自说自画(Ⅱ)彩墨诗韵之承与变 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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艺术有一个神圣的使命就是「以神祕的力量打开人们心灵的窗扉，让眼睛悠游于画面，让心灵探寻于超凡的画境。」

　　本书是一部理论与创作结合的着作，收录了作者近年来关于艺术创作理论、诗画创作与学术研究的成果。作者从中西方美学的宏观角度来讨论新的创作理念和表现，并运用形式的创新、题材的扩展和节奏韵律的表现，把传统文人画诗书画一体的艺术理念带入现代与后现代的艺术领域。文中提出「游于艺」、「知古而变古」、「知今而用今」、「意在笔后」、「潜意识创作」等现代艺术理念，展现出作者鲜活的治学精神和旺盛的创作毅力。

《东方意象的流变：中国传统绘画中的“意”与“形”》 一、绪论：探寻意境之源与发展脉络 本书旨在对中国传统绘画中“意象”的生成、演变及其在不同历史时期的表现手法进行一次深入而系统的梳理与探讨。不同于侧重技法讲解或断代史梳理的传统画论，本书将焦点置于中国艺术哲学深处的“气韵生动”与“胸中丘壑”，试图揭示中国文人画如何通过对自然景物的高度提炼，实现“以形写神”、“寓情于景”的独特审美追求。我们将从先秦时期的哲学思辨入手，考察儒、道、释思想如何共同构筑了中国艺术的底层逻辑，进而探讨这种逻辑如何在绘画领域中具体化为对“意”的表达。 二、先秦至魏晋：哲学底色与初步的造型观念 本章将追溯中国艺术精神的源头。重点分析《易经》的阴阳五行学说如何为后世的色彩运用和构图模式提供了最初的哲学框架。魏晋时期，玄学思潮盛行，士人对个体生命体验的关注达到顶峰，这直接催生了“传神写照”的理论萌芽。我们将细致考察顾恺之“以形写神”的实践，并对比当时书法艺术中对笔墨精神的强调，论证绘画如何开始被视为一种精神的载体，而非单纯的客观再现。这一时期的作品虽然存世稀少，但其理论构建对后世影响至深，奠定了中国画“重神韵轻形似”的基调。 三、唐宋时期：院体之精与文人之兴 唐代绘画，尤其是盛唐气象，展现了中国艺术在造型能力上的巅峰成就。本书将探讨唐代“院体”画家如何将严谨的写实基础与恢弘的时代精神相结合，形成了富丽堂皇却又不失内敛的风格。随后，重点转向北宋，尤其是范宽、郭熙等人的山水画。我们将深入剖析“可行、可望、可游、可居”的审美范式是如何在山水画中体现的，分析“高远、深远、平远”三种空间处理方式，如何对应着观看者在自然面前的不同心境。宋代米芾父子的“墨戏”探索，被视为文人画精神成熟的标志之一，标志着绘画开始从服务于官方叙事向表达个体情志转型。 四、元代：水墨革命与士人精神的凸显 元四家——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——的崛起，标志着中国山水画的一次根本性转向，即“笔墨本体论”的建立。本章将详细论述“墨分五色”的理论如何被提升到哲学高度，水墨语言本身如何成为承载艺术家情感和学识的载体。特别是对倪瓒“寒林枯树”意象的解读，我们将分析其背后对元代政治环境的疏离与超脱，探讨“笔墨游戏”背后深沉的文化身份认同。元代绘画的“尚意不尚工”原则，将是理解后续明清绘画变化的关键。 五、明清时期：格律的固化与转型的张力 明代中前期，董其昌提出的“南北宗论”对后世山水画的发展产生了决定性影响。本书将批判性地考察“南北宗”理论对艺术实践的束缚与启发，分析江南画派如何将元代的笔墨趣味进一步程式化、符号化。清初“四王”的集大成，虽然在技法上达到了炉火纯青的境地，但也面临着“合乎古法”与“开拓创新”之间的内在矛盾。 晚明时期，以徐渭、陈淳为代表的大写意花鸟画的勃兴，为我们提供了考察“意”在小写意领域表达的绝佳案例。这些作品强调笔墨的恣肆与率真，是对僵化格律的一种强力反拨。清中叶的“金陵画派”与“扬州八怪”则展示了在传统典范压力下，地方士人群体如何通过更具民间色彩和个性解放的艺术语言来寻找出路，预示着中国画走向近代转型的复杂性。 六、笔墨语言的本体论探讨：从“皴法”到“用墨” 本章将从技术层面回归本体，深入剖析中国画的材料与工具如何塑造其审美特征。我们将梳理历代主要的“皴法”（如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴）的演变，阐释每一种皴法背后所蕴含的对特定山石肌理和生命力的理解。更重要的是，本章将聚焦于“墨”的物质性——焦、浓、重、淡、清——如何超越了色彩的功能，成为表现光影、层次、乃至时间流逝感的关键元素。通过对历代名家墨迹的个案分析，揭示水墨语言的内在线性逻辑与表现张力。 七、结语：传统意境在现代语境中的回响 最后，本书将对中国绘画自先秦至清末的“意象”发展做一个整体性的总结。强调中国画的生命力在于其强大的哲学包容性与对个体精神状态的敏锐捕捉。面对全球化与现代性的冲击，理解传统“意”的表达方式，对于当代艺术家如何在新媒介和新观念中寻找文化自信与艺术语言的创新，依然具有不可替代的启示意义。本书期望能为研究者和爱好者提供一个更侧重于哲学思辨和审美建构的视角，以期更深层次地理解中国绘画的内在精神。

