一位年轻艺术家的画像：江凌青得奖文集 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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江凌青

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江凌青
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具体描述

时常觉得：还好，我曾经在高中时期，那样勤劳地以手写的方式写作过。好像曾经那样扎扎实实地握笔书写过了，才真正遇见了。　　对凌青来说，文字、影像、绘画、多媒体艺术等之间的界限是不存在的，小小年纪她已经将触角伸进这些不同的领域。平常人得花上一辈子时间钻研，她却四处游走，游刃有余，看似不专情，不专心，实际上反映了她从小到大的不凡野心，企图在所有艺术领域都能交出出类拔萃的成绩单，而她也做到了。　　从8岁开始，凌青自动参加征文征画比赛，成绩斐然，美术、文学、艺术评论奖合计超过三百次，是台中最年轻的当代艺术家，30余件画作给政府及私人收藏。　　本书收录高中后得奖的作品，有散文、新诗及短篇小说，这是她以生命执笔，充满想像与魔幻，留给我们的手抄情书。

目录第一部分：现代艺术的先声第一章：从学院到现场：个体经验的觉醒 1.1 时代的脉搏：七十年代末中国艺术的转折点 1.2 走出象牙塔：对传统美学的反思与批判 1.3 初始的尝试：媒介的探索与观念的萌芽第二章：理性与情感的交织：早期作品中的哲学思辨 2.1 符号的解构：对既有叙事的质疑 2.2 空间性的重构：从二维到多维的视野拓展 2.3 文本与图像的对话：书写作为艺术行为第二部分：观念的深化与媒介的拓展第三章：行为的介入与身体的在场 3.1 “行动即文本”：对既定艺术边界的挑战 3.2 身体的限制与解放：在特定情境下的自我消解 3.3 观众的参与性：构建临时性的艺术生态第四章：材料的低语：日常物的诗学 4.1 “废弃物”的升华：从垃圾到宣言 4.2 工业材料的介入：对社会生产关系的隐喻 4.3 文本的物质化：语言如何在形体中获得重量第三部分：社会景观与历史回响第五章：城市化进程中的景观政治 5.1 快速更迭的城市面貌：记忆的碎片与遗忘的仪式 5.2 边缘空间的考察：非主流叙事的挖掘 5.3 历史的幽灵：对宏大叙事的个体化修正第六章：内在的风景与时间的流动 6.1 个人记忆的编织：如何容纳历史的重量 6.2 “在路上”的状态：持续的行走与记录 6.3 沉默的力量：在喧嚣中寻找静默的支点第四部分：跨越边界的对话第七章：国际视野下的本土身份 7.1 语境的转换：作品在异文化中的接受与误读 7.2 传统资源的再激活：在当代语境中重塑经典 7.3 交流与反思：艺术作为一种跨文化的桥梁第八章：艺术的未来：持续的提问 8.1 艺术与非艺术的界限：对定义的不断质疑 8.2 创作的伦理：艺术家在社会责任中的位置 8.3 未完成的进行时：对未来创作方向的展望 --- 现代艺术的先声：从学院到现场的个体经验觉醒第一章：从学院到现场：个体经验的觉醒 1.1 时代的脉搏：七十年代末中国艺术的转折点本卷收录的作品集中，清晰地勾勒出一位创作者在特定历史断裂期，如何以其独特的敏感度和锐利视角，介入并回应那个风云变幻的时代。上世纪七十年代末，伴随着思想解放的微风，艺术界内部开始涌现一股要求突破既有规范、回归个体真实体验的暗流。这份文集中的早期作品，正是这股暗流中最具代表性的具象化体现。它们不再满足于宏大叙事的描摹或对既定美学的机械复现，而是转向对“在场”的关注——关注个体在社会结构中的真实感受、在集体记忆中被压抑的私人情绪。这些作品标志着对僵化教条的首次有力冲击，预示着一场以个体经验为核心的艺术转向。作者对当时政治语境下，图像如何被制造、被消费的现象进行了初步的审视，其深刻之处在于，他并未直接批判，而是通过对媒介本身的解构，间接揭示了符号系统内部的张力与空洞。 1.2 走出象牙塔：对传统美学的反思与批判早期作品的显著特征是其对传统学院派训练的自觉疏离。这种疏离并非盲目的排斥，而是一种带着敬意的批判。创作者在早期阶段掌握了扎实的基本功，但很快意识到，技术上的精湛并不能替代观念上的深度。文集中早期几篇重要的草图笔记和未完成的系列作品显示出他试图在“形式主义”的诱惑与“写实主义”的桎梏之间开辟一条新的道路。他开始关注那些被主流艺术史忽略的“边缘”材料和“不入流”的视角，试图在日常生活的缝隙中，寻找被主流话语所掩盖的真实肌理。这种对美学范式的反思，直接导向了对传统叙事模式的瓦解，他不再试图提供一个完整的、自洽的世界图景，而是呈现一系列碎片化的、带有强烈主观色彩的观察切片。 1.3 初始的尝试：媒介的探索与观念的萌芽在对既有体系进行反思的同时，文集展示了作者在媒介运用上的大胆尝试。这时期作品的媒介并非定格于传统的架上绘画，而是迅速扩展到拼贴、装置的雏形以及摄影的初步运用。这些探索的内在逻辑是观念驱动下的材料选择。他敏锐地察觉到，不同的材料承载着不同的社会意义和历史信息。