台湾美术全集第33卷：陈夏雨 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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《台湾美术全集33卷陈夏雨》一书对陈夏雨代表作品蒐罗齐全，收录109件，并配合作者王伟光在陈夏雨工作室以自然光拍摄的作品图像，逐件详加阐明介绍，并选辑陈夏雨生活照片揭露更多为人所不知的精微奥义。

　　陈夏雨自1933年开始，全力投入雕塑之制作，创作路程持续了66年之久，陈夏雨的工作习惯，大约三个月可制成一件，但总结一生遗存的雕塑才得一百多件（少数几件原作失轶，仅存图片），且多为小品。在他留日期间，不少作品更是毁于战火，库藏的作品，也多数未标示制作年代，这使得要为陈夏雨的作品断代困难重重，也让台湾雕刻史的记载上始终留有一些空白、晦暗不明。

　　本书作者王伟光，身兼美术教育家和画家，曾得缘于1995-1999年间亲炙夏雨先生，保存了台湾美术史珍贵的质化资料。透过彼此畅谈艺术的经历，以及多年探寻其创作轨迹，而后完成此专辑之撰述，冀能建立起研究、大众欣赏陈夏雨雕塑艺术之坚强础石。
 

台湾美术全集系列其他卷册简介（示例性概述） 《台湾美术全集》系列旨在系统、全面地梳理与呈现台湾自荷西时期至今，横跨不同历史阶段与艺术思潮的视觉艺术发展脉络。此套丛书力求通过详实的图版、严谨的学术考证与深入的理论分析，构建一部具有里程碑意义的台湾美术史。本系列涵盖了从早期的本土艺术实践、日治时期的现代化冲击与本土意识的萌芽，到战后东西方思潮的激荡、现代主义的探索，直至当代多元化、全球化背景下的艺术景观。 以下将分别概述本系列中，除第三十三卷《陈夏雨》之外的其他卷册可能涉及的主要内容方向（请注意，由于《台湾美术全集》的实际卷册划分和具体内容可能因出版社和不同版本的编纂策略而有所不同，以下内容是基于一个典型、全面的“全集”编纂结构进行的推测性、示例性描绘，旨在展示该系列的其他组成部分，而非某特定版本的精确目录）： --- 早期与古典的奠基（例如：第1-5卷） 早期原住民艺术与早期汉人拓垦遗存： 这部分卷册通常会深入探讨台湾在地文化的艺术表达。内容可能聚焦于台湾原住民十二族群的传统工艺、仪式艺术、雕刻、编织与图腾文化。这些艺术形式不仅是审美活动的体现，更是族群历史、信仰体系与社会结构的物质载体。 同时，也会涉及十七世纪荷兰人与西班牙人统治时期留下的零星记录，以及早期汉人移民带来的闽粤文化元素——例如，福州洋楼的细部装饰、早期的庙宇壁画、木雕与剪黏技艺，展现早期定居社会中，艺术如何服务于宗教、祭祀与生活实用功能。 清代士绅文化与地方文人画： 这部分卷册将重点考察清代中后期，随着汉人社会结构的稳定，以府城（台南）和艋舺（台北）为中心的士大夫阶层所进行的艺术活动。内容将涵盖： 传统书画的继承与发展： 探讨来台的清代遗民画家、地方望族中“以诗书为业”的文人，他们如何将内地的笔墨传统移植至台湾，以及如何融入台湾特有的自然景观（如八掌溪、阿里山等）进行创作。 民间工艺的鼎盛： 详细记录如交趾陶（如林焕亭体系）、栋梁雕刻、以及在地方庙宇建筑中得到集中体现的泥塑、彩绘等工艺的成熟技法与代表作家的风格演变。 --- 日治时期（1895-1945）：新旧交锋与学院教育的引入（例如：第6-15卷） 日治时期是台湾艺术发展史上的关键转折点，本系列中覆盖此阶段的卷册篇幅往往最为宏大，内容极其复杂和多元。 西学东渐与新美术的萌芽： 台湾美术展览会的成立与影响： 详细梳理日本总督府在台湾举办的“台湾美术展览会”（台展）对台湾艺术界的巨大推动作用。分析早期入选者（如陈植棋、陈澄波、廖继春等）如何通过学院派的写实技巧，结合台湾本土题材，开创出具有“台湾味”的现代画风。 西洋绘画技法的引进： 重点呈现油画、水彩画、素描等西方绘画技巧如何在台湾的学校和私人画社中传播、落地与本土化的过程。剖析如刘锦堂、李梅树等画家对西方光影、透视理论的吸收与运用。 