作者简介

高木森

　　台湾彰化人，1942年出生。台中师范学校毕业后在台中市忠明国小任教三年。之后继续进修，获台湾大学外国语文学系学士、中国文化大学艺术史研究所硕士、美国堪萨斯大学艺术史博士。曾任职台北国立故宫博物院、美国克利夫兰博物馆。后任教于堪萨斯市立美术学院、俄亥俄州肯特大学、亚克隆大学、香港中文大学、加州圣荷西州立大学，并曾是东海大学、国立台湾师范大学、国立云林科技大学、国立台湾艺术大学、中国南昌大学的访问教授，现为圣荷西州立大学退休荣誉教授。出版论文一百八十余篇，中文书籍十余种：《中国绘画思想史》、《印度艺术史概论》、《亚洲艺术》、《西周青铜彝器汇考》、《五代北宋的绘画》、《宋画思想探微》、《元气淋漓——元画思想探微》、《明山净水——明画思想探微》、《自说自画》、《古意今情》、《东西艺术比较》等。绘画作品曾在台湾、美国、日本、香港、中国许多地方展出。

理论与创作同步／舒建华
彩墨的时代语言／钟跃英
自　序
 
导　论    1

第一篇　创作理论　　5
第一章　美与艺　　7
第二章　中国绘画美学　　36
第三章　中西美学两极星—中西两颗明星互相冲击、融合　　60
第四章　当代艺术与人文　　67
第五章　水墨画的新时代I—题材与形式　　84
第六章　水墨画的新时代II—超越再超越　　106
 
第二篇　诗画创作　　129
第一章　宗教世界　　133
第二章　人生情趣　　168
第三章　自然万象　　204
第四章　超现实幻境　　244
第五章　彩墨诗乐　　274
 
第三篇　杂　谈　　297
第一章　钱选与「卢仝烹茶图」　　299
第二章　论「个山小像」的几个问题　　316
第三章　庐山诗画　　333
第四章　从「文化艺术产业」看「艺术村」　　342
第五章　也谈三寸金莲　　357
 

