鋼琴家,醒醒來作夢!音樂個性與藝術圖像

鋼琴家,醒醒來作夢!音樂個性與藝術圖像 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

魏樂富
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具体描述

  喚醒對音樂中個性的知覺與想像力
 
  每位想喚醒藝術性能源的習樂者必讀之書!
 
  光動手指,還不足以瞭解這些音樂大師的語言。音樂的精神、內涵,只能被一個具有豐富靈性的意志吸取。
 
  「靈感」可不能只像是個 「新年新希望」,「有創作力」也完全不只是一種態度。它是一種「知識」,一種不止於意識,卻是對生命中所有事物的知識!
 
  鋼琴家嘗試著融聚二十多年來的鋼琴教學經驗,來省思教育之實質與真諦。以幽默而富實驗性的風格寫作,並加上在文學、藝術、生活上的廣博涉獵與趣事來豐潤此書。幫助讀者吸取任何能夠滋養藝術性靈感的知覺、情感、經歷,進而建立成長為一種藝術性圖象的具意識形象。
《弦音的迷宫:巴洛克时期键盘乐器的演变与演奏实践研究》 作者: [此处留空,或填入一个虚构的学者姓名,例如:阿诺德·冯·海尔岑] 出版社: [此处留空,或填入一个虚构的学术出版社名称,例如:莱茵河畔音乐学专著] 出版年份: [此处留空,或填入一个虚构年份,例如:2024年] --- 内容概要 本书深入剖析了巴洛克时期(约1600年至1750年)键盘乐器在欧洲范围内的技术革新、社会功能以及与之相伴的演奏美学。它不是对特定演奏家生平或单一作品的传记式解读,而是聚焦于乐器本体的物理特性如何塑造音乐的“声音世界”,以及当时的音乐家们是如何理解和实践“恰当的表达”。 本书的结构围绕键盘乐器的核心类型展开:羽管键琴(Harpsichord)、大键琴(Clavichord)和早期管风琴(Organ)。通过对现存乐器档案、制作师的手稿记录以及当时的音乐理论文献进行细致的考证,本书试图重建一个多维度、立体的巴洛克键盘音乐生态系统。 第一部分:乐器的物质世界与形制变迁 第一章:羽管键琴的声学肖像与地域风格差异 本章详细考察了十六世纪末至十八世纪中叶,意大利、佛兰德斯、法国和德意志地区羽管 ভ্রমণের琴在结构上的关键差异。重点分析了音板的厚度、码克(Jumper/Jack)的设计(尤其是其材料,如鹅毛、皮革或人造材料的使用)如何决定乐器的音色密度和延音特性。例如,对比了鲁克(Ruckers)家族制作的佛兰德斯双层键盘乐器如何为复调织体提供清晰的层次感,以及法国双层键盘乐器中双层琴弦的调校对装饰音的突出效果。 研究超越了对音色美学的定性描述,引入了材料科学的视角,探讨了木材的湿度敏感性如何影响音准的稳定性,以及不同地区气候条件对乐器寿命和维护方式的影响。 第二章:大键琴的私密性与情感细微差别 大键琴(Clavichord)因其独特的“切弦机制”(Bebung)而具备了前所未有的动态控制和颤音能力,这一点在本书中被提升到核心地位。本章探讨了这种机制的物理极限——弦的压力点、颤音的振幅与速度——如何被巴赫晚期的某些作品(如《哥德堡变奏曲》的某些慢速变奏)所利用。 