现代主义思潮的探索与本土意识的觉醒： “乡土写实”的先声： 探讨在殖民体制下，艺术家如何通过描绘台湾的田园风光、庶民生活，暗含对土地的依恋与身份的追寻。卷册可能聚焦于关注底层劳工、市井百态的现实主义倾向的早期表现。 留日艺术家的归乡与革新： 分析在东京、京都等地学习现代艺术（如后印象派、野兽派等）的艺术家返台后，如何挑战既有的学院派审美，推动更激进的艺术语言实验。 工艺与设计的现代化： 工艺美术的转型： 探讨日本“工艺复兴运动”对台湾的影响，如何将传统工艺（如漆器、陶瓷）导入现代设计理念，以及殖民政府在“工艺推广”背后的文化策略。 --- 战后初期与“反攻大陆”的时代烙印（1945-1960s）（例如：第16-22卷） 二战结束后，国民政府迁台，艺术界经历了剧烈的思想重塑和对创作方向的筛选。 写实主义与政治正确的规范： “复古”与“写实”的主导地位： 分析战后初期，艺术创作如何围绕“反共”、“建设”等主流意识形态服务。大量卷册会关注以写实主义为主要表现手法的画家，他们如何通过描绘劳动者、模范人物、以及对“祖国河山”的想象进行创作。 “省展”的建立与艺术体制的重构： 探讨“台湾省美术展览会”取代“台展”后，对艺术家选拔、题材取向和评审标准的具体影响。 留日/留法画家的挣扎与过渡： 早期留学生的回乡经验： 考察那些在战前已掌握西方现代技法（如立体主义、野兽派残余影响）的艺术家，在新的政治环境下，他们如何调整自己的艺术语言，使之符合主流审美，或在私下进行保守的现代主义探索。 水墨画的“学院化”： 探讨战后水墨画领域，如何从传统文人画的散漫状态，转向受素描和西画造型观念影响的“学院派水墨”风格的形成。 --- 现代主义的爆发与冲突（1960s-1980s）（例如：第23-30卷，以及部分涉及抽象表现主义的卷册） 这是台湾艺术史上最为活跃和充满争论的时期，现代主义思潮全面爆发，并形成了多个具有鲜明地域特征的艺术团体。 抽象表现主义的冲击与“五月画会”： 对西方抽象的本土化诠释： 重点分析以刘国松为代表的画家，如何吸收美国抽象表现主义的激情与自由，并将其与中国水墨的“气韵生动”相结合，创造出如“水墨推晕法”、“裂纹”等具有强烈东方意蕴的抽象语言。 “五月画会”的集体行动： 深入剖析该团体的成立背景、主要成员（如楚上 गुणन、顾名思义等）的创作理念，以及他们对传统美学的颠覆性主张。 “东方画会”与更激进的探索： 中国传统符号的颠覆： 介绍该群体如何更激进地运用笔墨材料，结合西方波普艺术、前卫艺术的概念，对中国传统图像进行解构与重组，挑战既有的文化权威。 “新生代”与对社会现实的关照： 具象绘画的回归与反思： 在抽象浪潮退却后，开始出现一批重新关注具象描绘的艺术家，他们的作品开始渗透出对战后社会中产阶级生活、城市化进程、以及个体异化状态的敏感捕捉。 --- 当代艺术的多元化与全球对话（1980s至今）（例如：第34卷及后续） 随着台湾解严，艺术创作进入前所未有的自由与多元阶段。 社会运动与批判性艺术的兴起： 本土意识的深化与“台湾精神”的追寻： 探讨在政治解严后，艺术家如何更直接地介入社会议题，关注历史记忆、族群身份（如客家、原住民）、女性主义等议题。 行为艺术与装置艺术的兴盛： 分析新媒体艺术在台湾的起步与发展，艺术家如何利用空间、身体和现成品来挑战传统绘画雕塑的界限。 全球化语境下的新媒介与新思潮： 录像艺术与数字媒体的运用： 考察台湾艺术家如何在全球艺术网络中定位自身，并积极采用国际化的艺术语言和议题，如身份政治、全球资本流动等。 对传统工艺的当代性转化： 许多当代艺术家开始回溯“全集”系列中早期卷册所记载的传统工艺技法，并将其置于当代语境下进行观念性的重新阐释与实践。 --- 《台湾美术全集》的整体价值在于，它不仅仅是艺术作品的简单汇编，而是通过对不同时代、不同地域、不同媒介的艺术家的深入研究，为读者提供了一个理解台湾社会变迁、文化认同构建与审美意识演进的独特窗口。每一卷册的聚焦，都是对台湾艺术史复杂纹理的细致描摹。

