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本展览由国立台湾美术馆与美国康乃尔大学强生美术馆共同主办，邀请康乃尔大学艺术史学系教授潘安仪教授进行展览研究及策划，挑选33位台湾艺术家及50多组件作品参展，策展人选取了在台湾艺坛深具代表性的老中新三个世代及其创作展出，分别从不同的世代脉络和观点探讨台湾艺术在全球化视野下的文化发展之多重可能性诠释。展览于2014年8月16日于美国康乃尔大学强生美术馆(Herbert F. Johnson Museum of Art, Cornell University)开始展出，展至2014年12月21日。

异境之境：新世代的视觉对话与文化拓扑 一部深入剖析全球化语境下，以非西方视角重塑现代性叙事的艺术群像志。 本书聚焦于二十世纪末至今，全球艺术版图上迅速崛起的一批重要艺术家群体。他们并非局限于单一地理疆域，而是通过跨越文化、媒介与意识形态的边界，对既有的“中心-边缘”结构进行深刻的解构与重组。这部作品集，旨在呈现一种“流动的中心性”——一种不依附于任何既定权力机构，而是在不断的迁徙、融合与抵抗中自我生成的艺术现场。 第一章：去中心化的权力景观与记忆的重构 本章首先探讨了在全球资本主义与信息爆炸的时代背景下，艺术如何作为抵抗的场域，挑战主流叙事对历史的单一化处理。我们深入分析了那些致力于“去殖民化”的艺术实践。这些艺术家拒绝接受西方艺术史的既定框架，而是从本土的、边缘化的或被压抑的记忆碎片中，重新打捞被遮蔽的知识谱系。 重点案例包括：对战后集体创伤进行符号学分析的摄影师群体。他们的作品往往采用非线性的叙事结构，将个人经验的微观层面嵌入宏大的社会变迁之中。例如，一位阿根廷艺术家如何运用档案材料与超现实主义的手法，构建了一个关于“失踪者”的幽灵空间，迫使观者直面历史的断裂性。 此外，本章还关注了全球南方语境中对“进步”概念的反思。艺术家们质疑技术进步与现代化必然带来福祉的线性叙事，转而关注技术滥用、环境破坏以及后工业废墟的美学。他们不是简单地拒绝现代性，而是将其视为一种需要被批判性地“重访”和“重塑”的过程。 第二章：物质性的回归与媒介的游牧 随着数字时代的全面铺开，当代艺术界出现了一股强劲的“物质性回归”浪潮。本章考察了艺术家如何重新审视传统媒介的物理属性，并将其与当代议题结合。这不是对传统的怀旧，而是一种对材料本身所携带的历史信息和触觉经验的重新激活。 我们详细剖析了“土壤美学”的兴起。一些艺术家将泥土、矿物、植物纤维等自然材料作为创作的核心元素，探讨人与土地之间脆弱的共生关系。这些作品往往带有强烈的仪式感和暂驻性，挑战了博物馆和画廊对艺术品“永恒性”的偏好。它们的展示形态本身，就是对艺术品商业化逻辑的抵抗。 同时，本章也探讨了媒介的“游牧化”趋势。艺术家们娴熟地在油画、雕塑、装置、影像、表演之间穿梭，不再固守单一的技法领域。例如，一位中东艺术家如何将传统的纺织工艺与人工智能算法相结合，创造出既具有古典韵律又充满未来感的动态雕塑。这种媒介的跨界性，反映了艺术家面对复杂现实时，所采用的多维度、多层次的认知策略。 第三章：身体的政治与身份的流动性 身份政治是理解当代艺术不可或缺的一环。本章聚焦于艺术家如何将身体视为一个充满张力、不断被构建和解构的政治空间。这里的“身体”不再是生理学的实体，而是文化、性别、种族与权力交汇的战场。 我们分析了“跨性别/非二元身份”艺术家如何利用表演艺术和自拍影像，挑战视觉文化中对人体的规范化凝视。他们的作品往往是自我协商、自我赋权的公开声明，揭示了社会规范如何通过视觉语言对身体施加暴力。 另一个重要的研究方向是个体在超国家化时代中的“疏离感”与“迁徙经验”。对于那些经历过多次跨文化迁徙的艺术家而言，身体成为了记忆的容器和故乡的替代物。他们通过身体在不同空间中的移动轨迹、语言的碎片化使用，表达了一种难以定位的、处于“中间状态”的生存状态。这些身体实践，构成了对单一民族国家身份认同的有力诘问。 第四章：生态危机与非人视角 随着气候变化成为全球性的生存危机，艺术的关注点正逐渐从人类中心主义转向对更广阔生命共同体的关怀。本章探讨了艺术家们如何发展出“非人视角”的艺术语言。 这包括对“物性”（Object-Oriented Ontology, OOO）哲学的视觉化探索。艺术家不再将自然界视为人类可以任意取用的资源，而是将其视为具有自身主体性和能动性的存在。例如，一些雕塑作品模仿了地质变迁的速度和形态，它们的创作过程如同缓慢的“地质事件”本身，迫使观众以百万年的时间尺度来审视存在。 此外，本章还分析了对“技术-自然混合体”的描绘。在人工培育的生物、基因编辑技术和虚拟现实日益渗透生活的当下，艺术家们构建了充满异形美感的“赛博自然景观”。这些景观既令人不安，又充满了对生命可能性的奇特想象，是对人类傲慢的深刻反思，呼吁一种新的生态伦理。 结语：在缝隙中发现未来 《异境之境》并非旨在提供一个统一的答案或清晰的路线图，恰恰相反，它赞扬了当代艺术在面对复杂性时所展现出的不确定性、开放性和创造性的“缝隙”。