本书强调,大键琴的使用场景与羽管键琴截然不同,它主要服务于家庭练习、私人教学以及对声音细节有极致要求的室内交流。通过分析当时的私人信件和遗嘱记录,重建了拥有和演奏大键琴的社会阶层图景。 第三章:管风琴的建筑学与神学内涵 管风琴部分则侧重于乐器作为“建筑声学延伸”的身份。本章详细梳理了中欧地区管风琴从文艺复兴晚期向巴洛克盛期演进的管道布局、风箱压力和音栓(Stop)系统的逻辑。重点分析了“普雷斯塔特”(Prestant)和“低音管”(Pedal pipes)的独立性如何为复调对位提供了坚实的低音基础。对北德意志管风琴的“连通性”(Registration)研究,展示了演奏者如何通过预先设定好的音栓组合来构建复杂的结构,而非依赖临场调整。 第二部分:演奏实践与理论基础 第四章:指法(Fingering)的密码学:从指位到表情 在没有现代指法标记的时代,演奏者如何掌握复杂的对位织体?本章深入研究了十七世纪的指法手册,特别是对“拇指藏匿”和“跨越”技巧的再现。通过对比迪克斯穆勒(Dyxmuller)和菲利普斯(Phillips)的教学法,揭示了当时对指尖力量和手腕灵活性的不同侧重。本书认为,早期的指法更多地服务于清晰度(Clarity)而非舒适度(Comfort),这直接影响了乐曲的连贯性和速度感。 第五章:装饰音的规范与即兴的边界 装饰音(Ornaments)在巴洛克音乐中并非可有可无的点缀,而是结构性的组成部分。本章引入了“装饰效率”的概念,探讨了颤音(Trill)、回音(Mordent)和倚音(Appoggiatura)在不同乐章速度和调性中的演奏时值和起始音的选择标准。通过分析库瑙(Kuhnau)和弗雷斯科巴尔迪(Frescobaldi)的文本,区分了“必需的装饰”与“风格化的即兴发挥”之间的微妙界限,强调了演奏者在既定框架内展现个性的必要性。 第六章:速度、韵律与“Affekt”的再建构 本书对巴洛克时期速度标记的理解进行了修正。它摒弃了将当时的标记(如 Adagio, Allegro)简单地等同于现代节拍器的倾向,转而关注“运动的性质”(Motus)和“情感状态”(Affekt)。通过对节拍理论中“基本节拍单位”(Tactus)的研究,重建了演奏者如何根据乐曲的内在逻辑(如赋格的主题发展或组曲的舞曲节奏)来控制整体的流动性,确保音乐能够有效地传达特定的情绪主题。 结论:技术与人文的交汇点 本书最终指出,巴洛克键盘乐器的历史并非线性的进步史,而是一系列技术选择和审美偏好的复杂交织。了解羽管键琴的结构、大键琴的敏感性以及管风琴的宏大,是理解巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂等作曲家如何在其工具的物理限制中,发掘出无穷无尽的音乐可能性的关键。本书旨在为演奏者、音乐学家以及乐器修复师提供一个坚实的理论和实践基础,去聆听那个时代独有的、充满精确而又富有激情的“弦音迷宫”。 --- 关键词: 羽管键琴、大键琴、巴洛克音乐、键盘乐器构造、演奏实践、装饰音、指法、音乐美学、音栓系统。

