兒童戲劇教育：肢體與聲音口語的創意表現（第二版） (電子書) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

林玫君

图书标签:

• 兒童戲劇
• 戲劇教育
• 肢體戲劇
• 聲音戲劇
• 口語表達
• 創意教學
• 幼兒教育
• 兒童發展
• 表演藝術
• 教育心理學

好的，这是一本名为《當代舞與身體實踐：從表演到社會文化分析》的图书简介： --- 图书名称：《当代舞与身体实践：从表演到社会文化分析》 作者： [此处可填写真实作者姓名，例如：李明、王芳] 出版社： [此处可填写真实出版社名称] 出版年份： [此处可填写真实年份] ISBN： [此处可填写真实ISBN] --- 图书简介 《当代舞与身体实践：从表演到社会文化分析》是一部深入剖析二十世纪中后期至当代舞蹈艺术发展脉络的学术专著。本书不仅关注舞蹈动作的形态学和技术演变，更着重探讨身体在特定历史、社会和文化语境中的意义构建与能动性。 全书分为四个核心部分，层层递进，构建起一个多维度的分析框架，旨在揭示当代舞如何作为一种批判性的艺术实践，介入并反思现代性及其后的诸多议题。 --- 第一部分：现代舞的转向与当代性的奠基 (The Turn of Modern Dance and the Foundation of Contemporaneity) 本部分追溯了现代舞（Modern Dance）向当代舞（Contemporary Dance）过渡的关键历史节点。它拒绝将这一转变视为简单的风格更迭，而是将其视为一场深刻的本体论和方法论的革命。 1. 身体的“去中心化”：从抒情表现到现象学探索 详细梳理了从格雷姆（Martha Graham）体系的内在驱动力，到梅尔塞·坎宁安（Merce Cunningham）的机遇美学和空间重构的理论基础。重点分析了坎宁安如何通过“时空分离”的编舞原则，挑战了舞蹈中长期存在的叙事中心和情感焦点。本书探讨了身体如何从表达“自我”的载体，转变为接受和呈现“存在”本身的场所。 2. 后结构主义的阴影：动作的解构与意义的消散 深入分析了二十世纪七十年代欧美先锋剧场对文本、叙事和身体权威性的质疑。重点考察了行为艺术（Performance Art）对传统舞蹈剧场的渗透，以及这种渗透如何促使舞蹈家们开始质疑“动作的意义”——动作是否必须承载预设的情感或哲学内涵？这部分引入了罗兰·巴特关于“文本的快感”的概念，并将其应用于身体的展示与观看体验。 3. 技术谱系的批判性继承 不同于简单的技术罗列，本章着重于分析技术如何被“去技术化”或“再语境化”。例如，分析了即兴（Improvisation）从一种辅助练习转变为一种成熟的创作方法的哲学基础，以及它如何与特定的身体哲学（如“开放即兴”与“结构即兴”）相耦合。 --- 第二部分：身体的社会学：权力、身份与能动性 (Sociology of the Body: Power, Identity, and Agency) 第二部分将焦点从剧场内部转向身体与社会结构的交织，运用社会学和文化研究的理论工具来解析当代舞的社会实践意义。 1. 福柯与舞蹈的规训权力 借用米歇尔·福柯的“规训与惩罚”理论，探讨了舞蹈训练系统（从芭蕾到特定流派的训练）如何内化并再现社会对理想身体的规范。分析了对“柔韧性”、“爆发力”和“中性”身体的要求，如何成为一种看不见的权力结构。同时，也考察了那些有意或无意地抵抗这些规范的身体实践。 2. 身份政治与“他者”的舞台 本章重点关注少数族裔、酷儿身份以及残障身体在当代舞场域中的能见度与代表性问题。探讨了“身份政治”在舞蹈创作中的双重作用：一方面，它提供了赋权的平台，使被边缘化的身体得以发声；另一方面，它也可能将身体固化为某种符号，限制了其作为“纯粹表演者”的可能性。讨论了如Bill T. Jones等艺术家如何处理这些复杂张力。 3. 全球化与身体的跨文化流动 考察了全球艺术节和交流项目对舞蹈实践的形塑。身体如何跨越国界携带其文化遗产？又如何在新的文化环境中被“重译”？本节分析了“东方主义”在当代舞台上的新变体，以及本土艺术家在接受西方编舞语汇时所采取的策略性挪用与抵抗。 --- 第三部分：表演的媒介与空间政治 (Medium of Performance and Spatial Politics) 本部分聚焦于当代舞的物质性、空间运用以及技术媒介的介入，探讨了剧场空间如何从一个固定的观看场所转变为一个流动的、可被协商的场域。 1. 装置艺术与剧场空间的反思 分析了当代舞如何吸收视觉艺术和装置艺术的元素，打破了舞台的“框景”效应。考察了表演者与非表演元素（如道具、建筑结构、环境光影）之间的动态关系。特别是对“嵌入式表演”（Immersive Performance）的研究，探讨了观众被邀请进入表演空间后，其主体性和观看距离发生的变化。 2. 媒介的介入：数字技术与身体的延伸 深入探讨了投影技术、传感器、实时影像捕捉等数字技术如何与身体互动，以及这种互动如何挑战了身体的“在场性”（Presence）。本书认为，数字媒介并非简单地记录或增强身体，而是创造了一种新的“混合身体”（Hybrid Body），一个由生物性与技术性共同构成的表演实体。 3. 非剧场空间的解放与限制 研究了当代舞从传统“黑箱剧场”走向公共空间（如街道、工厂、废墟）的实践。这种“去场所化”（Site-Specific）的创作，如何重新激活了特定的地理位置的历史记忆和社会功能？