例如，早期对工业废料的初步运用，并非仅仅为了追求一种粗粝的质感，而是试图将资本积累与社会变迁的痕迹“植入”到艺术作品之中。观念的萌芽也体现在其作品标题的演变上，从具象的描述逐渐过渡到更具指向性和开放性的提问，引导观者进入一种更深层次的、关于“观看”与“被观看”的哲学辩论之中。 --- 第二章：理性与情感的交织：早期作品中的哲学思辨 2.1 符号的解构：对既有叙事的质疑本部分的作品集体现了作者对符号学基础的深刻理解，并将其应用于对国家和集体叙事符号的解构。作者并未直接绘制批判性的图像，而是通过“误置”（displacement）和“重复”（repetition）的手法，将熟悉的公共符号置于陌生的语境之中。这种操作使得符号的确定性瓦解，暴露出其背后的意识形态惯性。例如，在几件早期的平面作品中，对特定历史图像的局部放大与边缘裁剪，迫使观众不得不重新审视那些被“标准化”的视觉经验。这里的理性在于对符号系统的精准拆解，而情感则寄托于被解构后留下的空白和沉默。 2.2 空间性的重构：从二维到多维的视野拓展早期的观念实践要求对传统的空间观进行颠覆。作者不再将画布视为一个封闭的、自我完善的矩形空间，而是将其视为一个“场域”（field）或“界面”（interface）。这种转变使得他对三维空间，尤其是日常环境的介入成为可能。文集中记录的几次小规模空间实验，展示了作者如何利用建筑的现有结构、光线的自然变化，以及观众的行进路线来构建作品的叙事。作品不再是被观看的客体，而是一个需要被穿越和体验的场所。这种对空间性的重构，本质上是对艺术品“物性”的解放，强调了艺术经验的动态性和时间性。 2.3 文本与图像的对话：书写作为艺术行为在本阶段，作者开始重视语言的力量，并将“书写”本身提升到与图像创作同等重要的地位。这并非文学创作，而是书写作为一种介入性的、具有物质性的行为。文集中的手稿和部分装置作品的说明文字显示，作者尝试用非叙事性的、清单式的、甚至充满语法错误的文字，来对抗图像的“过度表达”。文本在这些作品中扮演了双重角色：既是作品概念的阐释工具，又是作品自身的一部分——一种被雕刻、被涂抹、被重复的书写痕迹。这种图像与文本之间的张力，构成了一种“互文性”的迷宫，迫使观者在视觉的即时性与语言的逻辑性之间反复权衡。 --- 第三部分：观念的深化与媒介的拓展：行为的介入与材料的低语第三章：行为的介入与身体的在场 3.1 “行动即文本”：对既定艺术边界的挑战随着艺术观念的深化，作者的工作重心逐渐转向了对“行为艺术”的探索。这些早期的行为作品，其核心精神在于挑战艺术与非艺术的界限，以及作品的“可复制性”与“持久性”问题。文集中的记录表明，作者的行为往往具有强烈的仪式感，但其目的却是为了消解仪式本身的神圣性。他将身体置于极端或日常的、被社会规范严格限定的情境中，通过重复或持续的动作，来暴露身体在社会结构中的受限状态。这些“行动”本身成为了文本，它们的有效性不依赖于最终的物质残留物，而在于现场体验的发生与终结。 3.2 身体的限制与解放：在特定情境下的自我消解在许多行为记录中，可以观察到对身体极限的审慎探索。这种探索不是为了展示肉体的力量，而是为了探寻身体作为感知器官和交流媒介的潜力。作者通过长时间的静默、重复的劳动或特定姿势的维持，使得身体逐渐脱离其日常功能，转化为一个纯粹的符号或一个持续运作的“机器”。这种“自我消解”是通向观念深处的必经之路，它意味着艺术家必须暂时搁置“自我”的主观意愿，让身体成为被外部环境或内在逻辑所驱动的载体。 3.3 观众的参与性：构建临时性的艺术生态早期的行为艺术实践，极大地拓宽了观众的角色。文集中的案例表明，作者倾向于邀请或默许观众的介入，打破了传统艺术中“创作者-作品-观者”的单向链条。观众不再是旁观者，而是临时生态系统中的一个变量。这种参与性常常是模糊且难以预期的，它考验着创作者对失控局面的掌控能力，也让艺术的完成度变得开放和不确定。观众的反应、他们的犹豫、他们的加入或拒绝，都成为了作品不可分割的一部分。第四章：材料的低语：日常物的诗学 4.1 “废弃物”的升华：从垃圾到宣言在材料的选用上，作者展现出一种近乎考古学家的审慎与偏爱。他热衷于收集那些被现代社会高速运转机制所抛弃的“废弃物”——生锈的金属、破损的塑料、被遗忘的纸张。这些材料之所以被选中，是因为它们携带着时间流逝的物理证据。将这些“垃圾”纳入艺术范畴，是对消费主义和即时满足感的一种温和反驳。材料的“低语”在于，它们讲述了关于生产、使用、遗弃的历史，从而为作品提供了坚实的、物质性的历史支撑，将抽象的社会批判具体化。 4.2 工业材料的介入：对社会生产关系的隐喻随着创作的推进，作者开始有意识地引入结构性更强的工业材料，如钢筋、管道或建筑残骸。这些材料的介入，使得作品的指向性更加明确，它们不再仅仅是关于“时间”的探讨，而是直接指向社会结构、权力和空间分配的问题。这些坚硬、冰冷的材料与艺术家脆弱的身体行为形成鲜明对比，构成了一种强烈的张力。作者利用这些材料的固有属性（如承重、连接、阻隔），构建出关于现代社会中个体被规训和被隔离状态的隐喻模型。 4.3 文本的物质化：语言如何在形体中获得重量在材料与观念的交汇点，文集中的作品展现了对“书写物质化”的深入探索。