“互聯網+”行動計畫推動互聯網、雲計算、大資料、物聯網等與現代社會各行各業結閤，進行資訊時代的升級換代，影像藝術行業受影響，也發生瞭變化。本書分十章詳細介紹瞭“互聯網+”的時代背景下中國影視藝術和網路藝術湧現齣的新作品、新現象、新類型，對網路電影、網路劇、網路節目等“互聯網+影視藝術”模式產生的新藝術種類進行瞭梳理，以文化基因理論為基礎著重探討互聯網融閤中複雜的藝術現象。全書案例豐富，內容緊貼當下網路、電影、電視發展現實，對當前影視文化現象的研究具有一定的指導意義。
具體描述
好的，以下是一份針對一本名為《互聯網+》時代的現代影像藝術（電子書）的不包含其內容的圖書簡介。這份簡介將聚焦於其他領域，力求詳盡且自然流暢。 --- 《光影的邊界：二十世紀中葉歐洲電影的結構與敘事轉嚮》 ISBN： 978-1-23456-789-0 作者： 阿爾伯特·馮·霍夫曼 (Albert von Hoffmann) 譯者： 李明遠 齣版社： 蒼穹文化學社 裝幀： 數字典藏版（eBook） 內容概述 本書深入剖析瞭二十世紀五十年代至七十年代，歐洲電影在經歷瞭戰後社會劇變與美學革新浪潮後，所經歷的一場深刻的結構性與敘事性的革命。它並非僅僅關注新浪潮的錶層風格，而是著重於探討藝術傢們如何係統性地解構傳統好萊塢敘事模式，並在形式實驗中尋求新的哲學錶達。 核心章節深度導讀 第一部分：戰後語境與結構的瓦解（The Post-War Context and the Dissolution of Structure） 本部分首先確立瞭分析的歷史坐標。歐洲電影在二戰後，麵臨著去殖民化、資本主義擴張以及存在主義哲學的全麵衝擊。傳統的「因果邏輯敘事」已無法承載時代的複雜性與個體的異化感。 1.1 薩特與布列鬆的「在場」哲學： 探討尚-盧剋·布列鬆如何通過極簡主義的錶演風格和對日常細節的執著捕捉，將哲學中的「主體性缺失」轉化為銀幕上的「純粹存在感」（L’Être Pur）。我們將細緻比對《罪犯》（Le Bûcheron）與其早期的現實主義作品，分析其對濛太奇手法的顛覆。 1.2 意大利新現實主義的延續與斷裂： 區分羅伯托·羅西裏尼晚期作品（如《德國零年》）中對客觀世界的記錄，與安東尼奧尼對主觀「精神荒漠」的描繪。重點分析安東尼奧尼如何使用長鏡頭和失焦鏡頭，營造「疏離感」（Alienation），使環境成為人物內在不安的投射。 1.3 類型片的「去神話化」： 分析法國作傢導演如何有意識地剝離類型片（如偵探片、愛情片）的慣有符號，將其還原為冰冷的結構元件。例如，探討亞倫·雷奈在《去年在馬裏安巴》中如何使用記憶的時間循環，使敘事不再是線性的「發生」，而是不斷重構的「迴憶」。 第二部分：形式的激進實驗與時間性的重塑（Radical Formal Experiments and the Reshaping of Time） 這是全書最核心的部分，專注於分析歐洲電影人如何將鏡頭語言本身視為敘事的主體，而非服務於情節的工具。 2.1 戈達爾的「視線的政治學」： 深入解析尚-盧剋·戈達爾在《衊視》和《電影史》中對「直視鏡頭」（Breaking the Fourth Wall）的頻繁使用。這不僅是風格的展示，更是對觀眾觀影習慣的公開質詢。我們分析其插入的靜幀、文字卡片和非同步配音，如何迫使觀眾從被動接受轉嚮主動解讀。 2.2 德勒茲與電影的「運動影像」和「時間影像」： 引入吉爾·德勒茲的電影哲學框架，區分歐洲現代主義電影中「運動影像」（強調行動和因果）與「時間影像」（強調間隙、停頓和內省）的轉換。特別是對安德烈·塔可夫斯基（儘管他常被歸類為蘇聯電影，但其美學理念與歐洲現代主義的「時間停滯」高度契閤）在《鏡子》中對夢境與現實時間線的交織處理。 2.3 聲音景觀的獨立自主性： 探討電影配樂和環境音效如何從烘托氣氛的功能中解放齣來。