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轻松拍 定睛看 easy share

　　3D照片自家制
　　全方位4角度
　　教你活用3D照片

　　1. 观看3D照片：以真正裸眼看3D，不用立体眼镜
　　2. 拍摄3D照片：以普通相机拍摄，不用特效相机
　　3. 分享3D照片：以简单软件储存、剪裁和分享照片，按步骤介绍
　　4. 应用3D照片：以创意创新意念介绍用法，使之普及

作者简介

吴家彦

　　生于1950年，小学、中学与大专分别就读于东院道官立小学、香港华仁书院及树仁书院，自幼跟随父亲吴秉畴先生四出猎影，小学时已借用父亲的Rolleicord双镜反光全手动相机，为学校郊游作随团摄影，其后更获父亲教授黑房沖印及相片剪裁技术，对利用摄影作为一种表达媒体十分有兴趣。

　　投身社会后，从事会计工作三十多年，虽然工作繁忙，但仍然热衷于摄影，而且喜欢作多方面的尝试。

　　2010年退休后，有较多时间发展摄影方面的兴趣，因参与《我们来自东院道官小》一书的编辑委员会工作，萌生自己出书的念头，其后获得各方亲友的协助和鼓励，终于把自己对3D摄影的经验与心得，编集成书，公诸同好。

