创意插画圣经（二版）：从线条、色调、色彩到创意发想，路米斯动人心弦的绘画技法大全 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

原文作者： Andrew Loomis

图书标签:

• 插画
• 绘画
• 技法
• 创意
• 线条
• 色调
• 色彩
• 艺术
• 教程
• 设计

　　「我全部的绘画技法和我画的超级英雄，都应该归功于路米斯的天才着作。」──美国漫画大师亚力克斯‧罗斯（Alex Ross）

　　人体素描画得好是一回事，将人体放在具有说服力的环境中说故事，
　　并赋予个性和戏剧趣味，那又是另一回事了。
　　好的插画必须能推销一个故事，并带来真实感和个性；
　　它的个性必须令观者留下印象，触动一定的情绪。

　　《创意插画圣经》是路米斯专为中高阶习画者量身打造的绘画教学宝典。路米斯将从线条、色调、色彩出发，告诉你如何成为一个「更好的」艺术家。包括如何更精进你的绘画技巧、理解艺术决策背后的机制和科学，以及如何以有意义的方式理解光影。并进一步阐述，有了优异的绘画技法基础之后，又要怎么为你的作品说一个好故事、拥有源源不断的创意，以及最重要的是，形塑个人的风格与特色。对于插画领域、动画创作、中高阶的绘画爱好者而言，欲迈向卓越的艺术之路，本书绝对值得收藏！

　　画界赞誉：「从业余绘者，跨越成为职业画家，只差这一本书！」

　　【线条】
　　对外行人来说，线条不过是铅笔的记号。
　　对真正的画家来说，线条可达到伟大的高度。

　　画家用看得到的线条画出形体轮廓，用看不见的线条构图，并吸引你的视线。想突显焦点，就必须掌握线条。本书收录路米斯独创「不规则细分」构图法，利用视觉引导线抓住读者注意力，简单而且生动有趣。除了基本构图，本书更解析如何活用透视法，为画作呈现带来更多戏剧张力。

　　【色调】
　　我们若知道自己在做什么，可在一定程度上操纵明暗，捕捉最大的戏剧效果。

　　光影不只让画作呈现立体感，更为主题带来栩栩如生的感觉。色调也能用来构图，利用简化细节突显主题，本书设计出四种色调方案，可以套用在任何题材。本书更收录、评析美国插画之父派尔（Howard Pyle）的色调方法，提出简洁画面的祕诀。

　　【色彩】
　　色彩深受光的自然法则以及周遭因素影响。研究色彩必须跟其他艺术基本原则紧密结合。
　　色彩绝对是形体原理的一部分！

　　好的配色让画作传达正确的气氛。但习画者常常忘记，颜料其实有局限，如果不将色彩分组使用，常会让画面灰蒙肮脏。对色彩品味拙劣，其实只是缺乏色彩的相关知识。本书将色彩简单分成三组，并利用「色彩调性」说明配色方法，同时说明色彩如何受到光的影响，以及黑色的运用方法。

　　【说故事】
　　画家是唯一能靠着对形体、光线、色彩，以及透视法的知识做出图像诠释的人。
　　因此，插画家的真正功用就是抓住那个意象，或是创造一个意象，并赋予生命。
　　用「画面」表现的故事最深得人心。插画是为了画出活生生的感受，如何活用你所擅长的一切技能，构思画作中的情感、生活，以及我们的感受。

　　【创意发想】
　　对画家来说，没有什么比坐下来对着一张白纸或画布构思更困难。
　　至少有一种经过验证的方法，可以引导人产生构想，指引心思转到适当的思考频道。
　　为灵感提供路径，本书提供「问卷」解决创意发想的问题；并且整理出14种人性情感诉求，作为绘画时的灵感参考。

　　插画就是对生活的感知和诠释。是身为艺术家在作品中致力追求的特质。生活就是线条、色调、色彩，和设计图样，再加上你的感觉。这些是大家都能运用的技术，路米斯将尽量让你有机会发挥使用。在本书中，路米斯不仅会适当地依主题与难度挑选这些技术学习，更希望你能从这本书得到如何使用这些技术的额外知识，成为一位「更好的」艺术家！

　　【本书适用】
　　插画爱好者 中高阶习画者 商业艺术设计 视觉领域相关 动画创作 现代CG 全方位绘画基本功 形塑个人风格 诠释出画面以外的情感 轻松产生源源不绝的创意

本书特色

　　■全书七大篇章，200余张插画范例，多元且丰富地展示「好插画」所需要的一切技法！
　　■叙述清楚易懂。图文搭配教学，就像路米斯在旁亲自指导，从绘画原理到技法应用，一本搞定！
　　■不只技法，路米斯更大方分享心法，一一解答画家在各个阶段的创作瓶颈。
　　■创作不只需要技法，灵感更为重要。路米斯将告诉你如何在肠思枯竭时，用「方法」为自己找到题材与意象。