著者信息

作者簡介
 
音樂家/魏樂富
 
  畢業於德國漢諾威音樂院(Staatliche Hochschule für Musik Hannover), 1987年獲紐約曼哈頓音樂學院(Manhattan School of Music, New York)鋼琴演奏博士學位。
 
  目前執教於國立臺北藝術大學,曾任教於東吳大學及國立臺灣師範大學,為1990 年國家文藝獎得主,是第一位獲此殊榮之外籍人士。
 
  2010 年榮獲金曲獎最佳古典音樂專輯獎、最佳演奏獎,並獲外交部睦誼獎章。2020 年為金曲獎最佳作曲人獎。
 
  多張錄音作品於Philips 與Universal 國際品牌出版,並出版多冊音樂及文學創作,在教學上亦有極大成就,學生們多就讀於國內外頂尖學府,獲國際鋼琴比賽大獎,任教於國內外音樂院校,並在音樂的各種領域中發光發熱。2018 年為首位藝文界人士依功勛歸化中華民國國籍,希望對台灣樂壇有所貢獻。
 
譯者簡介
 
葉綠娜
 
  自1978 年起任教國立臺灣師範大學,畢業於奧地利薩爾茲堡莫札特音樂大學及德國漢諾威音樂院。曾在普雷特涅夫和卡羅‧ 龐帝的指揮下,二度與俄羅斯國家管絃樂團合作。
 
  由於葉綠娜與魏樂富在雙鋼琴演奏的傑出表現,1990年共同獲頒國家文藝獎。1996 年起擔任台北愛樂電台「黑白雙人舞」節目主持人。2010 年《雙鋼琴30 禮讚》專輯獲金曲獎傳統暨藝術音樂類最佳演奏獎及外交部睦誼獎章;2013 年《在野的紅薔薇:郭芝苑鋼琴獨奏曲集》獲金曲獎傳統暨藝術音樂類最佳專輯製作人獎。2015 年獲教育部頒發傑出藝術教育優良教師獎。
 
  曾經翻譯許多國內外音樂著作,如《西洋音樂百科全書》中文國際版部分文章,及莫札特《提琴教學之根本探索》等。

图书目录

再版前言 
再版譯者序
初版前言 
 
藝術的圖像
I. 楔子 
教授(與學生)
老師們 
II. 醒來做夢 
靈感
想像力與圖像
III. 此章有關什麼? 
好奇心 
感應力 
藝術的知覺 
藝術的經驗 
IV. 藝術的圖像 
個性 
有意識的感覺 
觀察力 
反思 
在音樂中的個性
V. 音樂中個性的識別 
這是音樂─但對我的耳朵卻不是 
演奏 
音樂裡個性的識別 
實驗
個性中的深度 
VI. 演奏 
以外形為媒介 
投射

图书序言

  • ISBN:9786263178397
  • 規格:精裝 / 184頁 / 14.8 x 21 x 1.8 cm / 普通級 / 單色印刷 / 初版
  • 出版地:台灣

图书试读

再版前言
 
  學音樂的人,必須找出自己對某種美妙景象、情緒全然感動,忘卻自我的時刻,再把這種感受引申到藝術創作或「再創作」上。這些美感經驗可來自大自然中各種生命現象,乃至其它類型的藝術。音樂只是藝術想像中的一部分,學音樂的人尤其是演奏者,只有時時刻刻對生命中各種景象的深刻感受引申成為藝術上的音樂表情,才能「再創造」音樂的表現內涵,奏出有著「個人風格」的音樂。
 
魏樂富
 
再版譯者序
 
  《鋼琴家:醒來做夢!》起始於1998 年,在24 年後的2022 年,感謝五南出版社張毓芬女士之「喚醒」,及大呂出版社鐘麗慧女士的無私授權,讓沉睡中的《鋼琴家,醒醒來做夢!》得以新面貌再跟大家見面。1998 年的版本為中英對照,2022 年版則將中文、英文分開出版。
 
  原文書名標題[Pianist : Wake Up and Dream !]一開始就帶來疑問,鋼琴家為何需要「醒醒」?為何又要「作夢」?
 
  作者四十餘年的教學經驗,有感而發,希望喚醒激發「沈睡無意識」的習樂者,面對音樂「具 有意識」,充滿好奇心,隨時質疑,找出作品中作曲家寫出的音樂個性,並「作夢」,然而這夢可不是渾沌的,而是充滿想像與靈感。
 
  如果音樂作品如人類生命,那麼書中所引用俄國大文豪托爾斯泰(Tolstoy)對人類生命之看法,也可換成對音樂作品的見解:「假使我們承認人類的生命(音樂)只能以理智來駕馭的話,那麼生命(音樂)的可能性就被毀滅了。」
 