自序

　　时光飞逝，转眼已是古稀之年，这一生既活在当下为教学而努力，也活在过去尽心尽力研究中西美术史，又活在未来以玩弄笔墨圆艺术创作之梦。如今在这三方面总算都能满足自己的期待：一生教学四十多年，终于在2011年秋天从加州圣荷西大学退休；艺术史的研究出版了十余本着作，180余篇论文，2012年有了《东西艺术比较》问世作为总结；绘画创作从传统到创新，经过许多变化，也有成果展现在无数次的展览和两本着作《自说自画》和《古意今情》，现在又汇集过去六年多的代表作完成这本新书《自说自画》第二辑，从中国与西方的美学的宏观角度来讨论新的创作理念和表现——特别强调形式的创新、题材的扩展和节奏韵律的表现，把传统文人画诗书画一体的艺术理念带入现代与后现代的艺术领域。

　　迄今有此成果，除了自己的努力之外，我要感谢许多恩人。在教学方面主要是受惠于中师、台大、文大和堪萨斯大学的老师；学术研究和绘画创作方面除了老师的指导，奠下基础之外，最重要的恩人就是三民书局董事长刘振强先生。因为有他热心赞助为我出版书籍，我才有努力研究、撰稿、创作的动机。刘董事长一生为台湾的文化而努力，出版无数书籍加惠大众和学子，令人感佩。我借此向他表达最高的敬意，祝他身体建康，长寿百岁。

　　为此书完稿我要感谢硅谷亚洲艺术中心馆长舒建华先生和旅居加州的名画家钟跃英先生为此书作序。舒先生是古物收藏家、鑑定家，也是艺术馆经营家。他在2004年于圣荷西成立的艺术中心，于今已成为加州华人艺术活动的重镇，也为加州湾区带来繁荣的艺术文化。钟先生是理论家也是水墨画专家，他的作品从社会写实主义，演化到现代的半抽象画，再到后现代的巨形抽象水墨画，有非常精彩的过程。

　　为此书出版上市我要特别感谢三民书局、东大图书公司编辑部同仁费时费力为本书之排版、校对、修正。最后感谢内人黄莹珠女仕在背后的默默支持。

　　我的教学和学术研究工作差不多已经结束了，但是绘画创作还持续不断，而且有更多的时间去思考、探讨。艺术有一个神圣的使命就是「以神祕的力量打开人们心灵的窗扉，让眼睛悠游于画面，让心灵探寻于超凡的画境。」要达到这个目标相当不容易，希望未来继续往前迈进。


导论

　　本书共分「创作理论」、「诗画创作」、「杂谈」三篇。这是一部理论与创作结合的着作。艺术理论与艺术创作在西方国家，历来是被彻底分开的，从事理论工作的学者很少兼创作，而艺术家虽然也会关心并且读些理论的书，但不会想要成为一个理论家。此中主要的原因是一般人认为艺术创作者是比较主观的，无法作客观的理论评述。

　　但理论与创作之分家也有它的缺点，美学家和画论家大多是窝在自己的理想世界里制造玄论，对艺术创作无太大的影响力。只有少数艺评家会找适当时机为艺术家的创新作品作些评论，建立新的画派，也可作耸人听闻的评论，引导成为一种有影响力的派别，譬如印象派的诞生与发展是先有莫内(Claude Monet)、马内(Édouard Manet)这些人的画，然后艺评家路易斯•乐柔伊(Louis Leroy)在1874年借用文森(Père Vincent)在展览场的狂舞狂语半讽刺地作评：「耶唿！我是我脚步的印象，是油画刀的复仇印记，是莫内的『卡布辛大道』、塞尚的……『现代奥林匹亚』。耶唿！」(Eiho! I am impression on the march, the avenging palette knife, the Boulevard des Capucines of Monet, the Maison du pendu and the Modern Olympia of Cèzanne. Eiho!)其实乐柔伊只是个新闻记者，不是美学家也不是理论家，但就此让这个画派名气大噪。

　　反之在中国，理论与创作很难分开，东晋以来因为许多文人参与绘画创作，很多理论家也是画家。当然，他们的理论都是从自己的观点出发，主观成分很重。譬如顾恺之从他的画艺特色衍生出「传神尽在阿堵之中」、「目送飞鸿难」的理论。谢赫作画偏写实，所以说顾恺之的画「迹不迨意，声过其实。」反之，姚最则批评当时的写实派谢赫和陆探微：「声过于实，良可于邑，列于下品，尤所未安！」