 

《视觉叙事大师课：构建引人入胜的故事画面》 导言：超越技法，抵达故事的灵魂 在图像泛滥的时代，如何让你的画面不仅仅是精美的堆砌，而是拥有直击人心的力量？《视觉叙事大师课：构建引人入胜的故事画面》不是一本关于单一绘画技巧的指南，它是一份深入解析如何将视觉元素转化为强大叙事工具的实战手册。本书聚焦于“如何讲故事”，而非“如何画得像”。它将引导读者跨越基础的线条、透视和色彩理论，直达视觉叙事的核心——如何通过构图、光影、人物肢体语言和场景设计，引导观众的情绪，构建层次丰富的视觉剧本。 本书适合所有希望提升作品感染力和叙事深度的艺术家、插画师、概念设计师，以及对动态影像和漫画创作感兴趣的创作者。 --- 第一部分：视觉语言的底层逻辑——从观察到解构 本部分旨在帮助创作者建立一套系统化的观察与分析框架，理解视觉元素在叙事中的实际功能。我们不再停留在“什么是黄金分割”，而是探讨“黄金分割如何服务于紧张感的建立”。 第一章：叙事的构图基石 引导线与观众动线控制： 深入探讨如何利用环境元素、人物视线和重复形状，在画面中秘密地设置“路径”，确保观众的目光按照创作者的意图移动。分析不同类型的引导线（如S形、Z形、对角线）在不同情绪场景中的效用。 重量与平衡的心理学： 剖析视觉重量（大小、对比度、复杂性）如何影响画面的稳定感或不安感。讲解如何利用“非对称平衡”来营造动态张力，并展示如何在极端构图中保持主体的重要性。 景别与距离的情感翻译： 系统讲解特写、中景、远景在叙事中的作用。不仅仅是放大或缩小，而是如何通过景深的选择来控制信息的披露速度，以及如何利用前景、中景、背景的叠合来创造三维空间的故事深度。 第二章：光影的戏剧性运用 光线是故事的无声旁白。《视觉叙事大师课》将光影的运用提升到戏剧性的层面，专注于“光如何塑造角色和气氛”。 三点布光法的叙事变奏： 详述经典的三点布光（主光、辅光、轮廓光）如何根据故事需求进行调整。例如，如何将轮廓光弱化以营造压抑感，或如何强化辅光以强调阴影中的细节。 环境光与情绪共振： 分析不同时间段、不同天气（雾、雨、黄昏）下的环境光如何自动地为画面设定基调。探讨如何利用色温（冷光与暖光）来暗示角色的心理状态或环境的危险程度。 剪影与清晰度的哲学： 讲解何时使用强烈的逆光制造戏剧性的剪影效果，以突出人物的轮廓和动作，何时又需要细致的明暗过渡来展现材质和细腻的情感。 --- 第二部分：角色的深度塑造与互动设计 一个好的故事依赖于可信赖的角色。本部分将着重于如何通过角色的“状态”而非“外表”来讲述他们的故事。 第三章：肢体语言的无声宣言 姿态的能量场分析： 研究角色姿态如何泄露他们的意图、权力地位和内在冲突。讲解“开放姿态”与“封闭姿态”的细微差别，以及如何通过手势（手掌朝上/朝下）来微妙地影响观众的判断。 动态捕捉与动作的连贯性： 重点在于“过渡”而非“定格”。如何设计动作的起承转合，确保角色的每一个移动都符合其动机，即便是在静止画面中，也要暗示前一个瞬间和后一个瞬间。 面部表情的层次与内敛： 探讨如何避免过度夸张的表情，转而使用“微表情”和眼神方向来传达复杂的情感。分析“三眼理论”——眼睛、眉毛、嘴角的协同作用。 第四章：人与环境的关系构建 角色不是孤立存在的，他们的存在感是由他们所处的环境定义的。 尺度与对比： 利用环境元素（巨大的建筑、微小的物体）来突显角色的渺小或强大，从而建立戏剧性的对比。讲解如何利用透视畸变来放大环境对角色的压力。 空间叙事： 区分“物理空间”与“心理空间”。如何利用封闭或开放的空间设计来反映角色的心理状态（被困于狭小空间象征焦虑，广阔的荒野象征自由或孤独）。 道具的隐喻功能： 每一个被放置在画面中的物品都可能成为叙事的线索。本章指导读者如何选择具有象征意义的道具，使其在不言自明中丰富故事背景。 --- 第三部分：叙事节奏与动态视觉流程 视觉叙事并非一幅画的完成，而是一系列画面的流动。本部分关注如何组织这些画面，构建出引人入胜的节奏感。 第五章：节奏的视觉化控制 信息密度与呼吸感： 探讨如何通过改变画面的信息密度来控制观众的阅读速度。密集的细节和强对比适合高潮部分，而简洁的布局和柔和的光线则用于过渡和沉思的时刻。 序列的张力管理： 针对多图连贯叙事（如漫画、故事板）。如何通过每幅画之间的细微变化（如视角、景别、动作幅度）来累积悬念，并在关键点进行爆发。 打破与回归： 讲解在既定的视觉语言中，何时需要故意打破规则（如故意失衡的构图或突兀的色彩变化）以达到冲击效果，以及如何迅速将观众带回稳定状态。 第六章：概念的视觉提炼与风格统一性 主题的视觉提炼： 如何将抽象的主题（如“背叛”、“希望”）转化为具体的、可识别的视觉符号和色彩模式。 风格的叙事服务性： 讨论不同的艺术风格（如具象、抽象、粗粝、平滑）对故事基调的影响。强调风格不是装饰，而是叙事的一部分。指导读者建立一套适用于特定故事的视觉词汇表，确保从角色设计到环境细节都保持一致的“声音”。 --- 结语：成为视觉的导演 《视觉叙事大师课》旨在将你从一个被动的描绘者，转变为主动的视觉故事导演。它提供的不是固定的公式，而是一套可灵活运用的分析工具和思维框架，帮助你理解每一个选择背后的叙事意图。掌握这些原则，你的作品将不再仅仅是美丽的图像，而是能够引导、震撼并长久留在观众记忆中的故事体验。

