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为推动花莲艺术教育，鼓励美术创作风气，培养艺术人才，开拓花莲美术发展，今年首办「2018花莲美术奖」。本美术竞赛延续自民国84年已办理21届之「洄澜美展」精神，採双年展，整合成四大类别「东方媒材」、「西方媒材」、「立体造型」及「影像」。

雕塑的呼吸：当代造型艺术的内观与外拓 图书简介 本书并非聚焦于特定年份的区域性艺术奖项记录，而是深入探索当代雕塑艺术在二十一世纪第二个十年中所展现的本体论追问、材料哲学以及社会介入的复杂图景。全书共分为四个主要部分，旨在提供一个广阔的视角，审视全球化语境下，艺术家如何重新定义“体积”、“空间”与“时间”这三个雕塑艺术的核心要素。 第一部分：物质性的复兴与解构 本部分集中探讨了进入2010年后，艺术家对传统雕塑材料——无论是大理石、青铜，还是木材——所采取的颠覆性态度。我们不再满足于材料的恒久性与纪念碑性叙事。相反，当代艺术家热衷于使用那些转瞬即逝、易被忽视或具有强烈工业背景的物质：如回收塑料、电子废料、气凝胶、甚至生物可降解聚合物。 章节“从‘永恒’到‘耗散’：新材料语境下的雕塑形变”，细致分析了这种转变背后的哲学动机。它不再是为了雕塑的“不朽”，而是为了捕捉过程与熵增。例如，对光敏树脂的结构性破坏，使其在展览期间缓慢变形，成为了作品本身叙事的一部分。我们考察了那些将“功能性废料”提升到审美高度的实践，讨论了这些材料如何承载了后工业时代的忧郁与批判性，以及它们如何挑战了传统美术馆对“珍贵材料”的偏爱。重点案例包括利用3D打印技术在微观层面重塑自然纹理的尝试，以及如何通过数字化的精确控制，反而突显了手工痕迹的不可替代性。 第二部分：空间、场域与身体的对话 雕塑的本质在于占据空间。然而，当代雕塑早已超越了底座与展厅的限制。本部分着重研究了装置艺术、特定场域艺术（Site-Specific Art）与行为艺术的交叉地带，它们如何共同重塑了“雕塑”的疆域。 核心章节“虚空的力量：负形空间与非物质化的体积”，深入探讨了艺术家如何通过对“空”的强调来定义“有”。这包括利用光线、声音、气流或磁场来构建“暂时的实体”，这些实体仅存在于观看者的感知中，而非物理触摸中。我们分析了那些故意模糊室内外边界的作品，它们不再是独立的对象，而是与建筑结构、自然光照甚至观众的移动轨迹进行实时互动的系统。 此外，本部分还专门开辟了对“身体作为工具与媒介”的讨论。行为艺术家如何将自己的躯体转化为一种可被塑形、可被消耗的“生物雕塑”，以此探讨身份政治、劳动价值和身体的社会编码。这些实践挑战了雕塑的静止属性，将其推向了时间的洪流之中。 第三部分：技术赋能：从虚拟到可触的边界 技术在当代艺术中的渗透是不可逆的。本部分聚焦于数字技术如何不仅影响了雕塑的创作过程（如参数化设计、机器人辅助制作），更重塑了作品的呈现方式和观众的体验模式。 “算法的雕塑：从数据到三维形态的转化”一章，详细梳理了基于大数据、人工智能生成图像（AIGC）如何被逆向工程转化为可打印或可铸造的实体形态。这引发了一个深刻的问题：当创作的初衷是数学模型或代码序列时，作品的“作者性”归属于谁？我们审视了那些利用增强现实（AR）技术，让虚拟的、看不见的形态覆盖在实体雕塑之上的作品，探讨了“叠加现实”如何扩展了物体的感知维度。 此外，我们关注了动态雕塑和机电雕塑的最新发展。这些作品不再仅仅是机械的重复运动，而是通过复杂的传感器和反馈系统，对环境变化做出高度敏感的、近乎“生命体”般的响应，体现了对后人类主义（Posthumanism）议题的艺术化表达。 第四部分：叙事、历史与社会批判的重塑 雕塑历来是权力和历史叙事的载体。本部分考察了当代艺术家如何积极地介入历史的“重写”工程，以及雕塑语言如何被用来解构和质疑既有的纪念碑文化。 章节“断裂的纪念碑：对公共艺术遗迹的解构性介入”，分析了艺术家如何通过“非暴力干预”或“挪用”公共雕塑，来揭示其背后隐藏的意识形态偏见。例如，对殖民时期人物雕像的覆盖、涂抹或添加新的元素，不再是简单的破坏，而是一种激活历史对话的政治性行为。 最后，本书探讨了当代雕塑如何通过其形式和概念，触及全球性的社会议题，包括气候危机、身份流动性与数字资本的集中。许多作品放弃了宏大的、普世的宣言，转而采用高度私密化、碎片化的叙事结构，邀请观众在微观的物质碎片的重组中，构建自己的伦理立场。 本书旨在为艺术史研究者、策展人、雕塑专业学生以及所有对当代物质文化抱有好奇心的读者，提供一份详尽的、跨越地域和媒介的当代雕塑图鉴与理论参鉴，强调其在不断变化的世界中，对“存在”的持续追问与重塑能力。

