现代和声乐理影音教学（二）（第二版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　Part 1
　　大调和弦功能归纳、大调属七和弦终止式、大调次级属七和弦、大调替代属七和弦。

　　Part 2
　　小调和弦的组成、小调和弦终止式、小调和弦音阶、小调和弦功能归纳、小调次级属七和弦。 歌曲分析-Fly Me To The Moon、All Of Me。

本书特色

　　一般公认音乐的三大元素为：节奏-旋律-和声。巧妙编排乐曲和声可以让人感觉到音乐的缤纷色彩，所以和声学是所有主修音乐作曲者的必修课程。但是对于非音乐学院的学生来说，和声学是遥远无法捉摸的，就像一般人也无法理解爱因斯坦的相对论一样。 有鑑于此，酷派音乐特别邀请廖季文老师针对现代和声乐理制作一系列的影音教材，从最基础的乐理观念开始讲解，循序渐进，引领学员理解奥妙的现代和声理论。 延续第一集的基础，在第二集的教学里，廖季文老师针对大小调的各种属七和弦结构及变化做全方位的解析，并以经典爵士歌曲为分析范例，经由具体的说明帮助学员了解各种不同的和弦功能与连接应用的方法。

《实用音乐制作与混音技术精要》 第一部分：数字音频工作站（DAW）基础与界面导览 本书旨在为音乐制作初学者和有一定经验的制作人提供一套系统、深入的数字音频工作站（DAW）应用指南。我们将以目前行业主流的DAW软件（如Pro Tools, Logic Pro X, Ableton Live等）为蓝本，详细拆解其核心界面、工作流程与基础设置。 第一章：DAW环境的构建与优化 本章将首先介绍构建高效数字录音棚的硬件基础，包括音频接口（Audio Interface）的选择标准、监听音箱（Monitor Speakers）的摆位原则与声学处理的初步概念。软件层面，重点讲解如何正确配置音频设置，包括采样率（Sample Rate）、缓冲大小（Buffer Size）对延迟（Latency）的影响与优化策略。深入探讨MIDI与音频信号的输入、路由和同步设置，确保软硬件之间的高效协作。 第二章：项目管理与界面精通 一个良好的项目管理习惯是高效制作的基石。本章详细阐述新工程文件的创建、模板的自定义与管理，以及如何组织轨道结构（Track Organization）。我们将逐一剖析DAW界面的主要组成部分：编辑窗口、混音台（Mixer Window）的结构、浏览器（Browser）的快速检索技巧。重点讲解非破坏性编辑（Non-Destructive Editing）的原理，包括剪辑组（Clip Groups）、标记点（Markers）和区域（Regions）的使用，使用户能够快速准确地对素材进行管理和修改。 第二部分：音频录制与编辑的艺术 本部分聚焦于实际的录音操作与精细的波形编辑技术，为高质量的素材采集打下坚实基础。 第三章：高质量音频的采集技术 从麦克风的选择到正确的增益结构设置，本章提供了全面的现场录音指导。涵盖了动圈麦克风、电容麦克风、铝带麦克风的拾音特性与适用场景。详细讲解了近讲效应（Proximity Effect）、相位（Phase）问题在多麦克风录音中的处理，以及如何通过控制输入电平（Gain Staging）来避免削波（Clipping）并保证信噪比（SNR）。对于人声、原声乐器（如吉他、鼓组）的专业拾音方案进行实例分析。 第四章：精确的波形编辑与修饰 录音后的素材处理至关重要。本章深入讲解音频编辑的高级技巧，包括弹性音频（Elastic Audio）或类似功能的精确时间伸缩（Time Stretching）与音高修正（Pitch Shifting）。重点演示如何使用切片（Slicing）技术进行节奏的量化（Quantization）和修正。此外，探讨如何利用编辑工具进行噪音处理，如去除不必要的呼吸声、口水声，以及对不完美演奏进行无缝拼接（Comping）的最佳实践。 第三部分：MIDI编程与虚拟乐器操控 理解和驾驭虚拟乐器（VI）是现代音乐制作不可或缺的技能。本部分将把焦点从波形编辑转向MIDI数据的精确控制。 