经典CD纵横观3──乐曲解析与学派特性 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　演奏者要如何诠释音乐作品？钢琴学派如何影响演奏方式与诠释思维？传统与创新之间要如何取舍？乐曲顺序竟然可以自由组合？凭借第一手的钢琴家访问，焦元溥讨论学派与传统的真义，让您了解演奏者如何超越文化与语言的隔阂，破解作曲家所设下的音乐谜语。既能从当代看过往，也能由台湾观天下。

　　许多作品由于本身之复杂与特殊，导致演奏者不得不以该曲本身为出发点作诠释。乐曲本身再度成为诠释的重心，学派、历史与「典型」并不成为最重要的影响因素。以舒曼《交响练习曲》为例。舒曼原本删除五首练习曲(变奏)，但后来还是由布拉姆斯将其附于乐谱后出版。在二十世纪起，钢琴家不仅演奏舒曼定版，更开始自由添加舒曼原本删减的五首变奏。

　　不同排列组合下的演奏，其实已是不同作品，钢琴家自身对该曲所持的结构观点成为决定性的因素。又如李斯特奏鸣曲，由于其结构的复杂深奥与曲义的模煳暧昧，导致音乐学者与钢琴家提出各自不同的结构分析，也使本曲诠释面貌大异其趣。由于钢琴家对乐曲所设定的结构不同，评论者必须先就钢琴家的设计来对照乐谱指示，才能进一步讨论其诠释，而无法先以评论者自身的观点解读乐曲，再套用到不同钢琴家的演奏之中。至于以「循环曲式」创作的圣桑第四号钢琴协奏曲，也唯有在详尽地分析结构之后，方能就各个主题的变化做比较与讨论。评论者如果对这些作品缺乏乐曲本身结构的认识，不仅评论缺乏标准，也无法深入乐曲本身的精髓。

　　然而，也有许多作品由于本身风格或是不同学派间解释差异过大，导致以学派为主而形成各具特色的诠释。匈牙利作曲家巴尔托克的三首钢琴协奏曲为匈牙利与东欧系统钢琴家广泛演奏，西班牙作曲家法雅的《西班牙花园之夜》，其演奏与录音更以西班牙、法国与拉丁语系钢琴家为大宗。学派特性造就特定音乐语法，而评论者必须同时了解乐曲与学派语法，才能更完善地讨论其演奏和诠释。至于法国作曲家拉威尔的《加斯巴之夜》，更在法国与俄国钢琴学派两方截然不同的表现下呈现出多样的风格。本书正是就特定曲目掌握关键的学派特性，提出多重学派观点的着作。无论对学生或是一般爱乐者，都是一窥演奏家与学派奥秘的最佳读物。

本书特色

　◎华文世界第一部呈现音乐诠释史观的版本比较专着
　◎目次：乐曲解析：
　　李斯特：b小调钢琴奏鸣曲(Franz Liszt: Sonata in b minor)
　　舒曼：《交响练习曲》(Robert Schumann: Symphonic Etudes)
　　圣桑：第四号钢琴协奏曲(Camille Saint-Saens: Piano Concerto No.4)
　　学派特性：
　　拉威尔：《加斯巴之夜》(Maurice Ravel: Gaspard de la Nuit)
　　巴尔托克：三首钢琴协奏曲(Bella Bartok: Three Piano Concerti)
　　法雅：《西班牙花园之夜》(Manuel de Falla: Nights in the Garden of Spain)

作者简介

　　焦元溥，1978年生于台北市。台大政治学系(国际关系组)学士，美国佛莱契尔学院(The Fletcher School)法律-外交硕士(Master of Arts in Law and Diplomacy)。

　　自15岁起开始发表乐评、论述与散文于《古典音乐杂志》(民国87年度文学及艺术类杂志金鼎奖)、《CD购买指南》、《表演艺术》、《联合报》、《自由时报》、《大纪元时报》、《亚洲週刊》、《香港明报月刊》、《人民音乐杂志》(北京)等平面媒体。内容涵盖音乐作品分析、诠释讨论、钢琴演奏技巧解析、音乐家访问、国际钢琴大赛报导与文学创作，发表字数迄今已逾120万字。20岁时受邀至上海音乐学院音乐学研究所就「典型与典型转移──以拉赫曼尼诺夫第三号钢琴协奏曲之诠释变貌为例」作专题演讲，2002年至国立台北艺术大学音乐研究所演讲「俄国钢琴学派」。

