塞尚與後印象時代:〈玩紙牌的人〉、〈沐浴者〉、〈蘋果籃〉,用顏料錶現藝術觀念,用色彩讓世界充滿夢幻

塞尚與後印象時代:〈玩紙牌的人〉、〈沐浴者〉、〈蘋果籃〉,用顏料錶現藝術觀念,用色彩讓世界充滿夢幻 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

錢芳
圖書標籤:
  • 塞尚
  • 後印象派
  • 玩紙牌的人
  • 沐浴者
  • 蘋果籃
  • 藝術史
  • 繪畫
  • 色彩
  • 夢幻
  • 現代藝術
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具體描述

現代繪畫之父╳「後印象派三傑」中評價最高者
〈玩紙牌的人〉曾創下藝術品齣售史上最高紀錄
他是繪畫革命者──保羅・塞尚

  線是不存在的,明暗也不存在,隻存在色彩之間的對比。
  物象的體積是從色調準確的相互關係中錶現齣來。

  ◎20世紀最偉大的藝術傢畢卡索曾說:「塞尚是我唯一的老師。」

  【後印象主義時代最傑齣的作品】
  ▎「人類靜物」──〈玩紙牌的人〉(The Card Players)


  透過對形狀的細心分析和對各種形式要素的微妙平衡,
  使得平凡的題材獲得崇高和莊嚴之美。

  〈玩紙牌的人〉係列作品被認為啟發瞭繪畫的立體主義,畫作簡約而富有幾何性。塞尚一嚮重視繪畫的形式美,畫上的人物和桌子皆由一片片色彩組成,色調韆變萬化。塞尚主張畫齣對象的清晰感,反對印象派中忽視素描的做法。為瞭畫麵的形式結構,他不惜犧牲真實性,經常對客觀造型有意歪麯。比如塞尚已不太在意人體解剖上的精確性,不顧比例的延長瞭模特兒的手臂。

  【用一顆蘋果徵服巴黎】
  ▎「脫節的透視效果」──〈蘋果籃〉(The Basket of Apples)


  對於塞尚來說,靜物的魅力顯然在於它所涉及的主題,
  就像風景或被畫者一樣,是可以刻畫和能夠掌握的。

  塞尚仔細地安排瞭傾斜的蘋果籃子和酒瓶,把另外一些蘋果隨意地散落在桌布形成的山峰之間,將盛有糕點的盤子放在桌子後部,垂直看也是桌子的一個頂點。在做完這些之後,他隻是看個不停,一直看到所有這些要素相互之間開始形成某種關係為止,這些關係就是最後的繪畫基礎。直到今日,當我們看這幅畫的時候,仍然難以用語言來錶達這一切微妙的東西。

  我們看到的塞尚的作品中,最常齣現的靜物就是蘋果,這與他的摯友左拉有不小關係。童年時的左拉曾用一籃蘋果感謝塞尚對他的保護,兩人的友誼自此開始。之後,塞尚就常以蘋果為繪畫主題,一畫再畫,他期望用這個最簡單的題材,實踐自己的風格創新,他甚至想用一顆蘋果徵服巴黎。

  ◎塞尚與左拉
  ──過去他曾是疲憊時的支柱,現在他是「塞尚」構成的一部分


  塞尚一生中少不瞭一個人的身影,那就是同樣在歷史上留下濃厚一筆的法國現實主義作傢埃米爾・左拉。
  
  左拉無法理解老友的繪畫,他看不到塞尚作品的真諦,卻是最早感受到塞尚創造力的人,他在塞尚憂鬱時熱情的鼓勵他,甚至近乎苛責的提醒他。他們從年少時相約一起追逐夢想,到中年漸行漸遠,最終形同陌路。

  1886年,左拉按照慣例把自己的新小說《傑作》寄給塞尚。這部小說講述瞭一個法國的三流畫傢剋勞德落魄潦倒、放蕩不羈、固執己見,最後以自殺告終的故事。塞尚認為左拉小說中「一事無成的天纔」剋勞德就是在影射自己,他的自尊心以及與左拉的友誼都受到嚴重傷害。

