以「愛」為名的歷史上色
當影像被紀錄在黑白底片上，就形成一種無法轉變成彩色影像狀態的「不可逆」結果。黑白原作的迷人之處與價值是在於，由寫真家所構築出來的「虛擬的藝術創作」，因為黑白作品與我們一般人的「彩色視覺經驗」大異其趣；就是因為這個虛幻的黑白影像，能提供觀賞者無限的想像空間，因此為人所癡迷不已。然而，當攝影作品成為「歷史影像」之際，況且是在攝影記錄的當時因為彩色底片技術尚未被開發完成，如何還原寫真家在攝影當下所見到的真實世界色彩，同時提供給後世觀覽者豐沛的文史資訊，或是提高一般大眾觀賞作品的興致，就成為一個值得研究的新課題。
「上色」這件事，其實在百年前就已經存在。長久以來這種「純手工上色」，提供了攝影委託者接近他們彩色視覺習慣的解決方案。但是在今日，由於電腦的發達，「AI上色」蔚為風潮，但是因為大數據的不足，AI人工智慧很難完全判斷出影像中的真實色彩，因此AI自動上色之後的成品反而會嚴重誤導觀賞者與研究者的色彩判斷，這種錯誤對後世的「歷史顏色認知」會造成長遠的負面影響。在此還是呼籲，喜歡以AI自動上色博取眾人目光的讀者，多加三思而後行；因為「歷史上色」畢竟不是家庭生活照，未經考證全委由電腦執行的上色，將造成後人研究上的極大混淆。
「臺灣古寫真上色」團隊所採取的上色方式為「考證手繪上色」。先將破損、毀損的影像加以修復，讓更多的細節得以浮現之後，經由各方專家、達人的一一考證，將原本影像中的每一個人物、物體、服飾、自然花草、交通工具、天候時辰、光影反應以歷史資料為佐證做出顏色判斷；再以影像軟體為平臺，採取手繪的方式細心加以上色完成。這種「考證手繪上色」方式耗時甚巨，平均每張影像都有近百個細節需要辨識與考證，但是由於是「歷史上色」必須對歷史負責，我們還是必須以極大的熱情作支撐加以完成。這個熱情的來源，是對影像的「愛」，同時更是對歷史的「愛」。
讀者在閱覽「臺灣古寫真上色」團隊的作品時，不免在腦海中會浮現：「怎麼知道是這個顏色？」此一疑問。其實「歷史上色」的核心「考證」，有其五大方法：
•日本時代所遺留下來的彩色繪葉書。
•1950年代前後美軍在臺灣所拍攝的彩色照片。
•日本時代在臺灣本島與日本本土所出版的文獻資料。
•收藏家們珍藏的日本時代實體文物。
•現今幾近凋零、經歷過日本時代的珍貴耆老回憶。
但是以上這五種方法，除了第4項「實體文物」之外，由於時空背景、物換星移、記憶混淆的種種限制，其他幾項還需要仔細經過交叉比對之後，才能得到明確的解答與定案。在此過程中，建築、交通、軍事、服飾、動植物、料理、史料、民俗風土、宗教、教育、休閒娛樂等等，各種領域的專家、達人的適度介入引導極其重要。之所以不厭其詳、反覆討論，其重點還是在於以「愛」為出發點，面對歷史的態度。
「歷史上色」等同於重新創作，但是這個創作並非是想要超越黑白原作的藝術價值；反倒是希望經過「視覺還原」的考證過程，讓原本在原作中被忽略的歷史細節能夠更清楚的被呈現出來。以對歷史負責任為初衷，形成一幅幅雅俗共賞的作品，期望能更接近歷史的記憶、還原歷史的真相，進而匡正史料上的不足。
具体描述