  這是一本另類的「音樂教本」!從自身學習,練琴至演出,實際教學的經驗與領悟,作者以德國式的哲思邏輯、辯證風格、充滿趣味之筆調,從日常生活中找到比喻,以問答方式,有時自問自答,有時對著讀者發問並回答,試圖說明音樂中「藝術性」、「個性」、「想像力」成形之過程。
 
  作者在此書中,並未提一般鋼琴練習之指引,彈鋼琴不只是摹仿,不只動手指。而是希望引發讀者能感受生活中每一時刻,並隨時質疑:「最終的真理代表著發展的終點嗎?」
 
  「『知識』有時會如思想上的短暫阻塞,只是一種隨時得『被清除』、『被修改』的殘餘物,如果無法確保問題的永恆流暢。」
 
  相隔24 年再看此書,「激發靈感」,「以生動靈活的反思讓習樂者找到音樂作品中的真正個性」,仍然是音樂教學中最難達到的境界。希望讀者閱讀此書後,真能被喚醒—醒來—然後「做夢」!
 
葉綠娜
 
初版前言
 
  我確信,諸位所期待有關鋼琴演奏(或是鋼琴教學)的書,是呈獻諸多良善建議,諸如:
 
  ‧ 每天得練三小時又五十分的琴。
  ‧ 練琴時要聽、注意聽、注意聽!
  ‧ 及早建立你的技巧!
  ‧ 早早上床!
  ‧ 當與你的經紀人會面時一定得微笑!
 
  至少,我確信您一定希望能在書中找到一些有關指法和手臂運轉上的建議。
 
  恐怕我真要讓您大失所望。至少在拙作的第一章中,我隻字未提如此「俗氣」的問題。取而代之,卻一開始就選擇了談論藝術性、個性和想像力。
 
  通常,大家都以為鋼琴家,或是任何音樂演奏者,首先必須面對的是對音符穩固地掌控。抽象的構思,有如個性,或藝術性的圖像,則是能夠在考試前兩天,才由老師來添加進去的—「您想在湯裡加一些胡椒粉嗎?先生。」(難道藝術性圖像的作用就只像湯裡的胡椒粉嗎?)
 
  我正巧無法同意如此觀念。我們與音樂之間的羅曼史應非僅如一場相親安排的婚姻結果,我們不應吞食藝術如維他命丸,並抱著虛榮而幼稚的信念,以為如此將有助於我們的健康、事業,甚至視此為盡孝道的實效展現。
 
  「如果我們承認人類的生命是能以理智來駕馭的話,那麼,生命的可能性就被毀滅了。」—里奧‧ 托爾斯泰(Leo Tolstory)
 
  我們最主要的關切應在藝術本身,身為藝術家,我們應為靈感而飢渴,就如樹根為水而飢渴似的。我們的注意力應如那些樹根,隨處建立觸鬚的網絡,來誘發任何能夠到手的養分。藝術是覺醒。
 
  只是樹根仍非整棵樹(雖然中文稱樹根為「樹頭」)。養分仍然得被消化、發展、密集、濃縮、集中,然後才經由枝幹來傳送至枝葉。沒有一棵樹是沒有枝幹的。藝術是精聚。
 
  而最終,我們必須將藝術的訊息分枝而散播開,在某方面看來,枝幹的網絡是根形的鏡子影像。藝術是一種投射。
 
  然而,藝術性的真理全然只是過程,對樹根的真理顯然有別於對樹枝的真理,就如藝術家在構思的範疇中與正在靈悟中的藝術家是相互矛盾的。貝多芬的知覺絕對是超凡的!然而有時,當他正埋首工作時,經常長達數小時,完全忽視學生的存在(如此的行為,在今天足以讓這位老師被開除了。)
 
  「留意每件事情!」「不能不專注!」這兩個忠告都是正確的—但兩者也都是錯誤的。「激發靈感時,應注意每件事;而構思時,卻不應被擾亂。」
 
  最後,在投射的行動中,我們不應將自己假裝成卑微的學徒。一場無骨幹的演出是無法讓人信服的,我們對自己的權威不應羞怯,我們可以愛或恨我們的觀眾。但我們絕不該取悅他們。
 
