现代美术[季刊]NO:191期[107/12] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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现代美术[季刊]NO:191期[107/12]专题：2018台北双年展
　　本期附赠-陈永贤Chen Yung Hsien 潜行者 展览小册潜行者 展览小册

《艺术的边界与回响：当代视觉文化前沿探索》 编者按： 在信息洪流与社会变迁的交织下，艺术不再是孤立的审美活动，而是深刻介入社会肌理、技术前沿和哲学思辨的场域。本期精选的系列文章，旨在穿透日常的迷雾，聚焦于那些正在重塑我们感知世界的创作实践与理论探讨。我们试图捕捉那些在既有框架下不安分、勇于质疑既定美学范式的声音，探讨艺术如何作为一种批判性的工具，映照和反思我们所处的“后现代”或“超现代”境遇。 --- 第一辑：媒介嬗变与物质性回归——数字时代的触觉与在场 本辑深入探讨了在高度数字化的当代，艺术创作中对“物质性”（Materiality）的重新强调，以及媒介技术本身的文化意涵。 1. 从像素到颗粒：数字图像的“颓废美学” 近年来，随着高精度数字图像的普及，一股对低保真、故障（Glitch）和模拟质感的热衷悄然兴起。本研究梳理了这种现象背后的文化心理：它是否是对完美数字化的抵抗？文章细致分析了艺术家如何通过有意引入“噪声”和“失真”，来重新唤起观众对图像观看过程的敏感性，而非仅仅是对图像内容的沉迷。我们考察了几位将早期数字故障艺术与当代生成式人工智能（AI）输出物进行混音的创作者，探讨他们如何利用技术本身的缺陷，构建一种具有时间感和物理摩擦力的视觉体验。这种“颓废美学”挑战了媒介的透明性假设，迫使我们重新审视“真实”与“复制”的界限。 2. 空间作为介质：沉浸式装置中的身体在场性 随着虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术的成熟，装置艺术（Installation Art）正以前所未有的方式介入观众的身体空间。本单元聚焦于那些超越传统“观看距离”的艺术实践。我们评估了多学科艺术家如何利用光影、声场和温度变化，构建出“可居住”的艺术环境。讨论的核心在于：当身体完全被艺术作品包裹时，传统的主客二元对立是否瓦解？艺术品是否从一个“被展示的对象”转变为一个“被经历的环境”？通过对参与式艺术（Participatory Art）的案例分析，我们揭示了当代艺术中对“共同在场”（Co-presence）经验的渴求。 --- 第二辑：身份政治的拓扑学——权力、能指与边缘叙事 身份议题始终是当代艺术批评的核心动力之一。本辑则侧重于分析身份如何被书写、解构，以及边缘群体如何通过艺术实践进行能动的“在场宣示”。 3. 后殖民语境下的“档案”与“遗忘” 档案（Archive）作为权力结构运作的实体证明，长期以来成为批判性艺术家的主要靶点。本部分深入研究了艺术家如何与机构性档案、家族记忆和国家历史叙事进行“对视”。我们考察了那些致力于“修复失语者历史”的影像和文本项目。这些实践不仅仅是简单的“补白”，而是对现有档案的结构性入侵——通过引入非官方、身体化的知识和被压抑的记忆碎片，挑战了官方历史叙事的完整性与中立性。特别关注了利用口述历史和物质遗存进行重建的叙事策略。 4. 流动性、性别与身体的非二元书写 随着社会对性别与性向认知的日益复杂化，艺术中的身体表达也进入了一个高度流动的阶段。本节探讨了艺术家如何利用身体作为媒介（Performance/Body Art），去解构僵化的二元标签。我们分析了身体修饰、跨性别表达和“去规范化”的表演，如何成为一种政治行动。重点在于，这些实践如何从单纯的“身份展示”进化为对“主体性生成机制”本身的哲学拷问——即，我们是如何被社会规范定义为“男人”、“女人”或其他身份的？艺术家们通过对自身形象的持续、有意识的操控，展示了身份的可塑性与无限的可能性。 --- 第三辑：观念的拓荒者——技术哲学与艺术的未来形态 技术进步不仅是艺术创作的工具，更是艺术家思考的哲学对象。本辑关注那些最前沿、最抽象的理论与实践交汇点。 5. 生成式艺术与作者性的黄昏 人工智能（AI）和深度学习（Deep Learning）算法的崛起，对传统“作者中心主义”构成了前所未有的挑战。本单元旨在超越“AI是工具”的简单论断，深入探讨“算法共创”（Algorithmic Co-creation）的伦理与美学困境。当机器可以独立生成具有审美价值的文本、图像或音乐时，我们该如何界定“原创性”、“意图”和“责任”？文章通过分析几组与算法“共谋”的艺术家案例，提出了一种新的“分布式作者身份”的概念，即作者性不再集中于个体，而是分散于人、数据、代码和训练模型之中。 6. 从时间艺术到“永续景观”：生态危机下的时间观 当代艺术对“时间性”的理解正在从短暂的瞬间（如行为艺术）转向对地质时间尺度（Deep Time）的感知。面对气候变化和环境灾难，艺术家们开始尝试构建能够抵抗遗忘、超越人类生命周期的作品。本节分析了那些使用缓慢衰变材料、或关注生物演化过程的生态艺术项目。这些作品试图将人类的短暂行动置于地球的宏大演化背景之下，从而激发一种敬畏感和紧迫感——迫使观众意识到，我们对环境的干预，其后果将以我们无法直观理解的速度，在未来世代中持续回响。 --- 结语：批判性想象力的汇聚 本期所呈现的这些面向，共同勾勒出一幅当代艺术的复杂图景：它既深深植根于社会、技术和身份的现实张力之中，又不断向未知的形式和观念边界进行拓荒。艺术作为一种特殊的认知方式，其价值正在于它能以非线性的、感性的方式，揭示那些被主流话语系统所掩盖或消化的结构性真相。我们邀请读者跟随这些研究者的脚步，共同进入这场关于感知、物质与意义的深度对话。