  看過《傑作》後,塞尚寫瞭一封答謝信給左拉,這是有史以來最短的信。在信中,塞尚將一切獻給過去,以簡短、冷淡的方式徹底嚮昔日摯友告別。

  從此以後,兩人沒有見過一次麵。

  1902年,塞尚得知左拉因為煤氣中毒而去世。塞尚一連幾天把自己關在畫室裡以淚洗麵。左拉的銅像在他們共同的傢鄉艾剋斯揭幕那天,塞尚當場失聲痛哭,所有對左拉懷有的不滿情緒隨著老友的去世消散瞭。過去左拉曾是塞尚疲憊時的支柱,而現在,左拉則成瞭塞尚本人的一部分。

本書特色

  本書介紹瞭現代繪畫之父塞尚的生平及畫作。塞尚的每一幅草圖、每一個決定,都嚮開拓繪畫世界邁進一步,同時也是嚮尋求技能、發現大自然的奧祕邁進一步。他留下的繪畫作品是藝術創作取之不盡的寶庫,他的成功是藝術史上的裏程碑,他所開創的道路通嚮瞭新世紀的現代文明!
 
好的,這是一本關於文森特·梵高生平與創作的深度剖析,聚焦於他如何在短暫的生命中,用最熾烈的色彩和最真摯的情感,重塑瞭我們看待自然與人性的方式。 --- 書名:烈火中的星辰:文森特·梵高與色彩的殉道 圖書簡介 本書並非傳統意義上的藝術傢傳記,而是一次對文森特·梵高(Vincent van Gogh)精神世界的深度潛航。我們不再將他視為一個被誤解的瘋癲天纔,而是聚焦於他如何將繪畫視為一種近乎宗教般的救贖儀式,一種與世界進行無聲對話的唯一途徑。全書以時間為經,以情感為緯,層層剝繭,揭示瞭梵高如何從一個失敗的傳教士,蛻變為定義後印象主義核心精神的色彩殉道者。 第一部:泥土的召喚與信仰的破碎(1853-1880) 此部分詳述瞭梵高早年的迷茫與掙紮。他與生俱來的強烈同情心與社會格格不入的特質,使他輾轉於藝術品經銷商、礦區布道者等多個身份之間。我們細緻考察瞭他在比利時博裏納日礦區的經曆。在這裏,他不是一個旁觀者,而是身體力行地與最底層的礦工同呼吸共命運。這種早期的道德驅動和對人類苦難的深刻體驗,為其日後的藝術創作奠定瞭沉重的現實主義基調。他的第一批素描和水彩,雖然技法生澀,卻飽含著一種近乎原始的、對勞動者形象的敬畏與悲憫。 我們將重點分析他早期創作中對黑暗色調的偏愛——那些泥土的棕色、煤灰的黑色和陰鬱的藍灰色,這不僅是技法的限製,更是他當時內心世界壓抑與痛苦的直接投射。這部分內容旨在說明,梵高藝術的爆發並非橫空齣世,而是源於對人世間“真實”的痛苦探尋。 第二部:巴黎的覺醒:光影的幾何學(1886-1888) 當梵高遷居巴黎,投奔其弟提奧時,他的藝術生命迎來瞭第一次質的飛躍。巴黎的藝術氛圍,尤其是受到印象派和點彩派的衝擊,如同一次強烈的電擊,徹底改變瞭他的視覺語言。本書將詳細對比他早期荷蘭時期的沉悶畫風與抵達巴黎後,作品中齣現的革命性變化。 我們著重探討瞭梵高如何迅速吸收並超越瞭當時的潮流。他汲取瞭德加(Degas)對動態綫條的捕捉,但拒絕瞭印象派對瞬間光影的膚淺迷戀;他研究瞭修拉(Seurat)的點彩技法,卻將其轉化為更具生命力的、充滿情感驅動的筆觸。巴黎時期,他開始嘗試運用高飽和度的原色,畫麵中齣現瞭日本浮世繪風格的平麵化處理和大膽的色彩切割。這部分將深入剖析他對色彩理論的理解,以及如何將科學的色彩組閤,轉化為錶達個人情感的工具。 第三部:南方的狂想:阿爾勒的“畫室南方”(1888-1889) 阿爾勒是梵高藝術生命中最輝煌也最悲劇性的階段。對溫暖陽光和濃烈色彩的渴望,驅使他前往法國南部。本書將以詳盡的篇幅,解析阿爾勒時期作品的核心——色彩的象徵意義與溫度。 在阿爾勒,梵高不再描繪事物本身,而是描繪他“感覺”到的事物。他將黃色提升到前所未有的地位——那不是簡單的陽光之黃,而是希望、友愛、乃至精神狂熱的化身。我們會分析他如何利用對比色(如強烈的藍紫與熾熱的橙黃)來製造視覺上的張力與心理上的震顫。 特彆地,本書會深入探討他與高更(Gauzaain)的同居生活,以及那場著名的耳朵事件。這不是簡單的精神崩潰敘事,而是兩種截然不同的藝術哲學——高更的象徵主義與梵高的錶現主義——在狹小空間內激烈碰撞、最終導緻災難性後果的縮影。我們細緻考察瞭《夜間咖啡館》中“可怕的激情”是如何通過不和諧的紅與綠的並置來錶現的。 第四部:聖雷米與奧維爾:在痛苦中尋找永恒(1889-1890) 在聖雷米精神療養院的經曆,標誌著梵高藝術進入瞭高度風格化的階段。環境的封閉並未限製他的創作,反而將其推嚮瞭更具宇宙觀和漩渦狀動態的境界。 這部分的核心是動態的筆觸和物質性的顔料。梵高不再使用平滑的筆觸,而是堆砌厚重的顔料,使畫麵具有雕塑般的質感。天空、柏樹和麥田不再是背景,而是具有生命力的、不斷起伏的能量場。我們將分析他如何將柏樹塑造成嚮上燃燒的火焰,如何將星空描繪成宇宙能量的湧動。這些作品是對生命無常和死亡必然性最深刻的冥想。 最後,本書將以他在奧維爾的最後時光作結。即使在生命的最後階段,他的畫作也充滿瞭對自然力量的敬畏,以及對生命的留戀。他用色彩證明瞭,即便是最深沉的痛苦,也能轉化為震撼人心的美學力量。 結論:色彩的殉道者 本書旨在將梵高從浪漫化的悲劇神話中解放齣來,將其置於現代藝術史的關鍵節點上。他是一位將生命力完全傾注於畫布之上的人,他並非“畫”齣色彩,而是“活”在色彩裏。他的作品是一種純粹的、不設防的真誠錶達,預示瞭二十世紀錶現主義的到來。通過對他創作曆程的細緻梳理,讀者將理解,梵高留下的,不隻是一幅幅傑作,而是一種對藝術至高無上信念的永恒見證。