　　文字评论之外，焦元溥也参与广播节目与音乐创作，近期作品为康轩国中国文教学教材之音乐/编曲/演奏配乐。

《声之律动：西方音乐史上的重要流派与风格演变》 本书导读 本书旨在为音乐爱好者、学习者以及专业人士提供一份详尽的西方音乐史导览，重点聚焦于自巴洛克时期至今，各个重要音乐流派的形成、核心特征、代表人物及其在时代背景下的独特贡献。我们避免陷入艰深的技术性分析，而是着重于描绘不同风格如何孕育、发展，并最终交织成我们今日所听见的宏大音乐图景。 第一部分：古典主义的理性之光（约1730s – 1820s） 第一章：从洛可可到古典的过渡 本章首先回顾巴洛克晚期（如巴赫、亨德尔晚期作品）向早期古典主义风格的微妙转变。我们将探讨“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和“斯图尔姆·乌尔德”（Sturm und Drang，风暴与激情）运动如何为更清晰、更平衡的结构奠定基础。重点解析C.P.E.巴赫和格鲁克在歌剧改革中对戏剧性与清晰旋律的追求。 第二章：维也纳古典乐派的黄金时代 这是音乐史上结构与形式臻于完美的阶段。我们将深入剖析海顿、莫扎特、贝多芬早期作品中奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与运用。 海顿的“交响曲之父”地位： 探讨他如何系统化了四乐章交响曲的结构，以及他在弦乐四重奏中对对话精神的刻画。 莫扎特的旋律天赋与歌剧精髓： 分析其作品中无与伦比的旋律线条、和声的丰富性，尤其关注《费加罗的婚礼》、《唐璜》等歌剧中对人物心理的细腻描摹。 贝多芬的结构创新： 侧重分析贝多芬如何通过拓展呈示部、发展部和再现部，赋予古典形式新的内在张力和戏剧性，预示着浪漫主义的来临。 第三章：古典主义的器乐形式规范 本章细致考察奏鸣曲、协奏曲、交响曲和室内乐（特别是弦乐四重奏）在这一时期的标准构建，以及这些形式如何成为后世作曲家引用的“典范”。 第二部分：浪漫主义的激情与主观世界（约1800s – 1910s） 第四章：浪漫主义的起源与核心精神 浪漫主义不再将理性置于首位，而是颂扬情感、想象力、自然崇拜以及对个体内心世界的探索。本章阐释了文学（如歌德、拜伦）和哲学对音乐的影响。 第五章：钢琴的崛起与独奏家的诞生 钢琴作为浪漫主义最核心的乐器，其表现力得到了空前的提升。我们将探讨舒伯特、肖邦、舒曼和勃拉姆斯在钢琴艺术上的革新。 肖邦的“钢琴的诗人”： 专注于玛祖卡和波兰舞曲等民族体裁的升华，以及夜曲中梦幻般的音色处理。 舒曼的室内乐： 探究其如何将文学意象融入钢琴套曲，以及对“双重人格”在音乐中体现的尝试。 第六章：标题音乐与交响诗的诞生 随着听众对纯器乐的理解门槛提高，作曲家开始借用非音乐媒介来叙事。 柏辽兹的《幻想交响曲》： 作为标题音乐的里程碑，分析其“主导动机”（idée fixe）的运用，及其在配器法上的革命性突破。 李斯特与交响诗的结构： 探讨李斯特如何创造出单乐章的管弦乐叙事形式，以及其在和声色彩上的大胆探索。 第七章：民族乐派的兴起与地方色彩 本章考察欧洲各地作曲家如何从本国民间音乐、民间故事和民族历史中汲取灵感，以对抗德奥体系的主导地位。重点分析俄罗斯五人组（鲍罗丁、穆索尔斯基等）、捷克的德沃夏克和斯美塔那，以及挪威的格里格。 第八章：晚期浪漫主义的宏大与终结 关注瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，特别是其在歌剧中的和声扩张（如三全音的使用）和主导动机体系的复杂化。同时，分析布鲁克纳的宏伟交响曲和马勒对人类生存困境的深刻探讨。 第三部分：二十世纪的多元探索（约1900s至今） 第九章：印象主义与对色彩的迷恋 本章聚焦于德彪西和拉威尔。分析他们如何打破传统功能和声的束缚，利用全音阶、五声音阶和复杂的和弦色彩，营造出朦胧、流动的音响画面。 第十章：表现主义与无调性革命 介绍勋伯格、贝尔格和韦伯恩的“第二维也纳乐派”。详细阐述了对传统调性系统的彻底颠覆，以及十二音体系（Dodecaphony）的诞生，分析其如何追求对人类内心焦虑和极端情绪的“客观”表达。 第十一章：新古典主义与回归秩序 针对浪漫主义的过度膨胀，以斯特拉文斯基的《普尔钦奈拉》和早期作品为例，探讨作曲家如何借鉴巴洛克和古典时期的清晰结构、平衡感，并用现代和声和节奏进行包装。 第十二章：极简主义与新的听觉体验 本章将探讨战后实验音乐的两个极端： 序列主义（Serialism）： 介绍布列兹等对音高、节奏、力度、音色进行全面序列控制的尝试。 极简主义（Minimalism）： 分析菲利普·格拉斯和史蒂夫·赖克如何通过重复、渐变和简约的材料，引导听众进入一种沉浸式的、侧重于过程而非结局的音乐体验。 结语：历史的回响与未来的声音 本书最后总结了从古典的清晰到浪漫的激情，再到二十世纪的实验与多元化，音乐是如何不断地自我否定与革新。我们探讨了技术进步（如录音和电子音乐的兴起）对当代音乐创作的深远影响，并展望了当代作曲家如何在新旧之间寻找平衡的可能性。