作者简介

安德鲁‧路米斯Andrew Loomis

　　美国实力派插画大师，同时也是知名美术教育家。1892年生于纽约，1911年就读纽约艺术学生联盟，师从艺用解剖学权威乔治‧伯里曼（George Bridgman）。1930年代起，路米斯在芝加哥开始了他的绘画教学之路。

　　路米斯一系列素描教学着述深受读者喜爱，影响着近三分之二个世纪的习画者。美国漫画大师亚力克斯‧罗斯（Alex Ross）赞誉：「我全部的绘画技法和我画的超级英雄，都应该归功于路米斯的天才着作。」

　　主要着作有：《人体素描圣经》、《素描的原点》、《创意插画圣经》、《画家之眼》、《素描的乐趣》、《肖像素描技巧指南》等。

译者简介

林奕伶

　　自由译者，曾任电视台国际新闻编译，国际通讯社财经新闻编译。译有《人体素描圣经》、《肖像素描技巧指南》、《虚拟货币革命》、《社交天性》、《订价背后的心理学》、《FBI教你读心术》等书。

审定者简介

Krenz

　　1985年生，台湾桃园人。目前从事美术教育产业，教授透视、人体和电脑绘图上色等课程。曾受邀至中国大陆、马来西亚、韩国进行短期美术讲座。2015年马来西亚ComicFiesta特邀嘉宾、2016厦门金海豚动漫节特别来宾。着有《CG电绘讲座》一书。
 

前言 创意插画的真理
序章 形体原理──创意插画的方法基础

PART 1 线条
线条的各种功能对人类进步的贡献，如同火和蒸汽机。
线条是带有想像的比例
线条产生整齐对称的规则图样
线条产生不规则图样
部分重叠的线条与区域，是构图的第一原理
利用「线条本身」的构图
可以根据字母或符号构图
可以根据几何形状构图
支桿原理应用于构图
利用规则细分做对称构图
不规则细分
不规则细分的示范说明
根据不规则细分做的人体构图
不规则细分完全是创意发挥，绝非机械式
透视引导线协助构图
。你画的一切都与视线高度有关
视线高度、相机高度，和视平线代表一样的意思
找到范本的视线高度，画出相符的人体
以不同方式处理题材
光是透视观点就能增加多样性
利用线条制造图画题材的焦点
在构图中提供「视线通道」
引起注意的手法
以线条或形状的对比吸引注意力
线条与情绪反应的关系
拙劣的构图产生负面反应
各种类型的晕映画
晕映画是纯粹又简单的设计图样
简单线条与全黑的成功组合
蘸水笔线条加黑色区域的处理方式
根据原理建立的蘸水笔素描
蘸水笔素描主要考虑的是阴影
蘸水笔与墨水的处理步骤
以蘸水笔画出形体
线条的装饰性处理
以蘸水笔笔法使用画笔
干笔
在线条工具上增加「喷溅」
干笔和黑色铅笔画于颗粒纹理纸
黑色墨水、黑色铅笔，及白色广告颜料，画于Coquille 纸
这种组合有新的可能性
Sanguine 蜡笔画于颗粒纹理纸
黑色铅笔画于颗粒纹理纸
素描步骤
素描，最重要的就是清楚表达
黑白铅笔画于灰色纸张
白色广告颜料与黑色墨水，画于灰色纸张
炭笔画在灰色纸
在灰色纸以干笔画白色
刮画板
CRAFTINT