著者信息

作者簡介

錢芳


  專攻藝術學,曾發錶多篇關於藝術史的文章,對「現代繪畫之父」塞尚及印象派的經典畫作進行瞭豐富、有趣的專業介紹。

林錡

  專職作者。
 

圖書目錄

代序—來赴一場藝術之約
第1章 恰同學少年
第2章 繪畫之夢
第3章 來去匆匆巴黎行
第4章 初涉畫壇
第5章 婚姻和戰爭
第6章 艱難的創作之路
第7章 與好友分道揚鑣
第8章 後印象時代
第9章 孤寂的晚年
附錄 塞尚年譜

圖書序言

  • ISBN:9786263325005
  • 規格:平裝 / 154頁 / 14.8 x 21 x 1 cm / 普通級 / 單色印刷 / 初版
  • 齣版地:颱灣

圖書試讀



來赴一場藝術之約(代序)


  繪畫是人類天生的藝術。人們從孩提時代,便懂得用簡單的線條勾勒眼中的世界。

  好花不長開,好景不長在,有人卻能用畫筆將一剎那定格成永恆;平凡的事,平凡的物,有人卻能賦予其新的生命,帶人們發現它的美好;有形的景,無形的情,有人卻能將情感揮灑成動人心魄的色彩,喚起人們深深的共鳴。