　　五代以后的文人画家除了必须兼精诗书画之外，还要深研历史、宗教、哲学、美学等人文学科，因此他们提出的理论就更多了。如苏轼之「论画以形似见与儿童邻」、赵孟頫的「古意」论、董其昌的「南北宗论」等等，这也都是从他们的画艺出发表达自己的创作理念。尽管他们的主观性很强，但是对画坛的影响力比西方的理论家要高得多。

　　本人因为生活在中国的文化氛围里，一直把理论与创作结合作为自己的艺术生涯目标，但是写艺评和艺术史时都尽量不参入主观意见，只讲证据和逻辑推论。现在要写的这本书不是艺评也不是艺术史，而是自己的创作理念，必然有较多的主观成分。第一篇「创作理论」讨论美学观、历史观、人生观、哲学观、文学修养与创作的关系，建立自己创作的理论基础，有许多是发挥本人的主观看法，但还是尽量保持严谨的逻辑思考。

　　本书第二篇为「诗画创作」。收列2006年到2011年之间的70余件代表作。因为画中有较深的哲理、诗情、诗性和诗韵，无法用具体语汇来说明，所以配上新诗或古诗来表达。尽管其中用语和情节很难「言言解解」，但可以启发读者的想像力，进入玄冥之境。

　　第三篇的「杂谈」收集以前发表过的短文。第一是绘画鑑定文〈钱选与「卢仝烹茶图」〉。第二是绘画史论，探讨八大山人「个山小像」的几个问题。第三章〈庐山诗画〉，为本人2011年赴庐山旅游回来的游记。第四章据本人在各地旅游所见的一些艺术村的发展情形，作比较深入的探讨。文化产业是艺术与文化、生活相结合的最佳途径。最后是一篇短文，谈三寸金莲的一些谜题与争论的议题。

　　本人是从学习传统水墨画开始，媒材上以黑墨为主，美学也是筑基于传统的「天人合一」、「朴素」与「空灵」。但因今日是五光十色的电子时代，又有各种不同的颜料随手可得，自然会考虑加上更鲜明的色彩。又因一生研究美术史，对中西各时代的艺术品、思想和风格都深入探索，绘画创作理念和方法也不同于古人。再者，因为生活在快速变化的新时代，自然会有多元化的风格出现。不过因为本人喜爱诗词，因此神祕诗情、诗韵与诗境也就成为作品的特色，所以本书副标题为「彩墨诗韵之承与变」。

第一篇　创作理论

本篇共有六章。第一章〈美与艺〉探讨美的存在与美感、艺术创作、艺术欣赏等三个主题。最后提出普遍律、意象转换、画面舞台演出三项说法；也就是说，美不美取决于世人的感觉，而艺术创作是艺术家先让客体（不论是美是丑）在心中转换成意象，再用特殊的表现技法让它在绘画的舞台上作精彩的演出。

既然本人的创作基本上沿用传统水墨画的媒材和技法，而美学原理也与传统水墨画有密切的关系，因此必须对传统绘画的美学作深入的研究讨论，以便联结到本人的创作。第二章〈中国绘画美学〉就是检视中国绘画美学的发展和演变历程，从古典美学的诞生、古典美学的考验、自然主义美学、文人画美学，到水墨画美学的新考验。主要是探讨中国天人合一、朴素、空灵、气韵这些美学的时代性，以及在新世代面临的危机。因此第三章就对中西美学在思辨方法和美的内容略作分析，以明两颗明星的互相冲击与融合。目的是希望「知古而变古」，以今日的生活内涵来诠释这些美学理念，用不同于前人的方式来用它和表现它。

