具体描述
百张彩色图片、详尽文章解说
追溯现代绘画之父──塞尚的艺术历程与代表作品
塞尚（Paul Cezanne, 1839-1906）一生的艺术生活，都从自身接触自然而来。他观察自然，把眼睛所吸收的自然界现象，时时推移、刻刻扩张。这种推移和扩张，都从他的心灵和自然专一上迸发出来。塞尚所追求的重点，是在自然中主张维持艺术的「恆久相」，确定在不变易的一面，所以他依着执拗的笔触和粘液质的手法来吸收自然。我们看塞尚的作品，第一个印象就是结构和感情，他的静物画，包括果实、陶壶、一块布，不仅是描绘，却好像盖房屋一样地雄厚。
1836年他在巴黎，经左拉介绍，与印象派画家马奈、毕沙罗、雷诺瓦等人交往，参加印象派展览。他承认和尊重印象派在外光和色彩上的成就，但觉得印象派的描绘法太表面、飘浮，因此他探索不同于印象派的表现法，注重表现物质的具体性、稳定性和内在结构。他主张不要用线条、明暗来表现物体，而是用色彩对比。他说：「线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来。」1879年他离开巴黎，回到法国南部故乡后，便以此主张进行探索，从形、色、节奏和空间等要素表现质感的多样，探索事物内在的奥祕。
塞尚生前作品鲜为人赏识，参加官方沙龙年年落选。但是今天，塞尚早已被举世公认为西方艺术的重要大师。他一生留下近千幅油画和五百幅素描及水彩画。1995年9月巴黎大皇宫举行「塞尚回顾大展，法国文化部长伯勒济指出：「塞尚的艺术成就获得一致的肯定，已有一个世纪，世界各地美术馆以典藏其作品为荣。这个世界性的光荣，事实上有一部分是由塞尚体现出他那孤独完美艺术家的神祕性形象，以及他那深深让我们感动的使命感所造成的。」塞尚的伟大，在于提出一个时代权威的理论，让后世引用和推崇。本书以浅白的文字与百来张作品图片，追溯塞尚做为现代绘画之父的历程与代表作品。
著者信息
图书目录
前言
向塞尚致敬
现代绘画之父：塞尚
．塞尚与我们的时代
．质感与量块感
．借颜色产生凸现
．天真的视觉
塞尚的话
塞尚素描等作品
塞尚作品的主题与分期
．自画像
．摸索的时代
．印象主义的出发
．构成的世界
．塞尚与古典
．「浴女」与古典
【附录】塞尚与艾森．普罗旺斯
塞尚年谱
图书序言
图书试读
用户评价
我一直觉得，要理解一位伟大的艺术家，除了他的作品，更需要了解他的“思想”。而这本书，恰恰在这方面做得非常出色。它不仅仅罗列了塞尚的作品，更深入地剖析了他的艺术哲学和创作理念。我尤其喜欢书中关于塞尚“色彩”和“形体”关系的论述。他认为，色彩不仅仅是用来描绘物体的表面，更是可以用来构建物体的“体积”和“空间”。比如，他如何运用暖色调来表现物体的“前进感”，冷色调来表现物体的“后退感”，以及如何通过色彩的并置来制造画面的“深度”。这一点让我觉得非常颠覆。我之前一直以为，色彩就是色彩，形体就是形体，它们是分开的。但塞尚的实践告诉我，色彩本身就具有塑造形体的力量。书中用了大量的篇幅，来分析塞尚如何从“自然”中“提炼”出“几何形体”，并将这些形体运用到画面中。他并不是简单地模仿自然，而是试图从中找到最基本的“结构”和“秩序”。这种对“本质”的追求，让他的作品充满了力量感和稳定性。我之前对塞尚的印象，可能有些模糊，觉得他和其他印象派画家差不多。但这本书让我看到，塞尚的“独特性”和“前瞻性”。他并没有沉溺于印象派对“光影”的迷恋，而是开始探索“形式”本身的可能性。他对“画面构成”的重视，对“色彩逻辑”的思考，都为后来的现代艺术发展，奠定了坚实的基础。