PART 2 色调
画家只对固有色在光或暗的变化感兴趣，并不关心固有色本身的明暗。
光与影的基本强度
色调的四种特性
第一特性：光与影的强度关系
第二特性：所有相邻色调的明暗关系
第三特性：辨识光的本质与特性
第四特性：纳入反射光的影响
根据色调或图案构图
如何寻找题材中的「实质要点」
假设我们接到一个题材要完成
色调表现技巧
好习惯造就好作品
细节所导致的错误
边缘的特质
六种柔和的边缘
大片色调法
直接法
柔和法
干脆法
块状处理及其他
活用各类色调工具
美国插画之父霍华德．派尔的方法通论
基本说明：有关色彩与形体
简洁的祕诀：中间色调
评析霍华德．派尔的方法论
色调与色彩之关系
形体就是色调的真实情况
准备作品集
你的作品就是你的推销员

PART 3 色彩
色彩深受光的自然法则以及周遭因素影响，不能将色彩视为独立的一门科学、性质，和品味。
色彩的基本观念
所有色彩皆与周遭的影响因素相关
色彩在光线下最为强烈
色彩不单只是固有色
颜料中的色彩局限
色彩的功用与魅力
色彩对比
色彩和谐或相关色
色泽的重要性
色彩的选择与平衡
画作呆版的处理方法
户外色彩 vs. 室内色彩
制作彩色草图的方法
色彩的心理影响
色彩的魅力是什么？我们如何知道？
调色盘应该剔除黑色吗？

PART 4 说故事
画家是唯一能靠着对形体、光线、色彩，以及透视法的知识做出图像诠释的人。
三种插画类别
形象化
戏剧化
人物塑造
基本布局
润色
利用相机取得工作素材
利用「刻度屏风」设定人体比例
作画时避免摄影的扭曲失真
模特儿的诠释问题
制造有说服力的情感
背景的取舍
活用四个基本色调
何谓捏造，及何谓想像
想像 vs. 事实

PART 5 创意发想
当你从创意发想中得到事实与诉求，就是可以用来发挥的有形素材。
为创意发想提供路径
从人性诉求开始发想
情感是插画的基调
改造旧点子
封面的原创
挂历的构想
连环漫画创意也有心理学
测试你的绘图构想

PART 6 插画的领域
正确的方式是深入探究心理诉求、驱使动机，以及想要的回应。
图画能否诠释文字
尽可能蒐集各类题材的资讯
让插画跟整个广告产生关联
广告的种种可能性
如何提升品味
海报设计的基础
海报的设计过程
陈列展示的设计
出色陈列展示的基本条件与功能
陈列展示接案的不确定性
挂历广告设计
挂历设计潜力无穷
好挂历插画基本要点
杂志与书籍封面设计
故事插画
漂亮的女主角，与一个有男子气概的男主角
人物塑造完整得当
强烈的戏剧趣味
刺激而不寻常的安排
特别强调流行或时尚
技巧有趣，但完全能够理解
媒介的多样性、风格的独特性
能推销故事的插画
构思有创意
抢眼的色彩和好品味
着手插画前的问卷
建构实际尺寸的草图
最后的诠释
通往插画的道路

PART 7 实验与习作
就算是贫民窟里的一条陋巷，以画家的双眼来看，也可能是神奇的素材。
大自然就是艺术的活水源头
题材就在画家的心中
速写画的意义
活用各种速写工具
人体画
仔细研究明暗与色彩

结语  通往创意的坦途
附录 答客问──如何成为职业画家
解说 学习绘画，同时学习思考

 

前言

创意插画的真理

　　由于我先前的努力成果获得不错的回响，相信应该会在本书碰到许多老朋友。上一本书《人体素描圣经》颇受欢迎，鼓励我再接再厉，因为在人体素描之外，插画这个领域依然有许多学问值得详加阐述。人体素描画得好是一回事，将人体放在具有说服力的环境中说故事，并赋予个性和戏剧趣味，那又是另一回事了。简而言之，光是一幅正确的人体素描没有太大意义。必须推销一些内容，或是给一个故事带来真实感和个性；它的个性必须令观者留下印象，触动一定的情绪。

　　我的目的是，提出经由自己经验证实的插画基本原理。就我所知，这些基本原理不曾被整理并解说。所以我尝试汇集这些必要的绘画知识，相信以我在插画领域努力活跃的成绩，有资格这样做。我会尽量清楚说明绘画的基本原理如何实际应用，而不是把重点放在人体或其他组件的具体制图技术。我会假设你已经有相当的绘画基础，也有些经验或训练背景。因此，本书不会从新手的初期工作出发，也不是给那些只将绘画当成嗜好兴趣的人。本书是为了那些真心诚意想在艺术之路上发光发热的人，而且决心为这个事业付出必要的专注与努力。

