神祕的圣像画：Icon的技法与意涵 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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原文作者： Solrunn Nes

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• 圣像画
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• 绘画技法
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「Icon」一字，源自于希腊文□□□□□（eikon），意思是「图像」。

　　Icon常用来指称以蛋彩颜料，绘制于木板上的基督宗教圣像艺术作品。

　　圣像画（icon）不只是画，这门特殊的艺术领域融合了信仰表达、传统制作技法的坚持以及丰富的文化内涵。《神祕的圣像画》是为熟悉基督宗教艺术的读者以及不曾接触过它的人，传递一份深刻的心灵启发。

　　圣像画扎根于有千年传统的拜占庭艺术（Byzantium），本书作者聂书岚（Solrunn Nes）是欧洲最知名的圣像画画员，她深入探索许多广为人知的圣像画，使圣像画的世界再度发光，她的表达可称为一种「新拜占庭艺术」。

　　在本书中，作者以图片和五十幅以上亲自完成的作品，带领读者一步步了解圣像画的绘制技巧，解说圣像画常见的主题、画中人物的姿态以及颜色代表的意义。并辅以圣经、早期基督徒的书信和教会礼仪的说明，使这些圣像的用途和意义清楚呈现。

　　人们称圣像画是「通往神圣的窗户」，读者透过本书不仅能理解一门有千年历史的宝贵艺术，也能因而体会神圣世界以其无限慈悲向着世人敞开的温柔心怀。本书将为你揭开圣像画的神祕面纱，一窥独特深奥的宗教艺术。

作者简介

聂书岚（Solrunn Nes）

　　艺术史学家、自由讲师和作家。她受人瞩目的圣像画作品，被放置在许多处所，例如英国的艾勒斯佛修道院(Aylesford Priory)以及挪威卑尔根市的圣保禄大教堂里。