深度解析与实践：现代摄影的色彩与构图艺术 书籍简介 本书并非聚焦于单一的立体影像技术，而是全面深入地探讨了现代摄影中至关重要的两大核心要素：色彩理论的精妙应用与视觉构图的创新实践。我们致力于为所有摄影爱好者、专业人士以及图像创作者提供一套系统、实用且富有启发性的知识体系，帮助他们超越简单的“记录瞬间”的范畴，真正掌握“塑造视觉体验”的能力。 第一部分：色彩的语言——从感知到掌控 色彩是图像的灵魂，是直接触动观者情绪的无声语言。本部分将彻底解构色彩的科学基础与艺术表现力。 第一章：色彩的科学基础与人眼感知 我们将从基础的光学原理出发，探讨可见光谱如何转化为我们感知到的颜色。深入研究麦克斯韦方程组在色彩再现中的应用基础，以及人眼对不同波长光线的敏感度差异，例如洛蒙-利奇曲线对色彩感知的修正作用。详细阐述色域（Gamut）的概念，区分如sRGB、Adobe RGB、ProPhoto RGB等主流色彩空间，并解释它们在不同设备间的兼容性挑战。理解色彩的“陷阱”——例如同色异谱现象（Metamerism），及其在印刷和屏幕显示中的影响。 第二章：色彩理论的经典与现代构建 本章系统梳理了从牛顿到约翰内斯·伊顿的经典色彩理论。重点解析色轮（Color Wheel）的构建，深入研究原色、间色、第三色之间的关系。详尽阐述色相（Hue）、饱和度（Saturation）与明度（Value/Brightness）这三大核心属性的相互作用机制。我们将超越传统的互补色、邻近色范畴，引入更具现代感的色彩调性（Color Harmony）分析，如三色组、四色组的复杂平衡。通过大量实际案例，分析如蒙德里安的几何抽象如何利用极简色彩表达结构，以及印象派画家如何通过光学混合创造光影的颤动感。 第三章：情绪与叙事中的色彩心理学 色彩不是中性的物理现象，而是强烈的心理暗示。本部分专注于色彩与情感、文化背景的深度关联。我们将分析不同文化背景下对特定颜色的解读差异（例如，西方文化中的红色与东方文化中的红色象征意义）。探讨暖色调如何营造亲密、活力与危险感，而冷色调如何传达宁静、疏离或专业感。教授读者如何利用色彩的“温度”和“重量”来引导观众的注意力，构建符合叙事需求的色彩情绪板（Mood Board）。例如，在纪实摄影中，如何通过压抑的低饱和度色彩强化历史的厚重感；在商业摄影中，如何使用高对比度的邻近色来突出产品的现代感。 第四章：后期处理中的色彩管理与精修 色彩的准确控制贯穿于拍摄到输出的整个流程。本章提供了详尽的后期技术指导，完全脱离于任何预设或“一键调色”。我们将讲解直方图的精确解读，如何通过监测RGB通道来避免色彩断层与死白/死黑。系统教授使用曲线（Curves）工具对色彩进行非线性调整，而非仅仅依赖于HSL工具的线性滑块。深入探讨白平衡的科学校正与艺术化的色彩倾向设定（Color Grading）。最后，阐述ICC色彩管理流程，确保从显示器校准到打印输出的色彩一致性，强调软打样（Soft Proofing）的重要性。 第二部分：构图的法则——秩序、节奏与视觉引导 构图是将零散的视觉元素组织成一个和谐、有力的整体的艺术。本部分旨在打破对“三分法”的教条化理解，探索更深层次的视觉结构。 第五章：空间几何与视觉重量的分配 本章将构图提升到几何学层面。详细分析黄金比例（Golden Ratio, $phi approx 1.618$）和斐波那契螺旋线在画面布局中的应用，解释它们如何自然地平衡画面。区分开放式构图（引导视线延伸至画面外）与封闭式构图（强调画面内部的完整与平衡）。探讨视觉重量（Visual Weight）的概念，分析大小、颜色、对比度和位置如何影响元素在画面中的“分量”，以及如何通过不均匀的重量分配来创造动态张力。教授如何利用前景、中景和背景的层次关系，构建具有纵深感的空间感。 第六章：线条、形状与纹理的叙事功能 线条是构图中最重要的引导工具。我们将分析引导线（Leading Lines）如何戏剧性地带领观众的视线，包括水平线、垂直线、对角线和曲线的特定心理暗示。重点解析如何使用形状（Shapes）的组合（如三角形、圆形）来构建稳定或不稳定的视觉结构。深入探讨纹理（Texture）在增强画面的触感和细节真实性中的作用，特别是在微距和风光摄影中的运用。通过分析透视（Perspective）的运用，如高角度俯视与低角度仰视对主体关系的影响，来改变观众对场景尺度的感知。 第七章：动态、平衡与视觉节奏 一个优秀的构图必须具有节奏感，避免僵硬或杂乱。本部分着重于如何控制画面的动势。分析对角线如何引入速度和不确定性，而对称轴如何带来庄重与永恒感。讲解如何通过重复的元素、渐变的尺度变化来建立视觉韵律（Visual Rhythm）。教授如何利用负空间（Negative Space）来“呼吸”，通过留白来突出主体，并提升整体的极简美学。讲解景深（Depth of Field）的运用如何从技术工具转变为构图手段，用清晰的焦点来控制视觉的流向。 第八章：超越规则：风格化构图与跨媒介借鉴 摄影构图并非孤立存在，它深受其他艺术门类的启发。本章鼓励读者打破既有框架。分析包豪斯设计的结构主义对现代摄影中网格使用的影响；研究日本浮世绘中对平面化处理和强边缘线条的运用。讨论如何针对不同题材（如人像、建筑、街头）采用特定的“构图语汇”。最后，通过对大量艺术史经典作品的解构，帮助读者培养“看见”构图的能力，最终形成一套成熟、个性化的视觉组织系统，使每一次快门都成为有意识的艺术决策。 本书旨在提供一套严谨的分析工具和丰富的实践案例，帮助读者构建起一个全面、深入且富有创造性的视觉语言体系。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本《3D照片必修班》的时候，其实我并没有抱太大的期望。市面上关于摄影的书籍太多了，很多都是泛泛而谈，讲些我早就知道的基础知识，然后用一些华丽的辞藻来包装。但这本书，真的给了我惊喜。从一开始，它就不是那种“教你怎么拿相机”的书。它的视角非常独特，更多的是在引导你去思考“为什么”和“如何才能拍出更有吸引力的照片”。比如，它会深入探讨光线在不同场景下的运用，不仅仅是讲“顺光好”或者“逆光美”，而是会分析不同光线如何塑造物体形态，如何产生情绪，甚至如何影响观看者的视觉习惯。我记得里面有一章讲到“寻找隐藏的线条”，我以前拍照总想着拍主体，但这本书教会我，背景和环境中的线条同样重要，它们能引导视线，赋予画面深度和结构。而且，它还强调了“情绪的捕捉”，这比单纯的技术指导更有价值。通过构图、色彩甚至是模糊的处理，你可以传达出很多信息，这本书在这方面提供了很多切实可行的思路，而不是空洞的理论。我尝试着运用书里的一些构图技巧，比如利用前景虚化来增加空间感，或者通过不对称构图来打破沉闷。效果立竿见影，我的照片一下子就有了“故事感”，不再是简单的记录，而是有了生命力。这本书的内容，让我对摄影的理解上升了一个维度，感觉自己不仅仅是在学习拍照，更是在学习一种观察世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我总觉得自己的照片缺少一种“立体感”和“深度”，就像是用手机随便拍的照片，看起来扁平而单调。直到我偶然间发现了《3D照片必修班》这本书，才感觉自己找到了症结所在。这本书不像市面上很多摄影书籍那样，只讲一些浅显的理论或者技术参数，而是从更根本的角度，去剖析如何让照片“活”起来。我尤其喜欢它关于“光影运用”的篇章，它没有泛泛而谈，而是通过大量的实例，讲解了不同光源（无论是自然光还是人造光）如何塑造物体的立体感，如何通过明暗对比来营造画面氛围，甚至是如何利用反光和阴影来增加画面的层次感。书里还提到了“空间构图”的概念，让我意识到，原来照片不仅仅是平面的二维图像，通过巧妙的构图，完全可以呈现出三维的视觉效果。我尝试了书中提到的“引导线”和“前景虚化”等技巧，立刻就感觉自己的照片有了景深，仿佛可以一步步走进画面。而且，它还强调了“细节的表现力”，让我明白了，有时候一个微小的细节，比如纹理、质感，都可以让照片变得生动而富有感染力。这本书，真的让我对摄影有了全新的认识，感觉自己不再是简单的“拍照”，而是在“创作”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，一开始拿到《3D照片必修班》的时候，我只是抱着试试看的心态。毕竟，市面上讲摄影的书太多了，而且很多都千篇一律。但这本书，确实给了我眼前一亮的感觉。它没有那种大而全的介绍，反而非常有针对性。我最喜欢的是它关于“空间感”的构建。很多新手摄影师容易拍出“扁平”的照片，感觉所有东西都挤在一个平面上。这本书就针对这个问题，提供了非常多实用且易于理解的方法。它会从景深控制、前景运用、甚至是色彩的冷暖对比来讲解如何让画面产生纵深感。我印象最深的是关于“利用透视”的部分，书里通过一些生活化的例子，比如利用道路、建筑物的线条来引导观众的视线，让画面瞬间就有了方向感和延伸感。而且，它还强调了“立体感”的塑造，不仅仅是视觉上的，更是那种触手可及的真实感。书中的一些后期处理技巧，也不是那种复杂的PS教程，而是简单易懂的思路，比如如何通过调整对比度和饱和度来增强物体的质感。我按照书里介绍的方法尝试了一下，感觉自己的照片一下子就有了“空气感”，不再是死板的二维图像。这本书真的让我明白，好的照片不只是记录，更是对现实世界的重塑。