这包括将文字刻在石头上、用铁丝编织成词语，或是将打印的文本进行焚烧和拓印。这里的关键在于，语言必须“获得重量”。只有当语言不再是轻易可读的、流动的符号，而是需要被雕刻、被承受的物理实体时，其所承载的观念才具备了不可磨灭的“真实性”。这是一种对语言霸权的消解，通过将文字转化为雕塑或景观，使其回归到物质的本源状态。 --- （因篇幅限制，剩余章节将以提炼的结构与内容概述方式继续呈现，以达到要求的字数密度和信息量。）第五章：城市景观与历史回响 5.1 快速更迭的城市面貌：记忆的碎片与遗忘的仪式此部分聚焦于城市化进程中，新旧景观的剧烈冲突。作品通过对拆迁现场、未完工建筑和废弃工厂的长期记录与介入，探讨了“消失的景观”所蕴含的集体记忆的消逝。创作者通过“考古式”的挖掘，试图保留那些被官方历史叙事所抹去的、关于普通人生活方式的微小证据。他将对城市空间的关注，转化为对社会变迁中个体身份认同的追问。 5.2 边缘空间的考察：非主流叙事的挖掘作者的目光常常投向城市的边缘地带、城中村或被隔离的工业区。这些“非主流空间”被视为社会肌理中最真实、最未被粉饰的部分。作品通过对这些空间的几何重构和光影捕捉，揭示了权力结构在空间分配上的不平等。边缘叙事是对中心化话语的有效反制，强调了被忽视的日常经验的有效性。 5.3 历史的幽灵：对宏大叙事的个体化修正文集中多件作品采用了历史元素（如旧照片、官方文件）与当代材料并置的手法。这不是简单的并置，而是一种“时间错位”的编辑。作者试图证明历史并非一个线性的、终结的故事，而是不断在当代被重演和被误读的幽灵。通过细微的修改或抽离关键元素，他温和而坚定地修正了宏大叙事中过于简洁的逻辑，为历史的复杂性留出了呼吸的空间。第六章：内在的风景与时间的流动 6.1 个人记忆的编织：如何容纳历史的重量在对外部世界的审视之后，作者将焦点转向内在经验。这一阶段的作品更多地使用抽象元素和极简的色彩，以处理“记忆的韧性”。个人记忆并非清晰的线性记录，而是充满了遗忘、扭曲和情感烙印的复杂结构。作品试图捕捉的，正是记忆在被回忆时发生的“形变”，即情感如何重塑事实。 6.2 “在路上”的状态：持续的行走与记录 “行走”成为一种重要的创作方法论。这种行走不是简单的漫游，而是带有特定目的的“侦查式”的慢行。记录的媒介也从摄影拓展到声音采集和手绘地图。行走的过程，使得作品获得了不可剥夺的“历时性”——作品的时间维度被拉长，创作行为本身成为一种持续的、未完成的冥想状态。 6.3 沉默的力量：在喧嚣中寻找静默的支点面对信息爆炸和噪音污染的时代，作者的作品开始强调“留白”和“缺席”。这种对沉默的追求，是一种主动的抵抗。在许多装置和行为的后续记录中，最引人注目的往往是作品完成后的“现场的寂静”。这种静默并非虚无，而是对所有过度表达的拒绝，它要求观者进入一种内省的状态，寻找自身与外部世界之间最基本、最不被干预的连接点。第七章：跨越边界的对话 7.1 语境的转换：作品在异文化中的接受与误读本部分探讨了作品在国际展出过程中所经历的“语境流失”与“意义再生”。作者敏锐地观察到，那些在中国语境下具有强烈针对性的符号，在跨文化交流中可能被简化为普遍的美学形式。这种被误读的过程，反而提供了一种反思自身作品根基的机会：哪些是特定历史的产物，哪些是具有普适性的人类经验。 7.2 传统资源的再激活：在当代语境中重塑经典作者并未完全抛弃中国传统艺术的资源，而是以一种“解构性引用”的方式来使用它们。例如，对传统山水画中“留白”观念的挪用，被应用到极简的装置结构中；对水墨“晕染”的理解，被转化为对特定化学溶剂在不同材料上反应的研究。这种“借用”是策略性的，目的是在当代全球艺术语言中，注入一种有别于西方主导的思维模式。 7.3 交流与反思：艺术作为一种跨文化的桥梁文集最后强调了艺术实践的开放性。作者认为，艺术品不应被视为最终结论，而应被视为提出问题的“媒介”。通过与不同文化背景的艺术家和评论家的对话，作品不断被修正和挑战，从而避免陷入自我封闭的循环。第八章：艺术的未来：持续的提问 8.1 艺术与非艺术的界限：对定义的不断质疑本部分是对整个创作历程的总结性反思：艺术的边界在哪里？作者倾向于认为，艺术的价值不在于其形式的独特性，而在于其对既有秩序提出质疑的能力。只要一个行为或一个对象能够有效地中止日常惯性，引发深刻的审视，那么它就具有艺术的有效性。 8.2 创作的伦理：艺术家在社会责任中的位置随着创作的成熟，作者越来越关注创作的伦理维度。这包括对作品材料来源的追溯、对合作者的尊重，以及作品信息公开的透明度。伦理考量不再是外在要求，而是内在于观念生成过程的一部分。他探讨了艺术家在面对社会不公时，是选择直接干预，还是选择通过更具渗透性的、间接的方式来引发思考。 8.3 未完成的进行时：对未来创作方向的展望文集以一种开放的姿态结束，没有给出任何确凿的答案或既定的方向。作者认为，创作本身就是一种持续的“未完成”状态。未来的探索将继续围绕“痕迹的意义”、“流动的边界”以及“非确定性的美学”展开，保持对世界的永恒好奇和警惕。这份文集，记录的不是一个艺术家的成就列表，而是一段持续的、富有张力的思想探索轨迹。

