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　　本书从电影历史、机构、观众、科技、文本以及各国电影的角度入手，纳入文本分析、结构主义、精神分析、女性主义、文化研究、同志现象等途径，并且介绍了包括好莱坞、英国、印度、俄国和德国在内超过五百部的电影实例，可说是市面上难得一见的全观式电影研究入门教科书。

作者简介

姬尔．奈梅斯(Jill Nelmes)
　　东伦敦大学(University of East London)电影研究部门的资深讲师，教授范围从「高等教育」(A Level)到更高层次教育的一系列课程。她是WJEC「电影与媒介研究」的审查者，也是WJEC「电影与媒介研究」计画小组的成员。奈梅斯对于电影剧本写作和电影制作颇有兴趣，目前正在撰写两份剧本。

电影叙事大师班：从剧本到银幕的视觉语言构建 作者： 亚历山大·科尔曼 (Alexander Coleman) 出版社： 蓝光视界文化 (Blu-Ray Vision Publishing) 出版日期： 2024年春季 --- 图书概述 《电影叙事大师班：从剧本到银幕的视觉语言构建》并非对电影理论的宏观梳理，而是一部深入骨髓、专注于实践操作和技术解析的专业指南。本书旨在将电影制作中最为核心且常被忽视的环节——如何将文字转化为有效的视觉体验——进行彻底的解构与重构。本书的受众定位是那些已经掌握了基础电影知识，渴望将自己的叙事提升至专业水准的编剧、导演、剪辑师以及摄影指导。 本书不讨论电影史上的流派演变，不追溯早期默片的发展脉络，更不会涉及对特定电影作品的文化解读或意识形态分析。它聚焦于“如何做” (How-to) 的技术层面，提供一套可量化的、可执行的叙事工具箱。 第一部分：隐形剧本——超越文字的剧本结构 本部分着重探讨剧本创作中的“幕后语言”，即那些在剧本中被暗示、但必须在制作阶段被清晰转译的元素。 1. 场景驱动力分析：张力谱的构建与控制 动态对立的量化： 如何使用“A-B-C”三段式冲突模型，精确计算每个场景内部和场景之间张力值的起伏。我们不再仅仅讨论“冲突”，而是将其视为一种可测量的能量。 潜台词的视觉化脚本： 如何在动作描述（Action Lines）中嵌入摄影机运动的指令。例如，使用“镜头犹豫地推近”（The lens hovers, then commits）来代替笼统的“角色感到不安”。 节奏的内部时钟： 探讨如何通过对话停顿（Beats）的长度和场景段落的句式结构（长句用于压抑，短句用于爆发），提前设定剪辑师和导演的预期节奏。 2. 空间叙事与场景布局 (Mise-en-Scène Pre-Visualization) “看不见的”布景设计： 如何利用布景的层次、道具的摆放位置（前景、中景、背景）来预先划分角色间的权力关系。例如，一个高过人头的书架如何自然地将角色“分割”在视觉上。 光影的剧本注释： 详细解析如何在剧本中用术语（如“高对比度逆光”、“柔和的漫射顶光”）引导美术部门和摄影部门对特定情绪的构建，避免后期布光调整造成的情绪失焦。 第二部分：运动的语法——镜头语言的精确表达 本部分是本书的核心，它将摄影机视为叙事的主体，而非单纯的记录工具。我们严格规避对各种镜头类型的简单罗列，转而关注它们在特定叙事上下文中的功能性。 1. 镜头运动的“动词”与“副词” 推拉（Dolly In/Out）的心理学应用： 推镜头如何服务于“专注/发现”，拉镜头如何服务于“疏离/回顾”。本书提供了一套关于推拉速度与情感投入程度的对照表。 摇（Pan）与移（Tilt）的叙事权限： 摇镜头（水平）用于角色视线引导和环境探索；移镜头（垂直）用于展现垂直空间中的等级或精神状态（例如，从地板到天花板的移动象征着绝望或顿悟）。 2. 焦点与景深：叙事中的“选择性失明” 浅景深作为叙事隔离： 如何利用极浅的景深，迫使观众的注意力只停留在特定角色或物体上，从而故意屏蔽其他信息，制造悬念或强化情感的封闭性。 “焦点转移”的叙事锚点： 探讨如何通过缓慢、几乎难以察觉的焦点转移（Rack Focus），在两个对立的元素之间建立新的、观众未曾预料到的联系。 3. 运动中的稳定与不稳：手持与稳定器的哲学 本书将手持摄影视为一种“内在视角”的体现（角色情绪化、主观性强），而稳定器（如斯坦尼康）则代表“客观的、冷静的、全知的观察者”视角。关键在于如何将这两种“运动语态”进行流畅的交叉剪辑。 第三部分：时间与空间的重塑——剪辑的结构工程 本部分将剪辑从单纯的“衔接”提升到“重构现实”的层面，探讨如何通过对时间的操纵来颠覆观众对事件顺序的认知。 1. 非线性叙事的几何学 闪回/闪前的逻辑断裂： 如何通过剪辑的“能量冲击”（如突然的音效替换或画面色彩的剧变）来标记叙事时间轴的跳跃，确保观众不会迷失方向，而是被有目的地“打断”。 交叉剪辑（Cross-Cutting）的张力计算： 不仅限于展示两个同时发生的事件，而是计算A事件与B事件在情感密度上的匹配度，以实现最高效的节奏叠加。 2. 声音的“隐形剪辑” 本书认为，剪辑发生在声音和画面交叉的每一个微小点上。详细分析了“J-Cut”（声音先入）和L-Cut（画面先走） 如何在不改变画面的情况下，预示或延迟下一个场景的情绪转折。这是一种纯粹的时间轴错位技巧，与画面剪辑无关。 3. 蒙太奇的工程学：从爱森斯坦到当代数字剪辑 深入解析“冲突蒙太奇”的构造，强调其核心在于视觉元素的对撞，而非主题的象征意义。提供了一套构建“意念蒙太奇”的步骤，即如何通过并置两个毫无关联的画面，在观众脑中创造出第三种全新的意义。 总结：从理解到执行的桥梁 《电影叙事大师班》不提供电影美学的哲学辩论，它提供的是一套严格遵循工程学原理的电影制作手册。它关注如何通过对镜头、运动、剪辑和光影的精确技术选择，来构建一个无可辩驳的、具有强大情感穿透力的银幕体验。本书的目的，是让读者能够自信地在片场对摄影师说出：“我需要的不是一个‘漂亮的’中景，我需要的是一个‘延迟两秒后进入’的过肩镜头，以配合角色的呼吸频率。” 核心读者价值： 掌握将抽象的叙事意图转化为可执行的、可量化的技术指令的能力。

