一次看到《中国画学全史》的封面时，就被它沉稳大气的设计所吸引。翻开书页，里面的内容更是让我惊叹不已。这本书的叙述方式非常独特，它不是简单地按时间顺序堆砌史实，而是将中国画的发展脉络，与中国哲学思想、文学理论、甚至民间习俗巧妙地联系起来。作者在探讨每一个时期的绘画特点时，都会深入挖掘其背后的文化根源。例如，在论述宋代山水画的写实性与哲学思辨相结合时，作者引用了大量宋代文人的诗词歌赋，以及当时的哲学著作，来佐证其观点。他解释了为何宋代山水画能够达到如此高的艺术成就，不仅是因为技法的精进，更是因为士大夫阶层对自然的那种崇敬和对人生哲理的探寻。让我特别感到惊喜的是，书中对中国画中“题跋”艺术的解读。我一直觉得，画上的题跋不仅仅是简单的文字说明，更是画家或鉴赏家与画作进行灵魂对话的一种方式，它为画面增添了更深厚的文化内涵。作者通过分析历代名家的题跋，展现了文字与绘画如何相互辉映，共同营造出一种独特的东方美学意境。这本书的编排也非常用心，图片的选择恰到好处，与文字内容相得益彰，让我仿佛置身于一个穿越时空的艺术展览之中。