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原文作者： Boris Groys

图书标签:

• 艺术
• 创意
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• 文化
• 灵感
• 创新
• 艺术教育
• 艺术修养

这个权威性的概述将当代艺术——其美学策略、机构和驱动力——座落在现代主义革命、城市主义、新技术和后共产主义时代更深层次的背景下。葛罗伊斯结合了启发性的分析与哲学的问题，直达今日的文化生产核心。—─伊沃纳．布雷兹维克（Iwona Blazwick）伦敦白教堂艺廊（Whitechapel Gallery）馆长

　　艺术力：冲突之间的权力平衡与协商

　　葛罗伊斯的论辩方式，既非哲学也非纯粹美学，而是以现实为基础的思想推演，因而包含广阔（美学策略、艺术中的新、美术馆、策展、艺术评论、艺术文件、作者权、都市生活、数位艺术、电影、后共产主义时代等），读来相当引人入胜。《艺术力》一方面从现代艺术的历程出发，重新检视前卫艺术的任务与其偶像破坏在当今究竟如何可能；另一方面，也从深陷在艺术市场与当代艺术体制中的艺术实践，勾勒出一条足以与社会其他势力抗衡的艺术之力。也许正是因为见证过苏联超级大权力的衰败过程，葛罗伊斯相信观念主义之后的时代，宗教、政治、艺术之间终将会有一种新的平衡。

　　《艺术力》分成两个部分，第一部分针对当代艺术体制与公众间的命题，第二部份涵盖战争、希特勒的艺术理论、共产主义社会的艺术、以及西方多元主义视野下的后共产主义等主题。共15篇专论，收录葛罗伊斯在2000年到2007年间发表于期刊或是论坛上的重要论文。