  這樣的作品,這樣的人,都是我們耳熟能詳的。它們永恆的銘刻在人類文明史上,深植入我們的頭腦,構成我們基本的常識。這套書,便是一封跨越世紀的邀請函,翻開它,來赴一場藝術之約。

  它講的是美術傢的人生,同時用人生的河流串起每一處絕妙的風景,也就是他們的作品。他們的生命從哪裡開始,他們有怎樣的傢庭、怎樣的童年、怎樣的愛情、怎樣的病痛,又怎樣成長、怎樣探索、怎樣謀生,那些偉大的作品又是在什麼情況下誕生⋯⋯你會在這裡一一找到答案。

  他們其實不是藝術聖壇上那一張張用來膜拜的畫像,而是跟我們每個人一樣,有血有肉,有哀有樂。米勒(Jean-François Millet)有一個溫暖快樂的童年;雷諾瓦(Pierre-Auguste Renoir)生瞭一個成為20世紀著名導演的兒子;高更(Eugène Henri Paul Gauguin)最先是一位從事金融業、收入豐厚的業餘畫傢;梵榖(Vincent Willem van Gogh)直到生命的最後一年纔賣齣一幅畫;畢卡索(Pablo Ruiz Picasso)情人無數,80歲時還迎娶瞭35歲的妻子;孟剋(Edvard Munch)一生在親人去世、病痛、菸酒、精神癲狂中度過,卻活到81歲高齡⋯⋯每一幅經典畫作,不再是展覽牆上的木框,而與鮮活的生命有所關聯。你能夠如此真切的感受到那些線條與色彩是由怎樣的雙手來勾勒的。

  當這許多位美術傢匯集到一起,又串起瞭一部美術史,他們是美術史上最璀璨的珍珠。每一本書都不是孤立的,而是互相呼應,他們是自己的傳記主人,同時又是其他傳記主人的背景。有時,幾位名傢同時齣現或前後承接,你會發現他們在時間和空間上竟如此相近。你彷彿徜徉在巴黎的羅浮宮,漫步在楓丹白露森林,沉浸在濃厚的藝術氛圍中。你看到他們在塞納河畔背著畫闆寫生,在學院的畫室研究著比例與筆法,在街角煙霧繚繞的酒館進行著思想的爭鳴,在為參加各種沙龍而忙著選畫、貼標籤、裝箱、布展⋯⋯

  你的美術素養不再停留在知道幾幅畫作、幾個名字上,你與藝術的連結更加緊密。你會在一場美術展覽中關注畫作的派別和技巧,你會在子女接受美術教育時找齣最經典的畫作,你會在某個地方旅行時,說齣哪位美術傢曾與你走過同一段路。

  更重要的──你會更加深刻的感受到藝術的美好。麵對安格爾(Jean Auguste Dominique Ingres)的〈泉〉(The Source),你是否為少女潔白自然的胴體而讚嘆?麵對米勒的〈晚禱〉(L'Angélus),你是否為農民的虔誠、寧靜、純潔而感動?麵對雷諾瓦的〈煎餅磨坊的舞會〉(Le Bal au Moulin de la Galette),你是否聽到陽光在樹葉的空隙中歡躍喧鬧?麵對梵榖的〈嚮日葵〉(Sunflowers),你的雙眼是否被那火焰般的明亮點燃?

林錡

 

用戶評價

评分

閱讀這本畫冊的體驗,就像是被一位老練的導遊牽著手,穿梭在塞尚那充滿實驗性的創作歷程中。比起那些流於錶麵讚美的評論,這本書更像是紮根於藝術史脈絡的細密考察。尤其對於他如何從前人(如庫爾貝或傳統古典主義)那裡繼承並轉化其視覺語言,有著非常精闢的論述。我特別注意到書中對他晚期作品中那種近乎「破碎」的筆觸的分析,這哪裡是「不完整」,分明是一種對視覺經驗的徹底解構與重建啊!那種筆觸的堆疊,讓畫麵充滿瞭張力,同時又奇異地保持著一種宏大的平衡感。這本書的文字風格非常沉穩內斂,不故作高深,卻處處見真章,讓身為颱灣讀者的我,在理解法國藝壇的複雜語境時,絲毫沒有隔閡感。它成功地將一位公認難以捉摸的藝術傢,化為清晰可感的藝術探索者。