评分这本书最让我感到惊喜的是，它让我重新认识了“色彩”的意义。我之前对色彩的理解，可能更多停留在“好看”、“鲜艳”的层面。但通过这本书，我才明白，色彩不仅仅是视觉的愉悦，更是构建画面“秩序”和“空间”的关键。书中详细介绍了塞尚如何运用“色彩的冷暖”和“色彩的并置”来表现物体的“体积感”和“空间感”。他并不是简单地用色彩来填充画面，而是让色彩本身就具有“塑造形体”的能力。我印象特别深刻的是，书里在分析塞尚的静物画时，特别强调了他对“苹果”的描绘。他笔下的苹果，虽然看似随意，但每一笔都充满了对苹果“体积感”和“质感”的精准把握。他通过色彩的冷暖变化，来表现苹果在光线下的不同受面，以及它本身的体积感。这种对物体“立体性”的追求，可以说是塞尚艺术的核心。而且，书中的分析并没有停留在“表面”，而是深入到塞尚的“创作理念”层面。他并非仅仅是为了“画得像”，而是希望通过绘画，揭示自然界“内在的规律”和“永恒的美”。这种哲学层面的思考，让塞尚的艺术作品，充满了深度和厚度。我之前对塞尚的理解，可能有些片面，认为他只是为后来的立体派铺路。但这本书让我看到，塞尚本身的艺术成就，已经达到了一个极其高的境界，他的探索，是独立而又具有划时代意义的。它让我明白了，色彩的运用，不仅仅是为了好看，更是一种“语言”，一种能够表达深刻思想和感受的语言。
评分这本书最让我着迷的地方，在于它让我看到了塞尚“思考”的过程。很多时候，我们看到艺术家的最终作品，会觉得理所当然，似乎一切都是如此自然而然。但这本书，通过对塞尚大量草图、速写和不同时期作品的对比分析，展现了他艺术观念是如何一步步形成和发展的。我特别喜欢书里关于塞尚如何看待“山”的论述。他不止一次地描绘圣维克多山，每次都有不同的角度和表达。这种反复的观察和提炼，正是他追求艺术“本质”的体现。他不是在画一座山，而是在画“山”本身所蕴含的几何结构和体积感。书里对这些过程的细致描绘，让我仿佛置身于塞尚的创作现场，感受他每一次落笔前的犹豫和决断。我注意到，书中并没有回避塞尚作品中可能存在的“争议”之处。比如，他那些看似“不完美”的构图，或者“变形”的比例，作者都进行了深入的解释，让我们明白这些并非“失误”，而是他为了实现某种艺术追求而进行的“刻意”安排。这种“正视”和“解读”艺术家的“不寻常”之处，恰恰是这本书的价值所在。它让我明白，艺术的创新，往往伴随着对传统规则的挑战和突破。我之前对塞尚的印象，可能更多停留在“立体派先驱”这个标签上，但这本书让我看到，他不仅仅是为立体派奠定了基础，他本身的艺术探索，就已经包含了极其丰富的思想内涵。他对于“光”和“影”的处理，对于“色彩”的运用，都具有独创性，并且影响了后续几乎所有重要的艺术流派。
评分说实话，我买这本书之前，对塞尚的了解仅限于课本上的几幅代表作，比如《玩牌者》和一些静物画。总觉得他的画风有点“粗糙”，不够“细腻”。但这本书的出现，彻底改变了我的看法。它用非常详尽的文字，一点点地剥开了塞尚艺术的“神秘面纱”。我尤其喜欢书里对塞尚对“色彩”的理解的阐释。他不是简单地将色彩作为颜料来填充画面，而是将色彩视为构建画面结构、表现体积和空间的重要“工具”。书中详细介绍了塞尚如何运用“冷暖对比”、“色彩并置”等手法，来创造画面的深度和动感。比如，他如何通过使用与物体本身颜色不同的色调，来表现光线的照射和阴影的层次，这一点让我觉得非常神奇。我之前以为，画静物就是要准确地复制物体的颜色，但塞尚的实践告诉我，色彩的运用远比这复杂和微妙。而且，这本书并没有止步于对色彩的分析，而是进一步探讨了塞尚是如何通过色彩来表达他对“永恒”和“秩序”的追求。他希望通过画面，捕捉到自然界中最本质、最恒定的美。这种追求，让他笔下的每一片色彩，都充满了力量和生命力。书中的语言，虽然专业，但并不晦涩。作者善于用形象的描述，让我们能够“看到”塞尚是如何运用笔触来“塑造”形体的。我仿佛能够想象到，他如何一层层地将色彩堆叠在画布上，如何用细微的笔触来捕捉光线的变化。读完这本书，我再看塞尚的画作，感觉完全不一样了。那些曾经让我觉得“粗糙”的地方，现在都变成了充满“智慧”和“力量”的笔触。
