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いちむらまさき

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音樂理論的進階探索：超越基礎的聲音建構 這套精心編排的圖書系列，旨在引領讀者從扎實的基礎理論出發，深入探索音樂結構的複雜性與無限可能。我們聚焦於傳統和聲學、對位法（Counterpoint）、曲式分析（Form and Analysis）以及二十世紀至今的現代音樂語法，為音樂學習者、創作者和資深樂迷提供一套全面且極具深度的參考體系。 本套書系並非著重於流行音樂的即時應用或快速入門，而是深入剖析音樂作為一門學科的歷史脈絡、嚴謹邏輯與內在規律。我們的目標是培養讀者對於音響現象的敏銳聽辨能力以及結構化的思維模式，從而能夠更有效地進行音樂的創作、解讀與評論。 --- 第一卷：嚴謹的和聲架構——古典與浪漫主義和聲的深度解構 本卷將徹底拋開簡化的和弦級數表，轉而探討功能和聲學（Functional Harmony）的精髓。內容從基礎的三和弦、七和弦的嚴謹構造出發，迅速推進至擴展和弦（Extended Chords），如九和弦、十一和弦及十三和弦的實際功能與替代用法。 調性系統的完整分析： 詳細闡述大小調的結構差異，特別是調性中心（Tonic）的建立與鞏固，以及如何透過和聲語言來營造穩定感或不穩定感。 轉調的藝術： 深入分析平行調轉調、關係調轉調、半音階轉調等技法，探討轉調和弦（Pivot Chords）的選擇標準與情感效果。 裝飾音與不和諧音程的處理： 區分準備、經過、倚留等不同類型的非和弦音，並闡述它們在巴赫時代至晚期浪漫主義作品中的規範與突破。重點分析李斯特、華格納在和聲邊緣的實驗性運用，如何預示了調性的瓦解。 通奏低音的思維重建： 透過數字低音的實例分析，重建演奏者在即興伴奏時的思維流程，強調低音線條與上聲部之間的邏輯聯繫。 第二卷：線條的交織藝術——復調音樂的邏輯與實踐 本卷是專門為希望掌握音樂中最古老、最嚴謹的創作技法——對位法的讀者所設計。我們將嚴格遵循古典對位法的教學體系，強調聲音的獨立性、線條的流暢性及邏輯的連貫性。 兩聲部對位（Species Counterpoint）： 詳盡解析福雷斯蒂的五種對位法，從最基礎的音對音（Note-Against-Note）開始，逐步過渡到複雜的節奏變化。每一種對位法都將配以大量的樂譜範例，並分析其在文藝復興時期（如帕萊斯特里納）的實際應用。 三聲部及以上對位： 探討在多聲部織體中，如何維持各聲部的旋律完整性，同時確保和聲的邏輯一致性。重點訓練讀者在多個獨立旋律線之間切換聆聽焦點的能力。 賦格曲的結構分析： 深入剖析賦格曲的各個組成部分，包括呈示部（Exposition）、間插部（Episodes）、中入（Middle Entry）的構造。分析主題（Subject）、對題（Countersubject）的設計與發展，理解巴赫作品中嚴謹的數學美感。 對位法在後世的應用： 討論德布西、拉威爾等印象派作曲家如何巧妙地將對位思想融入他們更自由的和聲語言中，展現對位法並非僅是古老技法，而是聲音組織的基礎邏輯。 第三卷：建築的藍圖——曲式分析與宏觀結構 音樂的偉大之處不僅在於瞬間的和聲美感，更在於其宏觀結構的平衡與推進。本卷專注於如何「看見」音樂的骨架，理解作曲家如何組織數分鐘乃至數十分鐘的聽覺材料。 小型曲式詳解： 系統性拆解三段體（Ternary Form）、復三段體（Compound Ternary）、迴旋曲式（Rondo Form）的各種變體，探討它們在奏鳴曲樂章之前的雛形發展。 奏鳴曲式（Sonata Form）的極致研究： 不僅描述呈示部（Exposition）、發展部（Development）、再現部（Recapitulation）的標準流程，更側重於分析主題呈示、動機的發展與轉化、以及終結部（Coda）在不同作曲家（海頓、莫扎特、貝多芬）手中的風格差異與結構創新。 變奏曲的類型學： 區分固定低音變奏（如帕薩卡利亞與恰空）與主題變奏，分析如何透過節奏、和聲、織體、調性等不同維度對原始材料進行「變異」和「重塑」。 交響曲與協奏曲的樂章佈局： 結合前述曲式知識，分析大型器樂作品的整體規劃，理解樂章之間在速度、調性、情緒上的對比與統一性。 第四卷：跨越邊界——二十世紀及以後的音樂語法 當調性系統在浪漫主義晚期達到極致後，音樂迎來了劇烈的變革。本卷將帶領讀者穿越這個複雜且充滿實驗性的時代，理解新語法的誕生邏輯。 調性瓦解與無調性音樂（Atonality）： 分析後華格納時代的和聲危機，探討自由無調性的出現背景，以及如何運用集合音高概念（Pitch Class Set Theory）來組織無調性材料。 十二音技法（Twelve-Tone Technique）： 詳盡解析席恩伯格（Schoenberg）的序列音樂原理，包括音列的建立、各種轉換（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion）的操作規則，以及如何從嚴苛的序列規則中創造出可聽的音樂。 序列主義（Serialism）的擴展： 探討布列茲（Boulez）等人將序列概念擴展至節奏、力度、音色等維度的嘗試，理解「全面序列化」的理論構想。 其他現代流派的語法： 介紹新古典主義（Neoclassicism）對巴赫與莫扎特風格的重審視；機率音樂（Aleatoric Music）中「不確定性」在結構中的角色；以及極簡主義（Minimalism）中，透過重複與細微變化來構建時間感和空間感的獨特方式。 本套書系要求讀者具備基本的樂譜閱讀能力和基礎的音樂術語知識，致力於提供一個從「如何寫」到「為何如此寫」的完整認知閉環。它不是一本讓你學會彈奏流行歌曲的和弦進行手冊，而是一份深入剖析聲音藝術的結構學、歷史學與哲學的綜合指南。