结构与幻想之谜
———李斯特《b小调钢琴奏鸣曲》
李斯特于1853年完成的《b小调钢琴奏鸣曲》，不仅是十九世纪第一首单乐章钢琴奏鸣曲，也是自贝多芬后对奏鸣曲式提出最革新见解的伟大作品。本曲结构之奥妙迷人，更让无数音乐学者与钢琴家穷毕生精力讨论。本文旨在以评论/分析演奏者诠释的角度出发，先以书目调查的方式整理各家学说，再提出本文所採用之「主题分析法」，最后就各学派和钢琴家的演奏，以结构为主轴作其诠释分析。

无解之谜：
李斯特钢琴奏鸣曲的结构
如欲讨论李斯特奏鸣曲的诠释，必先了解其结构；然而，此曲的结构本身，就是一个没有解答的问题。李斯特以「奏鸣曲」来称唿这部作品，但要如何以奏鸣曲来解释此曲的结构，却成为各学者与演奏者争论不休的话题。就前人的见解而言，Rey Longyear以传统三乐章奏鸣曲的观点出发，认为此曲为一「三乐章」形式的作品。William Newman以交响曲结构的观点来理解本曲，以「双重作用结构」（double-function form）四乐章论主张本曲一方面是单一乐章作品，但实际上包含了交响曲四乐章形式的「第一乐章、慢板乐章、诙谐曲和终曲」1。Alan Walker也以「双重作用结构」（double-function form）为准，认为本曲具有明确的四段，但他认为此曲等于是两首奏鸣曲的结构重叠，以更结构面的方式理解此曲2。

当然，更多人强调本曲的「单一乐章奏鸣曲式」结构。从Sharon Winklhofer3、Humphrey Searle4、阿劳（Claudio Arrau）5、布伦德尔（Alfred Bredel）6、Derek Watson7、Kenneth Hamilton8和Ben Arnold9等人的分析，都表现出如此观点。然而，他们虽认为此曲是单乐章形式，对结构的分析却又各自不同，甚至对于主题的认知也不一样。Winklhofer、Bredel、Watson和Arnold认为全曲是五段式，Searle和Arrau的见解则可归类为六段式。即使在段落数目上认知相同，他们对段落的切割点也因其对主题的认知而大相迳庭。事实上，每一位专家的见解就结构分析而言都言之成理；也因为其分析「全都合理」，在无数学者的研究贡献下，李斯特奏鸣曲的「奏鸣曲结构」看似愈来愈清晰，其实愈来愈模煳。愈是明辨结构的复杂，愈会发现李斯特此曲根本是无解之谜。