　　想在艺术上有所成就绝非易事，不是偶尔性起加减做一点就能够成功。没有什么「天赋」或才华厉害到不需要基本知识、辛勤练习，以及勤勉努力。我并非主张任何人都能绘图作画，但我坚决相信，任何可以绘图作画的人若有更多知识辅助，必定可达尽善尽美。

　　所以我们不妨假设，你有能力可投入自己渴望的商业领域。你想知道如何着手进行。你想为杂志故事和广告画图，为广告看板、橱窗展示、挂历及封面画图。你想要每一个可能成功的机会。

　　▌插画就是生活的感知与诠释
    
　　千万别抱幻想。我必须一开始就言明，没有可以确保成功的公式。但确实有一套程序做法对迈向成功贡献颇多。如果个人的性格、技巧的理解掌握，以及情绪理解力，都对最终结果不是那么重要，那么或许存在成功的公式。但艺术不可能简化为没有个人特质的精准公式。没有个人特质，艺术创作就没有什么存在的理由。事实上，个人的表达就是艺术创作的最大价值，使艺术永远凌驾于由机械性方法完成的画作。我不会妄自跟相机争高下。但我坚信就算摄影的技术能尽善尽美，其真正的价值仍在于摄影者的个人观察，而非只是杰出技巧。如果艺术只是为了鉅细靡遗的记录眼前所见，那么就只需要相机，而不需要艺术家了。在我们赋予镜头情感与个人观点，或者区别轻重主次的能力之前，艺术家一直主导视觉艺术的呈现。相机必须好坏兼收，全盘接受或全部舍弃，必须完全复制放在眼前毫无情感的外观表象。

　　希望所有读者都要记住，插画就是你对生活的感知和诠释。那是你身为艺术家的传承，也是你在作品中致力追求的特质。这一点千万别丢失，或屈从于别人的个人特质。就你和你的作品而言，生活就是线条、色调、色彩，和设计图样，再加上你的感觉。这些是大家都能运用的技术，我也会尽量让你有机会使用。你会适当地挑选这些技术，但我希望你能从这本书得到如何使用这些技术的额外知识。

　　画家入行初期，几乎都殷殷期盼如何掌握技术的诀窍，所以我决定接下这个难题。我当作家的能力姑且不论。我们都有共同的立场，知道我企图谈论的东西，对你我和共同的成就都极为重要，因为我希望尽量在这个绘画保持活跃。我对你成功的期望，正如对我自己的期望，就是为了这一门技艺，那比我们自身更重要。

　　如果插画是表达的方法之一，它就成了思想的转移。因此它是将思想转移成一种现实的假象。假设我说一个人的脸犹如石头般坚硬。你的想像力就会在脑海召唤一个形象。不过，这个形象还不是太清楚鲜明。这种坚硬的特质，是对感觉的潜意识诠释，必须与现实结合。最后的结果不会是一张照片，也不会是活生生的模特儿。为了将「坚硬」这个概念转移到一张脸上，你用上线条、色调，以及色彩等工具，创造出「坚硬」的特质。如果没有感觉，几乎不可能画出那样的头像。

　　只是为了复制而画没有什么意义。相机的效果说不定更好。以画画为表达的手段，才能证明艺术优于摄影。曾有艺术总监告诉我，他们之所以使用照片，是因为能找到的画家能力平平无奇。好作品的需求远远超过供给。因此，商业艺术不得不退而求其次，涉足摄影。艺术总监很少宁可选择照片，却舍弃精心绘制的图画。难处在于取得足够出色的绘画或素描。

　　如果要推动绘画设计这一门行业前进，必须将优秀艺术的数量增加到如同摄影照片的使用比例，或满足产业的需求。所谓成功的绘画，并不是借由模仿摄影，也不是借由其他更厉害的技术，而是透过艺术家本身更辽阔的想像力，以及更全面的技巧发挥自由，脱离仅仅只是逼真写实的摄影感，并加上更多的个人特色。企图和相机竞争是徒劳的。我们无法和相机的精准细节媲美。单就明暗与固有色而言（这个我们稍后会提到更多），我们没有什么可以增添的。但就实际的图画价值而言，依旧大有可为。

　　▌绘画最重要的价值

　　你或许可以确定，相机无法取代绘画最大的价值。我们不妨将注意力转到设计图样、不受拘束和技巧表现的自由、人物、戏剧、布局创意、「若隐若现」的边缘，不重要的变成陪衬，重要的加以强调……等等绘画的独特表现。我们要带入照相写实绘画严重欠缺的情感特质。我们要像个人笔迹不同于印刷字体一样，创造出迥异于照片的图画。如果画作中的明暗、色彩皆合理且有说服力，就能超然独立，不再需要与其他媒材竞争，没有任何东西能够阻止我们，而且从此以后大众会喜欢绘画更胜于摄影。作画时，明暗与色彩是最基本的手法，是出发的起点。明暗与色彩大多在预期之中且理所当然。而我们额外所做的努力，将决定我们能在插画领域走多远。