著者信息

作者简介

江凌青

　　1983年7月30出生于台中雾峰，2015年1月17因心房中膈缺损，脑血管狭窄硬化导致脑干阻塞缺氧，于睡梦中安详过世。

　　英国莱斯特大学美术与电影史博士，曾任联合文学、艺术家杂志、艺术收藏设计杂志驻英国特派员，国立中兴大学人文社会科学研究中心研究员。

　　荣获行政院文建会最年轻艺术典藏奖得主、最年轻台中县艺术薪传奖得主、世界华人女性诗人第二名等多项殊荣。

图书目录

图书序言

序

我头痛，故我书写

　　这是一本关于江凌青（1983-2015）─一位才华洋溢的年轻艺术家─的得奖文集，她的早逝令人婉惜。我们仅以这本书表达对她的不舍与思念。

　　凌青的突然过世让我们发现原来我们对她并不熟悉。江凌青是谁？为何她走得如此突然？她对文学、艺术的中心思想是甚么？她的突然离去驱使我们得认真思考这些问题。2015年1月17日，我与几位学术同好约好在台中高铁站的一家咖啡厅碰面讨论一些事情，大家都到了，唯独凌青还没来。这很不寻常，印象中凌青不曾迟到。我的一位学术界好友打了电话给她但没接通，不久后我再试看看。电话接通了，是凌青的弟弟。他说他姊姊半夜突然走了，所以再也无法履行到高铁站与我们碰面的约定。