艺术史的深邃回响：中世纪绘画技法与精神象征的探寻 书名： 艺术史的深邃回响：中世纪绘画技法与精神象征的探寻 作者： [此处留空，或填入一个符合主题的虚构作者名] 出版社： [此处留空，或填入一个符合主题的虚构出版社名] --- 内容简介 本书是一部旨在深入剖析中世纪（约公元500年至1500年）欧洲绘画艺术的综合性研究著作。它摒弃了对单一艺术流派或地域的片面聚焦，转而致力于构建一个多维度的视角，探讨在那个宗教信仰主导一切的时代，艺术家们如何运用独特的物质材料和精湛的工艺，将抽象的神学概念转化为具有强烈视觉冲击力和深远精神内涵的图像。 本书的叙事主线围绕“技法演变”与“象征体系构建”两条轴线并行推进。它不仅是一本关于颜料、媒介和底层的技术手册，更是一部解读中世纪心灵世界的钥匙。 第一部分：材料的哲学——从自然到神圣的转化 中世纪的艺术创作，其本质是对物质世界的超越。本部分首先详尽考察了艺术家们可用的所有材料，并阐述了这些材料在当时社会和神学体系中的地位。 颜料的秘密配方： 我们将细致探究矿物、植物和动物性颜料的来源、采集和制备过程。例如，群青（Lapis Lazuli）的极端珍贵性如何影响了其在描绘圣母衣袍上的战略性使用，以及它如何象征着天堂的至高无上。同时，对赭石（Ochre）和炭黑等基础颜料的分析，揭示了艺术家如何通过对色彩的精妙调配，模仿光线的强度和深度，即使在缺乏透视学的早期阶段。书中会配有详尽的图表，对比不同时代和地区的颜料配比差异。 载体与底层的构建： 绘画的持久性依赖于其载体。本书花费大量篇幅讨论了羊皮纸、木板和石膏基底（用于湿壁画）的准备工作。对木板画的“准备层”（gesso）的制作，从胶水的选择到白垩的研磨，展示了艺术家对画作寿命的深切关注。我们还将探讨早期欧洲对拜占庭蛋彩画技术的吸收和改良，以及蛋黄作为乳化剂的物理化学原理，如何赋予早期画像独特的哑光质感和清晰的线条感。 媒介的革命： 在中世纪晚期，油画技术的逐渐引入被视为一次革命性的飞跃。本章对比了蛋彩与油画在干燥时间、色彩饱和度、光影处理（晕染法，Sfumato的早期萌芽）上的根本区别。深入探讨了林香油和核桃油等干燥媒介的提炼过程，以及它们如何使得描绘复杂织物褶皱和人物肌肤的细腻纹理成为可能。 第二部分：视觉语言的语法——符号、叙事与光影的建构 中世纪的图像并非单纯的写实记录，它们是一种高度浓缩的、服务于教义的语言。 非写实的透视学： 本部分分析了中世纪艺术家如何处理空间问题。他们摒弃了古典写实主义的焦点透视，转而采用了“等级透视”（Hierarchical Perspective），即物体或人物的大小与其在神圣秩序中的重要性成正比。同时，对“反向透视”（Inverse Perspective）在东正教影响区域的运用进行了深入的考察，阐释了这种技法如何引导观者的目光向图像的深处，最终导向“神圣的彼岸”。 色彩的语义学： 书中建立了中世纪色彩与基督教象征意义的对应关系词典。例如，金色（通常由金箔制成）不应被视为描绘黄金的写实，而是“永恒之光”和“神圣存在的具象化”。红色、蓝色、白色等在不同场景下所承载的特定含义——如殉道、圣洁或哀悼——被系统地梳理和归类。 光线与神启： 中世纪艺术家对光线的处理是其精神追求的直接体现。本书考察了如何通过背景的纯金铺设（Gold Ground）来模拟“非物质之光”（Lux Nova），这种光线不来自任何自然光源，而是源于被描绘对象本身的神性。此外，对晕染（Hatching）和透明釉（Glazing）的使用，如何在有限的材料中模拟出复杂的光影变化，增强了宗教场景的戏剧张力。 文本与图像的互动： 图像的阅读离不开拉丁文或地方方言的铭文。本章研究了手抄本插图（Illuminated Manuscripts）与壁画、祭坛画中文字说明的相互作用，探讨了图像与文本如何共同完成教义的阐释，以及“签名”和“题词”在艺术家身份认同的早期发展中的作用。 第三部分：区域风格的对比与融合 中世纪的艺术图景是分散而丰富的，本书选取了几个关键的地理和时间节点进行对比研究。 加洛林文艺复兴的严谨与卡洛林细密画的精致： 分析了查理曼大帝时期对古典传统的重塑尝试，以及其在细密画中对线条的偏执追求。 奥托王朝的庄严与罗马式建筑的融合： 探讨了在大型修道院和教堂壁画中，绘画如何服务于建筑结构，以及其图像的叙事功能——作为“不识字者的圣经”。 哥特式光线的突破： 重点分析了法国北部如圣礼拜堂（Sainte-Chapelle）中玻璃彩绘的兴起，将其视为绘画媒介的一种极端延伸。探讨了在彩绘玻璃主导的时代，对传统木板画和湿壁画技法带来的挑战与影响。 结论：技法与信仰的永恒张力 全书的最终部分将回归到对中世纪艺术家的个体性探索。尽管他们大多生活在匿名和集体的信仰体系之下，但通过对技法细节的考证，仍能窥见他们作为工匠和精神媒介的独特性。本书旨在证明，中世纪的绘画不仅是信仰的载体，其本身就是一场关于如何用有限的物质语言，表达无限精神真理的宏大实验。它为后世的文艺复兴艺术奠定了不可磨灭的物质与观念基础。 目标读者： 艺术史、中世纪研究、宗教图像学、材料科学领域的学者、学生，以及对早期西方艺术工艺有浓厚兴趣的专业人士和爱好者。本书力求在学术严谨性与可读性之间取得平衡。