　　绘画本身并不难。作画有很大一部分是以正确的比例和空间配置画出轮廓。空间可以度量，而且有简单的方法及工具测量。原本围绕着轮廓的线条，或许在空间配置上本来就是正确的。你可以将之切割成方格，用眼睛测量或是投射推断，就能得到配置图。但真正的作画是诠释、挑选，以及用最多的涵义表现轮廓。有时候绘画的重点根本不是复制现实的轮廓，而是表达题材的风貌、性格，和魅力。如果画家在开始思考线条，或者思考任何一种方式去表现他想说的概念之前，都还没有将自己提升到凌驾缩图器、投射器，或其他机械装置之上，如果画家只能仰赖那些方便的辅助工具，又如何期望发挥创意？在自我表达的图画中依赖那些东西，等于坦承对自己的能力缺乏信心。画家必须明白，自己的诠释就算不是那么完全精准，也是他发挥原创性的唯一机会，胜过千千万万其他也能使用辅助工具的人。就算是一幅展现创意和一点原创性的别脚画作，也胜过一百幅临摹或投射图。

　　如果我要告诉你有关明暗的知识，一定其来有自，不会凭空捏造，任何知识都来自实务操作和实地作业。我自然会受限于自己的观点。但既然我在作品中用到的基本原理，与大部分的画家并无二致，我们距离共同的目标就不可能太远。因此，我在这里用自己的作品为例，不是为了给习画者模仿，而是用来说明成功插画必须用到的基本要素。借由展现表达的手法，而不是表达本身，我将挥洒个人特色的自由留给你。

　　▌绘画三元素：线条、色调、色彩

　　我的方法是尽可能将做为教学工具的模仿理论精简。因此，我的方法必然跟一般的美术教科书大异其趣。我们不会有早期绘画大师的范例，坦白说，他们究竟使用什么方法与程序实在不得而知。到处都能看到优秀的画作，你自己可能就有一大堆这样的档案。除非我能告诉你绘画大师究竟如何成就伟大的画作，否则这些范例无法为你的精进之路增添任何价值。我甚至不能擅自为你分析大师作品，因为你的分析说不定比我的好。方法与程序只是完整的教学基础，没有这些，就没有创造能力的机会。我甚至不敢加进当代插画家的作品，因为插画家本人更有资格发言。我也完全排除自己过去的成绩，以及用相同工具完成的作品，因为我们更感兴趣的是你将要做的，而不是我已经完成的。如果我想继续站稳脚步，只有一条康庄大道，那就是跟大家分享我的经验，无论有多少价值。你也就有机会挑选对自己有用的东西，并舍弃你不认同的东西。

　　插画艺术理当从线条开始。线条比外行人所想的重要，所以我们必须从对线条更全面的认识开始。无论是否有意识到，线条会进入图画的每个方面，扮演吃重的角色。线条是设计图样的第一个方法，在勾勒轮廓方面也是，对线条的无知，可能严重阻碍成功。所以本书将从线条开始谈起。

　　接下来是色调。色调是表现形体立体感的基础。色调也是形体在空间中显现三度空间效果的基础。要真实重现生活，不能缺乏对色调的清楚认识。线条和色调相互依存，这种关系必须详加了解。

　　在线条和色调之外，还要加上色彩。它们的关系同样密不可分，因为真实的色彩几乎完全倚赖合理的色调或明暗关系。我们也许能够只用线条画插图，而且就图画来说完全站得住脚。然而一旦超出只以线条勾勒轮廓，就要开始处理光影或色调。于是我们立刻一头栽进复杂的自然法则，因为只有靠着光线、阴影或色调，才能明显看出形体。从色调到色彩的脚步没有那么大，因为两者的关系紧密。

　　虽然我们可以理解线条、色调与色彩的基本原则，但还有更多要纳入的。这三者必须联合起来，才能达到作画的目的。另有编排布局和呈现方式，甚至比主题本身更重要。有区域及色调块状或图案的安排，以便创造一幅好的图画。为了这些目标，我们必须努力。

　　▌从「说故事」开始

　　除了技术表现手法，还有戏剧性诠释。在最后的分析中，插画家是对着生活举起一面镜子，表达自己对生活的感觉。画家或许能将一盆花画得很美，但无论如何都不能称之为插画。插画必须包含情感、我们的生活、我们做的事，以及我们的感受。因此本书特别提到「说故事」。

　　要画插画，必须创造构想。插画要深入心理学寻求基本诉求，创造出能进入观者人格特性的画面，并能激发出观者一定程度的反应。我们必须理解，构思想法也是广告绘画的基础，作品才能在这个领域找到市场，并符合特定的需求。因此，本书有部分篇幅将用在这个主题上。