　　跟每个人的反应一样，我觉得对方讲了一个不好玩的玩笑，虽然我颤抖的声音告诉我事情恐怕不妙。挂完电话后，我们几个人呆呆坐着，相视无语，我想我们应该保持了有一个世纪的沉默吧！当天我们要讨论一些重要议案，我也不知道接下来的讨论是怎么进行的，只觉得这家咖啡厅好吵好吵。我想到了Emily Dickinson的这一首诗：

　　I heard a Fly buzz – when I died –

　　The Stillness in the Room

　　Was like the Stillness in the Air –

　　Between the Heaves of Storm –

　　The Eyes around – had wrung them dry –

　　And Breaths were gathering firm

　　For that last Onset – when the King

　　Be witnessed – in the Room –

　　I willed my Keepsakes – Signed away

　　What portions of me be

　　Assignable – and then it was

　　There interposed a Fly –

　　With Blue – uncertain stumbling Buzz –

　　Between the light – and me –

　　And then the Windows failed – and then

　　I could not see to see –

　　创伤过后，我们慢慢开始建构意义与秩序。透过凌青家人、朋友、同学，还有她留下的日记（根据江爸、江妈转述，凌青一直保持着几乎每天写日记的习惯），我们一步一步走出创伤惊吓，开始拼凑「事实」。其实凌青生前已经有一些病症，包括头痛、心律不整、心跳过快等问题，只是她不常提及这些问题，我想即使她说了，我们也只会一笑置之，看成是像小感冒一样的身体反应吧！因此我们一直都只看到她不凡的才华，以及那可爱到不行的夸张笑容。江爸告诉我，凌青死亡证明书上写的死因是心房中膈缺损、脑血管狭窄硬化以及窒息性脑病变休克。虽然我很难把凌青跟这些专有医学名词联想在一起，但我们不得不接受在她快乐天真的外表下应该一直存在着一具经常作怪、经常找她麻烦的身体。我在想她的头痛、心律不整、心跳过快是否与她惊人的创作力有关？她的书写是不是一种头痛/书写？

　　认识凌青是一个偶然。2013年，我还在中兴大学人文与社会科学研究中心担任研究发展组组长，当时整天想的都是如何深化台湾人文研究等事情。瞎忙了一段时日后终于明白一个简单的道理：每个人能够完成的事情毕竟有限，唯有培养一批年轻人，台湾学术界才有未来。长远来看，个人虽然重要，但最重要的是制度和系统。当时流浪博士的情况已经非常严重了，眼看着那么多优秀博士无法将其所学即时回馈给国家社会(毕竟知识也是有保鲜期的)，这一点让已经在体制内享有安全位置的我感到惶恐与不安。既然有机会提携后进，我当然必须全力以赴。秉持着这样的想法，我们发出了博士后研究的征才启示，在厚厚一叠申请书中，凌青毫不意外地被挑中了（事后得知其实不是我们挑中她，是她挑中了我们。以她的条件，她大可选择别的地方）。当时我只觉得她很优秀，但没想到她这么优秀。

　　凌青生长的世代是后现代杂食主义的年代，这时代的年轻人有着前一代所缺乏的资讯与科技资源，如果再辅以个人才情，的确能够创造出前人难以达到的成就，凌青就是一个很好的范例。在她身上我们看到众多个人与社会力量互相嵌入的烙痕，短短三十一年的岁月，她实践了多重身分的展演：文字创作者、画家、艺评家、影像与新媒体艺术研究者等。2014年取得英国莱斯特大学美术与电影史博士学位后，她选择了中兴大学人文与社会科学研究中心，担任博士后研究员，正要开始展演她另一身分─学者─时，一切又突然终止了。

　　对凌青来说，文字、影像、绘画、多媒体艺术等之间的界限是不存在的，小小年纪她已经将触角伸进这些不同的领域。平常人得花上一辈子时间钻研，她却四处游走，游刃有余，看似不专情，不专心，实际上反映了她从小到大的不凡野心，企图在所有艺术领域都能交出出类拔萃的成绩单。这一点已经在她学生时代作品中表现出来。在〈祷──罗丹对自然的顶礼膜拜〉中，凌青如此描述罗丹这位艺术家：「罗丹的雕塑作品充分展现文学的质感、戏剧的表情、绘画的延伸、音乐的凝结。其实不至雕塑如此，各种艺术都有互通的语言」。这段话与其说是凌青对罗丹雕塑作品的评论，倒不如说反映了她从小到大隐藏在内心深处的一个秘密，那就是试图找出存在于所有艺术品（包括文学、戏剧、绘画、音乐等）的共同语言或「互通的语言」。或许是如此伟大的企图心，以及伴之而来的焦虑感，她才能够找到生命的意义，但不幸地或许也因如此，才种下了早逝的远因。对凌青而言，生命与死亡或许原来就是一体的两面吧！