同时也批判性地审视了公共空间实践中可能面临的规训、安全问题以及商业化的风险。 --- 第四部分：身体与时间：感官经验的重构 (Body and Time: Reconstruction of Sensory Experience) 最后一部分回归到艺术体验的核心——身体如何感知和组织时间，以及这种组织如何影响观众的感官结构。 1. 持续性与耐力：对“时间压缩”的反抗 分析了当代舞中对“慢动作”、“长时间持续”和“重复性”的偏爱。这被视为对现代社会中效率至上和时间加速的一种强烈反抗。探讨了长时间观看如何迫使观众放弃叙事期待，转而进入一种近乎冥想的、纯粹的感官觉察状态。 2. 关系美学与“共在”的伦理 (Ethics of Co-Presence) 本书采纳尼古拉斯·布西欧（Nicolas Bourriaud）的关系美学视角，探讨了当代舞如何在表演现场创造出短暂但真实的“人与人之间”的关系。这种关系是脆弱的、非永久的，但却是现场艺术区别于媒介艺术的根本价值所在。它关乎信任、协商与共同呼吸的伦理。 3. 身体的记忆与遗忘 考察了舞蹈语汇的继承性与断裂性。编舞家如何利用肢体记忆来唤起历史的重量，同时又如何在表演中刻意地“遗忘”或“擦除”既有形式？这涉及到对“身体经验的存档”这一概念的严肃讨论。 --- 总结 《当代舞与身体实践：从表演到社会文化分析》为舞蹈研究者、编舞家、表演理论家以及对身体文化感兴趣的读者，提供了一套严谨而富有洞察力的分析工具。本书致力于将当代舞从单纯的“技巧展示”或“风格流派”的层面解放出来，使其成为理解当代社会、权力运作和文化变迁的至关重要的一面镜子。它是一部关于身体如何思考、感受和存在的深度考察。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计和排版简直是视觉上的享受，那种明快的色彩搭配和清晰的字体选择，让人在翻阅时就有一种非常愉悦的心理预期。我特别欣赏作者在章节编排上所展现出的那种结构感，层次分明，逻辑性强，即使是面对像“肢體與聲音口語的創意表現”这样听起来有些抽象的学术概念，也能通过合理的过渡和详实的案例，让读者感到内容是如此的井井有条，易于消化吸收。特别是对于我这种需要反复查阅资料的读者来说，索引和目录的设计简直是福音，想找哪个关键点，一目了然，这极大地提高了我的阅读和研究效率。整体来看，这本书的装帧质量，从纸张的触感到装订的牢固度，都透露出一种对知识尊重的匠人精神，这让阅读体验不仅仅是信息的获取，更像是一场精心布置的知识之旅。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种经常需要为课程设计寻找创新灵感的教育工作者来说，这本书简直是一座取之不尽的宝藏。它所提供的不仅仅是固定的教案，更是一种思维框架，一套可以根据不同班级和特定主题进行灵活调整的“创作蓝图”。我尤其欣赏其中关于“即兴表演与文本生成”的部分，它打破了传统戏剧教育中对剧本的过度依赖，鼓励孩子们在当下的情境中去发现和创造，这种开放性和鼓励试错的氛围，对于培养孩子的自主学习能力和解决问题的能力至关重要。这本书真正做到了“授人以渔”，让我学会了如何去构建一个支持孩子创造力爆发的学习环境。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的作者在理论阐述方面表现出了令人惊叹的深刻洞察力，尤其是在探讨如何将抽象的戏剧理论转化为具体可操作的教学实践时，那种细致入微的分析简直令人拍案叫绝。他们似乎对儿童心理有着极其敏锐的捕捉能力，能够精准地预见到不同年龄段孩子在接受和表达过程中的潜在困难，并为此准备了非常巧妙的“解药”。我曾尝试在自己的教学中引入其中关于“非语言沟通的符号化”的章节，效果出奇地好，原本畏缩的孩子们，通过那些富有趣味性的游戏，竟然能自如地用肢体表达复杂的情感。这种从宏大叙事落到微小细节的扎实功底，是很多同类书籍所不具备的，它要求读者不仅要动脑，更要动手去实践，是一种深度参与式的学习体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常平易近人，不像一些学术专著那样充满着晦涩难懂的术语堆砌，读起来更像是与一位经验丰富、充满热忱的教育前辈在进行一次深入的对话。作者非常善于使用生动的比喻和富含画面感的描述来解释复杂的概念，比如他们描述声音如何像“雕塑家手中的黏土”，可以被塑造成任何需要的形状和质感，这种比喻立刻在我脑海中构建了一个清晰的图像。此外，那些穿插在正文中的小型案例分享，虽然简短，却极富启发性，它们不仅仅是理论的佐证，更是活生生的教学情境再现，让我能立刻感受到那些文字背后的温度和真实感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的另一个突出优点是其强烈的跨学科视野，它巧妙地将戏剧教育与心理学、传播学甚至一些基础的美学原理进行了有机融合，使得整本书的理论基础更加坚实，也更具前瞻性。作者在探讨“声音的层次感与情感投射”时，引用了声学上的共振原理，这种将艺术实践与科学规律相结合的严谨态度，极大地提升了本书的说服力。阅读过程中，我不断地被激发去思考，原来我们习以为常的儿童游戏背后，竟然蕴含着如此精妙的教育学原理。它不再仅仅是一本关于“如何做戏剧”的书，而是一本关于“如何理解儿童表达”的深度读物，非常值得反复研读和收藏。