第五章：MIDI编辑与编曲基础 本章详细解析了MIDI编辑器的网格系统、音符属性（力度、时值、表情控制CC数据）。讲解如何通过钢琴卷帘（Piano Roll）窗口对旋律、和声和低音线进行精细化调整。重点对比了不同量化网格对音乐律动（Groove）的影响，并引入“人性化”（Humanization）概念，教授如何通过随机化力度和时值来增强MIDI演奏的真实感。 第六章：虚拟乐器（VI）的深度使用 本书不再停留于基础的音色加载，而是深入探讨现代合成器（Synthesizer）的工作原理与高级操控。涵盖了减法合成、加法合成、波表合成（Wavetable Synthesis）的基本概念。教授如何有效利用采样音源库（Sample Libraries）的管理系统，并指导读者理解多重采样（Multisampling）与层叠（Layering）技术，从而创造出独一无二的标志性音色。 第四部分：效果器链与混音基础工程 本部分是本书的核心，旨在教授如何运用效果器来雕琢声音，并构建一个清晰、平衡的立体声声场。 第七章：动态处理的艺术：压缩与门限 动态范围控制是专业混音的关键。本章深入解析了压缩器（Compressor）的各个参数：阈值（Threshold）、比率（Ratio）、启动时间（Attack）、释放时间（Release）的交互作用及其在不同乐器上的应用。通过实例讲解了串联压缩（Serial Compression）和并行压缩（Parallel Compression）的原理与效果。同时，详细说明了降噪门（Noise Gate）和扩展器（Expander）在清理干声（Dry Sound）中的必要性。 第八章：频率塑造：均衡器（EQ）的高级应用 本书超越了简单的提升或衰减，侧重于利用均衡器进行声像塑形。对比分析了模拟均衡器的特性曲线（如SSL, Neve风格）与数字EQ的精确性。重点讲解了“减法EQ”的理念，即优先削减问题频率而非盲目提升。细致分析了各种滤波器的类型（Shelf, Bell, Notch）及其在消除共振、分离乐器频谱中的关键作用。 第九章：空间与时间效果：混响与延迟的层次构建 混响（Reverb）和延迟（Delay）是营造空间感和深度感的主要工具。本章将详细拆解混响的物理模型（如板式、弹簧、卷积混响）。指导读者如何通过预延迟（Pre-Delay）和扩散（Diffusion）来控制空间感的大小和清晰度。同时，讲解延迟效果器（如Tape Delay, Ping Pong Delay）在创建节奏性效果和增加声音动感方面的技巧。 第十章：发送/返回、自动化与初步声像定位 本章介绍混音台的高级路由配置。详细解释了发送（Send）和返回（Return）轨道的优势，特别是在共享混响和延迟效果池中的高效管理。随后，全面覆盖自动化（Automation）技术，包括音量、声像、效果参数的精确书写与回放。最后，介绍利用声像（Panning）和辅助发送来建立初步的立体声声场定位，确保主要元素在混音中占据合适的位置。 第五部分：母带处理前奏与项目收尾 在进入最终的母带处理环节之前，我们需要对混音进行最终的检查和优化。 第十一章：电平校准与峰值控制 本章聚焦于最大化响度而不牺牲动态。详细介绍限制器（Limiter）的工作原理，区分峰值限制（Peak Limiting）和响度限制（Loudness Limiting）。讲解如何使用响度表（Loudness Meters，如LUFS表）来规范化项目电平，确保混音作品在不同播放平台上具有一致的听感体验。 第十二章：混音的批判性聆听与项目归档 成功的混音依赖于准确的判断。本章指导读者如何建立一个“批判性聆听”的流程，包括在不同设备（如汽车音响、耳机、消费级音箱）上交叉检查混音效果。最后，提供专业的项目交付标准与归档流程，包括导出不同格式的音频文件（WAV, MP3）、清理未使用的素材以及备份工程文件的最佳实践，确保项目的长期可维护性。 本书力求通过严谨的理论支撑和大量的实操案例，将复杂的音乐制作技术转化为清晰、可执行的步骤，帮助读者从零开始构建一套完整、高效的现代音乐制作体系。