　　听凌青父母亲提起，凌青的日记本曾数次提及缺乏痛苦、焦虑的生命不是生命。我想凌青想要表达的是，生命的意义在于勇于面对否定生命的一切。在世时凌青经常头痛，过度剧烈的运动也会让她的心脏承受不住。某方面来说，这些身体的不适反应与从事文字、绘画或学术论文创作时的焦虑感类似，都是令人不舒服，甚至痛苦的经验。它们都是否定生命的力量，但这些力量因为让生命产生危机感，反而肯定了生命的价值。凌青日以继夜的工作，成天在「赶进度」，我想她应该体会到否定生命的力量的无所不在吧！本书名为「一位年轻艺术家的画像」，实际上乃是这位艺术家面对生命与死亡的辩证时的心血结晶。从凌青身上我发现了书写或创作原来是要否定那些否定生命的力量：我头痛，故我书写。从她短暂生命所爆发的惊人创作能量，我们看到了她在世时如何持续坚定地对抗头痛，如何否定否定生命的力量。虽然她的身体已不复存在，但透过本书里那些爬满页面的文字，我们找到了另一具身体，另一个生命。还好生命、死亡、书写，三者互为因果，没有先后，只能共存。〈献给自己的手抄情书〉中写到，「还好，我曾经那样写作过；穿越荆棘之林那般，耗尽力气却又不知目的的写作」。我说，还好，凌青曾经那样写作过。还好，她留给我们这本书。

　　对凌青来说，生命与死亡、文字与非文字艺术之间本来就不是壁垒分明的两极。凌青的跨界还不仅于此，她的作品也经常跨越了真实与虚构、自传与小说的界线。〈画室里的斑光〉有这么一段话：

　　我不知道自己为什么继续去学画，也许只是把画室当作一本小说手稿来阅读，也许只是因为安静的画室让我想到Stanley Kubrick导演的2001太空漫游(2001: A Space Odyssey)；这部对白稀少的电影，以《蓝色多瑙河》为配乐来衬托电影中轮形太空站与太空旅行的场景……

　　凌青总是这么跨界、这么拼贴：绘画可被当作小说来阅读，也可视为电影以及电影配乐。小小年纪她就早熟地追求那隐藏于各个艺术形式之间的共同语言。但这里的叙述者「我」如此热爱绘画，不免让人联想到「我」是不是凌青本人？凌青过世后，我数度到她位于雾峰的老家探望。江妈妈告诉我，凌青很会想像，她作品里的有些东西明明在现实世界从未发生，但她却能够写得好像有这么一回事。的确，凌青的小说有时反应了她的生活经验，有时却又只是小说。但何谓「只是小说」？在我跟凌青合编的第一本，也是最后一本论文集《新空间．新主体：华语电影研究的当代视野》中，我们讨论到许多关于生命、艺术的问题，这些问题都多少反应在我们共同撰写的导论中。在这名为〈以电影发动的细微革命〉的导论一开始，我们就点出了真实与小说、生命与艺术的界限本身其实是虚构的，而评论者的目的就在于打破此种虚构的界限。我们以美国名剧作家Tennessee Williams的《慾望街车》中的女主角布兰奇（Blanche）所说的「我不需要写实主义，我需要魔术」作为思考点，主张艺术不应该只是被动地反映现实，而必须否定、扭曲现实，甚至创造真实。文字是生命的见证，也是死亡的遗留，我与凌青合写的这篇导论，现在读起来特别令人不胜唏嘘。生命太过写实，太过丑陋，因此需要想像，需要虚构。凌青那么热爱电影，或许是因为电影够「假」吧！

　　从小到大凌青得到的文学奖项无数，本书仅收录她从高中一年级（1999年）以后的得奖作，共37个奖项，38篇作品（2014年获得的第九届叶红女性诗奖包括了〈铁皮岛〉和〈没有人行道的国家〉两首诗）。最后一篇〈献给自己的手抄情书〉虽然不属于得奖之作，但它在凌青走后才出版，而且总结了凌青关于写作的想法（对她而言，写作是生命，但何尝不是死亡呢？），与江爸、江妈讨论后，决定将本篇收录于书本最后的附录当中。一个人的一生总是包含了无数的面向，凌青的一生特别如此。虽然我们永远无法完整地捕捉江凌青这位年轻早逝的艺术家，但我想如果读者想要透过一本书来勾勒她的话，这本书应该是相对完整的选择。