作者简介

▍王伟光

　　1952年出生于台中市
　　中国文化大学美术系毕业
　　美术教育家、画家

　　着作：《台湾美术全集15—陈德旺》、《陈德旺画谈》、《纯粹．精深．陈德旺》、《苗汉刺绣—老虎变龙》、《儿童美育启蒙—我的孩子是毕卡索》、《陈夏雨的祕密雕塑花园》等

　　获奖：《儿童美育启蒙—我的孩子是毕卡索》  获「第一届全国优良艺术教材分享活动∕学校一般艺术教材组首奖」（国立台湾艺术教育馆）

编辑委员、顾问、编辑群名单
凡例
目录
目录（英译）
陈夏雨作品图版目录
论文
陈夏雨的生涯与创作⋯⋯王伟光
附录：陈夏雨雕塑作品的翻制工序
参考资料：书籍、报刊、未刊稿、访谈
陈夏雨的生涯与创作（英文摘译）
陈夏雨的生涯与创作（日文摘译）
陈夏雨作品彩色图版
参考图版
陈夏雨生平参考图版
陈夏雨作品参考图版
陈夏雨作品图版文字解说
陈夏雨创作年表及国内外艺坛记事、国内外一般记事年表
索引
论文作者简介

序

陈夏雨的艺术探寻之路
文／王伟光

　　陈夏雨从小喜爱工艺制作，他个性内向、沉静，极少和儿童玩伴玩耍，只知认真做他的竹蜻蜓、布袋戏木偶头。十七岁那年，陈夏雨的舅父自日本携回雕塑家堀进二制作的<林东寿(外公)胸像>，夏雨先生见了，十分着迷，开始着手雕塑的试作；此一职志，延续一辈子的苦心孤诣，迄于老死。他先以近旁熟人、小动物揣摩制作，所作<青年坐像>、<孵卵>等，技法之纯熟，已有老手风范，极为肖似对象物。

　　一九三五年，陈夏雨远赴东京，进入前东京美术学校雕塑科教授水谷铁也门下习艺，待了将近一年。随后，前往院展系统的名师藤井浩祐门下学习；藤井採自由方式授徒，不帮学生改作品，有需要纠正的地方，用讲的。夏雨先生说：「我到日本，在藤井老师工作室，刚开始，罗丹的吸引力比较大，到后来，Maillol（麦约，1861-1944，法国雕塑家）以及藤井老师制作的精神：造形的单纯化，还有加强形体的力量，成为我的目标──不是模倣他们。」其研习成效可于＜裸女立姿＞见出，作品表现单纯优雅、统一协调的女体之美。陈夏雨说：「我想做一件小品，有个模特儿，这位模特儿手脚怎么摆，一个人一个想法。手要怎么摆，脚要怎么放，需能配合人体的动作，让她自然最好。」夏雨先生的人体制作，所要把捉的是人体动作的剎那停顿，要求自然而不做作。

　　在藤井工作室，陈夏雨接受乃师建议，提出作品参加「新文展」(属于「帝展」系统），连续入选四回，而于1941年获「免审查」殊荣，这一年，他二十五岁，是台湾留日学生中，获此殊荣最年轻的一位。一九四六年五月，陈夏雨结束十二年的留学生涯，返回台中定居，终老于此。

