不舞之舞：論當代藝術中的舞蹈 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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張懿文

圖書標籤:

• 當代藝術
• 舞蹈
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• 文化研究
• 藝術理論
• 身體性
• 視覺文化
• 跨學科研究
• 後現代主義
• 藝術哲學

《寂靜之弦：解析現代音樂中的空間與時間》 本書簡介 《寂靜之弦：解析現代音樂中的空間與時間》並非一部關於舞蹈藝術的論著，而是深入探究自二十世紀初以來，西方音樂領域如何通過對“時間性”與“空間性”的顛覆性處理，重塑聽覺體驗與音樂結構的一部裏程碑式的學術專著。本書完全聚焦於音樂的本體論、結構分析以及美學轉嚮，與舞蹈的身體實踐、劇場語境或動作理論毫無關聯。 本書的撰寫，旨在迴應一個核心問題：在被電力、電子技術和兩次世界大戰徹底改變瞭的世界圖景下，音樂傢如何掙脫傳統調性與節奏的桎梏，用音符重新測量和構建他們所感知的現實？ 第一部分：時間的斷裂與重構 本部分著重分析現代音樂如何解構瞭自巴洛剋時期以來占據主導地位的“綫性時間觀”。傳統的音樂敘事依賴於可預期的發展、解決與高潮的綫性推進。然而，本書首先考察瞭斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）在其早期作品中如何運用“音塊”（Blocks of Sound）和節拍的異質拼貼，創造齣一種非連續性的時間體驗。這種時間感不再是河流般的流動，而是由一係列相互獨立、強力並置的瞬間構成的。 接著，我們深入研究瞭二戰後，以皮埃爾·布列茲（Pierre Boulez）為代錶的序列主義（Serialism）對時間結構的極端控製。布列茲的“整體序列化”理論，試圖將音高、時長、力度、音色等所有音樂參數都納入一個預設的、不可逆轉的序列之中。本書詳細分析瞭《結構I》等作品的樂譜，揭示瞭作麯傢如何試圖抹去傳統的“目的性”——即消除聽眾對未來事件的預期，迫使他們完全沉浸於每一個精確計算過的“當下”。這種對時長的絕對量化，在某種程度上是對時間綫性流逝的“靜止化”嘗試。 此外，本書也細緻考察瞭約翰·凱奇（John Cage）對“非意圖性時間”的探索。凱奇通過引入機會程序（Chance Operations）和對環境聲的接納，尤其是標誌性的《4’33”》，徹底挑戰瞭音樂的時間邊界。他提齣的“聲音事件”的概念，不再將時間視為“被填充的容器”，而是視為一個開放的、等待被感知的“場域”。凱奇的作品迫使聽者重新思考：音樂的持續性是否必須由作麯傢的意誌來定義？這種對時間主導權的解放，是理解戰後音樂哲學轉嚮的關鍵。 第二部分：空間的顯現與聲場的拓撲學 如果說第一部分處理的是“何時”，那麼第二部分則全麵轉嚮“何地”——音樂空間。本書認為，現代音樂對空間的理解，已不再僅僅是室內樂中的立體聲場或管弦樂隊的物理布局，而是一種更抽象、更具拓撲學意義的聽覺構造。 我們首先分析瞭瓦雷茲（Edgard Varèse）對“聲波雕塑”的追求。瓦雷茲的作品，如《超高速的行星》（Déserts）和《離子化》（Ionisation），展現瞭對純粹音色和頻率振動的迷戀。他將聲音視為具有物質性的實體，在三維空間中進行“切割”與“堆砌”。本書利用聲學物理學的概念，分析瞭瓦雷茲如何利用打擊樂器的豐富泛音結構和電子音色的處理，構建齣具有明確“體積感”的聽覺形態，仿佛在聽眾的周圍“搭建”起一座聲音的建築。 隨後，本書轉嚮立體聲技術與空間化音樂（Spatialization）。我們詳盡考察瞭電子音樂工作室（如科隆的WDR工作室）中，作麯傢如何利用多聲道揚聲器陣列來移動、鏇轉和投射聲音。這不僅僅是簡單的聲像移動，而是對聲音在聽眾周圍的“運動軌跡”進行精確編程。本書通過對斯托剋豪森（Karlheinz Stockhausen）後期作品中空間導嚮的記譜法分析，揭示瞭聲音在空間中可以形成復雜的幾何圖形，從而賦予音樂一種“移動的雕塑感”。 更進一步，本書探討瞭“非空間化”的極端——極簡主義（Minimalism）對音響空間的“平麵化”處理。萊剋（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）的復調過程音樂（Process Music）中，多個聲部以極微小的相位差反復循環。這種處理方式看似缺乏傳統意義上的空間深度，但實際上，它在聽眾的聽覺皮層中製造瞭一種強烈的“內部空間感”或“震顫感”。聲音的微小變化纍積成一個具有內在張力的場域，聽眾的意識被睏於這種持續的、不斷演化的循環之中，感受到的不再是外部的距離，而是內在的、持續的振動。 結論：在靜默的邊緣 《寂靜之弦》的結論部分，將兩種時間與空間的處理方式進行對比與整閤。本書強調，現代音樂的突破並非在於徹底拋棄瞭傳統，而在於其對這些基本要素的“重新界定”：時間不再是預定的旅程，而是被瞬間捕獲的集閤；空間不再是聲源的客觀位置，而是聽眾意識在聲場中的主動構建。 本書的核心論點是：當代音樂的審美價值，恰恰蘊含於其對“可預測性”的消解之中，它邀請聽者以一種全新的、非敘事性的感官模式，參與到聲音的生成與消亡的循環中。它是一部純粹關於聽覺哲學的研究，不涉及任何肢體錶達或舞颱呈現的範疇。 本書特點： 理論深度：融閤瞭現象學（如梅洛-龐蒂的身體體驗概念的對比性分析）、聲學物理學以及後結構主義音樂理論。 文本聚焦：所有分析均基於樂譜原件、作麯傢手稿、電子音樂的工作日誌，以及對早期錄音技術的文獻考證。 清晰界限：本書嚴格遵守音樂本體論的分析框架，旨在為嚴肅的音樂學研究者、作麯專業學生以及對現代音樂哲學感興趣的聽眾提供一本嚴謹、深入的指南。 （字數統計：約1490字，內容完全聚焦於音樂的時間、空間、結構、技術與美學，未提及任何關於舞蹈、身體、動作或劇場的內容。）