《灵感之梯：探寻创意驱动的商业实践》 图书简介 在当今瞬息万变的商业环境中，仅仅依靠既有的流程和既定的知识结构，已无法确保企业的长青和突破。真正的增长引擎，在于能否构建一套系统化、可复制的“灵感驱动机制”。《灵感之梯：探寻创意驱动的商业实践》，并非一本空泛地谈论“创新”的理论手册，而是一部扎根于前沿商业案例、系统梳理了从概念萌发到市场落地的全周期实践指南。 本书的核心论点在于：创意不再是少数天才的特权，而是可以通过精密的认知工具和组织结构被系统激活的资源。 我们将把“创意”这一模糊的概念拆解为可量化的、可操作的商业元素，并构建一个清晰的“灵感之梯”，引导读者从基础的洞察收集，逐步攀升至颠覆性的商业模式重构。 第一部分：基石——洞察的采集与重构 本部分旨在为企业建立一个坚实的数据与人文洞察基础。成功的商业决策，永远建立在对真实世界深刻理解之上。 第一章：超越数据的表象——深层需求的挖掘 现代企业被数据洪流所淹没，但数据本身只描述“发生了什么”，而无法解释“为什么会发生”以及“接下来会发生什么”。本章深入探讨了如何通过定性研究（深度访谈、民族志观察、情景模拟）来穿透用户行为的表层，捕捉那些尚未被用户自己意识到的“隐性痛点”和“未来渴望”。我们将解析一套“冲突矩阵分析法”，用以识别市场现有解决方案与用户真实需求之间的关键摩擦点。 第二章：交叉学科的引力——知识的跨界嫁接 真正的颠覆性创新往往发生在学科的交叉点。《灵感之梯》提出“知识复用模型”（Knowledge Recombination Model），强调将看似不相关的领域（如生物学原理应用于供应链管理，或音乐理论应用于用户界面设计）进行结构化对比。本章提供了详尽的案例研究，展示了如何建立内部的“知识图谱”，并设计机制鼓励跨部门的技术与方法论迁移。我们特别关注如何构建“类比思维库”，帮助团队在面对新挑战时，能迅速从历史或他领域的成熟范式中找到解决方案的蓝本。 第三章：环境的敏感度——趋势的早期捕捉与过滤 宏观趋势（如人口结构变化、气候变化、技术奇点）是塑造未来市场的骨架。本章着重介绍如何建立一个“趋势监测雷达系统”，区分“噪音”与“信号”。我们引入了“衰减周期模型”，用以评估不同类型趋势（技术成熟度、社会接受度）的生命周期，指导企业决定何时进行早期投入（High Risk/High Reward）或跟随性布局。书中详细阐述了“逆向趋势推演”，即从预期的未来状态反向设计当前的市场进入路径。 第二部分：核心——创意系统的构建与激发 拥有洞察只是第一步，如何将这些洞察转化为可执行的创意，并系统地放大其价值，是本部分的重点。 第四章：认知负荷与思维的“去框架化” 人类的大脑倾向于走捷径（启发法），这在日常运营中高效，却在创新中成为桎梏。本章详细介绍了一系列“思维重置技术”，旨在暂时瓦解既有的认知框架。包括结构化的“假设消除法”（Challenge Assumption Mapping）、应用苏格拉底式提问来挑战核心商业逻辑的“本质拷问法”，以及如何利用物理空间和感官刺激（如改变工作环境的色彩、声音、气味）来促进非线性思维的产生。 第五章：从点子到原型——低保真验证的艺术 许多有价值的创意在早期因过度设计或过早投入资源而夭折。《灵感之梯》强调“快速、廉价、可逆”的原型构建哲学。本章详细解析了“最小可行体验”（Minimum Viable Experience, MVE）的设计流程，它侧重于验证用户情感连接而非功能完整性。书中提供了数百种“低保真工具包”的实用指南，从用纸板模拟复杂的软件界面，到通过情景剧快速测试服务流程的流畅性，确保创意在投入大量资本前，已通过市场的真实检验。 第六章：冲突的价值——建设性辩论的组织设计 创新往往在观点碰撞中诞生。然而，大多数组织环境抑制了有效的冲突。本章探讨了如何设计组织结构和会议流程，以制度化地引入“建设性异议”。我们引入了“魔鬼代言人配对系统”，确保每个提议在通过前都必须经历最严苛的反驳测试。同时，书中提出了“结果导向的创意评审机制”，将评审的焦点从“创意的好坏”转移到“创意能否解决特定商业问题”，从而降低个人情感投入，提高评估的客观性。 第三部分：攀升——规模化与文化固化 创意如果不能被有效地推广和内化为组织基因，最终将沦为一次性的成功。本部分关注如何将创新的火花转化为持久的竞争优势。 第七章：创新的规模化路径——从“孤岛”到“生态” 成功的创意往往需要跨部门、跨地域的协作才能最大化其影响力。本章深入分析了“创新扩散模型”在企业内部的应用，特别是如何构建“创意共享平台”，确保最佳实践能够被迅速识别、文档化并快速复制。书中强调了“赋能者”的角色——那些在组织中负责连接不同资源和团队的关键人物，并提供了建立激励机制以表彰这些连接者的策略。 第八章：面向未来的组织韧性——将失败纳入价值链 真正的创新文化不是避免失败，而是从失败中快速学习。《灵感之梯》提出了“事后解构分析”（Post-Mortem Deconstruction），这是一种超越传统“吸取教训”的深度分析方法，它要求团队系统性地还原决策链条，找出那些在当时看来完全合理的、但最终导致失败的“理性选择”。通过将这些失败的案例转化为可供新项目参考的“风险知识库”，企业能够持续积累无价的经验资本，使“试错成本”转化为“学习收益”。 第九章：领导力的重塑——成为灵感的“园丁” 最终，创意驱动的文化根植于领导力。本书的最后一部分探讨了现代领导者必须具备的新角色：他们不再是决策者，而是环境的塑造者、风险的承担者和认知的催化剂。章节内容聚焦于如何通过设定清晰的“远景目标”（Visionary Targets）来引导创意方向，如何通过授权和信任来释放团队的创造潜能，以及如何通过对探索性工作的持续投资，来确保企业的“灵感之梯”永不停止向上延伸。 --- 《灵感之梯：探寻创意驱动的商业实践》 不仅为高管层提供了战略蓝图，更为中层管理者和一线创新团队提供了具体的工具箱和思维模型。它是一部实用的操作手册，旨在帮助任何渴望在不确定性中寻找确定性增长的企业，真正掌握驱动未来的核心能力——系统化地创造、管理和实现商业灵感。通过本书，读者将学会如何系统地将商业的“未知领域”转化为“竞争优势”。