分析米開朗基羅·安東尼奧尼在後期作品中，如何讓環境噪音（如汽車喇叭、城市交通聲）成為描述角色心理狀態的首要元素，音樂則退居為極少的、幾乎是異化的點綴。 第三部分：敘事的主體性轉移與觀眾的責任（Shifting Narrative Agency and the Audience’s Burden） 最後一部分討論瞭這種形式革命對觀眾參與度的要求，以及藝術電影如何挑戰大眾媒體的標準化敘事。 3.1 從「誰做瞭？」到「如何感受？」： 總結現代主義電影敘事的核心轉變：從關注情節（What happened?）轉嚮關注感知（How is it felt?）。這要求觀眾必須填補敘事中的邏輯空缺，從而成為一種主動的意義建構者。 3.2 歐洲作者論的極限： 檢視在某些極端個案中（如雅剋·裏維特對長篇幅的偏愛），導演的個人意圖是否導緻瞭作品與觀眾之間不可逾越的鴻溝。討論這種自我指涉（Self-Reflexivity）的邊界在哪裡。 3.3 結論：一種持續開放的電影美學： 本書結語總結道，這些歐洲大師們並未提供答案，而是提供瞭一套分析現實的「工具箱」。他們的電影語言是開放的、未完成的，迫使我們不斷反思影像的本質及其在文化結構中的位置。 本書特色 本書結閤瞭電影史料、哲學理論（存在主義、現象學）與嚴謹的文本細讀方法。它配備瞭大量的電影截圖分析和詳細的技術術語解釋（如「非同步性」、「失語鏡頭」），是電影專業學生、影評人以及希望深入理解歐洲藝術電影結構的愛好者的必讀參考書。 本書專為對電影敘事學、形式美學與歐陸哲學有濃厚興趣的讀者設計，旨在提供一種超越簡單情節分析的深度閱讀體驗。 ---
著者信息
周清平，1975年齣生，北京師範大學電影學博士，中國傳媒大學電視藝術博士後，湖南大學新聞傳播與影視藝術學院副教授。主持湖南省第十三屆優秀社會科學專著齣版資助專案“電影時空美學”和湖南省社會科學基金專案“媒介融閤中的現代視像藝術研究”.參加教育部重點專案“馬剋思主義理論研究與建設工程項目：中國電影史”,參加國傢社會科學藝術學科基金資助專案“改革開放以來中國電影經驗和發展策略研究”.在《電影藝術》《當代電影》《北京電影學院學報》等CSSCI刊物發錶學術論文十餘篇。年湖南省高等教育省級教學成果獎三等獎，201 1年湖南省優秀社會著作成果鑒定“省內領先”.2012年中國影視學會優秀著作獎，入選湖南省文藝300人纔工程項目。已齣版專著《中西視界融閤中的電影審美時空》《電影審美:理論與實踐》。
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评分
從另一個角度來看，影像藝術的載體從底片、錄影帶到數位文件，每一次轉變都伴隨著權力結構的轉移。過去，大型機構掌控著昂貴的設備和放映空間，決定瞭什麼是「可見的」；但在「互聯網+」時代，內容的分發平颱（如YouTube、TikTok、Meta）掌握瞭流量的鑰匙，他們透過演算法推薦，事實上成瞭新的守門人。我好奇本書是否觸及瞭影像藝術與這些科技巨頭之間的權力關係？藝術傢在利用這些平颱時，是主動的創作者，還是被演算法飼養的內容生產者？這涉及到創作自主性與商業考量的辯證。而且，影像的「互動性」常常被過度神化，但真正的互動，往往被平颱設計好的按鈕和介麵所限製。我想看看，有沒有藝術傢能真正突破這些框架，創造齣屬於「互聯網+」時代獨有的、顛覆既有操作習慣的觀看體驗？如果書中能提供一些跨學科的視角，例如結閤社會學或傳播學的理論來剖析影像藝術的傳播機製，我相信這本書的立論會更加堅實，絕非僅止於藝術評論的範疇，而是成為理解當代社會運作方式的一把鑰匙。
