大提琴乐理课1 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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☆ 【大提琴乐理课1】是台湾第一本专为大提琴设计的乐理书，内容包含弓法、弓段、音符、拍号、反覆记号等初学者必要的乐理知识。每一个项目都附有教学图解和练习题，不管是老师上课时用来讲解乐理，或者学生自己加强乐理知识，都非常适合。

　　☆ 教持琴和握弓时老师就可以利用【大提琴乐理课1】先教五线谱和谱号，等到要教课本上的曲目时，学生已经学会看谱数拍子，学生上课不无聊，家长每週都能看到新进度，老师的教学还能更顺利。

　　☆ 收录弓法记号图解教学与书写练习，加强弓法的记忆和分辨能力，上、下弓马上分清楚，上课更轻松。

　　☆ 清楚的弓段图解教学和练习题，一次弄懂上半弓、下半弓、中弓、弓尖、弓根的位置，加快学习速度。
 
　　☆ 用大提琴指板图学音高与按音位置，学生更容易理解。

　　☆ 教导升记号应用在调号与临时记号时的差异，学生不再搞不清楚什么时候要把音升高。

　　☆ F音和#F音、C音和C＃音都有教，透过比较来理解升记号的意义与按音位置，比死背按法更有效。

　　☆ 书中附有大量可爱插图，可以书写对白和着色，更增添学习的乐趣。

　　☆ 按音位置以弦为单元，无论老师先教哪一条弦，都可根据教学需求更动顺序，不管是使用铃木大提琴教本（Suzuki Cello School）、佐藤良雄大提琴指导曲集（Sato Cello School）、全方位的弦乐练习曲（Essential elements for Strings）、威纳大提琴实用法（Werner Practical Method）或彼阿提大提琴练习法（A. Piatti）等，【大提琴乐理课1】都能配合使用。