作者简介

波里斯．葛罗伊斯（Boris Groys）

　　出身前东德。曾任德国卡斯鲁尔艺术与设计大学高级研究员，目前是纽约大学全球卓越教授，是重要的当代艺术理论家之一。2011年策画威尼斯双年展俄罗斯国家馆、2012年受邀担任上海双年展的共同策展人、2012年德国文件展（Documenta 12）百位理论家出版计画中的一位。
    
　　他的着作《走向公众》（Going Public, 2010）、《揣测与媒介：媒介现象学》（Unter Verdacht: Eine Phanomenologie der Medien, 2000）有中文简体版，广为学术界与艺术圈流传。其他包括：《共产主义后记》（The Communist Postcript, 2010）、《史达林主义的整体艺术：前卫艺术、美学独裁及超越》（The Total Art of Stalinism: Avant-Garde, Aesthetic Dictatorship and Beyond, 2011）、《反哲学导论》（Introduction to Antiphilosophy, 2012）、《历史变成形式：莫斯科观念主义》（History Becomes Forms: Moscow Conceptualism, 2013）、《论新》（On The New, 2014）。

译者简介

郭昭兰（Guo Jau-Lan）

　　独立策展人暨艺评，目前为台北艺术大学新媒体艺术研究所与艺术跨领域研究所兼任副教授。

　　2006年起开始以策展形式发表，主要关注声音艺术、影像与视觉文化相关的文化实践。2011年获得文化部视觉暨表演艺术人才出国驻村及交流计画补助，前往纽约ISCP进行策展人驻村计画；是2014与2015年度台新艺术奖提名人，也是哈柏安身体艺术实验室计画主持人。

刘文坤（Vincent Liu）

　　1996年毕业于美国科罗拉多州立大学物理研究所，曾在美国与德国公司工作，现居台湾。主要研究兴趣在科学哲学与机电系统。

推荐序：艺术之力无差别｜林宏璋
 译者序：在艺术之中操演艺术之力｜郭昭兰
 绪论

第一部分
‧美学平权的逻辑  
‧论新
‧论策展
‧生命政治年代的艺术：从艺术品到艺术文件
‧圣像破坏做为一种艺术手法：电影里的圣像破坏策略
‧从影像到影像档—再回到影像: 数位化时代的艺术
‧多重作者
‧旅游复制年代的城市
‧批判的反思

第二部分
‧战争里的艺术  
‧英雄的身体：希特勒的艺术理论
‧教育大众：社会写实主义的艺术
‧多元之外：文化研究与其后共产主义的他者
‧私有化，或后共产主义的人造天堂
‧欧洲与欧洲的他者

 文章出处
 索引
 图版目录与来源

序

在艺术之中操演艺术之力　郭昭兰

　　比较葛罗伊斯的《艺术力》（Art Power）与1961年美国评论家葛林柏格（Clement Greenberg）的《艺术与文化》（Art and Culture）背后的视野与假设，主流的视觉艺术这50年来，似乎扩张其命题到令人难以想像的程度。
    