　　返台后，陈夏雨几乎足不出户，整天待在工作室，做他的艺术探研工作。＜兔＞在写实架构下，造形单纯化处理，注重「形」的配置，把兔子身躯简化成馒头形，再安上头耳、后腿后脚两个走势，进行独立性的造形思考。＜杨基先头像＞touch大胆奔放，气势雄浑，合于杨基先的豪迈性格，堪称夏雨先生得意作品，自此奠立陈夏雨的独门手法，每下一个touch（笔触），力道雄浑，不经修改，都能暗示出体势、神韵与造形价值。从＜詹氏头像＞、＜狗＞，可欣赏夏雨先生的浑厚touch与慑人气魄。

　　陈夏雨说：「刚开始，只是这个形要怎样表现，才能合自己的意思。形，做久了，自然能照意思做成，这样就满足了？再下去是技术上，同样那个形，要让那个形出来之前，那个顺势，也要表现出来。」＜猫＞整体凹凸起伏而能平顺承接，展现线条之美，劲气内蕴而外放。夏雨先生又说：「学书法的最清楚：单单只有『形』，没甚么用，势面sé-b n的力量更重要」；势面sé-b n的力量，台湾话，意指作品中带动走势的「面」上下有机连贯，产生出一股庞大的力量。

　　此两大艺术表现课题，在＜农夫＞身上作出完美结合，堪称经典；作品描绘农夫在烈日下工作，做累了，以手揩掉额上汗水。夏雨先生在制作之初，要求每下一个touch（笔触），要有「面」的转折运作，表现筋骨肉的体势变化，下功夫在「那个面如何处理的和这个面能配合，为了那样，生出的touch就是了」，此乃纯造形元素的抽象运作，技法高妙，人所难及，夏雨先生唿之为「隐味」(日语Kakushiazi)手法，而在＜浴女＞做出完美表现。

　　陈夏雨说：「我做的是很写实，对人体的真实内容，很写实。但是，写实，我还不满足，看能不能超越，这样在下功夫。」夏雨先生自一九六五迄一九七九年，十五年的失败尝试，无一件创作性的作品留存，而于一九八零年制成＜侧坐的裸妇＞。他研发出「隐刀」技法（日语kakushihōcho），在高度完成、略显紧绷的裸女背部略施刀工(参看＜侧坐的裸妇＞背视图)，紧绷的筋肉因而松缓，同时由内部往外发动力量，造成松紧相互调节的劲气。这好比油炸花枝、五花肉，先须断筋，炸成后，肉片、花枝片才会摊平好看，否则，易缩成一团，卷曲变形。

　　这位勤奋的艺术工作者，就像他所制作的＜木匠＞，每天死抱着工具，跳脱俗尘外，窝居在小小工作室里，用工锤炼物我，探寻向上一路，其辛苦所得，实为雕塑艺海一颗明珠，永世照耀。
 

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一直以来，台湾美术史的脉络都像是一幅宏大的织锦，其中蕴藏着无数艺术家以其独特的视角和技法，为这片土地留下了瑰丽的色彩。我尤其钟情于那些能够勾勒出时代精神，同时又展现出个人独特艺术语言的作品。阅读过程中，我时常会思考，是什么样的时代背景，什么样的文化土壤，孕育了那些流传至今的经典？是日治时期的西洋技法引入，还是战后本土意识的觉醒？抑或是更早期的在地艺术探索？这些问题常常萦绕在我的脑海。对我而言，艺术史的阅读不仅仅是欣赏美的过程，更是一场跨越时空的对话，试图理解艺术家们在创作时所处的环境，他们所面临的挑战，以及他们如何将个人的情感与时代的脉搏巧妙地融合在一起。每一件作品背后，都可能隐藏着一段不为人知的故事，一种坚韧不拔的追求，或是对社会现实的深刻反思。这种挖掘和体悟的过程，往往比单纯的作品呈现更能触动人心。我期待能在这部全集中，找到更多关于台湾艺术发展背后那些引人入胜的叙事，从中窥见那些塑造了我们集体艺术记忆的重要节点。