无言之谜：
李斯特钢琴奏鸣曲的内涵
另一个较结构面更具争议性的问题，则是本曲的「内涵」。在上述各家的分析中，一个隐而未现的争议点在于本曲是否为「标题音乐」。一派学者坚称本曲是纯粹音乐，认为本曲既是「奏鸣曲」，李斯特本人也未加标题，正说明了本曲的抽象性。和如此主张结构纯粹性的观点相反，许多人则试图以「标题音乐」来诠释李斯特奏鸣曲。如华格纳即认为本曲是李斯特自己一生的写照，是他的音乐自传10。也有人认为本曲是圣经启发的幻想，是米尔顿《失乐园》的音乐描写。然而，更多人认为本曲其实就是李斯特深深着迷的《浮士德》音乐版，是浮士德传奇的音乐再现11。本曲的「浮士德诠释」几乎成为此曲的「正典诠释」，从柯尔托、阿劳到布伦德尔，太多钢琴家以《浮士德》指涉此曲，甚至提出「既然有《但丁奏鸣曲》和《但丁交响曲》，李斯特既写了《浮士德交响曲》，自然也会写作《浮士德奏鸣曲》」这样「理所当然」的看法12。然而，即使「浮士德诠释」广被接受，仍改变不了本曲诠释上的根本事实———李斯特本人从来没有说本曲是《浮士德奏鸣曲》，更没有以任何标题或故事解释此曲。相反地，李斯特甚至表示此曲的创作和标题无关，是单纯的音乐作品。

为什么作曲家和诠释者之间会存在如此巨大的认知差异？就本曲音乐本身而言，其强烈、鲜明且极端的音乐主题性格，确实让人自然而然地联想到善与恶、神与魔、光明与黑暗、天堂和地狱，这是李斯特此曲写作成功之处。然而，也因为「太过成功」，导致众人纷纷猜想追寻音乐背后的故事。就结构而论，本曲善恶二元交缠不断，却意外分出三个主题表现，自然让人联想到《失乐园》的「神—人—魔鬼」和《浮士德》的「浮士德—葛丽卿—梅菲斯特」的三向关系。而本曲旋律浪漫，又带有爱情的感觉，更让人确信实是描写《浮士德》或伊甸园的禁爱情节。笔者个人对于「浮士德诠释」也极为认同，也愿意相信本曲确实就是《浮士德奏鸣曲》。然而，笔者真正关注的争议点并非《浮士德奏鸣曲》是否成立，而是如果本曲确实是《浮士德奏鸣曲》，为何李斯特一生皆对此曲内涵保持沉默？