评分我总觉得，要真正理解一位艺术家，不单单要看他的作品，更要走进他那个时代的精神世界。这本书在这方面做得非常出色。它不仅仅是围绕着塞尚的个人经历展开，更是将他置于19世纪末20世纪初法国艺术和文化的大环境中进行解读。那些关于学院派的僵化、印象派的局限，以及新兴思潮的涌动，都为塞尚的艺术革命提供了背景。书里详细描述了当时艺术家们所面临的挑战，以及他们是如何在各种思想的碰撞中寻找突破口。塞尚，作为其中一位重要的实践者，他的绘画语言是如何在这种时代洪流中逐渐成型，并最终引领了一场艺术的革命，这本书给了我清晰的脉络。我尤其对书中关于塞尚与当时其他重要艺术家，比如高更、梵高等人的关系进行了深入的探讨。这些艺术家之间既有相互的影响和启发，也有各自独立的发展道路。塞尚的“立体”构图和对色彩的冷静分析，与印象派那种对瞬间光影的捕捉，以及后印象派其他画家更为强烈的情感表达，形成了鲜明的对比。这本书并没有简单地将这些艺术家割裂开来，而是通过他们之间的交流和互动，展现了艺术发展过程中那种“共生”和“递进”的关系。这让我意识到，艺术的进步并非孤立事件，而是无数个体的智慧和努力汇聚而成的巨大能量。我特别欣赏书里对塞尚的“素描”和“色彩”在画面构成中的作用的分析。他并不是简单地用线条勾勒轮廓，而是通过色彩的堆叠和明暗的对比，来塑造物体的体积感和空间感。这种“用色彩塑造形体”的观念，对后来的野兽派和立体派产生了深远的影响。读完这本书，我对“现代艺术”这个概念有了更深的理解，它不再是无根之木，而是有着清晰的起源和发展脉络。
评分塞尚，这个名字在艺术史上如雷贯耳，但对于我这个普通的台湾读者来说，总觉得有些遥远，像是高高在上的神祇。这本书的出现，就像是一盏温暖的灯，照亮了我通往大师内心世界的路径。我一直对印象派之后的艺术发展充满好奇，那些颠覆传统的色彩和线条，究竟是如何一步步走过来的？塞尚，这位“现代绘画之父”，无疑是其中最关键的人物。读这本书之前，我脑海中的塞尚，可能只是停留在模糊的印象派光影之中，他那些似乎“粗糙”的笔触，总是让我有些摸不着头脑。但随着阅读的深入，我开始惊讶地发现，他的每一笔，每一块色彩，都蕴含着深厚的思考和精准的计算。书里对塞尚早期作品的剖析，特别是他如何从古典主义的束缚中挣脱出来，转而探索光影的本质，让我看到了一个艺术家在成长道路上的艰辛与坚持。他并不急于追求表面的光鲜亮丽，而是沉下心来，去捕捉物象的内在结构，去理解色彩在画面中的逻辑关系。这种“不妥协”的精神，正是他成为“现代绘画之父”的基石。我尤其喜欢书里对于塞尚如何看待“自然”的论述。他不是简单地模仿自然，而是试图通过绘画，将自然的“永恒”和“立体感”提炼出来，赋予画面一种新的生命力。这种将视觉观察与内在理性相结合的探索，在当时是极其超前的。书中的文字，虽然细致入微，却并不枯燥，反而充满了引导性，仿佛作者带着我一同走进了塞尚的画室，感受他创作时的心境。每读完一个章节，我都会忍不住翻看附录中的画作，试图对照文字中的分析，去重新理解那些曾经让我费解的画面。这种“重读”艺术作品的体验，是这本书带给我的最大惊喜。它不仅仅是一本介绍画家生平的传记，更是一次深刻的艺术启蒙。
评分说实话，我一直对艺术评论中那些过于抽象和学术的术语感到有些头疼。但这本书的叙述方式却让我耳目一新。它既有严谨的艺术分析，又不失文学的温度和可读性。作者似乎很懂得如何用通俗易懂的语言，去阐释那些复杂的艺术理论。比如，书中对于塞尚如何处理画面中的“透视”和“空间”的讲解，就非常精彩。他并没有完全遵循传统的线性透视法则，而是根据画面本身的视觉需求，进行灵活的调整和变形。这种“打破常规”的做法，在当时无疑是石破天惊的。书里用了很多生动的比喻，来帮助我们理解塞尚的绘画理念。它不像一些理论书籍那样，只提供枯燥的文字描述，而是像一位耐心的老师，一步步引导我们去感受塞尚的艺术魅力。我印象特别深刻的是，书里在分析塞尚的静物画时，特别强调了他对物体“质感”的捕捉。那些水果、桌布，在他笔下，不仅仅是简单的形状，更是充满了触感和重量。作者通过对色彩冷暖、笔触疏密等细节的剖析，让我们看到了塞尚是如何通过这些“技法”来“唤醒”画面的。而且，这本书不仅仅关注塞尚的“技巧”，更深入到他的“思想”和“情感”。它让我们看到，塞尚在追求艺术真理的过程中，所经历的孤独、挣扎和自我怀疑。这种对艺术家内心世界的挖掘，使得他的形象更加立体和丰满。我不再觉得他是一个遥不可及的“大师”，而是一个有血有肉、有情感的普通人，只不过他用画笔，将他对世界的理解和感悟，提升到了一个非凡的高度。