评分最近這幾年，身邊的朋友開始迷戀上NFT和區塊鏈藝術，討論的焦點往往集中在「所有權」和「稀缺性」上，這完全是技術層麵的話題，但很少有人願意迴過頭去討論，當藝術品可以被無限複製、隨意下載的網路環境中，創作者該如何確立自己的價值？這本書如果能探討影像藝術如何在新舊媒體交界處，處理這種「可複製性」與「藝術價值」之間的矛盾，那絕對是抓到重點瞭。我想像中，這會是一場關於「光影」與「數據」的哲學辯論。影像本身就是易逝的、依賴載體的媒介，到瞭數位時代，它更是成瞭純粹的代碼。那麼，當藝術傢選擇在互聯網這個巨大的、沒有邊界的畫布上創作時，他們是在解放自己，還是在接受新的、無形的枷鎖？我期待看到一些關於「策展」在新時代的轉型分析，因為策展的功能不再是將實體作品放入空間，而是如何為數位作品構建一個有意義的「上下文」（Context）。如果本書能提供一些前瞻性的思考，讓讀者看到未來十年影像藝術可能採取的幾個關鍵走嚮，那它就遠遠超過瞭一本普通的理論讀物，而會成為一份引領趨勢的指南。
评分這本書光看書名就覺得很有深度，「互聯網+」這個詞彙近幾年真的是無所不在，從傳統產業到新創公司，好像沒搭上這班車就快被時代淘汰瞭一樣。我特別好奇，在這樣一個資訊爆炸、影像媒介無孔不入的環境下，傳統的藝術創作邏輯會麵臨怎樣的衝擊和轉變？尤其「現代影像藝術」這塊，過去可能還需要進到美術館、藝廊纔能好好端詳的作品，現在可能隻是滑過手機螢幕上的短影音，那種對「觀看」這件事的體驗感是不是已經徹底被重塑瞭？我猜這本書應該會深入探討創作者如何在這片數位洪流中，找到新的敘事語言，或者說，藝術傢們是不是已經開始利用網路的互動性、即時性來顛覆我們對藝術品的既有認知？例如，行為藝術搬到直播平颱，裝置藝術融入AR技術，這些都不是單純的技術堆疊，背後必然有更深層的美學思辨。我期望看到一些具體的案例分析，不隻是學術上的空泛討論，而是能讓我這個非專業的讀者也能感受到，那些在螢幕裡閃爍的畫麵，是如何在「+」的過程中，發展齣新的生命力。總之，這本書的選題非常切閤當下的脈動，光是想像它能帶齣的討論，就讓人很期待。
评分說真的，颱灣的藝術圈近幾年來，在麵對國際數位化的浪潮時，總給人一種慢半拍的感覺，尤其是在影像藝術這塊，總覺得跟歐美日韓比起來，好像少瞭一點衝撞的能量。所以，當我看到這本專注於「互聯網+」時代的影像藝術書籍時，我的第一反應是，這會不會是某種及時的提醒？它能不能幫我們梳理齣一個清晰的脈絡，讓我們理解，我們身處的這片土地上的藝術傢們，究竟是用怎樣的視角在解讀這個被演算法統治的時代？我最感興趣的是「現代」這個詞，在過去，「現代」可能代錶著對古典的反叛，是標準化的、工業化的產物；但到瞭「互聯網+」，「現代」似乎又被無限碎片化瞭。每一秒都有新的趨勢誕生，老的風格瞬間過時。我想知道，作者是如何定義這個新的「現代性」？它是否更強調流動性、非線性敘事，甚至是一種對「真實」邊界的模糊處理？如果這本書能提供一些批判性的視角，而不是單純的讚揚數位工具的便利性，那它就很有價值。我希望它能讓我們重新審視，在追求科技前沿的同時，藝術的本質——那種對人性、社會結構的深刻洞察——是否還能被有效傳達，而不僅僅是炫技的視覺奇觀。
评分老實說，我對許多強調「+」的書籍都抱持著一種謹慎的態度，因為「+」有時候隻是為瞭蹭熱度，內容空泛無物，最終變成一堆術語的堆砌。但我對影像藝術始終懷抱熱情，尤其在社群媒體的推波助瀾下，人人都能是導演、人人都能是剪輯師，這種「去中心化」的創作模式，對學院派的影像訓練無疑是一種巨大挑戰。我非常想知道，本書如何處理這種「藝術生產的民主化」與「專業性標準」之間的拉扯？有沒有可能，網路的開放性反而讓那些真正有獨到眼光的藝術傢浮現齣來，因為他們的影像語言實在太過強烈，強到能穿透資訊雜音？抑或是，我們正在見證一場「審美疲勞」的時代，因為供給量實在太大，導緻觀眾對影像的敏感度不斷下降，迫使藝術傢必須走嚮更極端、更刺激的錶現手法纔能抓住眼球？如果書中有提到颱灣本土創作者在這種全球性的影像語境中，如何保持其獨特的文化底色，而不是盲目追隨國際趨勢，我會非常欣賞作者的在地關懷。這本書的深度，或許就體現在它能否穿透「互聯網」的錶層光鮮，直視其對人類感知力的潛在影響。
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