这些艺术家们通过各自独特的、往往是高度个人化的语言，描绘了一幅横跨地域、时间与媒介的宏大图景。他们的作品共同构建了一个持续演变的文化拓扑，邀请观者进入一个充满挑战、但也充满未尽潜能的艺术新世纪。 本书适合艺术史学者、文化批评家、当代艺术收藏家，以及所有对全球语境下身份、权力与物质性关系感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，首先映入眼帘的是那种扑面而来的现代感，一种不拘一格、大胆前卫的视觉冲击。书页间流淌着的是台湾当代艺术最鲜活的脉搏，从那些令人耳目一新的装置艺术，到充满叙事性的影像作品，再到那些在画布上释放出奔放情感的绘画，都透露出艺术家们对周遭世界的敏锐洞察和深刻反思。我尤其着迷于那些作品所折射出的社会议题，它们不像某些艺术那样高高在上、难以理解，而是与我们息息相关，引发我对自己生活环境、身份认同的种种思考。那种将个人情感与宏大叙事巧妙融合的能力，在这些艺术家的笔下、镜头里、或者说他们的创作媒介中，得到了淋漓尽致的体现。书中的每一张图片都仿佛在诉说着一个故事，每一个作品的背后都蕴含着创作者的心血与智慧，让我不禁一次次地停下来，细细品味，试图捕捉那些隐藏在色彩、线条、形式背后的深层含义。这不仅仅是一本画册，更像是一扇窗，透过它，我窥见了台湾当代艺术那令人惊喜的多样性与蓬勃生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种全然不同的艺术视角，它颠覆了我以往对某些艺术流派的固有印象。我原以为当代艺术总是充斥着晦涩难懂的概念和难以捉摸的表达，但这本书却用一个个鲜活的作品，打破了我的偏见。我看到了艺术家们如何巧妙地运用各种媒介，将抽象的思想转化为具象的视觉体验。尤其是一些作品，它们不仅仅是视觉上的享受，更是智力上的挑战，引人深思。书中所探讨的议题，从社会公平到环境问题，从身份认同到集体记忆，都深深地触动着我。我惊叹于艺术家们能够如此精准地捕捉时代的敏感点，并用富有创意的方式将其呈现出来。这本书让我意识到，艺术不仅仅是美的载体，更是思想的容器，是社会批判的利器。它是一次充满惊喜的探索之旅，让我对台湾当代艺术有了全新的认识，也让我对艺术的无限可能性有了更深的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了一种宁静而又深刻的体验。在快节奏的生活中，能有这样一个机会，静下心来，去欣赏这些来自台湾的当代艺术作品，实属不易。我喜欢那些作品中流露出的那种淡淡的忧伤，那种对过去的回望，以及对未来的迷茫。它们不像某些艺术那样张扬跋扈，而是以一种温和而又坚定的姿态，触动人心最柔软的部分。书中的许多作品，都带着一种浓厚的人文关怀，它们关注个体的情感，关注社会的细微之处，用一种细腻的方式，展现着人性的复杂与美好。我看到了艺术家们如何在喧嚣的世界中，寻找内心的宁静，如何在困境中，保持希望。这种平和而又充满力量的表达，让我感到深受启发。这本书，就像一位老朋友，在不经意间，给我带来了慰藉和启迪，让我重新审视自己的生活，更加珍惜当下。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我脑海里留下的印象，与其说是具体的图像，不如说是一种氛围，一种混合了疏离与亲切、反叛与温情的情感交织。书中的艺术作品，似乎总是在挑战既有的认知边界，用一种意想不到的方式去解构我们习以为常的现实。我看到了艺术家们如何从台湾的本土文化中汲取养分，又如何将这些元素与国际化的视角相结合，创造出独一无二的艺术语言。这种在地性与全球化的碰撞，产生了一种既熟悉又陌生的奇妙张力。有时候，我会感到一丝困惑，仿佛置身于一个既熟悉又陌生的梦境，但紧接着，又会被作品中的某种细腻情感所打动，仿佛找到了一个共鸣点。书中所呈现的，不仅仅是艺术家的个人表达，更是他们对时代脉搏的捕捉，对社会变迁的记录，以及对个体生存状态的探问。这种复杂的、多层次的表达方式，让我在阅读过程中不断地进行着自我对话，也让我对台湾这片土地上的人文精神有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊艳的地方在于它所展现出的那种“敢想敢做”的精神。里面的作品，没有太多刻意的雕琢，也没有过多的理论束缚，更多的是一种源自内心深处的呐喊和表达。我看到了艺术家们对生活的热情，对艺术的执着，以及他们不畏艰险、勇于探索的创作态度。有些作品或许在技法上并不算极致精湛，但在其背后所蕴含的创意和思想，却足以震撼人心。这种原始的生命力，这种不受拘束的创造力，正是当代艺术最宝贵的东西。书中的许多作品，都让我联想到了当下社会的一些现象，比如快速的城市化进程，比如科技对我们生活的影响，比如年轻一代的成长经历。艺术家们用他们独特的方式，将这些抽象的概念具象化，引发观者思考，也提供了一种新的观看世界的方式。这是一本充满活力的书，它让我感受到了艺术的力量，也让我对未来充满了期待。