作者简介

廖季文

　　台湾爵士吉他演奏家、上海音乐学院副教授。十四岁开始学习吉他，曾任台湾无线电视公司大乐队首席吉他手。经十余年里累积了扎实的基础和丰富的演奏经验，曾经为许多知名艺人、歌星担任现场及录音室的伴奏。

　　在没有信息科技、爵士音乐资源贫乏的年代，凭着一股对爵士音乐的热爱与强烈的求知欲，在客观环境极差的情况下，为更上层楼探求爵士音乐的奥秘，2001年毅然结束电视台的工作，只身到波士顿百克里音乐学院学习有关爵士乐的和声、编曲及演奏等相关课程，并以优异成绩毕业。

　　2003年返回台湾，担任台北法蓝瓷餐厅音乐总监；2006年任教于上海音乐学院现代器乐打击乐系，开设“爵士吉他演奏”、“爵士音乐理论与创编”、“爵士音乐史”等课程；个人着作《流行与爵士和声学》得到上海音乐学院2011年优良教材奖；2006年发行个人演奏专辑《Taipei Blues》。
 

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我购买《现代和声乐理影音教学（二）（第二版）》纯粹是因为它在我社交媒体上被反复推荐。很多玩音乐的朋友，无论是玩乐器、唱歌还是做电子音乐的，都在分享使用这本书的经验，并且对它的“影音教学”部分赞不绝口。他们说，很多时候看文字解释和弦的时候，总感觉隔靴搔痒，无法真正理解那种声音的质感和连接的逻辑。但这本书提供了大量的音频示范，甚至还有一些视频讲解，让他们能够一边听一边看，很快就领会了书中讲到的很多概念。比如，他们提到书中在讲解如何构建不同风格的流行音乐和声时，会直接给出一些具体的例子，并分析其精妙之处。这对我来说非常有吸引力，因为我一直对如何让自己的音乐听起来更“地道”更“有品味”感到困惑。我希望这本书能够提供一些实用的技巧和方法，让我能够举一反三，在自己的音乐创作中运用到这些现代和声的元素，让我的作品在听觉上更上一层楼，而不是停留在一些非常基础的、陈旧的和声进行上。

评分☆☆☆☆☆

我对《现代和声乐理影音教学（二）（第二版）》的期待，主要集中在它的“现代”这个字眼上。我一直觉得，传统的和声理论虽然是基础，但在很多现代音乐风格中，比如流行、摇滚、电子音乐，甚至是一些跨界融合的音乐里，已经远远不够用了。那些更加自由、大胆的和声进行，还有那些充满个性的和弦色彩，总是让我觉得很有吸引力，但又不知道从何下手去分析和理解。我希望这本书能够跳出传统的束缚，从现代音乐的角度出发，去讲解和声的原理和应用。特别是“影音教学”这一点，我希望它能提供一些真实的、来自不同现代音乐风格的案例分析，而不是那种非常模式化的、脱离实际的例子。能够听到各种实际的音乐片段，然后结合书中的讲解，去分析它是如何运用和声来营造特定的氛围、表达特定的情感，这对我来说是非常有价值的。如果这本书能帮助我打开对现代和声的新视野，让我能够更好地去欣赏和创作现代音乐，那就太棒了。

评分☆☆☆☆☆

这本《现代和声乐理影音教学（二）（第二版）》的封面设计倒是挺吸引人的，封面上那种抽象的音符线条和柔和的色彩搭配，一下子就让人觉得这本书在音乐理论的讲解上可能不那么枯燥死板。我之前接触过一些传统的乐理书，感觉总是像在啃一本厚重的字典，枯燥乏味不说，理解起来也费劲。但看到这本书的封面，我隐隐期待它能带来一些不一样的东西，特别是“影音教学”这个关键词，让我觉得它可能会结合一些现代化的教学手段，比如视频或者音频示范，这对于我这种视听学习者来说，简直是福音。我希望它能通过生动形象的方式，将那些复杂的和声概念变得易于理解和吸收，而不是简单地罗列公式和术语。毕竟，音乐的美感很多时候在于它所传达的情感和氛围，而不仅仅是理性的结构。这本书的“第二版”也说明了它经过了市场的检验和内容的迭代，这让我对它的可靠性更加放心。我非常期待它能在音乐理论的学习过程中，给我带来一种全新的、更富有启发性的体验，能够真正地“听懂”和声，而不是仅仅“记住”和声。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我当初之所以会注意到这本《现代和声乐理影音教学（二）（第二版）》，更多的是因为我身边的朋友都在讨论它。他们有的在学习编曲，有的在练习爵士乐即兴，都提到这本书在解决他们遇到的和声难题上非常有帮助。我记得有个朋友曾经跟我抱怨，说自己学了很多年的乐理，但总感觉在即兴演奏或者创作的时候，脑袋里一片空白，不知道该用什么和弦，或者怎么让和弦听起来更“现代”。他就是通过这本书，才慢慢理解了不同和弦之间的连接逻辑，以及如何在现代音乐中运用各种色彩丰富的和声。他特别强调了书中“影音教学”的这部分，说他以前看书学和声，总是想象不出声音是什么样子，但这本书提供了很多音频示例，让他可以一边看理论，一边直接听到实际的声音效果，这种“听着学”的方式，大大提高了学习效率和理解深度。这让我觉得，这本书可能不仅仅是针对音乐专业的学生，对于那些业余爱好者，或者想要提升自己音乐创作能力的人来说，也是一个非常宝贵的资源。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐理论的学习抱有一种又爱又恨的情绪。一方面，我深知扎实的理论基础对于提升音乐素养至关重要，另一方面，枯燥的文字和抽象的概念总是让我难以坚持。当我在书店偶然看到《现代和声乐理影音教学（二）（第二版）》这本书时，我被它“影音教学”的特色所吸引。我设想，这本书或许能够通过生动形象的影音内容，将原本难以理解的乐理知识变得易于消化。例如，在讲解复杂的和弦进行时，书中能否提供相应的音频演示，让我能够直观地听到不同的和弦组合所产生的效果？或者在解释和声功能时，能否通过影音片段来展现这些功能在实际音乐作品中的应用？这种“视听结合”的学习方式，对于我这样在学习过程中更容易分神的人来说，无疑是一种极大的福音。我希望这本书能够打破传统乐理书的沉闷感，带来一种更加沉浸式、互动式的学习体验，让我在不知不觉中掌握现代和声的精髓。