象外：2017游昭晴创作展专辑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 游昭晴
• 绘画
• 艺术展
• 当代艺术
• 象外
• 艺术作品
• 画册
• 2017
• 艺术设计
• 展览图录

「跨界游艺」是游老师独特策展观点，抽离形象，以色块及线条表达美，运用水墨特色与手法表现紫色，艳而不俗，重彩与厚度表现美学体验，从影音纪录工作者到文化艺术创作者，直指人人都具有追求「美」的主观概念，东方美学着重内心修为，西方美学讲究形体感官的美感与精神的昇华，而跨界游艺则强调因应时代变化，揉合不同元素呈现不同的美，讲究和谐东西美学融合成为宽容学习态度与人类情感昇华的一种精神结合体。进一步，走向「象外」的感悟与体察，尝试抛除传统负担，突破时空与理论的框架束缚，发挥自由联想，将自我内在的直觉、情感、情绪与心灵活畅意抒发运作，以回归大自然景物的具体形态，并经由转化的方法与手法，企求从「具体象」解脱「抽象形」出来，经由主体之主观意识流引导下，表现「由具象走向意象、半抽象兼具抽象及写意转化意象」之艺术实践，最后形构有机性与生机性的完美结合，创造出独特的游艺风格。 「象外」为本次展出主题，脱离写实，走向抽象，重视色块处理及追求创作乐趣，表现「心象」之人间仙境与世外桃源，系积累自早期不同面相的创作经验与理念想法，综合海崃两岸、美国历次展出心得心象，融具后现代主义愉悦之美，将垂直衔接与水平并蓄重新组合，倡导互动沟通式的美学，其作品涵括古典神话、现代寓言、个人幻想、符号符象、地球村、对社会及环境的感应与感想，应观者个人背景及经验差异，领悟「观者鑑赏经验」迥别于「大师创作法则」，不断省思艺术家可从「开放」走过「收敛」，走向气之整体性连贯(收放自如的创作经营，画画介于建构与破坏与重整)，从「具象」走向「心象」走过「景象」之心路路程，祈能勇于以「跨界身分」，超越形式，超乎「象外」，回归艺术本质与生活智慧。 「象外」就是形象抽离后如何去欣赏及如何去找景象与作品后的美感？纯粹表现线条与色块的美感及结构与肌理的表现上。 游老师在《象外》中充满表现了宽容行动智慧之学习态度与人类情感昇华的绘画思想，老师多年来力求从创作材质、创新原意、绘画艺题及生活艺术中所传递对艺术生活的感动与动感，邀请大家细细体察进入跨界游艺之象外艺术世界。

象外：2017游昭晴创作展专辑 图书简介 本书是关于艺术家游昭晴女士于2017年举办的个人创作展“象外”的完整记录与深度解读。这不是一本简单的画册，而是一次对特定艺术语境、创作心路以及时代精神的立体呈现。全书旨在系统梳理和探讨游昭晴女士在2017年前后，其艺术语言如何从具象的表述向更深层的、超越经验的“象外”境界迈进的过程与成果。 第一部分：展览的语境与缘起 “象外”之名，源自中国传统美学中的“得意在忘形”与“禅机入画”的哲学思辨。2017年的这次展览，标志着游昭晴艺术生涯中的一个重要转折点。在此之前，她的作品多聚焦于对日常物象的精微捕捉与笔墨的实验；而进入2017年前后，创作主题开始显著地转向对内在精神世界的挖掘和对媒介本质的探讨。 本书开篇部分，通过详尽的文本分析，梳理了此次展览的时代背景。2017年，全球艺术思潮正经历着对数字时代下“真实性”的集体反思。游昭晴的作品，恰好回应了这种时代焦虑——如何在信息爆炸的时代，通过看似简洁甚至“虚化”的视觉符号，重建观看者与世界之间更本质、更直观的连接。 第二部分：核心创作系列深度解析 本书主体部分，收录了“象外”展出的五大核心系列作品，并配有高清的文物级图像复制与艺术史学家的专业评论。 