评分我一直觉得，要真正理解一位艺术家，不仅要看他的作品，更要走进他的“内心世界”。这本书在这方面做得非常出色。它不仅仅是描绘塞尚的艺术成就，更深入地挖掘了他作为一个“人”的经历和思考。我尤其喜欢书中关于塞尚“孤独”的论述。他一生都在追求艺术的真理，但他的艺术理念在当时并没有被广泛理解和接受。他常常感到孤独和不被理解。但正是这种孤独，反而激发了他更加深刻的思考和更加坚定的创作。书中通过大量的文献和史料，展现了塞尚在创作过程中所面临的挑战和内心的挣扎。我印象特别深刻的是，书里对塞尚如何处理“风景画”的分析。他并非简单地描绘眼前的景色，而是试图捕捉风景的“本质”和“内在结构”。他反复描绘圣维克多山，每次都有不同的视角和表达。这种“反复的观察”和“深刻的提炼”，让我看到了他对艺术的执着和热爱。而且，这本书并没有回避塞尚艺术中可能存在的“争议”之处。比如，他那些看似“变形”的比例，或者“粗糙”的笔触，作者都进行了深入的解释，让我们明白这些并非“失误”，而是他为了实现某种艺术追求而进行的“刻意”安排。这种“正视”和“解读”艺术家的“不寻常”之处，恰恰是这本书的价值所在。它让我明白，艺术的创新，往往伴随着对传统规则的挑战和突破，而这种突破，往往需要巨大的勇气和坚定的信念。
评分这本书给我最大的感受，就是“耐心”。塞尚的艺术，本身就是一种对耐心的极致体现。而这本书的作者，也同样展现了非凡的耐心，去挖掘和梳理塞尚的艺术历程。我印象特别深刻的是，书中花了大量的篇幅，来分析塞尚是如何从“自然”中汲取灵感，并将这种灵感转化为艺术语言的。他不仅仅是“看”自然，更是“思考”自然。他试图从自然界纷繁复杂的现象中，提炼出最基本的几何形态和结构。书中对塞尚如何处理“苹果”、“椅子”、“风景”等不同题材作品的分析，都非常有深度。他对待每一个物体，都像是对待一个复杂的数学问题，需要反复的推敲和研究。我尤其喜欢书里对于塞尚“静物画”的解读。他笔下的苹果，虽然看似随意，但每一笔都充满了对苹果“体积感”和“质感”的精准把握。他通过色彩的冷暖变化，来表现苹果在光线下的不同受面，以及它本身的体积感。这种对物体“立体性”的追求，可以说是塞尚艺术的核心。而且，书中的分析并没有停留在“表面”，而是深入到塞尚的“创作理念”层面。他并非仅仅是为了“画得像”，而是希望通过绘画，揭示自然界“内在的规律”和“永恒的美”。这种哲学层面的思考，让塞尚的艺术作品，充满了深度和厚度。我之前对塞尚的理解，可能有些片面，认为他只是为后来的立体派铺路。但这本书让我看到，塞尚本身的艺术成就，已经达到了一个极其高的境界，他的探索，是独立而又具有划时代意义的。
评分这本书最让我印象深刻的地方，在于它让我看到了塞尚“创新”的艰难。艺术的创新，从来都不是一帆风顺的，它需要巨大的勇气、坚持和不懈的努力。这本书通过对塞尚早期作品的分析，展现了他如何从学院派的僵化束缚中挣脱出来，开始探索属于自己的艺术语言。我特别喜欢书中对塞尚“笔触”的描述。他并非刻意追求细腻和光滑，而是运用粗犷、有力的笔触来表现物体的“体积感”和“质感”。这种“粗糙”的笔触，反而赋予了画面一种独特的生命力和力量感。书里详细介绍了塞尚如何运用“色彩的堆叠”和“明暗对比”来塑造画面中的“立体感”。他并不是简单地用线条勾勒轮廓，而是用色彩来“建模”。这一点让我觉得非常神奇。我之前以为，画静物就是把东西画得像，但塞尚的实践告诉我，绘画可以是一种“创造”，而不仅仅是“模仿”。他对“自然”的观察，并非简单的写实，而是通过自己的视角和思考，将其转化为一种新的视觉语言。书中还提到了塞尚在创作过程中所遇到的“质疑”和“误解”。即使在他晚年，他的作品也并没有被普遍接受。但塞尚并没有因此放弃，而是坚持自己的艺术信念。这种“孤独的坚持”和“内心的力量”，让我对塞尚这个艺术家，充满了敬意。这本书让我明白，真正的艺术创新，往往需要承受巨大的压力和孤独，但正是这种坚持，才成就了艺术史上的伟大人物。
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