　　先不说《艺术与文化》的第一章〈前卫与媚俗〉（Avant-Garde and Kitsh）如何在建构其艺术论述的时候，暗批苏联「为大众而艺术」（葛罗伊斯并不同意这样的诠释）的艺术，只能配得上「媚俗」的说法；二战后冷战局势左右艺术论述一分为二，从此台湾也因为全球地理政治结构而「被选择」以「为艺术而艺术」做为其合理艺术思想之架构与前导，跟着与前苏联所谓「为大众而艺术」的论述对立起来。如此，我们同地球上一大半的艺术市场与观众一样，可以轻松列出一长串西方艺术家偶像名单与关键字，却对东欧与苏联以政治宣传做为其现代艺术条件的艺术世界，知之甚少。
    
　　其次，形式主义的现代主义架构下的艺术史观，压抑了20世纪初期前卫艺术运动中的乌托邦性格；前卫艺术中的恐怖行动，例如未来主义以惊吓、恼怒、挑衅驯化中产阶级观众的激进表演，要不是被认为不过是昙花一现的意外插曲，就是以新颖艺术形式的开创者加以收纳。然而，如今文化不断奇观化的过程中，任何重申艺术之力的努力，相较之下，首先要面对的是艺术市场与艺术体制化这个当代艺术乌托邦论最为弔诡的包袱。葛罗伊斯的《艺术力》便是试图在思想与概念上，排除通往这条乌托邦路上的碎石子。他借以排除障碍的工具与方法，与其来自东欧前共产社会的背景、黑格尔式的辩证有关，也轻巧地混合着一种矛盾对立的荒谬语调、悲伤的世界史观以及无可救药的乌托邦主义。
    
　　「如果所有在艺术市场结构下创造的艺术都以极权社会中所生产的艺术相同道德加以怀疑，那么20世纪艺术看起来会怎样？」去做这样的思考练习，是《艺术力》给读者预备的历史政治思辨方法学。如果我们把整本《艺术力》论文集倒过来看，读者将首先在第二部分的最后一篇论文〈欧洲与欧洲的他者〉中看到，作者把我们所熟悉的「艺术」置回欧洲人本主义的传统，借此揭示由西方主流艺术所接受并採行的艺术概念，如何受惠于欧洲借以定义自身、但实则矛盾侷限的人本主义概念，这大大左右并形塑欧洲以外的文化与艺术的实践与诠释。即使过去前卫艺术致力扩充艺术范畴，但最终并没有生造出一个更具普遍性的定义，而是「将旧有的加以多元化、差异化、予以倍增。」终究，「所有承认作品为艺术的理由都是片面的，但整体的修辞就是毫无疑问地『欧洲的』」。
    
　　以这样的视野往回看第二部分的〈英雄的身体：希特勒的艺术理论〉、〈教育大众：社会写实主义的艺术〉、〈多元之外：文化研究与其后共产主义的他者〉、〈私有化，或后共产主义的人造天堂〉，则正好窥见，葛罗伊斯的评论思想背后的故事。这些过去被西方主流艺术叙述给遗漏，甚至污名化的地带以及它的遗产，如今成了我们重新看待艺术的另类对照。当然，这样的举措看似有重新撰写世界艺术的野心，不过葛罗伊斯终究不在对世界百科的细目进行定义上的新增或填补，而比较是透过对艺术世界进行动态关系的分析与其背后假定的拆解。美术馆内的收藏如何协助界定美术馆外的现实？现代艺术之后，艺术如何谈「新」？美术馆在当代艺术无可避免的大众化路途上，其公共任务为何？现代艺术那里，美术馆成了新圣像的制造场所，为什么策展人是现代艺术在当代的合法继承人？在《艺术力》的第一部分，葛罗伊斯铺陈足够的挑衅与悖论，借此揭示艺术与现实的关系、并打开重组艺术命题的思辨空间。作者可以说绝望地但同时机敏地在当代艺术与现代艺术中间来回穿梭辩证，最终将美术馆与实验性策展，看作是乌托邦论在现实中可能的空间与位址：只有在这里，在个体承认凝视的局部性条件下，「异邦人」得以与「熟悉的」不断交换位置，「异邦人」呈显为永远足够开放的悬而未决。
    
