平面设计创意手法72再变 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　每一种设计的手法，本就纯艺术的风格、理念脱离不了干系。原72变边写时，只想举例若干实引证一番。但「再变」之际，决定另辟「设计源流」，以独立栏位系统谈论，也便于「贴图」；这次的篇幅分配，并非各手法平均，甚至是「参差不齐」悬殊很大，与原『72变』比起来也有些消长变化，所以各手法所佔篇幅多寡，便知哪些手法是]热门当红，哪些是近于「消声匿迹」。

作者简介

潘东波

　　国立台湾师范大学美术系毕业，曾任中小学美术教师、高职广告设计教师、科主任，出版传播摄影公司主管，着有：设计基础与基本构成、版面构成与美术编辑、平面设计创意手法72变、标志设计分类事典、20世纪美术全览等。

《点石成金：当代视觉叙事与品牌构建的艺术》 摘要： 本书并非侧重于平面设计的具体技法或工具操作指南，而是深入剖析了驱动优秀视觉作品诞生的底层逻辑——即“叙事性”、“情感共鸣”与“系统化构建”。它旨在引导设计师超越单纯的“美化”层面，进入到策略性的视觉思维领域，探讨如何在信息爆炸的时代，通过精准的视觉语言，构建强大且持久的品牌形象与沟通效果。全书围绕“概念的提炼”、“符号的生成”与“场景的沉浸”三大核心模块展开，结合大量非平面设计领域的优秀案例（如电影剪辑、建筑空间、文学结构），为读者提供一套更宏观、更具前瞻性的视觉策略框架。 --- 引言：超越像素的思考——视觉叙事的必要性 在充斥着快速浏览和信息碎片化的当代语境中，一个设计作品若仅仅停留在“好看”的层面，其生命周期将极其短暂。真正的视觉力量，源于其承载的意义和构建的连接。《点石成金》的核心主张是：设计即沟通，沟通即叙事。 本书不教授如何使用某款软件的最新功能，而是探讨如何像一个剧作家、一位人类学家般思考视觉元素。 我们将从基础出发，探讨“意图”如何指导“形式”。在第一部分，我们将研究如何从一个模糊的商业需求或文化现象中，提炼出清晰、可被视觉化的核心概念（The Core Idea）。这要求设计师具备强大的抽象思维能力和跨学科的知识储备，将复杂的社会学、心理学洞察转化为一个简洁有力的视觉锚点。 第一部分：概念的提炼与视觉的“原始语法” 这一部分着重于视觉思维的底层构建，强调“为什么这么做”先于“怎么做”。 1. 叙事结构的解码：从故事板到版面设计 优秀的视觉作品往往遵循着人类对故事的基本认知模式——开端、发展、高潮、结局。本书将分析经典的叙事结构（如英雄之旅、三幕剧），并展示如何将其应用于版面布局、信息层级组织乃至整个品牌视觉系统的延展中。我们研究的重点在于：如何通过节奏（Rhythm）和张力（Tension）来控制观众的注意力流。 2. 符号学的深度挖掘：超越约定俗成的标记 符号是视觉语言的基石，但平庸的设计止步于使用大众已知的符号（如爱心代表爱）。本书鼓励读者深入挖掘符号的文化渊源、历史变迁以及潜在的心理暗示。我们将探讨如何“反向工程”设计一个全新的、具有高识别度和强记忆点的符号系统，使其能够随着时间推移，在特定社群中建立起独特而坚固的语义关联。这涉及对色彩心理学、几何形态原始意义的再审视。 3. 材质与肌理的“触觉”暗示 视觉信息不再局限于屏幕的二维平面。本书将讨论“材质感”如何超越屏幕上的光影模拟，转化为一种对用户心理的暗示。例如，粗糙的、未加工的纸张纹理暗示“真实性”与“历史沉淀”，而高度光滑、反射性强的表面则暗示“未来感”与“精密制造”。我们分析了如何利用数字纹理的模拟和对物理属性的尊重，来增强信息的真实可信度。 第二部分：场景的构建与情感的共振 视觉设计的目标是构建一个可以让受众“进入”的世界。第二部分关注如何通过环境、媒介和互动来放大设计的力量。 1. 空间与环境的视觉语言 我们邀请读者跳出屏幕，思考设计在真实空间中的运作方式。无论是实体零售环境、展览空间还是活动布景，环境的“氛围”本身就是一种强大的视觉信息。本书分析了建筑设计中的“流线控制”如何对应信息流的设计，以及光影作为一种非物质的媒介，如何被用来引导情绪和聚焦重点。 2. 媒介的“物质性”与体验设计 选择印刷、数字、AR/VR，乃至气味和声音作为载体，是设计策略不可分割的一部分。本书详细阐述了不同媒介的“物质局限性”如何转化为“创意驱动力”。例如，如何利用纸张的厚度、裁切的精确度，或屏幕的刷新率与延迟，来刻画品牌的特定气质。我们探讨的是媒介的“内在哲学”而非单纯的技术操作。 3. 情感触发器：共情设计的策略框架 如何设计出能够引发怀旧、兴奋、信任或紧迫感的作品？本书提供了一套“情感映射模型”，通过分析特定的视觉母题（Archetypes）与人类基本情感之间的关联。重点在于建立设计与受众深层情感需求的桥梁，确保视觉输出不仅仅是信息的传达，更是情感的交换。 第三部分：系统化思维与品牌的“生命力” 一个成功的视觉策略必须是可维护、可演化且具有内在逻辑的系统。 1. 视觉系统的“适应性进化” 品牌视觉不应是僵化的手册，而应是一个具有生命力的系统。本章探讨了如何设计具有“灵活核心”的视觉框架，使其能够在不同的应用场景（从微小的App图标到巨大的户外广告牌）中保持高度的统一性，同时又能根据新的文化语境进行微妙的调整，实现“不变的内核，变化的表达”。我们深入研究了如何建立一套高效的视觉层级结构，确保核心信息在任何情况下都能脱颖而出。 2. 跨界融合的“思维嫁接” 本书大力提倡打破设计学科的壁垒。通过分析音乐制作流程、工业设计中的仿生学应用、甚至是古代哲学中的辩证法，来启发平面设计师的创新思路。这种“思维嫁接”是避免设计陷入自我重复的关键。我们展示了如何从看似不相关的领域中汲取结构、韵律或解决方案，并将其转化为独特的视觉语言。 3. 策略评估与未来审校 最后，本书提出了评估视觉策略有效性的非量化指标。一个好的视觉系统应该能自我“过滤”掉不匹配的信息，并能在未来几年内“抵御”住潮流的侵蚀。我们探讨了如何建立一套前瞻性的评估体系，确保设计决策是基于长期的品牌资产积累，而非短期的视觉热点。 --- 读者对象： 资深平面设计师、品牌策略师、视觉传达专业学生、对设计思维感兴趣的营销与产品管理者。 本书承诺： 这不是一本教你如何“画得更好”的书，而是教你如何“想得更深”的书。它将你的视角从工具的奴隶提升为策略的构建者，使你的每一个视觉决策都充满深思熟虑的战略意义。