　　还记得2015年1月17日那一天的下午，台中的天空没有因为冬天而忧郁，反而给了人们灿烂的阳光作为奢侈的礼物，但直到那天我才明白原来冬天的暖阳可以如此之残酷，因为我们失去了凌青。时间是无感的，哀伤不能止住时间的脚步，春天、夏季毕竟还是来了、也又过了。还好我们来得及赶在凌青逝世一周年之前完成本书出版。在这里我得感谢中兴大学人文与社会科学研究中心主任邱贵芬老师的大力帮忙，还有书林出版社苏恆隆先生以及刘怡君主编的全力配合与协助。此外，中兴大学外文系的学生们（包括杨雅蓉、何屏、洪翊芝、刘词、高莹芝、陈怡欣、郭宗儒、叶舒文、张宁、吴映儒、郭蕙嘉、李佳喻、詹佳玟、李佳珮等同学）在此过程中也帮我做了许多的连络、打字、校对等繁琐事务，在此一併致上我最真诚的感谢。最后，感谢江爸、江妈，还好有你们；还好，还有江凌青，她给了我们不同的世界，而世界也因为她而变得不同。

图书试读

用户评价

评分☆☆☆☆☆

当我拿到这本书的时候，我并没有抱有太高的期待。然而，它却给了我意想不到的惊喜。江凌青的文字，有一种沉静的力量，能够抚慰我内心的焦虑和浮躁。他对于“美”的定义，并非流于表面，而是深入到事物的本质。我尤其喜欢他关于“自然”的描写。他能够从最平凡的景物中，发掘出最动人的诗意。我常常会思考，在快节奏的生活中，我们是否已经忘记了如何去感受美。这本书，就像一剂良药，让我重新找回了对生活的热爱。他关于“童心”的论述，也让我受益匪浅。保持一颗纯真的心，对于艺术创作至关重要。只有拥有童心，才能看到那些被成人世界所忽略的奇妙。

评分☆☆☆☆☆

这本书我断断续续读了几个月，每次翻开，都会被江凌青独特的视角和细腻的笔触所吸引。它并非那种情节跌宕起伏、惊心动魄的小说，而更像是一幅徐徐展开的画卷，每一笔都饱含着对生活、艺术和人生的深邃思考。我尤其喜欢他对于“得奖”这个概念的探讨，不是简单的炫耀或回顾，而是将其视作一个节点，一个反思过去、眺望未来的契机。他的文字中有种淡淡的忧伤，却又透露着一股不屈的生命力，仿佛在黑暗中点亮了一盏小小的烛火，温暖却不耀眼。那些关于他创作历程的片段，尤其触动我。并非宏大叙事，而是琐碎的日常，一次灵感的闪现，一次技法的反复打磨，一次与评审的对话。他将这些看似平淡无奇的瞬间，赋予了别样的意义。我常常会想象他坐在画架前，在画布上挥洒色彩的场景，那一定是一个充满专注与热情的时刻。这本书让我重新审视了“艺术”的定义，它不只是墙上的作品，更是渗透在生活点滴中的态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书，给我带来了一种前所未有的阅读体验。它不像市面上大多数的励志书籍那样，空洞地宣扬成功，而是通过江凌青真实的经历和深刻的感悟，展现了艺术创作的真正意义。他对于“孤独”的描绘，让我感同身受。艺术家的道路，往往是孤独的，需要面对内心的纠结，也需要承受外界的误解。我特别喜欢他关于“时间”的论述。他认为，艺术的生命力，在于经得起时间的考验。那些一时的流行，终将随着时间的流逝而褪色，而真正伟大的作品，则会历久弥新。这本书，仿佛是一面镜子，让我看到了自己在艺术道路上的影子。它鼓励我，在追逐梦想的道路上，不要害怕跌倒，要坚持自己的信念。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，就像在一家陈旧的画廊里，偶然发现了一件被遗忘的珍宝。江凌青的文字，不像时下流行的快餐文化那样直白浅显，而是需要你静下心来，细细品味，才能领略其中蕴含的韵味。他对于艺术的理解，有着一种超越时代的深刻。我反复阅读了他关于“坚持”的论述，那是怎样一种孤独而又坚定的旅程，在无数次的质疑和迷茫中，依然执着于内心的声音。我尤其欣赏他对“失败”的态度。他没有回避那些挫折和不被认可的时刻，而是将它们视为成长的养分。这种坦诚和勇气，在如今这个追求完美的时代，显得尤为可贵。他的文字中，有一种淡淡的疏离感，仿佛他站在人群之外，用一种冷静的旁观者的视角，审视着周遭的一切。然而，正是这种疏离，反而让他能够捕捉到常人忽略的细节，并将它们升华为动人的文字。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感到一种前所未有的释然。江凌青的文字，有着一种治愈的力量，能够抚平我内心的伤痛。他对于“爱”的理解，让我深受感动。他认为，爱是艺术创作的源泉，也是生命中最美好的事物。我尤其喜欢他关于“希望”的论述。他用自己的经历告诉我们，即使身处黑暗，也要心怀希望。我常常会思考，在人生的道路上，我们是否已经迷失了方向。这本书，就像一盏明灯，指引我前进的方向。他关于“自由”的解读，也让我受益匪浅。他认为，真正的自由，是内心的解放。只有拥有内心的自由，才能创造出属于自己的艺术。