　　最后，我们必须将不同的领域区分出不同的方法，配合各自的目的调整。每一个领域都有各自的基本方法，这些是成功画家必须知晓的。画户外海报是一回事，杂志广告又是另外一回事。这些重点我希望都能解释清楚。

　　还有实验与习作，对你将来的成就贡献可大可小。这种做法可确保作品的新意和进步，是别的东西赶不上的；那是将你从例行公事的陈规中提升超越，并能领先群伦的东西，那是成功的最大祕诀。

　　我搜肠刮肚找出切实可行的真理，将这些整理成所谓的「形体原理」（Form Principle）。这就是建构本书内容的全部基础。这些真理一直存在于绘画领域，未来也将继续存在。我只是尝试将它们汇集起来。那些东西出现在所有的美好艺术之中，也应该是你所有作品的一部分。它们源自于自然法则，而我相信那是这类书籍唯一的完整基础。所以我们开始往前吧。
 

解说 学习绘画，同时学习思考
 
Krenz／Freelancer，资深CG绘师，从事美术教育产业，教授透视、人体和电脑绘图上色等课程
 
大约十年前，我刚开始学习电脑绘图，接触到的第一本专业美术书籍就是路米斯的《人体素描圣经》（网路上流传的原文版），后来到画室学画，老师引用《素描的原点》里部分章节作为讲义，教授我们透视法则，而这次即将出版的《创意插画圣经》，我也曾把看不太懂的部分拿去询问老师，在我学习绘画的过程中，一路走来都是看着路米斯的系列着作研究学习的。身为一个绘画学习者，安德鲁．路米斯这个名字对我来说确实意义重大。没想到居然有一天能为路米斯的着作撰写解说，实在是受宠若惊。在此感谢大牌出版邀稿，也谢谢向出版社推荐我的简忠威老师。
 
在我看来，《素描的原点》讲解的是详细的透视法则，在迷恋光影色调前应该先学会以线条建构形体。而《画家之眼》记载了路米斯对美的看法，如何利用画家看待事物的方式去找出比例、韵律、并则归纳出画面色块，提升整体感。《人体素描圣经》如同书名所说，人体是画者一辈子的课题。那么《创意插画圣经》这本书在讨论些什么呢？
 
▌「掌握基本」才能画出与众不同
 
路米斯在本书的前言直接点明，《创意插画圣经》是针对已有相当绘画基础的读者，并非初学者取向，内容稍有难度。因此我想在这篇解说中，稍微介绍一些书中的重点与我的看法，或许可以为一些在翻阅本书时感到困惑的读者，提供一点不一样的切入点。
 
书中反覆提到「设计图样和布局」，我认为实际上就是构图的方法。路米斯在「PART1线条」的章节里，提出我们可以用线做出画面中隐藏的视觉引导，以及将物件「塞」在几何图形中的方法，其实都是提示了「线」是训练造型──轮廓控制能力的重要关键。当我们可以驾驭线条时，才能够依照画面的需求去简化物件的轮廓，使画面中出现更多直线、曲线、方形、三角形，而不是被现实的物件完全牵着鼻子走。

评分☆☆☆☆☆

拿到《创意插画圣经（二版）》的时候，我其实有点担心它会太理论化，毕竟“技法大全”这几个字听起来就有点严肃。但读了之后才发现，这本书的语言非常生动有趣，一点都不枯燥。它不像一般的教科书那样，冷冰冰地陈述理论，而是充满了艺术家的热情和智慧。作者在讲解线条、色调和色彩这些基础概念的时候，用了非常多形象的比喻和生动的例子，让我一下子就能理解那些原本可能很抽象的原理。比如，它讲到如何运用线条来表达情感，有的时候是流畅的曲线，有的时候是粗犷的断线，每一种都有不同的生命力。 最让我惊喜的是，这本书并没有拘泥于某一种特定的风格，而是鼓励读者去探索属于自己的独特表达方式。它提供的不仅仅是“怎么画好”，更是“怎么找到自己的声音”。我一直以来都想找到自己画画的“特色”，这本书给我指明了一个方向。它鼓励我去尝试不同的配色方案，去思考每一种颜色带给人的感受，并且如何通过色彩的组合来营造特定的氛围。我试着跟着书里的建议去练习，发现以前我常常忽略的色彩搭配，现在却能玩出很多意想不到的效果。感觉不只是在学画画，更是在学着如何用视觉语言和世界对话。