撰稿名录
第二版序言
谢辞
第一章  绪论
第二章  电影机构
第三章  电影与科技
第四章  电影与叙事
第五章  电影观众
第六章  文类、明星与电影导演：有关好莱坞电影的批判途径
第七章  文类形式：写实与幻想
第八章  动画：模式与意义
第九章  女性与电影
第十章  女同志与男同志电影
第十一章  国家电影
第十二章  印度电影简介
第十三章  一九二○年代苏联蒙大奇电影
第十四章  新德国电影
名词解释
参考书目

评分☆☆☆☆☆

看完《電影學入門》的書名，我聯想到的是它可能會深入探討電影的「語言」。電影的語言，就像是文學的語言一樣，有其獨特的表達方式和結構。舉例來說，鏡頭的運用（特寫、遠景、中景），光影的變化，色彩的象徵意義，剪輯的節奏（快剪、慢剪），甚至場景的設計和演員的表演，都是電影敘事的重要元素。我希望能從這本書中學習到如何「閱讀」電影，理解導演是如何透過這些視覺符號來傳達訊息、塑造情感，甚至隱藏潛台詞。例如，同樣一個角色，在不同的鏡頭角度下，可能會呈現出截然不同的意涵。我非常期待書中能有具體的電影片段分析，用來印證這些理論，讓我在日後觀影時，能夠更加敏銳地捕捉到這些細膩的表達。