  「藝術家是獨自生活的,當境遇將他擲入社會正中心時,雖然身處吵雜不安中,他仍會在靈魂間創造出一個無法穿透,沒有任何人類聲音能夠突破的孤寂。虛榮、野心、貪婪和私情,所有人類激動的強烈情感都會停留在他所繪,圍繞在他理想的神奇圓周之外。在那裡,如置身於神殿內,他默思,敬拜全部生命所欲探尋再生的理想。在那裡,他能擬想,從未呈現在眼前過,宛如春日光澤中最絢麗的花朵;神聖而難以置信的形狀和色彩。在那裡,他聽得見永恆而諧和樂音的聲韻,調節著宇宙。而所有創造物之聲,都將在一場美妙音樂會中為他結合。而後,一陣燃燒的狂熱攫取了他,他的血液奔騰,穿流過靜脈前行,數千個強烈構思填滿於腦中,唯有藝術的神聖勞役才得將他從此解脫。他感到自己以一種無名的苦痛而犧牲;一股未知的力量召喚著,期以語言、色彩或是聲音顯像,那個占據了他的理想,強制著他去忍受一種慾望的飢渴,一種占有的狂暴,好似無人曾經對此目標有過如此俗世的強烈情感。然而他的創作一旦完成—一個可能是全世界都狂熱激賞的作品—他仍然只會局部滿意,仍然無法滿足,假使沒有一個新的圖像出現,將他的目光從已經完成的作品,轉移至極樂,而且苦痛的狂喜中,他甚至可能摧毀此作品。也因此,他的生命回歸到一個無法完成目標的永恆追逐,而心志無止境的努力,則提升到實現,一些當他與永恆,無烏雲之美邂逅的奇特時光中所孕育出的事物。」—法蘭茲‧ 李斯特(Franz Liszt)
 
魏樂富

用户评价

评分

整本書讀下來,給我的感受就像是經歷了一場漫長的、層層遞進的感官盛宴。作者的文字結構非常講究,你會發現,當你在閱讀關於強烈、爆發性音樂主題的章節時,句子結構會變得短促有力,充滿了切分音的韻律感;而當探討到內省、冥想性的樂段時,文字則變得綿長、流暢,彷彿是慢板的長笛獨奏。這種「文學的模仿」(Mimesis)手法運用得爐火純青,讓我光是用眼睛「看」文字,就能感受到不同音樂層次的起伏變化。更讓我驚喜的是,作者在書中穿插了許多關於特定歷史時期藝術氛圍的描述,那種對時代精神的精準捕捉,讓人感覺自己彷彿真的搭乘時光機,親臨了巴洛克時期的華麗,或是浪漫主義時期的憂鬱氛圍中。這不是枯燥的歷史回顧,而是將歷史的脈絡視為一種情感的載體,讓冰冷的年代數據,重新被賦予了溫度和人性。這本書的結構本身,就是一件精緻的藝術品。

评分

我得說,這本書的節奏掌握得非常高明,它並不是那種線性敘事的書籍,你不需要按照順序,每一個章節都像是一個獨立的音樂片段,可以隨機抽取閱讀,卻又奇妙地組合成一幅完整的拼圖。我最欣賞的是作者對於「聆聽」這件事的重新定義。在現今這個資訊爆炸、背景噪音無所不在的時代,我們似乎都忘了如何真正地「聽見」。書中提到一種「全景式聆聽法」,不是指音響設備的多麼發達,而是指用心去捕捉空間中聲音的流動、樂器間的呼吸,甚至是沉默本身的力量。這對我這個生活在都市叢林裡的人來說,簡直是當頭棒喝。我開始嘗試在通勤時關掉手機,只是專注於周遭的聲響,赫然發現,原來世界的配樂遠比我過去想像的要豐富和細膩得多。這種由內而外的覺醒,是這本書帶給我最實際的改變,它讓我從一個被動的消費者,轉變為一個主動的聲音探險家。它沒有提供具體的練習曲,卻提供了一種全新的感知世界的視角。