圣像画──遇见．神圣
绘画技巧剖析．6
美与真理．10
美与神圣事物．10
圣像画之地位与功能．11
反圣像运动和真信仰的胜利．13
尼西亚第二次大公会议．14
降生成人的奥蹟与圣像画艺术．15
各式圣像画主题．16
教会如同小宇宙．17
预像和位阶模式．18
庆典与期待．19
绘制圣像画的法则．19
圣像画主题导览
〈基督普世君王〉．23
〈代祷三联画〉．26
〈君王与大司祭〉．27
〈基督．厄玛努尔〉．28
〈坐于宝座上的基督〉．30
〈圣容面纱〉．33
〈旧约中的圣三〉．36
〈圣母领报〉．39
〈总领天使佳播〉．40
〈天主之母与休憩中的小耶稣〉．41
〈耶稣诞生〉．43
〈献耶稣于圣殿〉．44
〈噤语的基督〉．.46
〈位于智者之中的基督〉．47
〈征兆之母〉．49
〈天主之母．上智之座〉．50
〈善导之母〉．52
〈可亲可爱之母〉．55
〈哺乳圣母〉．56
〈天主之母．贝拉高尼梯撒和玩耍圣婴〉57
〈永援之母〉．58
〈圣若瑟与小耶稣〉．60
〈西默盎与小耶稣〉．61
〈先知厄里亚〉．63
〈旷野先知．洗者若翰〉．64
〈洗者若翰〉．65
〈耶稣受洗〉．67
〈耶稣显圣容〉．68
〈复活拉匝禄〉．70
〈荣进耶路撒冷〉．72
〈最后晚餐〉．74
〈山园忧苦〉．76
〈游行用十字圣架〉．77
〈哀悼基督的死亡〉．78
〈由十字架上卸下〉．80
〈在基督坟前哀悼〉．82
〈光荣君王〉．83
〈下降阴府〉．84
〈多默的不信〉．86
〈耶稣升天〉．89
〈圣乔治与恶龙〉．90
〈狮子圈中的达尼尔〉．91
〈总领天使弥格与佳播〉．93
〈总领天使们的聚会〉．95
〈圣伯铎与圣保禄〉．96
〈圣保禄〉．97
〈神学家圣若望〉．98
〈帕特摩岛上的圣若望〉．99
〈埃及圣马加留〉．100
〈米拉的圣尼阁〉．101
〈圣西蒙．柱顶隐修者〉．102
〈圣葛拉斯摩斯和狮子〉．103
〈埃及的玛丽〉．104
〈圣国瑞．巴拉马〉．105

卑尔根圣保禄天主堂内的新十字架．107
画评．112
圣像画在教堂中垂直轴线的佈置范例．114
基督宗教圣经及人物名称对照表．115
作者简历．117
参考书目．118

圣像画──遇见．神圣
(原书p.5，附圣像画图)

　　东正教会艺术的发展，就如其他类型的艺术，是在一种特殊的文化背景之下进行的。因此，人们必须借由它独特的历史结构，才得以完整地领略圣像画的美。圣像画没有时间和区域性的限制，它是全球性的。圣像画的表达方式双重而有力，同时兼具美学和灵性的艺术面貌。近来，愈来愈多人关注教会合一的议题，这样的趋势让愈来愈多的人，对教会传统中的其他基督宗教信仰，产生极大的兴趣。许多西方的信友在东正教国家旅游时，如希腊、保加利亚、罗马尼亚以及苏联，他们都注意到了圣像画的艺术型式。圣像画一方面代表着一种独特的艺术经验，同时也开启并引领人们通往灵修之门；圣像画答覆了许多人，欲探寻更深一层信仰经验的需求。

　　身处于知识爆炸的社会里，我们不断被一些强迫且快速变迁的视觉图像所刺激。大量的媒体资讯，使人在接收图像时，就好像狼吞虎嚥时下速食品般。这些没完没了、粗糙的图像，扰乱了人心。东正教圣像画则有一系列引导、邀请人心进入「祥和默观」的画作。如今，在我们的时代中，圣像画之所以备受推崇，归根究底，正是由于这种默观的属性使然。

　　Icon这个字源自于希腊文eikon，意思是「图像」。为了区分icon和其他类型的绘图艺术，希腊文以「神圣的图像」（agiografies）来称唿这独特的神圣艺术。所有agiografies正教艺术，不论是哪一类型，均包含在icon的范畴内：如墙上的装饰、马赛克和壁画、木器、铁器或象牙浮雕，甚至是手抄绘本、刺绣、珐瑯瓷釉彩绘等，都可以归类于icon。不过，英文icon这个字，一般而言是指由东正教传统的绘画方式，就是以蛋彩颜料，绘于准备好的木质画板上的作品。

　　本书的圣像画，就是以蛋彩颜料绘制的icon。书中的画都是依据极富威望的希腊和俄罗斯版本，以传统的圣像画主题和技巧来作画。制作一幅圣像画并不是照本宣科，或一成不变地复制；相反地，是一个再创造的过程。其间，圣像画画员进入与原画之间创造性对话。这种现代的圣像画绘制法，既承继旧有的技法，又兼具现代的精神，可归类为新拜占庭艺术（New Byzantinism）。