评分☆☆☆☆☆

哇，拿到這本《電影學入門》真是太令人驚喜了！我一直對電影抱有極大的熱情，但總是覺得自己只是個門外漢，看電影時能欣賞到畫面、聽懂劇情就很不錯了，對於更深層次的理解，例如導演的運鏡技巧、剪輯的節奏如何影響觀眾情緒，或是劇本結構的巧妙之處，都感到一頭霧水。這本書的封面設計就很吸引人，給人一種專業但又不失親切的感覺。我迫不及待地想翻開它，希望能藉由書中的引導，從一個單純的觀影者，蛻變成一個能夠更深刻地品味電影藝術的「懂電影」的人。我尤其好奇書中會不會探討台灣電影的發展脈絡，像是侯導、楊導的作品，或是新一代導演們的突破，那絕對會是我最期待的部分。希望這本書不只是紙上談兵，而是能提供一些具體的範例和分析，讓我在下次看電影時，能夠更有意識地去觀察和思考。

评分☆☆☆☆☆

對於《電影學入門》這本書，我最想知道的是它會如何梳理電影的歷史長河。電影這門藝術從黑白默片時代發展至今，中間經歷了無數的革新與演變，像是從靜態的敘事轉向動態的影像，從無聲到有聲，再到色彩的運用，以及數位化浪潮的衝擊。我希望這本書能以一個清晰的軸線，帶領讀者穿越這些重要的里程碑，了解不同時期電影的特色、代表性的電影人與作品，以及它們對後世的影響。尤其是我對於早期電影的製作技術和拍攝手法非常好奇，想知道當時的電影人是如何克服技術上的限制，創造出令人驚豔的視覺效果。如果書中能穿插一些珍貴的歷史照片或劇照，那就更完美了，能讓歷史的畫面躍然紙上，增加閱讀的趣味性。

评分☆☆☆☆☆

對於《電影學入門》，我個人非常關心它會不會觸及電影的「美學」層面。電影不僅僅是講故事的媒介，更是一門藝術，它擁有獨特的視覺和聽覺美學。我對電影的構圖、色彩運用、燈光設計，甚至是電影配樂和音效的運用，都充滿了好奇。例如，為何有些電影的畫面看起來特別令人賞心悅目，有些電影的配樂能夠深深觸動人心？這些美學上的選擇，是如何與電影的主題和情感相輔相成的？我希望這本書能夠帶領我進入電影的美學殿堂，讓我理解電影創作者在追求藝術上的獨到之處，學習如何欣賞那些隱藏在影像背後的視覺詩意和聽覺張力。如果書中能提供一些關於經典電影的美學分析，例如某位導演獨特的視覺風格，那將會非常有啟發性。

评分☆☆☆☆☆

身為一個熱愛商業類型片的觀眾，我對《電影學入門》在類型電影分析上的篇幅感到非常期待。很多時候，我們看電影時會被緊湊的劇情、刺激的動作或感人的愛情所吸引，但卻很少去思考這些類型片是如何形成的，背後有哪些既定的模式和規則。例如，一部驚悚片是如何透過音效、燈光和鏡頭語言來營造懸念，一部科幻片又是如何透過特效和世界觀的建構來吸引觀眾。我希望這本書能提供一些分析工具，讓我們能夠拆解不同類型電影的成功元素，理解它們如何滿足觀眾的期待，並在既有的框架內尋求創新。同時，我也想了解不同類型片之間是如何互相影響和融合的，像是動作片中加入科幻元素，或是愛情片中融入喜劇元素，這些混搭的魅力在哪裡？