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我近期最惊艳的阅读体验！作为一名资深的古典乐爱好者，我一直在寻找能够深入解析乐曲结构、同时又能触及不同音乐学派精髓的作品，而《经典CD纵横观3──乐曲解析与学派特性》恰恰满足了我所有的期待。我尤其欣赏作者在剖析每一首作品时所展现出的那种抽丝剥茧般的细致。他不仅仅是简单地罗列乐句、和弦，而是将音乐的内在逻辑、作曲家的情感表达以及时代背景下的风格演变娓娓道来。例如，在解读贝多芬的“命运”交响曲时，作者并未止步于主题的发展，而是深入探讨了动机的精炼与扩张如何营造出戏剧性的张力，以及这种“英雄风格”如何在当时的音乐界引起了怎样的涟漪。更让我惊喜的是，书中对不同学派的梳理也并非生硬的分类，而是通过具体的作品和作曲家，生动地展现了巴洛克时期的严谨对位、古典时期的均衡典雅、浪漫主义的奔放情感，以及印象派的色彩斑斓。我感觉自己仿佛置身于一个音乐的万花筒，每一页都带来了新的视角和惊喜。读完这本书，我再听那些熟悉的乐章时，仿佛打开了新的耳朵，能够捕捉到更多深层次的意味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直是一股清流，为我这样的古典音乐“小白”打开了一扇通往音乐殿堂的窗户。《经典CD纵横观3──乐曲解析与学派特性》的语言风格十分友好，没有那些晦涩难懂的专业术语，作者仿佛一位耐心循循善诱的老师，用通俗易懂的语言，引导我一步步走近古典音乐的世界。我非常喜欢书中对不同时代音乐风格的介绍，它让我明白了为什么有些音乐听起来舒缓，有些则充满激情，而另一些又带着一丝朦胧的美感。例如，在介绍巴洛克时期的赋格时，作者用生动的比喻解释了复调音乐的复杂交织，让我这个初学者也能感受到其中的精妙。而当读到关于印象派的段落时，我仿佛能透过文字“听”到德彪西笔下流淌的色彩和光影。这本书极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再局限于自己熟悉的少数几位作曲家，而是开始主动去探索更多不同时期、不同风格的音乐作品，这让我的生活因此增添了许多乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我购买《经典CD纵横观3──乐曲解析与学派特性》纯属偶然，原本只是想找一本闲书打发时间，但这本书的内容却深深地吸引了我。作者以一种旁征博引、信手拈来的方式，将枯燥的音乐知识变得生动有趣。我尤其欣赏书中对于不同音乐流派的“人格化”描绘，仿佛每一位作曲家、每一个学派都有着自己独特的性格和故事。在阅读关于浪漫主义的部分时，我仿佛看到了那些为爱、为自由、为理想而呐喊的灵魂，他们的音乐充满了澎湃的情感和强烈的个人色彩。而当读到20世纪的实验性音乐时，我则感受到了作曲家们打破常规、挑战听觉极限的勇气与创造力。这本书让我意识到，音乐不仅仅是音符的组合，更是人类情感、思想和时代精神的载体。它极大地丰富了我的精神世界，让我在忙碌的生活之余，能够沉浸在音乐的海洋中，获得心灵的慰藉和启迪。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐领域深耕多年的专业人士，《经典CD纵横观3──乐曲解析与学派特性》这本书带给我的，更多的是一种对经典作品的全新审视和对理论教学方法的启发。作者在乐曲解析部分，并没有流于表面，而是深入到对作曲家创作动机、结构组织、配器手法等层面的细致考察，尤其在对一些边缘化或被忽略的细节处理上，体现了其严谨的学术态度和深厚的功底。书中关于不同学派特性的阐述，更是超越了简单的风格归类，而是着重于揭示不同学派在其历史发展中的传承与革新，以及它们如何塑造了音乐语言的演变。例如，作者对晚期浪漫主义时期作曲家们在寻求突破传统时的探索，以及新音乐在面对传统时的反思，都进行了鞭辟入里的分析，这对于理解当代音乐的发展脉络具有重要的参考价值。我从中也获得了一些新的教学思路，可以借鉴其分析方法，使学生的理解更加深入和立体。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始抱着试试看的心态翻开了《经典CD纵横观3──乐曲解析与学派特性》，没想到却给了我一个巨大的惊喜。作为一个业余的乐器学习者，我对古典音乐一直充满热情，但常常感到理论知识和实际演奏之间的隔阂。这本书以一种非常接地气的方式，将复杂的音乐理论融入到对经典作品的赏析之中，让我豁然开朗。作者对于乐曲的结构性分析，特别是对奏鸣曲式、变奏曲式等基本曲式的讲解，清晰明了，易于理解，即使是没有接受过专业音乐训练的人也能领会其中的奥妙。我尤其喜欢书中对不同乐派作曲家个人风格的描绘，比如肖邦的诗意与浪漫，勃拉姆斯的沉静与深刻，斯克里亚宾的神秘与超验，作者用生动的语言勾勒出他们独特的音乐语言，让我对这些伟大音乐家的作品有了更深刻的认识。通过这本书，我不仅提升了对音乐的理解能力，更激发了我对音乐学习的更大兴趣。我开始尝试在演奏中去体会作者所描述的乐句连接、情感起伏，这让我的演奏更加富有表现力。