绘画技巧剖析

　　一般而论，拜占庭式之圣像画，其制作过程是既费时又费工的，必须通过多重专业且艰难的作画技巧才能逐步完成。首先，找一块完全风干，没有龟裂或凹凸不平的木板作为画板。在这本书中的圣像画所用的木板，大多是橡木或山毛榉木，也有松树、白桦树和胶合板。若一幅圣像画长约35-40公分，就必须用好几块木板，以黏胶固定，组合成为一块大画板；有一些甚至要靠背面的横木来支撑，才能让这块大画板稳固。画板的正面必须凿出凹槽，但四周留下厚度以作为框边。这样，就算完成绘制圣像画所需的画板了。古代画者多半用长柄釜及刨刀凿出画板来；近代则改用现代工具，例如，电动木板切割机、刨平机和磨光机。

　　首先，在凿好的木板上反覆涂抹好几层动物胶，这样可以防止作画过程中，木板吸入过多的水分。接着，以薄画布覆盖在板上，均匀涂上八到十层的混合剂，内含动物胶、白色颜料以及石灰。混合剂在使用前，必须先加热到摄氏70度。在涂抹混合剂时，要尽量整平布面，这样，可以移除任何可能沉淀的细微颗粒。如果可以的话，在每一层混合剂干燥时，即刻磨平板面，再涂抹下一层。有石灰混合剂的反覆打底动作，这块木板才能成为一块平整、亲水性适中的圣像画画板，它现在已经能够承载层层颜料的涂抹。当然，有时候也可能找到一块完全平滑，且质地完美、适于作画的木板；不过无论如何，都还是必须进行动物胶打底的动作。

　　接下来，把所要画的图像，以转印纸描绘到画板上，或者直接以铅笔或蛋彩颜料构图。绘画的步骤，一开始都是先上底色，接着再一步步，有系统地进行到表层外部的上色。

　　草稿完成后，接下来就是决定背景是否选择上色，或是安上金箔。有时候，只有光圈的部分贴上金箔，剩余的背景就涂上与其他区块相协调的颜色即可。

　　最古老、费工，但是效果最好的安金箔法，会使金箔表面在抛光之后显出光泽。为了达到这样的效果，一层特殊的打底，内含黏土与玄武土是绝对必要的。这种材料称为红玄武土，是一种黏稠如浆煳般的黏土。把它和动物胶混合、加热后，用来涂抹在光圈预设区。通常只要涂上五到六层的红玄武土调合剂即可。接着以钢毛刷、金钢砂纸和玛瑙石打磨。即使是最细小的灰尘微粒或抓痕，都会显示在质地极薄的金箔面上，因此，在使用红玄武土调和剂时，必须有如履薄冰、步步为营的心情才是。红玄武土的颜色是红棕色，它能通透金箔的色泽，加强金箔的光彩。红玄武土也可以用土黄色或黑色取代。

　　就如在磨光金箔面时所需的一样：油鞣革垫、剪金箔用的剪刀以及挑金箔片的工具。用手指碰触金箔，很容易使之起皱褶，因此，拿取金箔必须借助工具。在上了薄薄一层的动物胶上，小心翼翼地舖上金箔，再以橡实毛刷轻轻地刷过金箔，为确保金箔已借由胶水固定在木板上了。过了些许时候（视室温而定），以玛瑙石在金箔表面打磨。为求高度的光泽，施压的力道必须採用逐次加重的方式进行。中世纪时期，也有用狼牙或狼的胡须制成的磨光刷。

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老實說，一開始看到《神祕的聖像畫：Icon的技法與意涵》這本書，我並沒有太大的期待，我認為Icon這種藝術形式離我的生活比較遙遠。我平常比較關注當代的藝術創作，對於這種比較傳統、帶有濃厚宗教色彩的圖像，總覺得有些距離感。然而，當我翻開書，看到裡面精美的圖片，以及作者對於Icon創作過程細膩的描述，我的想法開始轉變。那種嚴謹的、近乎儀式感的繪畫方式，以及色彩運用上的獨特邏輯，讓我感到驚嘆。我原本以為Icon只是單純的宗教繪畫，但書中闡述的「技法」，例如對光線的處理、人物比例的安排，以及那種平面卻又充滿立體感的空間營造，都顯示出其深厚的藝術功底。更重要的是，書中並沒有流於表面的介紹，而是試圖去剖析Icon背後所承載的「意涵」，這讓我開始思考，這些圖像是如何在歷史長河中，傳承信仰、凝聚人心，甚至影響一個民族的文化。這本書讓我看到，即使是看似遙遠的藝術，也能與我們的生命產生連結。