设计.看招(原序)
再序一遍(续篇
「再变」序)

传统类
具象平面化
抽象平面化
软边平面化
文字平面化
单色平面化

插画类
喷修细腻化
精绘细腻化
勾绘细腻化
粗旷写意化
水彩写意化
国画写意化
彩绘写意化
漫画谐趣化
童趣拙趣化

通用类
群像组合法
海报化(高反差式)
极简化
部分化
重复化
缀叠化
特异化
阴影化
倒影化(镜射式)
绕线化(线性化)
留白化
撕割化
标志化
并置比较法
实物置入法
象征谕引法
并用法

影像类
沙龙化
实物构成化
实演剧情化(故事化)

幻象类
量变式变位幻象化
位移式变位幻象化
变质幻象化
溶接幻象化
异形幻象化
异能幻象化
名画改造式画境幻象化
綑包装置式画境幻象化
名景(名人) 幻象化
拟人幻象化
三度空间幻象化
错觉幻象化

另艺类
立方体化
开窗幻象化
虹线加置法
刷抹框置入法
置片饰装法
抽象衬底法
拓印拼叠式
渐层染色法
分区赋色法
图表化

文字类
图文混置法
解字造字式文字示意化
缀字成形式文字示意化
谐音引谕式文字示意化
造词引谕式文字示意化

工艺类
纸艺化
工艺化
民俗化
花饰化

时潮类
繁复化
虚拟造境式电脑化
质换变调式电脑化
新闻化
悬疑化(猜谜式)
耸动化
官能化

别创家
变外变I 引导式错觉异能幻像化
变外变II失焦示意化
变外变III通透式错觉化
变外变IV线色分离式插画

评分☆☆☆☆☆

我是在一个设计论坛上看到有人推荐这本书的，当时就对“72再变”这个书名产生了浓厚的兴趣。我猜想这可能意味着书中包含了很多动态的、可变化的创意组合，或者是指设计师可以通过72种不同的方法来“再造”一个设计。拿到书后，我首先关注的是书中案例的丰富程度。我发现书中收录的案例涵盖了从品牌标志、海报、包装到网页界面等多个领域，而且每个案例都附有详细的创作思路和演变过程。我特别喜欢书中对“留白”的运用分析，它不是简单地说“留白很重要”，而是通过对比不同案例，展示了留白在引导视线、突出重点、营造呼吸感等方面的具体作用。有一个案例是为一个独立书店设计的海报，设计师巧妙地利用大面积的留白，将书本的封面和书名以一种极其优雅的方式呈现出来，整个画面显得既简洁又富有艺术气息。书中还提到了很多关于“形式与内容”关系的探讨，让我意识到一个好的平面设计，一定是形式服务于内容，而不是形式压倒内容。我之前也曾尝试过一些设计软件，但总是觉得自己的作品缺乏灵魂，这本书的出现，让我开始从更深层次去思考设计的本质，而不是停留在表面技术的层面。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷，是希望能够提升自己工作的视觉呈现效果。我是一名市场推广人员，经常需要制作各种宣传材料，但苦于没有专业的设计背景，作品总是显得有些“业余”。这本书的出现，简直就是及时雨！它最大的亮点在于，它并不是那种高高在上、理论性极强的学术著作，而是非常接地气，提供了大量可以直接借鉴和应用的实操技巧。例如，书中关于“视觉层次构建”的讲解，我以前总是凭感觉来排列信息，现在才知道原来有那么多科学的方法可以遵循，比如利用大小、颜色、位置等来区分主次信息，让观众一眼就能抓住重点。我尝试着将书中的一些技巧运用到我最近负责的一个产品推广活动中，结果收到了意想不到的效果，客户对宣传册的设计赞不绝口，问我是不是请了专业的设计师。我当时内心别提多自豪了！这本书还分享了很多关于“情绪板”的制作方法，让我能够更清晰地梳理自己的设计意图，更好地与设计团队沟通。对我来说，这本书更像是一位经验丰富的导师，循循善诱地引导我走向更专业的设计思维。