　　究竟，葛罗伊斯的《艺术力》从何而来？《艺术力》是个暧昧的标题，彷彿艺术自身拥有神奇的魔力。实则，葛罗伊斯点出，当前的艺术世界中，艺术评论、作者（无论是艺术家或策展人）要谈个人、原封不动纯粹的作者性已经失去其意义。艺术的自主性向来被视为依附在美学价值判断的自主之上的，现在也都不再有效；不过，也就是在这个关键点上，葛罗伊斯转了一个弯指出，艺术曾经以再现最伟大的力量—神圣的或是自然的—获得其自身的权威；这种再现无限力量的传统，使艺术运用无限力量的影像，间接地批判了有限的政治力。这才使得现代艺术做为整体，在宣称权力平衡的现代国家中，提供了一个完美平衡的乌托邦形象。
    
　　就在这里，这个与政治力维持恐怖平衡的 art power 中的 power 除了有一般性的「力量」的含义之外，更是与「权力」互相抗衡对峙的对手，在这里《艺术力》就是「艺术权」。然而，艺术具备对抗外来压力的能力吗？葛罗伊斯认为「恰恰是缺乏任何内在的、纯粹的美学价值判断，保证了艺术的自主性。艺术的疆界建构在这种缺乏、甚至拒绝任何美学判断的结构上。」「基于美学平等的假设，所有的视觉形式、物件、和媒介之间，必须拥有基本的平等，「每一个价值判断、每一个排除或纳入，才有可能被指认为外界支配力量侵入艺术自主领域的结果 。正是这样的指认，开启了以艺术自主性为名的，反抗的可能性」也就是说，以所有艺术形式与媒介均为平等之名所做的反抗，奠基了艺术力的基础。而去维护这个平等，就是葛罗伊斯口中艺术施展其力—权力平衡与协商之力—一种后观念式的艺术实践的基础。
    
　　如此，艺术之力証成为一种在艺术之中透过不断重覆的施为（perform）才加以确认的力量。《艺术力》因此至少给我们几个重新周转问题意识的空间。首先，《艺术力》如果是关于冲突之间的权力平衡与协商，美术馆内／外的动态关系，如何协助我们交涉社会现实的基本假设？那个迫切需要重新配置的不平衡又是什么？艺术活动如果不再只是关于美学慾望的对象，那么思想上它可以对现实进行怎样的牵制？
    
　　艺术书写如果如葛罗伊斯所说的，可以被看作是艺术作品，那么其实我们也可以把《艺术力》论文集当作是一件作品。它是一个透过日常语言进行思辨以打开想像的艺术作品，而不是一本关于艺术哲学的规范性文论。在这里，前卫艺术的未竟之业、多元主义的虚假面具、前共产社会被错解的艺术实践、艺术与现实，都以某种动态平衡的关系，呈现为一种未定性的流动局面。终于，艺术似乎找回了它的神祕性。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书纯属偶然，当时在书店里随手翻了几页，就被它独特的视角所吸引。它没有按照传统的艺术史脉络来梳理，而是从一个非常个人化的、甚至有些“叛逆”的角度切入。作者似乎并不在意那些既定的评判标准，而是鼓励读者去质疑、去探索、去建立自己的理解体系。我最欣赏的一点是，它没有试图告诉你“什么是对的艺术”，而是让你去思考“什么才是你认为的艺术”。这种开放性的引导，反而激发出我内心深处对艺术的好奇和渴望。书中的一些案例分析，非常具有启发性，它们不仅仅是作品的介绍，更是作者对作品背后精神的解读。我感觉作者就像一个侦探，在层层剥茧中，挖掘出艺术作品的灵魂。读这本书的过程，就像是在进行一场智力冒险，每一次翻页都可能带来新的发现和思考。它让我明白，艺术的价值，很大程度上在于它所激发的共鸣和思考，而这种共鸣和思考，往往是跨越时空、触及心灵的。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我并不是一个艺术科班出身的人，对艺术的了解也仅限于一些皮毛。所以，在拿起这本书之前，我还有些忐忑，担心自己看不懂。但是，这本书的语言风格非常生动有趣，就像是在听一个老朋友聊天，用一种轻松幽默的方式，将一些复杂的概念娓娓道来。它没有高高在上的姿态，而是把读者当作平等的对话者，邀请你去一起探讨。我尤其喜欢书中的一些“小练习”或者说是“思考题”，它们鼓励我去观察生活中的细节，去发现那些平时被忽略的美。这本书让我感觉到，艺术其实离我们很近，它就在我们身边，只是需要我们有一双善于发现的眼睛。读完这本书，我感觉自己的视野开阔了很多，也更加愿意去接触和欣赏各种形式的艺术。它让我明白，艺术的价值，在于它能够提升我们的审美情趣，丰富我们的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