评分

老實講,這本書的文字風格實在是太獨樹一幟了,有點像在讀一本散文詩集,又有點像是某位藝術家的私房日記。我特別喜歡它在探討「藝術圖像」這個區塊時,那種遊走在寫實與超現實之間的筆法。作者似乎不急著給你一個標準答案,而是拋出更多引人深思的問題,像是「當我們說愛上某段旋律時,我們愛上的究竟是聲音的結構,還是那個旋律在我們生命中投下的光影?」這種哲學思辨的深度,在市面上許多輕薄的音樂賞析書籍中是難得一見的。我記得有段描寫某位作曲家如何將夢境中的色彩轉化為和聲,那個段落我足足讀了三遍,才勉強捕捉到那種神祕的氛圍。它並沒有試圖把我變成一個音樂學專家,而是讓我這個業餘愛好者,更勇敢地去承認自己欣賞藝術時那種非理性的、完全依賴直覺的衝動。這本書的「醒醒來作夢」這個副標題,簡直是為全書做了最精準的註解:它要求你放下理智的束縛,卻又用最清晰的語言引領你進入夢境。對於那些追求心靈層面共鳴的讀者來說,這絕對是一帖強心針。

评分

這本書的封面設計,就已經把我深深地吸住了,那種帶點迷幻又充滿古典氣息的視覺風格,讓人忍不住想一探究竟。坦白說,一開始我對「音樂個性」這個主題是抱著一點點懷疑的,畢竟將抽象的音樂體驗跟具體的「個性」連結起來,聽起來有點太過簡化。然而,隨著閱讀的深入,我發現作者並非僅僅是做些生硬的分類,而是透過非常細膩的筆觸,將不同音樂類型所蘊含的情感基調,巧妙地與人類常見的行為模式和心理狀態連結起來。書中那些關於不同樂器演奏者之間微妙的互動描寫,簡直就像是看一齣無聲的戲碼,每一個音符的起落,都藏著角色之間深層的拉扯與和解。我尤其欣賞作者在描述那些「非主流」音樂愛好者時所展現的同理心,那種不帶批判、純粹欣賞的態度,讓人感覺作者真的走進了每個音樂靈魂的深處,而不是站在高處俯瞰。這本書不只是一本工具書,更像是一場心靈的對話,引導讀者重新審視自己與旋律之間,那種既親密又疏離的複雜關係。讀完後,我再去聽古典樂時,總覺得多了那麼一層「看見」的深度,彷彿每個音符背後都有一個鮮活的形象在呼應著。

评分

要說這本書的獨特之處,我想那就是它對「藝術圖像」的探討,完全跳脫了傳統美學的框架。它並沒有去分析那些耳熟能詳的名畫或雕塑,而是著重於聲音是如何在我們的腦海中「建構」出那些虛擬的、只存在於聽覺經驗中的畫面。作者提出了一個很有趣的觀點:每個人的「音樂圖像庫」都是獨一無二的,一段薩克斯風的獨奏,對某些人可能是陰雨綿綿的街角咖啡店,對另一些人可能就是夕陽下的廣闊草原。這種高度個人化的詮釋空間,極大地解放了讀者的想像力。我發現,在閱讀的過程中,我自己的回憶也被不斷地激發出來,那些塵封已久的場景,因為某個特定的和弦走向而被重新喚醒。這本書沒有標準答案,它存在的目的,就是鼓勵你——讀者——去成為自己生命樂章的首席策展人。它巧妙地避開了所有學院派的術語陷阱,用最直觀、最詩意的方式,告訴我們:音樂的意義,永遠在聆聽者的心裡,而不是樂譜的紙上。

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