评分☆☆☆☆☆

最近一直在关注平面设计的新趋势，这本书的出现，感觉恰好填补了我知识上的空白。我尤其欣赏书中对“解构与重组”手法的深入剖析。它不仅仅是简单地将现有元素打散重组，而是强调在理解原有结构的基础上，进行有意识的创新和颠覆，从而创造出全新的视觉语言。书中有一个关于“将经典名画进行像素化解构”的案例，让我看到了传统艺术与现代设计碰撞出的火花。设计师将梵高的《星空》进行像素化处理，并通过色彩的重新组合，赋予了这幅经典作品全新的生命力。这种大胆的尝试，让我觉得平面设计不仅仅是“好看”，更是一种对既有认知进行挑战和拓展的艺术。书中还提到了“跨界融合”的创意理念，比如将音乐的节奏感、戏剧的叙事性融入平面设计中，这让我看到了无限的可能性。读完这本书，我感觉自己的思维被打开了，不再拘泥于传统的条条框框，开始敢于尝试更具实验性和前瞻性的设计手法。

评分☆☆☆☆☆

这本书我最近终于入手了，迫不及待地翻开。虽然我不是专业的设计师，但作为一个对美学有追求的普通读者，我一直对平面设计的视觉语言充满好奇。这本书的封面设计就非常吸引人，那种简洁而富有张力的构图，一下子就点燃了我对内容的期待。我最喜欢的是书中对色彩搭配的讲解，它并不是简单地罗列一些色卡，而是深入浅出地阐述了色彩的情感联想、文化含义，以及如何在不同的设计场景下运用色彩来营造氛围，传递信息。比如，书中有一个关于“橙色在商业海报中的情感表达”的案例分析，让我对平时生活中习以为常的广告有了全新的认识。我之前总觉得某些品牌的广告让人看了很舒服，现在才知道原来背后有如此精妙的色彩运用。另外，书中提到的字体排版技巧也让我大开眼界，原来字体的粗细、大小、行距，甚至字体的选择，都能对整个画面的质感产生如此巨大的影响。我以前总觉得好看的字体设计就是“好看”，现在才明白，那是一种经过深思熟虑、服务于设计目标的严谨选择。这本书给了我很多关于“为什么”的答案，让我不再只是被动地接受视觉信息，而是开始尝试去理解和欣赏设计背后的逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名听起来就很有力量，而且“72”这个数字也很有讲究，我很好奇它背后是否有什么特别的含义。拿到书后，我最惊喜的是书中对于“负空间”的阐释。我一直以为负空间只是画面中的空白区域，这本书却将它提升到了一个全新的高度，将其视为一种主动的设计元素，可以用来创造图形、引导视线、表达情感，甚至增加画面的趣味性。书中有一个关于“利用负空间设计logo”的案例，让我彻底颠覆了对负空间的认知。一个看似简单的线条，在巧妙的负空间运用下，竟然可以演变成一个富有深意的图形，这种“化繁为简”的设计哲学，真是令人拍案叫绝！此外，书中还探讨了“视觉流”的概念，教我如何通过元素的排列和引导，让观众的视线在画面中自然流畅地移动，从而更好地传递信息。我之前总是觉得自己的设计“死板”，现在才知道，原来是缺少了对视觉流的把控。这本书不仅提供了创意方法，更重要的是，它在潜移默化中塑造了我对设计的理解和感知能力。