评分☆☆☆☆☆

我是一个喜欢研究细节的人，而《创意插画圣经（二版）》在这方面简直满足了我所有的好奇心。这本书对于“线条”的讲解，绝对是我看过最细致的。它不仅仅是告诉你线条可以粗细长短，而是深入分析了不同线条的质感、方向、速度感如何影响画面整体的表达。我之前画人物，总觉得脸部表情不够生动，看了这本书关于如何运用不同粗细和流畅度的线条来塑造表情的章节后，我豁然开朗。我尝试着用它教的方法去练习，发现人物的眼神、嘴角的弧度瞬间变得活灵活现，仿佛有了生命一样。 而且，这本书对于“色调”的运用也讲解得非常到位。它不只是告诉你RGB或者CMYK，而是讲解了如何通过明暗、冷暖的对比来营造画面的层次感和空间感。我以前画背景，总是觉得平面化，缺乏深度，看了这本书之后，我才明白原来巧妙地运用灰度变化和局部光影，就能让画面立刻产生立体感。它还给出了很多关于如何运用不同色调来烘托主题、引导视线的建议，让我画画时不再是随意地涂抹颜色，而是有目的地去构建画面。感觉这本书就像一个经验丰富的导师，一步一步地把我从一个“看山是山，看水是水”的初学者，变成了一个能“看山还是山，看水还是水”但能从中发现更多奥秘的观察者。

评分☆☆☆☆☆

真的非常推荐这本《创意插画圣经（二版）》给所有热爱插画的朋友！我之前一直认为，只要多临摹，多练习，画技自然就会提升。但是这本书让我意识到，盲目的练习不如有方向、有方法的学习。它对于“色彩”的解读，简直是颠覆了我以往的认知。我一直觉得色彩就是好看就行，但这本书让我明白，色彩背后蕴含着丰富的情感和象征意义。它详细讲解了色彩的心理学效应，以及如何根据不同的主题和想要传达的情感来选择和搭配颜色。 我特别喜欢它关于“色彩情绪”的部分，它列举了很多不同颜色的心理感受，以及在插画中如何运用这些色彩来引发观者的共鸣。比如，用暖色调来表现温暖、活力，用冷色调来表现宁静、忧郁。这让我觉得，画画不仅仅是在描绘事物，更是在传递情绪。我尝试着去运用书中的色彩搭配原则，发现我笔下的人物和场景，一下子就有了更强的感染力。它不仅是指导我怎么“画得像”，更是指导我怎么“画得有灵魂”。这本圣经级的读物，真的让我对插画有了更深层次的理解和热爱。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，《创意插画圣经（二版）》这本书，简直就是我学习插画以来遇到的“神助攻”！它不仅仅是一本工具书，更像是一本可以陪伴你成长的艺术伙伴。我特别欣赏它在“创意发想”这个环节的处理方式，它没有给出死板的模板，而是提供了一套非常灵活的思考框架。它鼓励我从生活中去寻找灵感，去观察那些容易被忽略的细节，去思考事物之间的联系。我以前画画，总是在苦苦思索“我要画什么”，而这本书则引导我思考“我想要通过这幅画传达什么”。 这本书记载的“路米斯动人心弦的绘画技法大全”，真的不是吹的。我以前总觉得自己的画缺乏“故事感”，看了这本书后，我才明白原来通过线条的走向、色彩的冷暖、光影的运用，都可以为画面注入生命，让它讲述属于自己的故事。它教我如何通过笔触的力度和速度来表现人物的动态，如何通过色彩的对比来营造画面的戏剧性。我试着运用这些技法，发现我的作品一下子就有了“呼吸感”，不再是静止的画面，而是充满了生命力的瞬间。这本书给了我太多的启发，让我觉得插画的世界真的无限可能，而我也终于找到了打开这些可能性的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

天啊！我一直以来都在寻找一本真正能把我从“只会画个大概”提升到“创作出能打动人心的作品”的插画书籍，终于让我等到这本《创意插画圣经（二版）》！当初在书店翻到它的时候，光是那个书名就够吸引人了，再加上副标题“从线条、色调、色彩到创意发想，路米斯动人心弦的绘画技法大全”，我简直激动到不行。老实说，市面上关于插画的书不少，但很多都流于表面，讲的都是一些基础的技巧，很难深入到“灵魂”层面。这本《创意插画圣经》真的不一样，它不是告诉你“怎么画”，而是引导你“为什么这么画”，以及“如何让你的画说话”。 我特别喜欢它对于“创意发想”部分的讲解。以前我画画，总是觉得灵感枯竭，有时候脑子里有一个模糊的想法，但就是不知道怎么把它落实到纸上。这本书提供了一系列非常实用的方法，从观察生活、收集素材，到如何打破思维定式、进行联想，每一步都写得非常具体，而且还有很多案例分析，让我看到别人是如何将生活中的点滴转化为独一无二的艺术作品的。它让我明白，创意不是凭空出现的，而是需要有意识地去培养和挖掘的。我甚至开始尝试用它教的方法去记录我每天看到的有趣事物，写下我的感想，感觉自己的脑洞真的被打开了，画画时也变得更有底气和方向感了。