穿越时光的画卷：探索近代台湾美术史的恢弘叙事 本书旨在深入挖掘台湾近代美术发展历程中，那些被历史洪流稍微掩盖却至关重要的艺术脉络与关键人物。我们聚焦于一个时代背景下，艺术创作者们如何在传统与现代、本土与外来文化的激烈碰撞中，塑造出具有独特精神气质的艺术语言。 第一部：风土的呼唤与传统的坚守 近代台湾美术的起点，往往与殖民统治下的社会结构变迁和文化认同的探索紧密相连。本卷将从清末遗民艺术家的“遗民情结”说起，探讨他们如何通过诗文书画，寄托对逝去王朝的缅怀，并如何在有限的创作空间内，展现出坚韧的文化生命力。 我们将详细考察传统士大夫阶层在日治初期所扮演的角色，他们不仅是文化的守护者，更是新旧交替时期重要的精神象征。书中的重点章节将分析早期台湾本土画家的学习路径——或师法清代名家，或远赴日本本土求学。这些早期的艺术实践，奠定了台湾近代美术初期的基调：一种深植于本土生活经验，又带着古典文人画笔墨技艺的独特风格。 重点案例研究将聚焦于那些在地方性展览中崭露头角的艺术家，他们的作品往往直接描绘台湾的自然景观、民俗风情与庶民生活。例如，对早期水彩画和胶彩画的兴起，我们将分析其媒介选择背后所蕴含的文化意义。水彩的通透与胶彩的温润，如何契合了当时台湾光影变幻的独特氛围，以及艺术家们对“地方感”的捕捉与重构。我们不会停留在表面的题材描摹，而是深入剖析其构图、设色和笔触中蕴含的时代情绪。 第二部：现代性的冲击与艺术的转型 进入二十世纪初叶，随着现代化进程的加速和“东洋画”思潮的引入，台湾美术界经历了一场深刻的结构性转变。本卷着重探讨日本“西洋美术教育体系”对台湾艺术家的影响，以及艺术家们如何消化、转化这些外来观念。 我们将详细梳理“台湾美术展览会”（台展）的设立及其对台湾艺术生态的深远影响。台展不仅仅是一个艺术竞赛的平台，更是现代艺术规范和审美趣味得以确立的关键机构。通过对历届入选作品的细致分析，我们可以清晰地看到艺术家们在追求形式革新与保持本土情感之间的张力。例如，早期入选的“物哀”美学，如何体现在对日常生活场景的细腻描绘中，以及对传统肖像画的现代化处理。 这一时期的重要议题是“留学生现象”。那些曾远赴东京、京都等艺术重镇深造的台湾画家，他们的归乡之作往往带有强烈的现代主义实验色彩。他们如何将西方古典主义的造型基础、印象派的光影观念，与东方的审美习惯相结合？本书将提供一个对比研究的框架，剖析他们作品中对空间、光线和人物心理描绘的突破。我们尤其关注那些勇于挑战传统材料和题材的先驱者，他们是如何在保守的社会环境中，艰难地开辟出属于台湾现代艺术的道路。 第三部：本土的自觉与身份的追寻 随着时代的发展，艺术家的目光逐渐从纯粹的形式探索，转向对“我是谁”的深刻追问。本卷聚焦于战后初期，台湾本土意识逐渐觉醒，艺术创作如何成为表达社会现实和文化身份的重要载体。 我们将考察“台湾光复”后，艺术界在新的政治语境下所面临的挑战与机遇。早期政府对写实主义的推崇，对艺术家创作方向产生了显著影响。然而，在主流之外，一些艺术家开始从本土的历史记忆和民间文化中汲取营养，试图建立一套独立于官方意识形态之外的、更具批判性的艺术语言。 深入探讨战后早期出现的几个重要艺术团体和流派的形成过程。这些团体往往具有明确的地域性或哲学取向。例如，某些群体如何借鉴欧洲的野兽派或表现主义的激情，来描绘台湾社会转型期的动荡不安和底层人民的生存状态。本书着重分析他们对乡土题材的重新诠释——不再是田园牧歌式的描绘，而是带有深刻社会关怀的、具有历史厚重感的视觉文本。 此外，我们还将关注女性艺术家的独特贡献。