评分

如果用一個詞來形容這本書帶給我的感受,那就是「結構的美學」。塞尚的革命性在於,他重新定義瞭繪畫的物質性與空間感。這本畫冊很巧妙地平衡瞭圖像的衝擊力與理論的嚴謹性。它沒有過分美化塞尚的生平故事,而是將重心放在他對「筆觸」的控製與「視點」的遊移上。書中對一些較少人提及的作品也有收錄,這些作品往往更能體現他從印象派走嚮結構主義的關鍵轉摺點。每一次翻到那些充滿「幾何碎形」的色塊時,我都忍不住要思考:這究竟是客觀世界的投影,還是藝術傢內在邏輯的投射?這種不斷提問的過程,正是閱讀優秀藝術書籍的樂趣所在。它激發瞭讀者不隻是「看畫」,而是要「讀懂畫」背後的思考脈絡。

评分

這本專門探討塞尚的書,展現瞭一種高度的學術品味與裝幀美學的結閤。不同於一般商業齣版物追求熱鬧,它選擇瞭一種更為內斂、更具思辨性的呈現方式。書中對色彩再現的精準度令人印象深刻,即使隔著紙張,那些厚塗的顏料層次感依然撲麵而來,讓我幾乎能感受到畫布的粗糙紋理。特別值得稱讚的是,作者對於塞尚晚年作品中那種近乎「原始衝動」的色彩運用有著獨到的見解,那是超越瞭學院派教條的自由,一種對自然色彩本質的探求。它成功地將這位畫傢從「後印象派」這個標籤中解放齣來,讓他作為一位獨立的美學先驅被重新定位。對於我們這些習慣瞭快速接收資訊的颱灣讀者來說,這本書提供瞭一個慢下來、重新審視視覺藝術根基的珍貴機會。

评分

這本關於塞尚的畫冊,光是書名就讓人感受到一股強烈的藝術氣息,它不隻是圖錄的集閤,更像是一本帶領我們走進十九世紀末藝術巨擘內心世界的深度導覽。從書中那些令人屏息的畫作來看,無論是那些著名的肖像,還是對靜物的執著描繪,都透露齣一種不妥協的、近乎科學的求真精神。作者對色彩的解構與重組,那種試圖在平麵上建立起堅實結構的努力,的確是後印象派最重要的遺產之一。我特別欣賞其中對於光影過渡那種近乎「建築學」的處理方式,它打破瞭傳統寫實主義的界限,預示瞭現代藝術的諸多可能性。翻閱著這些經典作品,我彷彿能聽到塞尚在畫布前與物體「搏鬥」的聲音,那種將自然世界的複雜性提煉為幾何基本元素的過程,充滿瞭哲學思辨的深度。書中的排版也很有質感,不會過度花俏,讓讀者能專注於藝術本身的力量,是一本值得反覆品味,每次翻閱都有新體會的藝術書籍。

评分

這本關於塞尚的圖集,最讓我震撼的是它對「形式追尋」的堅持。坦白說,在快餐文化盛行的今日,我們很少有機會如此專注地麵對一位藝術傢如何耗費畢生心力去解決一個核心問題:如何用色彩和形狀來錶達物體的永恆性。書中對於塞尚如何看待「體積感」的著墨甚多,那種試圖將三度空間壓縮到二度畫布上的執拗,簡直是藝術史上的一座豐碑。當我看到那些反覆描繪的靜物或風景時,我感受到的不是單純的「像不像」,而是「真不真」。書中對於各種版本之間的細微差異進行比對,更是讓讀者能親身參與到藝術傢自我修正的過程中。這種詳盡的考證,讓這本書遠超齣瞭普通畫冊的範疇,簡直是一部微觀的藝術史文獻,對於想要深入研究後印象派繪畫結構的同好來說,絕對是案頭必備的良器。

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