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閱讀《神祕的聖像畫：Icon的技法與意涵》這本書，對我來說，就像是打開了一扇通往另一種文化和歷史視角的大門。我一直對東正教的藝術形式感到好奇，尤其是在網路上看到一些Icon的圖片時，總覺得它們散發出一種靜謐而莊嚴的力量。這本書的標題正中我的紅心，「技法」和「意涵」這兩個詞，代表了它不僅僅是圖片的展示，更是對Icon製作工藝的深入解析，以及對其背後深層意義的探討。我非常期待能了解Icon的繪製過程，那些精細的線條、獨特的色彩配置，以及金箔的運用，在現代藝術創作中已經很少見了，我想知道這些古老的技法是如何賦予Icon生命力的。同時，「意涵」的部分更是吸引我，我希望作者能夠解釋Icon在東正教信仰中的地位，它們如何被用來傳達神聖的訊息，以及不同的Icon圖像所代表的意義。我相信這本書會是一次豐富的學習之旅，讓我更深刻地理解Icon這門藝術。

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這次偶然在書店看到《神祕的聖像畫：Icon的技法與意涵》這本書，書名立刻勾起了我的興趣。我一直覺得，在台灣，我們比較熟悉的是水墨畫、書法，或是近代的油畫、版畫等，但對於Icon這種風格的藝術，我其實了解的並不多，只在一些電影或旅遊雜誌中偶爾瞥見過。感覺上Icon有種獨特的、神祕的氣質，跟我們平常接觸的藝術品不太一樣。書名中的「技法」讓我期待能學到一些關於Icon製作的知識，像是它用的顏料、筆觸，是不是有什麼特殊的工序？而「意涵」的部分，我則更想知道Icon在宗教儀式中扮演的角色，以及它們如何傳達特定的信仰訊息。是不是每一筆、每一個顏色、每一個人物的姿態，都有其象徵意義？我希望這本書能夠像一位導遊，帶領我這個藝術門外漢，循序漸進地認識Icon的世界，從最基礎的了解開始，慢慢深入到它的精神內核。我很期待能透過閱讀，解開Icon在我心中那層「神祕」的面紗。

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當我看到《神祕的聖像畫：Icon的技法與意涵》這本書的書名時，心裡就燃起了一股莫名的衝動，想立刻把它帶回家。我一直覺得，在現代這個資訊爆炸的時代，我們好像越來越少有機會去靜下心來，好好地感受那些沉澱了時間的藝術。Icon，這個詞本身就帶著一種歷史的厚重感，彷彿能將人拉回到過去。書名中的「技法」讓我充滿了學習的慾望，我非常想知道，這些流傳千年的繪畫技巧，是如何創造出那種獨特的光影效果和莊重感。是不是有什麼特殊的顏料或者繪畫工具？而「意涵」更是觸動了我內心深處的好奇，我希望這本書能幫助我理解，為什麼Icon的圖像總是呈現出那樣的風格，它們所傳達的宗教情感和象徵意義到底是什麼？我對Icon的人物描繪、色彩的運用，以及構圖的安排都有著濃厚的興趣，希望這本書能像一位循循善誘的老師，引導我走進Icon的藝術世界，讓我不再只是單純地欣賞，而是能真正地「讀懂」它們。

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哇，光看書名《神祕的聖像畫：Icon的技法與意涵》就讓我充滿了好奇！身為一個在台灣長大、對藝術文化有著濃厚興趣的讀者，我一直很喜歡探索那些深藏著歷史與精神的藝術形式。Icon，這個詞聽起來就帶著一種莊嚴、神聖的感覺，但同時也充滿了未知。我一直覺得，宗教藝術不單單是視覺的享受，更是一種與歷史、與信仰對話的途徑。這本書的標題暗示了它不僅會講解Icon的製作技巧，更會深入探討其背後的文化意涵，這點非常吸引我。我尤其好奇，作者會如何將那些複雜的技法，例如蛋彩的運用、黃金箔的鋪設，或是特定的色彩象徵，轉化成我們這些現代讀者能夠理解並感受到其深度的內容。而且「意涵」這個詞，讓我聯想到Icon背後的故事、人物、以及它們在東正教文化中扮演的角色，這是不是就像在翻閱一本活生生的歷史百科全書呢？我預期這本書能帶我進入一個與我過去所熟悉的東方藝術截然不同的視覺與精神世界，或許會讓我對「圖像」的意義有全新的理解。