在男性主导的艺术史叙事中，女性艺术家如何通过更内敛、更具内在情感穿透力的作品，记录下她们作为观察者和体验者的视角。她们在家庭生活、内心世界和公共领域的交汇处所创作的作品，为我们理解近代台湾艺术史提供了不可或缺的补充维度。 第四部：跨媒介的对话与艺术的未来预示 近代美术的发展并非孤立的绘画史，它与文学、摄影、雕塑等其他艺术门类的相互影响，构成了复杂的文化生态。本卷着眼于媒介之间的张力与融合。 我们会分析早期台湾摄影对绘画构图和光影处理的影响，以及版画艺术作为一种更具大众传播潜力的媒介，是如何被用来反映社会问题的。通过比较不同媒介中对同一历史事件或同一地域景观的描绘，我们可以洞察艺术家们在不同工具下，对“真实”的理解和表达策略的差异。 本书的最终部分将总结近代台湾美术家们在确立自身艺术身份过程中的核心成就，以及他们为后世留下的精神遗产。他们的探索，无论是对传统笔墨的现代化运用，还是对西方现代艺术观念的吸收与本土化改造，都指向一个共同的目标：在历史的巨大变迁中，为台湾这片土地留下一份珍贵、复杂且充满生命力的视觉记录。这本书期望为读者提供一个全面且富有洞察力的视角，去重新认识和欣赏这段充满张力与创造力的艺术史。
著者信息
作者簡介
攝影：李火增（1912-1975 / Li Huo-zeng /吉富靖治）
李火增出生於日治時期的建成町（今天水路一帶），父親李金恭是中醫師兼經營藥材。李火增是長子又具藝術天分，常與鄧南光及張才一起外拍活動。1943年第一回「登錄寫真家制度」合格入選、同是「萊卡寫真俱樂部」成員之一。1958年，與被譽「台灣新劇之父」的張維賢，合作攝製一部片子《一念之差》，李火增用他兒子李靖德的化名，擔任攝影人。李火增遺留近六千多張底片，目前由夏門攝影企劃研究室整理保存中。
攝影：李火增（1912-1975 / Li Huo-zeng /吉富靖治）
李火增出生於日治時期的建成町（今天水路一帶），父親李金恭是中醫師兼經營藥材。李火增是長子又具藝術天分，常與鄧南光及張才一起外拍活動。1943年第一回「登錄寫真家制度」合格入選、同是「萊卡寫真俱樂部」成員之一。1958年，與被譽「台灣新劇之父」的張維賢，合作攝製一部片子《一念之差》，李火增用他兒子李靖德的化名，擔任攝影人。李火增遺留近六千多張底片，目前由夏門攝影企劃研究室整理保存中。
图书目录
图书试读
用户评价
评分
这本书的叙事结构似乎非常巧妙，它不是简单地罗列史料，而是通过对特定历史场景和人物的色彩重构，构建起一个立体的历史叙事场域。我猜想作者在考证过程中，一定进行了大量的交叉比对和科学分析，才能如此自信地为这些黑白影像注入“被遗忘的真实色彩”。这种研究方法本身就充满了侦探小说的魅力——如何在有限的线索中，重现一个逝去的鲜活世界？我非常好奇作者是如何处理那些模糊不清或争议较大的色彩信息的，是采用了最保守的科学推测，还是融入了更多基于当时文化背景的艺术判断？如果书中能附带一些“色彩考证手记”或者技术分析图表，那就更完美了。这种探究“视觉真相”的过程，比直接展示结果更有吸引力。我期待它能带领我跳出教科书的刻板印象，用一种更感性、更接近生活本质的方式去理解那段历史。这种深入到“物质存在感”层面的解读，才是真正有力量的历史书写。