深入了解传统美学与题材之后，下一步便是要对当代艺术与人文作深入的研究，以求「知今而用今」。第四章〈当代艺术与人文〉重点就在于对后现代艺术之讲求商业化、商品化、速度化、时尚化以及「反人文主义」等现象作全面思考。文中从「艺术人文的反思」检讨过分强调人文内涵给艺术发展带来的负面效应。再看现代和后现代艺术家如何致力于抛开深沉人文内涵，及其艰辛的历程。最后回头全面思考后现代艺术与人文建立新关系的途径，以此建立创作多元化的指标。

第五、六章就是在上述的理论基础上审视水墨画在这新时代的处境以及未来的可能走向。全文五节，分别讨论传统题材的运用、形式觉醒、想像与超越、「学习」的新思维和「创作」的新思维等议题。

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这个书名，《自说自画(Ⅱ)彩墨诗韵之承与变》，一下子就抓住了我的眼球。在当今社会，信息爆炸，各种艺术形式层出不穷，但真正能够触动人心的作品，往往是那些既有深度又有温度的。“自说自画”，听起来就像是一种非常个人化的表达方式，像是作者在和自己对话，也在和我们对话，分享那些内在的思考和感受。这种“说”与“画”的结合，感觉会比单纯的文字或绘画更具张力，因为它们可以相互补充，相互印证，形成一种更完整、更立体的艺术体验。“彩墨诗韵”这几个字，简直太美了！它让我联想到中国传统水墨画的意境，但又加入了“彩”这个元素，意味着它不是拘泥于黑白灰，而是有着更丰富、更鲜活的色彩表现。这种色彩的运用，会不会让作品的情感表达更加直接和强烈？又或者，它会为传统的水墨意境增添一丝现代的活力？“诗韵”则暗示了作品的内在情感和艺术感染力，不是那种流于表面的技巧展示，而是能够引起观者共鸣，甚至引发思考。而“承与变”这三个字，更是点出了艺术发展的关键。在一个传承和创新并存的时代，如何把握好“承”的精髓，同时又能大胆地进行“变”，形成自己的独特风格，这本身就是一种艺术上的挑战。我非常好奇，作者是如何在这两者之间找到平衡，又如何将自己的理解和实践体现在这本作品中的。

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这本书的封面设计，就已经是一场无声的邀请，邀请我进入一个由色彩和文字交织而成的奇妙世界。我常常在想，一幅画，它可以是一个故事的开端，也可以是一个情感的终点。而一首诗，它则承载着诗人最深沉的思考和最细腻的情感。当这两者在一个人的笔下，用“彩墨”的方式碰撞，会激发出怎样的能量？“彩墨”这个词，就带着一种既传统又创新的感觉。水墨的晕染、墨色的浓淡，本身就充满了诗意，而加上“彩”，更是增添了画面的层次感和表现力，让情感的传递更加丰富和直接。我喜欢那种不拘泥于传统水墨的程式，而是大胆运用色彩，赋予画面新的生命力的作品。“诗韵”则暗示了作品中蕴含的情感深度和艺术张力，不是简单的图画堆砌，而是有着内在的哲思和情感的共鸣。我期待着在书中看到，作者如何将文字的意境转化为视觉的形象，又如何用画面的情感呼应诗歌的韵律。这种“承与变”，我想是艺术生命力最关键的所在。传承是根基，让我们不忘初心，不失本源；而变化则是翅膀，让艺术得以飞翔，触及更广阔的天地。这本书名，就像是一把钥匙，打开了我对作者艺术理念和创作过程的好奇心，我想它一定蕴含着作者对艺术的深刻理解和独到见解。