　　全书共有96页，习题易懂易写而且内容丰富，内页採用100磅特级白道林纸印刷，正反面不会互相透色，题目和说明看的清清楚楚，小朋友反覆擦写也不容易破。

弦上的秘密：交响乐的基石——管弦乐配器与和声分析 作者： 维克多·霍夫曼 出版社： 环球音乐学院出版社 出版日期： 2023年10月 字数： 约 520,000 字 --- 内容简介：超越乐谱的音乐构建学 《弦上的秘密：交响乐的基石——管弦乐配器与和声分析》是一部旨在为严肃音乐学习者、作曲家、指挥家以及资深乐迷提供深度洞察的百科全书式著作。本书并非着眼于单一乐器（如大提琴）的技法或基础乐理，而是将目光聚焦于整个管弦乐队的宏大结构、色彩组合、以及复杂的和声语言的演变与实践应用。全书结构严谨，内容涵盖从巴洛克时期到二十世纪现代主义的经典配器法、调性与无调性体系中的和声处理，以及如何将抽象的音乐概念转化为具象的管弦音响。 本书分为上下两卷，共计三十章，深入剖析了西方古典音乐中最为精妙的织体艺术。 --- 第一卷：管弦织体的建筑学——配器法的深度解析（约 25 万字） 第一卷是关于“声音的绘画”——管弦乐配器的系统性研究。作者霍夫曼教授，以其数十年的指挥与作曲经验，将配器法从简单的乐器音色堆砌提升到了声学物理与心理声学的层面。 第一部分：木管组的色彩潜能与边界 (第 1-5 章) 本部分详细考察了长笛、双簧管、单簧管及巴松管家族的音域特性、动态范围和穿透力。 长笛与短笛的维度探索： 不仅讨论了其在高音区的辉煌，更深入分析了中音区的柔和颗粒感（如德彪西的运用），以及短笛在二十世纪音乐中如何作为音色“污染源”来打破传统平衡的技巧。 双簧管家族的穿透性分析： 详细对比了双簧管、英国管在乐队中的功能差异。着重分析了英国管如何通过其略带鼻音的音色，在弦乐的“海洋”中建立清晰的旋律线，特别研究了其在浪漫主义晚期与印象派音乐中的情感承载力。 单簧管的“中庸之道”与变调： 深入研究了降B调、A调单簧管的切换技巧对乐句连贯性的影响。重点剖析了低音单簧管（巴松克拉里内特）在营造深沉、略带不安氛围时的独特效果。 巴松管与低音木管的支撑结构： 阐述了巴松管组如何构建和声的“地基”，探讨了其在对位写作中作为次中音旋律承担者的角色。对倍低音巴松管的运用进行了严格的声学模型分析。 第二部分：铜管组的动态阶梯与张力控制 (第 6-10 章) 本部分聚焦于铜管乐器在构建宏大叙事和制造戏剧性冲突中的核心作用。 圆号：桥梁与情感的深度： 圆号被誉为“管弦乐队的灵魂”，本书用数万字分析了圆号的弱奏（Muted effects）与强奏（Forte-fortissimo）的心理学差异。详细解析了其在瓦格纳、勃拉姆斯作品中如何实现木管与铜管之间的无缝过渡。 小号组的精确性与光辉： 探讨了降B调小号、高音G调小号（Piccolo Trumpet）的音色选择对作品风格的影响。重点分析了弱奏时小号的“空洞感”处理，以及如何利用弱奏的号口处理技巧来模拟早期巴洛克风格的音响。 长号与大号的权威性： 系统梳理了长号组在传统和声中的功能定位（和弦的封闭与拓展），并深入分析了二十世纪作曲家如何利用其滑音（Glissando）和非传统的演奏技巧（如气流音）来打破其固有的庄严形象。 第三部分：打击乐器：节奏的解放与音色的实验 (第 11-15 章) 打击乐部分不再是简单的节奏点缀，而是被视为一个拥有无限色彩潜能的独立声部。 有固定音高的打击乐： 对定音鼓的调音、音色变化（皮面松紧调节）进行了详细的声学测量，并分析了马林巴、颤音琴在配器中如何与弦乐拨弦（Pizzicato）或钢片琴（Celesta）进行微妙的音色融合。 无固定音高的冲击力： 深入研究了军鼓、大鼓、钹等乐器在不同演奏法（如钹的边缘敲击、大鼓的踏板控制）下产生的瞬态冲击波形，以及这些波形如何影响听众对音乐重心的感知。 第四部分：弦乐组：织体厚度与视奏的奥秘 (第 16-20 章) 本部分是关于乐队的骨架——弦乐组的精细化研究。 弓法与触感的关联： 详细区分了 Sul tasto（靠指板）、Sul ponticello（靠琴码）、Col legno（用木杆）等不同弓法在物理振动上的差异，及其在听觉上产生的“薄”、“锐”或“沙哑”的心理效应。 弦乐的段落划分与对位密度： 探讨了如何将第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴进行精密的声部划分，以实现复调织体的清晰度，避免“泥泞”的音响。 --- 第二卷：和声的演变与语法的重构 (约 27 万字) 第二卷从配器的物理层面转向音乐的抽象结构——和声学。本书不提供基础的“三和弦构成”教学，而是专注于分析和声语言在不同历史时期的语法变化和其在配器中的实现方式。 第一部分：调性体系的拓展与危机 (第 21-25 章) 本部分深入探讨了古典时期到晚期浪漫主义（从海顿到马勒）中，调性是如何被拉伸、模糊和最终走向瓦解的。 功能和声的极限探索： 对“增六度”和弦、那不勒斯六和弦等在特定调性外的“探戈”和声进行了详尽的分析。重点研究了李斯特和瓦格纳如何通过延长“悬而未决”的和声，来构建史诗般的情感张力。 李斯特的“和声色彩”与调性模糊： 通过对《钟》(Les Cloches) 等作品的分解分析，展示了和声如何不再仅仅服务于解决，而是成为独立的音色元素。 后浪漫主义的“泛调性”： 剖析了理查·施特劳斯和马勒作品中，如何通过极宽广的配器和声部对位，制造出宏大但游移不定的调性中心。 第二部分：新语法的诞生：印象派与二十世纪的革新 (第 26-30 章) 本卷的后半部分将焦点投向了对传统语法进行颠覆的作曲家们。 德彪西与印象派的和声碎片化： 深入分析了全音阶、五声音阶在和声构建中的应用。重点讨论了和弦在印象派音乐中如何失去其传统的“功能性”，而纯粹以其音色组合的审美价值存在。 序列主义的数学逻辑： 这一章对勋伯格、韦伯恩的十二音体系（Serialism）进行了严格的数学和声分析，探讨了如何将严苛的音高序列转化为可听、可演奏的管弦乐织体，以及配器如何服务于音高的“等值”原则。 斯特拉文斯基的节奏驱动与和声碰撞： 探讨了原始主义（Primitivism）如何通过非对称的节奏型与尖锐的、不协和的和声集团（Chord Clusters）结合，制造出“野蛮”而充满活力的音响。 --- 读者对象与本书价值 本书是为具备扎实基础乐理知识，渴望从“演奏者”视角跃升至“创作者”或“深度分析者”的专业人士而设计。它假定读者已经熟练掌握基础乐理和对位法，并将重心放在“如何做（How to do）”和“为什么这样做（Why it sounds that way）”的实践性解释上。通过对历史文献的细致解构和前沿声学理论的引入，《弦上的秘密》提供了一套完整的工具箱，用以解析和重构复杂的管弦乐作品，是音乐学院高年级学生、研究生、职业作曲家以及指挥家案头必备的参考书目。 主题关键词： 管弦乐配器、和声分析、织体密度、声学色彩、浪漫主义晚期、二十世纪作曲技法、功能和声瓦解。