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我一直认为，优秀的艺术展览画册，应该能够超越展览本身，成为一本独立的、值得反复阅读的艺术读物。《2018花莲美术奖》恰恰做到了这一点。翻阅这本画册，我仿佛置身于一个充满灵感的艺术空间。不同于一些仅仅堆砌作品图片的画册，这本书在作品呈现的同时，还融入了策展理念的阐释、艺术家访谈节选，以及对获奖作品的深入解读。这些文字内容，为理解作品提供了更丰富的背景信息和多元的视角，也让观者能够更深入地体会到艺术家创作的动机和思考。我特别喜欢其中一篇关于一位在地艺术家对花莲自然环境与人文历史观察的论述，它让我明白了为什么她的作品中会流露出如此深沉的家园情感。另外，关于几件装置艺术作品的介绍，也让我对作品的材料选择、空间布局以及其所传递的观念有了更清晰的认识。这本书不仅展示了艺术家的才华，也展现了策展人的专业眼光和梳理能力。它让我意识到，在欣赏艺术作品时，了解其背后的故事和语境，能够极大地提升观赏的深度和乐趣。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《2018花莲美术奖》的画册，真是一场意料之外的视觉盛宴。我一直对台湾的花莲地区充满好奇，那里有壮丽的山海，也有浓厚的人文气息，而这本书就像一把钥匙，打开了我对花莲当代艺术世界的大门。翻开扉页，首先映入眼帘的是那些充满力量和生命力的作品。不仅仅是色彩的碰撞，更是艺术家们用画笔、雕塑、装置，甚至影像，在诉说着他们眼中独一无二的花莲。我特别喜欢其中几件作品，它们并没有刻意追求某种宏大的叙事，而是从生活最细微的角落切入，捕捉到花莲独特的光影、肌理和情感。一位艺术家用朴拙的笔触描绘了当地的农田和渔港，画面中透出的却是山海之间人与自然的和谐共生，那种宁静和深沉的力量，让人久久不能忘怀。另一位则以抽象的手法，将花莲海岸线的蜿蜒曲折、浪潮的起伏变化，转化成一种充满张力的视觉语言，我仿佛能听到海浪拍打礁石的声音，感受到咸湿的海风拂面。每一幅作品都像一个独立的故事，等待我去细细品读。这本书的装帧设计也相当用心，纸张的触感、印刷的细腻度，都体现出对艺术的尊重。我想，即使是对艺术不太熟悉的人，也能在这本书中找到触动心灵的点。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《2018花莲美术奖》是一本让人眼前一亮的画册，它不仅仅是一次展览的记录，更是一次花莲艺术精神的深度呈现。我最欣赏的是，这本书并没有刻意去制造一种“宏大叙事”，而是通过作品本身，以及围绕作品的文字，自然而然地构建出一个鲜活、多元的花莲艺术生态。我喜欢其中那种朴实而真诚的创作态度，无论是描绘市井生活的小品，还是探讨复杂社会议题的大型作品，都流露出艺术家们对生活的热爱和对艺术的执着。我尤其对其中几位中年艺术家所展现出的成熟韵味和深厚功力印象深刻，他们用扎实的技法和丰富的人生阅历，创作出那些沉静而富有力量的作品，仿佛是对时间最好的注解。同时，书中也收录了不少年轻艺术家的作品，他们的作品充满了实验性和探索精神，敢于挑战传统的边界，用新颖的视角和多元的媒材，表达着他们对世界的理解和想象。这种不同代际、不同风格的艺术家齐聚一堂，共同构成了《2018花莲美术奖》丰富而立体的艺术图景，让人在翻阅的过程中，感受到一种欣欣向荣的艺术生命力。

评分☆☆☆☆☆

要说《2018花莲美术奖》最让我惊喜的地方，莫过于它所呈现出的那种“在地即世界”的艺术视野。我本以为，一个地方性的美术奖，作品可能会更偏向于地方风情的描绘，或者是一些相对保守的艺术探索。然而，这本书中的作品，无论是在题材的选择、表现手法的运用，还是在艺术观念的引入上，都展现出了相当高的国际视野和前沿性。我看到了一些作品，它们在探讨全球性的议题，比如环境保护、社会变革，但却是通过花莲在地独特的语境和经验来呈现，这种“小切口、大视野”的处理方式，反而显得尤为真诚和有力。其中一件大型综合媒材作品，就将环境保护的警示，与花莲脆弱的生态环境紧密联系起来，其视觉冲击力与情感的共鸣是巨大的。还有一些作品，虽然表达的意象是抽象的，但其背后所蕴含的哲学思考，也足以与世界任何一个角落的优秀艺术作品媲美。这本书让我看到了，当艺术创作扎根于本土的土壤，却又能勇敢地拥抱世界时，能够迸发出多么惊人的能量。

评分☆☆☆☆☆

这本《2018花莲美术奖》的出版，无疑是记录和推广花莲在地艺术生态的重要里程碑。作为一名常年关注艺术动态的读者，我发现它提供了一个非常宝贵的平台，让那些在地方默默耕耘的艺术家有机会被更广泛地看见。我尤其欣赏画册中作品的多样性，涵盖了从传统的水墨、油画，到前卫的装置艺术、观念摄影，这种兼容并蓄的态度，恰恰展现了花莲艺术的活力与开放。我注意到其中有几位年轻艺术家的作品，他们的视角新颖，技法大胆，对当下社会议题有着敏锐的洞察。比如，有一组结合了在地传说与当代社会现象的影像作品，就给我留下了深刻的印象，它不仅仅是在复述故事，更是在通过艺术的语言，探讨人性的复杂与情感的纠葛。还有一些雕塑作品，巧妙地运用了花莲当地的自然材料，如漂流木、石材，与抽象的形态相结合，既有大地赋予的原始质感，又不失现代设计的巧思。这种将地域特色与艺术创作深度融合的方式，是花莲艺术最迷人的地方之一。这本书不仅仅是一份展览的记录，更像是一份关于花莲在地精神的视觉档案，它让我看到了一个充满创造力与可能性的艺术场域。