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《自说自画(Ⅱ)彩墨诗韵之承与变》，这个书名本身就充满了诗意与艺术的张力，让我这个一直以来都很喜欢艺术作品的台湾读者，瞬间就被吸引了。我常常觉得，一本书，它的名字就好像是它的灵魂，能够预示着内容和风格。“自说自画”，这个说法，就有一种非常亲切和个人化的感觉，仿佛作者在用一种非常真实、毫不矫饰的方式，与读者分享他的内心世界，他的观察，他的感悟，然后用画笔将这些情感和思考具象化。“彩墨诗韵”，更是让我眼前一亮，它不仅仅是简单的水墨，更融入了丰富的色彩，这让我联想到，作品在保留了水墨的写意和韵味的同时，又增添了现代的视觉冲击力和情感的层次感。这是一种怎样巧妙的融合？又是怎样的一种“诗韵”？我期待着，能够在这本书中，看到色彩与墨色如何交织，形成一幅幅充满生命力的画面，每一笔都带着情感，每一色都诉说着故事。“承与变”，这三个字，更是触及了艺术发展的核心命题。在现代社会，我们既要继承中华民族优秀的传统文化，又要不断创新，寻找新的表达方式和艺术语言，这本身就是一种挑战。《自说自画(Ⅱ)彩墨诗韵之承与变》，这个书名，让我感觉作者一定是一位在传统与现代之间，有着深刻思考和独到见解的艺术家，他用自己的方式，诠释着艺术的传承与发展，而我，迫不及待地想跟随他的笔触，一同感受这份“彩墨诗韵”的魅力。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，光看《自说自画(Ⅱ)彩墨诗韵之承与变》这个书名，我的脑海里就立刻浮现出一幅幅画面：可能是山水写意，泼墨挥毫，然后在墨色晕染之间，又点缀上几抹鲜活的色彩，如同在古老的卷轴上，悄然绽放的现代花朵；又或者是人物肖像，笔触细腻，眼神中流露出深邃的情感，而背景的彩墨，则像是人物内心的风景，千回百转，难以言说。我一直觉得，艺术最迷人的地方，就在于它能触及我们内心最深处的情感，甚至是我们自己都未曾察觉的部分。《自说自画》这个名字，本身就有一种“言为心声，画为情绘”的意境，仿佛作者是直接打开了内心最私密的创作空间，与我们分享那些独一无二的思考与感悟。“彩墨诗韵”更是让我联想到，不是简单的图画，而是每一笔每一画都带着情感的律动，如同诗歌的乐章，时而低吟浅唱，时而慷慨激昂，而色彩的运用，则让这份诗意更加鲜活、立体。特别是“承与变”，这四个字，让我感受到一种艺术的生命力，是关于如何在根植于传统的基础上，不断探索、创新，并赋予作品新的时代精神。我迫不及待地想知道，作者是如何在“承”中找到根源，又在“变”中寻得突破，将古老的东方美学，与现代的审美趋势相结合，创造出属于自己的独特风格。

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哇，看到《自说自画(Ⅱ)彩墨诗韵之承与变》这个书名，就感觉一股浓厚的文化气息扑面而来！“彩墨诗韵”，光是这四个字就勾起了我无限的遐想，让人忍不住想一窥究竟。我一直都觉得，文字与图画的结合，就像是两种独立的艺术在灵魂深处相遇，激荡出全新的火花。《自说自画》系列，光是听名字就很有意思，感觉作者在用一种非常个人化、亲切的方式，和读者进行一场心灵的对话。“自说”，像是内心的低语，是那些藏在心底的感悟；“自画”，则将这份感悟化为视觉的呈现，让抽象的情感得以具象化，变得可触可感。而“彩墨诗韵”更是点睛之笔，我想象着那绚烂的色彩，如同诗歌的韵律一般，在纸页间流淌，时而奔放，时而婉约，带着中国传统水墨的写意与雅致，又融入了现代的创意与表现力。特别是“承与变”这个副标题，更是让我好奇万分。在传统艺术的传承中，如何注入新的生命力，如何在继承经典的同时，又勇于打破常规，走出自己的风格？这绝对是值得我们深思和探讨的课题。作为一个对中华文化有深厚感情的台湾读者，我一直都很关注本土艺术家的创作，特别是那些能够将传统与现代巧妙融合的作品。这本书名本身就散发着一种魅力，让我期待着一场视觉与心灵的盛宴，去感受那份“承”的厚重，“变”的灵动。