评分从收藏价值的角度来看，这本书似乎具备了长期流传的潜力。如果它成功地填补了某个特定领域视觉研究的空白，那么它将成为未来研究者绕不开的重要参考书目。我尤其看重这类跨学科的作品，它结合了历史学、色彩科学、摄影技术以及艺术史，这种复合型的知识结构本身就具有很高的门槛和壁垒。一本优秀的图像史著作，其价值不在于印刷了多少照片，而在于它如何引导读者建立起一种新的观看体系。我希望这本书在呈现视觉冲击力的同时，也能提供足够深厚的学术支撑，让我在每一次翻阅时，都能发现新的解读维度。这种“耐看性”——即随着时间的推移和自身知识结构的丰富，仍能从中汲取新养分的能力——才是衡量一本非虚构作品是否经典的重要标准，而这本书的选题和投入程度，似乎正在朝这个方向迈进。
评分阅读体验上，我关注的重点在于作者的语言风格和情感投入。我希望这本书的文字部分能够与那些绚丽的色彩图像形成一种互文关系，而不是简单的图注说明。如果作者能用一种既专业严谨又不失文学性的笔调来描述色彩选择背后的社会意义和时代精神，那这本书的价值将大大提升。比如，特定颜料在当时是如何被获取和使用的？某种服装的颜色在当时的社会阶层中代表着什么？这种深度的文化解读，是任何普通画册都无法提供的。我希望看到的是一种“有温度的色彩学”，它不仅仅是光学的展示，更是对那个时代生活气息的捕捉。如果能通过这些色彩的“翻译”，让我们真切地感受到那个时代人们的喜怒哀乐，感受到阳光洒在老式砖墙上的那种特定的暖调，那么这本书就成功了。它需要一种细腻入微的笔触，将科学的严谨和人文的关怀完美融合。
评分这本书的装帧设计真是太吸引人了，封面那种复古的色调和精致的插图，让人一眼就能感受到厚重的历史感。我个人一直对老照片的修复和色彩还原很感兴趣，这本书的视觉呈现绝对是顶级的享受。从排版上看，它似乎非常注重细节，每一个跨页的布局都经过精心考量，让那些历史影像以最完美的姿态展现在读者面前。我特别期待能看到那些经过现代技术重新着色的老照片，那种“穿越时空”的视觉冲击力，是纯文字描述无法替代的。这本书的开本尺寸拿在手里也很有分量，纸张的质感似乎也相当不错，这对于欣赏那些细微的色彩变化来说至关重要。光是翻阅目录和前言时，那种对“真实色彩”的执着追求就让人心生敬佩。我敢肯定，对于任何一个视觉艺术爱好者或者历史档案研究者来说，这本书的物理形态本身就是一件值得收藏的艺术品。它不仅仅是知识的载体，更像是一本精心制作的影像画册，展示了出版方在视觉呈现上的高标准和对“美”的极致追求。那种对历史细节的尊重，从封面设计中就已经跃然纸上。
评分这本书的装帧和内容似乎都指向了某种“修复”与“回归”的主题，这让我联想到当代艺术圈对“后真相”时代的某种回应。在信息爆炸、图像泛滥的今天，如何定义和呈现“真实”成了一个核心议题。这本书似乎试图通过对历史图像的精确着色，重新确立一种视觉上的真实锚点。我非常关注它在方法论上的贡献，它是否提供了一套可以被其他历史图像研究者借鉴和参考的规范？或者，它是否仅仅是一个个案的完美展示？如果这本书能够引发一场关于历史图像解释权和色彩再现伦理的讨论，那它的意义就超越了单纯的艺术欣赏范畴。它触及到了我们如何“观看”历史的核心问题。这种对既定历史视觉材料的“颠覆性重构”，需要极大的勇气和扎实的基础，我非常期待看到作者是如何平衡这种学术责任感和艺术表达欲的。
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