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作为一名长年浸淫在台湾艺术领域的研究者，我深知一套完善的艺术全集对于梳理和保存宝贵的文化遗产具有多么重要的意义。我关注的重点往往在于艺术家们在艺术史上的定位，他们如何承袭前人，又如何开创新的流派。这其中，艺术媒介的演变，创作观念的革新，以及艺术家们在个人发展轨迹上的转型，都是我极为感兴趣的方面。我曾花了很多时间去研究不同年代艺术家的创作风格差异，例如，早期艺术家对写实主义的探索，到后来抽象艺术的兴起，再到当代艺术多元化的表现形式，每一个阶段都充满了戏剧性的转变。我特别欣赏那些能够超越时代局限，其作品至今仍能引起共鸣的艺术家。他们的创作，往往蕴含着深刻的人文关怀，或是对社会议题的敏锐触觉。对于一本艺术全集，我期望它不仅能提供详实的作品资料，更能深入挖掘艺术家创作的动因，分析其在艺术史上的贡献，甚至提供一些关于艺术评论和市场动态的参考，从而帮助读者建立一个更全面、更立体的艺术理解框架。

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作为一个对台湾当代艺术发展有着持续关注的读者，我一直着迷于艺术家们如何回应社会变迁，如何通过艺术作品来挑战既有观念，并引发公众的思考。我特别欣赏那些敢于触碰敏感议题，勇于表达自我，并且在艺术形式上不断进行实验和创新的艺术家。从早期对社会写实的关注，到后来对观念艺术、装置艺术、影像艺术的探索，台湾当代艺术的每一次革新，都标志着艺术家们对时代脉搏的深刻感知。我常常会去思考，是什么样的社会土壤，孕育了这样一群富有创造力和批判精神的艺术家？他们是如何在不同的艺术媒介中，找到最适合表达自己思想的方式？我期待的艺术书籍，不仅仅是作品的展示，更应该包含对艺术家创作理念的深入解读，对他们作品背后社会文化语境的分析，以及对艺术发展趋势的前瞻性探讨，这样才能真正帮助我们理解和欣赏当代艺术的价值。

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我对于艺术家如何处理“地方性”与“普世性”之间的关系，一直有着浓厚的兴趣。在我看来，最伟大的艺术往往是那些能够从自身的文化土壤中汲取养分，同时又能触及人类共同情感和经验的作品。台湾的艺术家们，在融合了多元文化的影响后，如何发展出独具特色的艺术语言，这对我来说是一个充满魅力的研究课题。我关注艺术家们如何运用本土的意象、传说、历史事件，来表达他们对当下社会的观察和思考。我也对他们如何突破地域的限制，将个人的艺术理念与国际化的艺术潮流进行对话，充满好奇。在我看来，一部优秀的艺术史著作，应该能够展现这种“在地性”的深度挖掘，以及艺术家们如何在国际舞台上发声的努力。我希望能在这部书中，找到更多关于台湾艺术家如何在全球化的语境下，保持其艺术独特性，并从中获得灵感的案例。

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最近，我迷上了一系列关于台湾民间艺术和生活美学的书籍。我一直觉得，真正触动人心的艺术，往往就根植于我们的日常生活之中，体现在那些质朴无华，却又充满智慧的设计和创作里。那些充满生活气息的物件，无论是陶瓷、木雕，还是刺绣、剪纸，都承载着台湾人民的情感和历史记忆。我喜欢去追溯这些民间艺术的源头，了解它们是如何在长期的实践和传承中，逐渐形成独特的风格和美学观。我尤其关注那些将传统技艺与现代生活巧妙结合的艺术家，他们让古老的美学得以延续，并且焕发新的生命力。对于一本关于艺术的书籍，我最期待的是它能够打破学院派的壁垒，将那些被忽视的、充满在地特色的艺术形式也纳入视野，并且用一种生动、易懂的方式呈现给读者。我想看到的是，艺术如何能够真正走近大众，成为我们生活中不可或缺的一部分，而不是仅仅停留在博物馆的展柜里。