评分☆☆☆☆☆

閱讀體驗上，這套書的設計真的讓人讚賞。我買過那種厚到可以當枕頭的樂理書，光是搬動和翻閱就覺得是個負擔，更別提裡面圖文混排得一塌糊塗，根本不知道重點在哪裡。這套書的編排非常「乾淨俐落」，每一頁的資訊量都控制得很好，重點資訊會用粗體或顏色標註出來，讓你的目光能立刻聚焦在核心概念上。我特別有感觸的是它在解釋「配器法」時的精準度。雖然它不是專門的配器教科書，但它能用最簡潔的文字告訴你不同樂器組別在不同音域時的特性，以及如何避免聲音互相打架，這一點對於想自己編曲或錄Demo的同好來說，簡直是無價之寶。我立刻就拿書裡的建議去調整了我自己寫的一首曲子，原本覺得聽起來很「糊」的部分，只是調整了兩個樂器的音域交疊，整個聲音的清晰度和空間感就出來了，這種立竿見影的效果，真的讓人忍不住一直想往下翻。

评分☆☆☆☆☆

坦白講，台灣市面上的音樂學習資源很多，但能做到真正「接地氣」的少之又少。很多教材都是翻譯自歐美的版本，雖然內容正確，但舉例的歌曲都是歐美老歌，跟我平常聽的華語或日韓流行樂總是有點隔閡，學習動力自然就打折扣。這套書的優勢就在於它完全是以我們東亞聽眾的音樂品味為出發點設計的。它會直接點出某些日系搖滾樂團常用的轉調手法，或是港台流行情歌中，哪幾個和弦解決方式最能催人淚下。這種「對症下藥」的教學方式，大大降低了學習的門檻和心理負擔。而且，書中對於「情感表達」和「技巧應用」之間的平衡拿捏得非常好。它不只是教你「怎麼做」，更引導你去思考「為什麼這個和弦能表達出失落感」，讓我從一個只會模仿的和弦機器人，開始學會用音樂語言來「說話」。這對我這種半路出家的音樂愛好者來說，簡直是醍醐灌頂。