作者简介

陈加容

　　怎么样可以让学生学的更好？
　　怎么说会更容易懂？
　　怎么教可以更有效？

　　20年来，陈加容老师每天都在教学实践中不停的思索这些问题。辅仁大学音乐研究所毕业、精通多种乐器及音乐理论的陈加容老师认为，老师不能只是把资讯供应给学生，而要多想十步一百步，先规划好蓝图和目标，再依照学生的特性，用最适当的方法，给予最容易吸收的课程内容。
   
　　在多年的教学生涯中，陈加容老师开发了许多种不同的教学方法，也辅导多位学生跨进音乐班窄门就读知名音乐班校，担任知音音乐班主任期间，还因教学和行政效率卓越，连续两年获新北市教育局颁发优良补习班奖章。

一、认识五线谱
二、下加线与上加线 
三、低音谱记号 
四、音符的排列方式 
五、全音符 
六、全休止符 
七、四分音符 
八、四分休止符 
九、认识空弦音 
十、运弓记号 
十一、弓段名称 
十二、反覆记号（1） 
十三、二分音符 
十四、二分休止符 
十五、符桿位置 
十六、指法记号 
十七、第一把位的音 
十八、D弦第一把位的音 
十九、升记号 
二十、D弦F#的位置 
二十一、A弦第一把位的音 
二十二、A弦C#的位置 
二十三﹑连弓记号 
二十四、附点二分音符 
二十五、小节与拍号 
二十六、力度记号 
二十七、八分音符 
二十八、八分休止符 
二十九、G弦第一把位的音 
三十、C弦第一把位的音 
总测验一
总测验二

评分☆☆☆☆☆

**（5）** 这本书给我带来的不仅仅是知识的增长，更是一种全新的音乐视角。在阅读的过程中，我开始重新审视那些我曾经演奏过、听过的乐曲。过去，我可能仅仅关注旋律是否优美，技巧是否娴熟，但现在，我开始能够洞察到旋律背后蕴含的结构，理解和声进行如何营造情绪，以及节奏的巧妙运用如何推动音乐的发展。这种“解构”音乐的能力，让我对音乐的欣赏水平有了质的飞跃。我不再仅仅是被动地聆听，而是能够主动地去分析和品味。作者的知识体系非常完整，但又不过于晦涩，非常适合那些对大提琴音乐有一定基础，并且渴望深入了解其内在规律的读者。这本书无疑为我打开了一扇新的音乐之门，让我看到了更广阔的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