评分☆☆☆☆☆

我是一个摄影爱好者，但总觉得自己的作品缺乏灵魂。看了很多技术教程，也买了不少器材，但拍出来的照片总感觉“差了点意思”。偶然间翻到了《3D照片必修班》，这本书完全颠覆了我对摄影的认知。它不像很多书那样，上来就讲参数设置、镜头选择，而是从更深层次的角度去剖析摄影的本质。我尤其喜欢它关于“意境营造”的章节。书中通过大量的案例分析，阐述了如何利用景深、色彩搭配、甚至是画面留白来营造特定的氛围。我以前总觉得，构图就是要居中或者三分法，但这本书让我明白，构图是无限的，它可以根据你想要表达的情感来自由调整。它教会我如何通过引导线让观众的视线自然地进入画面，如何利用对比色来突出主体，甚至是如何通过模糊处理来暗示时间和空间。最让我醍醐灌顶的是书中关于“故事性”的讨论。它不是教你如何去摆拍，而是教你如何捕捉生活中的瞬间，并通过画面去讲述一个故事。它鼓励你去观察细节，去发现那些被忽略的美。我试着运用书中提到的“蒙太奇”手法，将几个看似不相关的画面组合在一起，居然产生了意想不到的艺术效果。这本书真的让我明白，摄影不仅仅是技术，更是一种艺术，一种表达自我的方式。它让我对摄影的热情重新被点燃，迫不及待地想去实践书中所学。

评分☆☆☆☆☆

我是一个摄影新手，一开始学习摄影的时候，完全是一头雾水。各种参数、各种术语，感觉自己永远也学不会。后来机缘巧合，我接触到了《3D照片必修班》，这本书就像一盏明灯，照亮了我的摄影之路。它没有上来就堆砌那些枯燥的技术名词，而是用非常通俗易懂的语言，一点点地引导我进入摄影的奇妙世界。最让我印象深刻的是它关于“观察力”的培养。书里强调，好的照片不是拍出来的，而是“看”出来的。它教会我如何去发现生活中的美，如何去捕捉那些转瞬即逝的瞬间。比如，它会让你留意光影的变化，告诉你如何利用不同的光线来突出被摄物体的形态和质感。我以前拍照总是随便拍，但现在，我学会了在按下快门之前，先观察周围的环境，去寻找那个最佳的拍摄角度和时机。而且，书中关于“构图”的讲解也非常实用。它不是教你死板的规则，而是教你如何根据画面内容来灵活运用构图技巧，让画面更有吸引力。我尝试了书里介绍的一些“不对称构图”和“框架构图”，效果真的不错，让我的照片一下子就有了“故事感”。这本书，真的让我从一个门外汉，变成了一个对摄影充满热情的实践者。