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我一直认为，一本优秀的艺术刊物，应该具备一种引人入胜的力量，能够点燃读者内心深处的艺术热情。《现代美术》191期，就做到了这一点。它不是一本冷冰冰的知识集合，而是一本充满温度和生命力的读物。107/12这个时间标签，仿佛赋予了这本刊物一种使命感，要将最前沿、最精彩的艺术内容，及时地传递给每一位渴望了解艺术的人。我喜欢它在选题上的大胆和创新，敢于挖掘那些尚未被大众熟知，但极具潜力的艺术力量。同时，它对于艺术史的回顾和梳理，也为我们理解当代艺术的源流提供了坚实的基础。阅读这本季刊，就像是在与一群热爱艺术、勤于思考的人进行一场无声的交流，每一次阅读，都能从中汲取新的灵感和养分。

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每一次拿到《现代美术》的季刊，都有一种收到期待已久礼物的欣喜。191期，依旧保持了它一贯的高水准。我特别欣赏它对于不同媒介艺术的包容性，无论是传统的绘画、雕塑，还是新兴的影像、观念艺术，都能在其中找到它们的身影，并且都被赋予了同等的尊重和关注。107/12这个时间信息，让我感觉这不仅仅是一本杂志，更像是一份艺术档案，记录着当下艺术发展的具体轨迹。我喜欢它在版式设计上的现代化和国际化，简洁而不失格调，让阅读体验更加愉悦。更重要的是，它总能带来一些我之前未曾接触过的艺术家和作品，拓展了我的视野，也挑战了我固有的审美观念。每一次阅读，都是一次与未知艺术对话的过程，这种未知带来的惊喜，正是这本杂志最吸引我的地方。

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对于那些希望在快速变化的艺术世界中，找到清晰坐标的读者而言，《现代美术》191期无疑是一份绝佳的指南。它不仅仅呈现了“是什么”，更着力于探讨“为什么”和“如何”。107/12这个日期，让我意识到这是一份带有紧迫感的艺术信息，它捕捉的正是当下正在发生的，并且可能在未来产生深远影响的艺术事件。杂志的深度报道，往往能将一个艺术现象或一位艺术家的创作历程，剖析得淋漓尽致。我曾在一篇文章中，被作者对一位装置艺术家的创作理念的阐述所折服，那种将材料、空间、观众互动融为一体的思考方式，让我对装置艺术有了全新的认识。这种深入浅出的讲解，既满足了专业读者的求知欲，也照顾到了非专业读者的理解需求，可以说是一种非常成功的沟通方式。

评分☆☆☆☆☆

读完这本《现代美术》，我仿佛置身于一场色彩与观念的盛宴，每一次翻页都是一次意想不到的探索。季刊的形式让它拥有了独特的时效性和前瞻性，仿佛能捕捉到当下艺术界最鲜活的脉搏。191期，这是一个数字，却承载了无数艺术家、评论家和策展人的智慧与心血。107/12这个日期，更像是对某个特定时刻艺术生态的一次精准定格。我尤其喜欢它在视觉呈现上的不妥协，那些精心挑选的印刷品，无论是油画的肌理，还是装置艺术的光影，都得以近乎真实地还原，让读者在纸页间也能感受到原作的生命力。这不仅仅是一本杂志，更像是一个策展人精心设计的展览，引导着我去理解那些看似疏离，实则充满力量的当代艺术表达。它没有过多的理论堆砌，而是通过作品本身说话，让你在观赏中产生思考，在思考中获得启迪。这种沉浸式的阅读体验，是我在其他地方难以找到的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注当代艺术动态的爱好者，这本《现代美术》191期，着实让我眼前一亮。它提供了一个极具价值的平台，让我得以窥见107/12这个时间节点上，全球艺术领域涌现出的新鲜血液和值得关注的趋势。杂志的编排非常考究，不是简单的图文堆砌，而是围绕着某一主题或艺术家，进行深入的挖掘和多维度的呈现。我注意到其中对几位青年艺术家的介绍，他们大胆的实验精神和对社会议题的深刻反思，给我留下了深刻的印象。同时，资深评论家们犀利的视角和独到的分析，也为我理解这些作品提供了重要的参考，让我能够跳出表象，触及作品背后更深层次的含义。这种理论与实践的结合，使得这本季刊不仅具有欣赏价值，更具备了学术价值。它就像是一扇窗，让我能够洞察当代艺术的复杂性与多样性，同时也激发了我进一步学习和探索的欲望。