一、 《无名之域》系列：抽象的回归与材质的实验 该系列是本次展览中最具实验性的部分。它不再依赖于可识别的客体，而是专注于色彩、线条与肌理的纯粹关系。书中详细分析了游昭晴在这一系列中对传统矿物颜料与新型树脂材料的混合使用。例如，在探讨一幅名为《空相2017-03》的作品时，评论指出她如何利用颜料的自然流动性，模拟出宇宙尘埃的弥散感，从而打破了传统绘画中“平面”的概念，创造出具有空间深度的错觉。本书细致地呈现了作品背面留下的材料痕迹，揭示了艺术家在画布背后所做的“雕塑性”工作。 二、 《残影拾遗》系列：时间切片与记忆的碎片化 此系列是游昭晴对时间性表达的深入探索。作品多采用多层叠印和擦拭的手法，呈现出类似老旧照片或褪色壁画的效果。书中引用了策展人对该系列的访谈录，揭示了艺术家试图捕捉的并非清晰的“瞬间”，而是“瞬间流逝后留下的痕迹”。对于这些作品，本书特别关注了其装裱方式——多采用无框或边缘自然开裂的处理，以强化“未完成”和“时间侵蚀”的主题。 三、 《器物之虚》系列：对日常物体的精神提炼 尽管主题转向“象外”，但游昭晴并未完全摒弃具象元素。此系列以传统文人案头之物（如竹节、石块、折扇）为蓝本，但其描绘已达到极简的程度。线条变得稀疏，留白占据了画面的绝大部分。书中通过对比分析她早期对同一物体的写实描绘，清晰展示了从“写实”到“写意”再到“写神”的演变路径。特别是对“留白”的处理，不再是背景的缺失，而是被视为画面中一个有重量、有方向性的构成元素。 四、 《光影的几何学》系列：媒介的边界探索 该系列尝试将二维绘画引入三维空间语境。作品多使用半透明的亚克力板或纱网作为载体，利用光线作为媒介的一部分。书中收录了该系列在特定展厅空间中的多角度现场摄影，解析了作品如何随时间、光照角度的变化而“自我生成”新的形态。这部分内容深入探讨了游昭晴如何利用现代工业材料，重新激活传统水墨的“气韵生动”。 第三部分：艺术家的自述与创作手稿 本书的价值之一在于，收录了游昭晴在2016年至2017年间撰写的数篇创作札记，这些札记首次公开发表。这些手稿揭示了她对尼采哲学、中国魏晋风度以及当代极简主义哲学的阅读心得，以及这些思想如何具体地转化为她笔下的线条和色块。 札记中提到：“作画到最后，不是在画布上‘加上’什么，而是在不断地‘拿走’，直到剩下的部分，其密度恰好能承载全部的意义。” 这种自述提供了理解其创作哲学的直接入口，远比单纯的艺术史评述来得更为鲜活和深刻。 结语：游昭晴的“象外”之境 全书最后部分，总结了“象外”展览对当代中国艺术界的影响，并展望了游昭晴后续的艺术发展方向。它不仅仅是对一个展览的记录，更是一份关于如何在中国传统文脉与现代性挑战中，寻求个体美学突围的宝贵文献。阅读本书，如同跟随艺术家本人，完成一次从具体可见之物（象）到超越经验的内在精神世界（外）的艰辛而辉煌的旅程。 本书装帧设计上也力求贴合主题，采用环保再生纸张，封面采用触感粗粝的布面装裱，以呼应作品中对“材质本真”的强调。全书图文并茂，学术性与可读性兼备，是研究当代水墨、抽象艺术及艺术家个人史的必备参考资料。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉就像是走进了一间充满故事的画廊，每一页都承载着一段独特的艺术旅程。我非常喜欢书中的那种叙事方式，它不像传统的学术著作那样枯燥乏味，而是充满了生命力和情感的温度。作者仿佛一位老友，娓娓道来他对作品的理解和感悟，让读者在轻松愉悦的氛围中，不知不觉地被带入到艺术的世界。我尤其着迷于他对作品意境的描绘，那种“得意忘形”的描摹，让我能够身临其境地感受到作品的灵魂。