**（1）** 这本书的封面设计就给人一种宁静而深邃的感觉，淡雅的色彩和简洁的排版，让我想起了那些在夕阳下演奏大提琴的乐手，指尖流淌出悠扬的旋律。拿到这本书的时候，我并没有立刻翻开，而是仔细端详了它的材质和印刷。纸张的触感温润而厚实，散发着淡淡的油墨香，让人有种想要珍藏的冲动。我尤其喜欢封面上那几笔写意的水墨，仿佛是大提琴的琴弦在空气中留下的痕迹，充满艺术感。封面下方印制的书名“大提琴乐理课1”字体大小适中，颜色与背景色和谐搭配，既清晰易读，又不显突兀。整体而言，这本书从外观就透露着一种专业和严谨的态度，让我对内容充满了期待。我希望它不仅仅是一本关于乐理的书，更能传递出音乐的灵魂和美感。

评分☆☆☆☆☆

**（2）** 阅读这本书的过程中，我仿佛置身于一个古老而充满智慧的音乐殿堂。作者的叙述方式非常独特，不落俗套。他没有采用枯燥的公式和生硬的定义，而是用一种娓娓道来的方式，将复杂的乐理知识巧妙地融入到生动的音乐史和演奏技巧的讲解之中。我特别欣赏他举的那些例子，很多都是我耳熟能详的古典名曲，通过对这些作品的深入剖析，我才恍然大悟，原来那些动人的旋律背后有着如此严谨的乐理支撑。有几次，我甚至因为被作者的讲解深深吸引，而停下来，反复回味某一段文字，试图捕捉其中蕴含的精妙之处。这本书的语言风格流畅而富有感染力，读起来一点也不费力，反而有种享受艺术的愉悦感。我感觉自己不仅仅是在学习乐理，更是在与一位资深的音乐家进行着一场深刻的对话。

评分☆☆☆☆☆

**（3）** 不得不说，这本书在细节的处理上做得相当出色。每一个章节的划分都非常清晰，逻辑性强，让你能够循序渐进地掌握知识。我特别关注了书中对于一些核心概念的解释，比如和声的构成、旋律的发展以及节奏的变换。作者在这方面运用了大量的图示和表格，这些视觉化的辅助工具极大地降低了理解的难度，让抽象的乐理知识变得直观易懂。我尤其喜欢书中对于一些复杂乐理问题的辨析，作者总能站在不同的角度，给出多方面的解读，让你能够更全面地理解问题的本质。当我遇到难以理解的地方时，总是能够很快在后面的章节或者附录中找到相关的解释和补充。这种精心设计的编排，让我在学习过程中几乎没有遇到过“卡壳”的情况，整体阅读体验非常顺畅。

评分☆☆☆☆☆

**（4）** 作为一名有多年大提琴演奏经验的业余爱好者，我一直希望能够找到一本能够真正帮助我提升音乐理解力的书籍。这本书的出现，无疑填补了我长久以来的一个空白。它所涵盖的知识点非常丰富，而且非常贴合大提琴的演奏实际。比如，书中对于如何通过乐理知识来更好地处理音乐的强弱、速度以及音色的变化，有着非常独到的见解。我尝试着将书中的一些建议运用到我的日常练习中，惊喜地发现，我的演奏似乎变得更加细腻和富有表现力了。作者并没有仅仅停留在理论层面，而是将乐理知识与实际演奏紧密结合，这对我这样的实践者来说，是极其宝贵的。我甚至觉得，如果我早些年看到这本书，我的演奏水平可能会有更显著的提升。