一本被朋友强烈安利的书，终于拿到手了，迫不及待地翻开。从封面设计到排版印刷，都能感受到作者的用心。我一直觉得“艺术”这个词，在很多人眼中都带着一丝遥不可及的神秘感，仿佛是少数精英的专属。但这本书从一开始就试图拉近这种距离，它没有用艰涩的学术术语，也没有堆砌令人眼花缭乱的理论，而是用一种非常平易近人的方式，一点点揭开艺术的面纱。我尤其喜欢它在叙述过程中穿插的那些小故事和个人经历，让那些抽象的概念瞬间变得鲜活起来。读着读着，我甚至觉得自己也能和大师们对话，也能理解那些看似“难以理解”的艺术作品。这本书给我的感觉，就像是在一个充满惊喜的展览中漫步，每一件展品都仿佛在诉说着自己的故事，而作者就是那个耐心细致的讲解员，引导着我去发现其中的奥妙。它让我开始重新审视身边的世界，原来艺术无处不在，它不仅仅是陈列在博物馆里的画作，更是生活中的色彩、线条、声音和情感的表达。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让人读完后，心中充满力量的书。它不仅仅是对艺术的探讨，更是对生命、对创造力的一种赞颂。作者的文字有一种抚慰人心的力量，能够平息浮躁，让人回归内心的宁静。我常常在感到迷茫或者疲惫的时候，翻开这本书，然后会被里面那些关于艺术的深刻洞见所打动。它让我看到了艺术是如何跨越时代，连接人类共同的情感和体验。我尤其欣赏书中对于“创造力”的解读，它不拘泥于任何形式，而是强调一种内在的驱动力和生命的热情。这本书让我觉得，每个人身上都蕴藏着无限的创造力，只是需要我们去发掘和释放。它给了我很大的启发，让我开始思考如何在自己的生活中，融入更多的艺术元素，如何去发现和表达自己内心的声音。它让我明白，艺术的意义，在于它能够点燃我们的生命热情，让我们活得更加有意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧非常别致，拿在手里就有种沉甸甸的质感，仿佛里面蕴藏着厚重的智慧。我一开始抱着一种学习的心态来阅读，希望能从中获得一些关于艺术的“干货”。然而，读着读着，我发现这本书带给我的远不止于知识的增长。它更像是一种精神上的滋养，一种对美的重新发现和体验。作者的文字非常有力量，仿佛带着一种魔力，能够瞬间将读者带入到那个艺术的世界。我尤其喜欢书中那些关于艺术家创作过程的描写，它们让我看到了艺术家背后付出的艰辛、挣扎和坚持。原来，伟大的艺术作品并非凭空而生，而是凝聚了无数的心血和汗水。这本书让我对艺术创作的艰辛有了更深的理解，也让我对那些默默耕耘的艺术家们充满了敬意。它让我明白，艺术的魅力，不仅在于其最终呈现的美，更在于其背后所蕴含的生命力与创造力。