读完这本书，我感觉自己对艺术的理解又上升了一个层次，不再仅仅是停留在视觉的层面，而是能够触及到艺术作品更深层次的内涵。这本书让我明白，真正的艺术，是能够触动人心的，是能够引发共鸣的，而这本书，恰恰做到了这一点。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的冲击是巨大的，它完全颠覆了我对艺术创作和解读的传统认知。我一直认为艺术是需要高深的理论支撑的，但这本书却以一种极其个人化、极其感性的方式，展现了艺术的魅力。作者的文字充满了力量，他能够用最朴实的语言，去描绘最复杂的情感；用最细腻的笔触，去揭示最深刻的道理。我最欣赏的是他那种敢于挑战权威、敢于质疑传统的精神，他不受任何条条框框的束缚，而是用自己的眼睛去观察，用自己的心去感受，去创造属于自己的艺术解读体系。这本书让我明白，真正的艺术，不在于技巧的精湛，而在于精神的自由；不在于形式的完美，而在于灵魂的释放。它激发了我内心深处对艺术的热情，让我渴望去探索更多未知的领域。

评分☆☆☆☆☆

在阅读这本书的过程中，我时常被一种莫名的感动所包裹。这种感动并非来自强烈的戏剧冲突，而是源于作者对艺术的那份纯粹的热爱和执着。他对待每一件作品都如同对待生命中最珍贵的宝藏，用尽心力去挖掘和呈现其独特的光芒。书中的语言有一种天然的流畅感，仿佛是作者内心最真挚情感的自然流露，没有丝毫的雕琢和矫饰。我尤其喜欢他那种将艺术与生活融为一体的视角，他不仅仅是在解读作品，更是在分享他的人生哲学和对世界的看法。读完这本书，我感觉自己的内心变得更加柔软和 sensitive，对生活中的美好事物有了更深的感知和 appreciation。这本书就像是一杯醇厚的老酒，越品越有味，越读越能体会到其中的深邃与隽永。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会了解到这本书的，当时我正在寻找一些关于当代艺术实践的深度解读，而这本书的题目就深深地吸引了我——“象外”。这个词本身就带着一种诗意和哲学感，让我对书中所要探讨的内容充满了好奇。阅读过程中，我最大的感受是作者在处理艺术作品时，那种超越表象的洞察力。他不是简单地描述作品的形体和色彩，而是深入挖掘作品背后蕴含的情感、思想和文化根源。我特别欣赏书中对于细节的关注，即使是微小的笔触、色彩的细微变化，都能被作者敏锐地捕捉到，并赋予它们深刻的含义。这种解读方式让我对许多我原本可能忽略的艺术细节有了全新的认识，也更加理解了艺术家创作的艰辛与智慧。这本书不仅仅是一本艺术评论集，更像是一位经验丰富的引路人，带领我穿越艺术的迷宫，去发现那些隐藏在角落里的惊喜。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实让我眼前一亮，那种留白和写意的风格，仿佛一下子就把我带入了某个宁静的艺术空间。翻开书页，触感细腻，印刷精良，光是拿到手就觉得是一次愉悦的体验。我尤其喜欢它那种不拘泥于形式的编排方式，不是那种一本正经的学术论述，而是更像是策展人精心布置的一个个展厅，引导读者在不同的作品之间漫步，去感受作者的情绪和思考。书中的文字也写得非常有味道，不冗长，却字字珠玑，能够精准地捕捉到艺术作品背后那种难以言喻的意境。我常常会在读到某个段落时，不自觉地停下来，闭上眼睛，去想象作者当时创作时的状态，去体会他想要传达的那份“象外之意”。这本书的整体氛围非常吸引人，它让我感觉到，阅读不仅仅是获取信息，更是一种沉浸式的艺术体验，仿佛我本人也置身于2017年的那个展览之中，与作者的创作进行着一场跨越时空的对话。