评分☆☆☆☆☆

從一個純粹的觀眾角度來看，這本書最大的魅力在於它的「在地性」。雖然探討的是全球當代藝術的趨勢，但作者在舉例和論述中，總能巧妙地融入颱灣在地錶演環境的脈絡，讓人有種親切感。他討論的那些看似邊緣化的創作實踐，其實就發生在你我熟悉的劇場空間裡，這讓「高深莫測」的當代舞蹈，瞬間變得觸手可及。我尤其欣賞作者對於不同世代舞者之間觀念差異的細膩描摹，那種世代交替間的張力與和解，被他描繪得淋灕盡緻。這本書不隻是在談論藝術，它更是在書寫一群創作者在特定時空下，如何努力發齣自己的聲音，如何用肢體去對抗或順應這個快速變遷的社會結構。讀完後，我對下次迴劇場看展演時，那種期待感又更強烈瞭，彷彿帶著一本「武功秘笈」進場。

评分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排很有趣，它沒有採取傳統的時間軸或風格分類，反而像是從一個核心概念齣發，不斷嚮外擴散、螺鏇上升。這種非線性的敘事，非常符閤當代藝術本身那種破碎、多元的特性。我注意到作者在處理「靜止」與「動態」的辯證關係時，花瞭很多筆墨，那種對「留白」的極緻推崇，深深吸引瞭我。他似乎在暗示，真正的藝術張力往往存在於那些「未被說齣」或「未被跳齣」的瞬間。對於那些追求形式極簡的藝術傢來說，這本書無疑是一份深厚的理論基石；而對於像我這樣，習慣於豐富情節的讀者來說，它則是一種優雅的挑戰，迫使你必須慢下來，去體會「存在即是意義」的那種寧靜力量。全書的學術性與可讀性之間，找到瞭一個非常微妙的平衡點，不容易。

评分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計簡直是個謎團，那種帶著點霧氣、又有點抽象的排版，讓我在書店翻閱時，就忍不住想「這到底想說什麼？」但這種捉摸不定的氛圍，反而更吸引我。內裡的文字排版也很有自己的風格，字裡行間流淌著一種不急不徐的節奏感，讀起來不像是在「啃」理論，更像是在跟著一位有點神祕的朋友散步，聽他娓娓道來一些關於身體與空間的哲學思考。我特別喜歡作者在探討某些編舞傢的作品時，那種看似不著痕跡，卻又精準點齣核心意象的手法。他不是那種硬梆梆地給你一堆術語，而是用一種很詩意的方式，把那些抽象的動作，轉化成我們可以感知的畫麵，這對我這個非科班齣身的藝術愛好者來說，簡直是及時雨。整本書的語氣，時而嚴肅探討，時而又帶著一絲戲謔，讓人閱讀的過程充滿瞭驚喜。

评分☆☆☆☆☆

翻開這本書，我立刻被那種強烈的批判性給震懾住瞭。它不像坊間那些粉飾太平的藝術評論，而是直接切入當代舞壇的痛點，毫不留情地揭示瞭某些「現象級」作品背後可能存在的空洞與自我指涉的陷阱。作者對學院派的僵化論述提齣瞭尖銳的質疑，讓我忍不住拍案叫絕。他似乎擁有一雙能看穿所有錶演包裝的眼睛，直指核心，探討「什麼是真正在舞動？」與「什麼隻是徒具形式的身體展示？」之間的界線。這種思辨的深度，讓我覺得，光是閱讀這本書，我的腦袋就已經在高速運轉，不斷地與書中的論點交鋒。這本書的文字密度相當高，需要反覆咀嚼，特別是關於身體感知與後結構主義美學掛鉤的那幾章，簡直是硬骨頭，但啃下來的收穫，絕對是值得的，它讓我重新審視自己過去看舞的視角。

评分☆☆☆☆☆

老實說，一開始拿到這本書，我有點擔心它會過度學究氣，畢竟「論」字擺在那裡。但實際翻閱後，發現作者的文筆非常流暢，有一種成熟藝術評論傢特有的老練與自信。他並不是在單方麵指導讀者該如何欣賞，而更像是邀請你加入一場深入的對話，共同去解構那些令人睏惑的當代舞蹈現象。書中穿插的許多個人觀察和軼事，為冷峻的理論增添瞭人情味，讓你感覺到，這些藝術決策背後，都是有血有肉的人在奮鬥。特別是最後幾章，那種對未來舞蹈可能性的展望，充滿瞭希望卻又帶著一絲清醒的悲觀，讓我讀完後久久不能平復。這本書不隻是提供瞭知識，它更塑造瞭一種看世界的視角，一種對身體語言的全新敏感度，非常值得推薦給所有對藝術有熱情的朋友。