评分☆☆☆☆☆

第一次读到这本书，是被它的书名所吸引。“一位年轻艺术家的画像”，这本身就充满了一种故事感。而“得奖文集”，则暗示着一种肯定和成就。然而，真正翻开，我才发现，它远不止于此。江凌青的文字，有着一种独特的磁场，能够将我深深吸引进去，与他的思绪一同遨游。他对于“灵感”的阐述，我尤为喜欢。他并不将灵感视为神来之笔，而是将其看作是长期积累和不懈探索的结果。我常常会思考，在那些看似成功的背后，究竟隐藏着多少不为人知的汗水和泪水。这本书，恰恰满足了我这种好奇心。他没有刻意去渲染苦难，而是用一种平和的语调，讲述着那些属于他的，独一无二的经历。我尤其喜欢他关于“传统与创新”的辩证思考。他既尊重前人的智慧，又敢于突破边界，寻找属于自己的语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书，让我看到了一个年轻艺术家的成长历程。江凌青的文字，真实而感人，让我仿佛置身于他的世界。他对于“勇气”的赞美，让我深受感动。他认为，只有拥有勇气，才能突破自我，实现价值。我尤其喜欢他关于“探索”的论述。他用自己的经历告诉我们，只有不断的探索，才能发现新的可能。我常常会思考，在安逸的生活中，我们是否已经停止了探索。这本书，就像一本百科全书，让我看到了艺术的无限可能。他关于“创造”的理解，也让我受益匪浅。他认为，创造是艺术的灵魂。只有不断的创造，才能让艺术充满生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书，给我带来了一种宁静而深刻的思考。江凌青的文字，没有华丽的辞藻，却有着直击人心的力量。他对于“自我认知”的探讨，让我受益匪浅。他鼓励我，要勇敢地面对自己的优点和缺点，才能更好地成长。我尤其喜欢他关于“传承”的论述。他认为，艺术的生命力，在于不断的传承和创新。我常常会思考，在快速变化的时代，我们是否已经失去了与传统的连接。这本书，就像一座桥梁，连接着过去与未来。他关于“批评”的态度，也让我印象深刻。他并不回避批评，而是将其视为一种学习的机会。只有勇于接受批评，才能不断进步。

评分☆☆☆☆☆

这本书，让我重新认识了“坚持”的意义。江凌青的文字，充满了力量，能够激励我勇敢地面对困难。他对于“匠心”的追求，让我深受启发。他认为，只有拥有匠心，才能创作出真正伟大的作品。我尤其喜欢他关于“初心”的论述。他用自己的经历告诉我们，无论身处何地，都要保持一颗初心。我常常会思考，在追逐名利的道路上，我们是否已经忘记了最初的梦想。这本书，就像一面镜子，让我看到了自己的初心。他关于“梦想”的描绘，也让我受益匪浅。他认为，梦想是支撑我们前进的动力。只有拥有梦想，才能创造出属于自己的精彩。

评分☆☆☆☆☆

这本书，让我深刻体会到了“热爱”的力量。江凌青的文字，充满了激情，能够点燃我内心的火焰。他对于“奉献”的精神，让我肃然起敬。他认为，只有奉献，才能让艺术更有价值。我尤其喜欢他关于“未来”的憧憬。他用自己的经历告诉我们，未来的艺术，充满了无限的可能。我常常会思考，在面对未知的挑战时，我们是否已经失去了信心。这本书，就像一本预言书，让我看到了艺术的未来。他关于“传承”的理念，也让我受益匪浅。他认为，只有传承，才能让艺术得以延续。