评分☆☆☆☆☆

這套書真的是讓我在音樂學習的路上豁然開朗，尤其對於我這種本來對樂理一竅不通的初學者來說，簡直是救星！我之前試過好幾本號稱是給初學者的教材，結果內容都寫得超級學術，一堆艱澀的名詞轟炸下來，看得我頭都暈了，最後只好束之高閣。但是這本《流行調滾音樂理論》完全不一樣，它的切入點非常貼近生活，像是用說故事的方式在跟你解釋什麼是和弦進行，什麼是調性轉換，完全不會讓你覺得枯燥。書裡面很多例子都是從我們平常聽的流行歌曲裡面抓出來的，這樣一來，當你學到一個新的概念時，馬上就能在腦海中連結到你熟悉的旋律，理解速度快了不只兩倍。而且它的排版設計也很用心，不會把整頁塞滿密密麻麻的文字，留白很多，搭配清晰的圖表和線條圖，讓人閱讀起來非常舒服，長時間看也不容易疲勞。我特別喜歡它介紹「色彩和聲」那一部分，之前總覺得那些聽起來很「花」的進行很難掌握，這本書卻能用很直觀的方式拆解它們的構成，讓我現在自己嘗試編配時，思路也變得更開闊了。總之，如果你是想從零開始，又不想被傳統學院派的樂理嚇跑的人，這套書絕對是首選。

评分☆☆☆☆☆

說實話，我對「超音樂理論」這種標題本來有點保留的，總覺得這類書籍多半是故弄玄虛，內容空泛，不然就是硬要扯一些深奧的哲學概念來包裝。但這套書的「超」字，用在我看來，更貼切的解釋是「超越傳統框架的實用性」。它並沒有一開始就丟給你一堆複雜的數學公式或者歷史淵源，而是非常務實地從「如何讓你的音樂聽起來更專業、更有層次感」這個角度出發。我記得有一章節在講「節奏的張力與釋放」，這在很多教材裡都是一筆帶過，但這裡卻用了大量的實際案例來解析，不管是搖滾樂的重音錯位，還是爵士樂裡那些看似隨性卻精準的切分，作者都把它們拆解得非常透徹。更棒的是，它鼓勵你思考「為什麼」要這樣寫，而不只是「怎麼」寫。我常常在練習吉他時，覺得自己的和弦轉換總是很生硬，換了和弦後旋律銜接不上，讀完這部分後，我才意識到原來是自己對每個和弦的功能性理解不夠深入。這套書的深度絕對是經得起考驗的，它讓你從一個演奏者，慢慢轉化成一個能主動建構聲音世界的創作者，那種成就感是無可取代的。

评分☆☆☆☆☆

我最欣賞這套書的地方，在於它對「樂理的實戰應用」的重視程度，遠遠超過了理論的紙上談兵。很多樂理書學完之後，你還是不知道怎麼把它用到實際創作中，感覺就像學會了一堆外語單字卻不會造句。但這套書，特別是後面的進階部分，非常強調「反向工程」的思維。它會讓你分析一首你超愛的歌，然後一步步帶你拆解出作曲者是如何構築起它的骨架，再填入血肉。這個過程，其實就是一個非常高效的作曲訓練。我發現自己開始在聽音樂時，耳朵會自動去辨識調性變化、和弦的內聲部走向，甚至連鼓組的切分都變得有跡可循。這已經不是單純的「學樂理」了，而是養成了一種「音樂的觀察者」的視角。這種視角的轉換，對於想擺脫「永遠在找樂譜」的依賴，真正獨立思考音樂結構的人來說，是極為寶貴的訓練。如果你只是想簡單學幾個和弦彈唱，或許這套書對你來說會有點「過重」，但如果你立志要深入探究音樂的奧秘，這絕對是一套值得你投入時間去細細品味的珍品。