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　　◎流行钢琴双月刊杂志
　　◎一网打尽港台日韩最in的哈烧金曲
　　◎独家推出忠于原味的钢琴独奏＋伴奏完整套谱
　　◎揭露键盘编曲必杀技
　　◎横跨古典与流行，揉合东西方音乐元素
 

乐之光芒：钢琴演奏与艺术鉴赏精选集 主题： 深入探索钢琴艺术的殿堂，从基础技巧的精进到古典、浪漫乃至近现代作品的深度解析，旨在为所有热爱钢琴的习琴者、演奏者及艺术爱好者提供一套全面、系统且富含人文关怀的学习与鉴赏指南。 目标读者： 具备一定基础的钢琴学习者（中级及以上）、音乐学院学生、钢琴教师，以及对古典音乐有浓厚兴趣的普通听众。 --- 第一部分：技巧的熔炉——精准与表现力的基石 本部分聚焦于钢琴演奏中最核心的技术要素，强调科学训练与艺术表达的统一。我们摒弃枯燥的机械重复，转而探讨如何通过精妙的练习方法，解锁指尖的潜能。 第一章：触键的哲学：从重量到色彩 本章深入剖析钢琴的物理特性与触键之间的关系。不仅仅是“如何按下去”，更是“如何让声音‘诞生’”。 1. 重量的传递与回收： 探讨手臂、手腕、手指三者如何协同工作，实现从沉稳的“重量感”到轻盈的“颗粒感”的自由转换。详细解析“重力演奏法”的精髓，并结合巴赫赋格中的清晰度要求进行实践指导。 2. 指尖的形态学： 分析不同指尖接触琴键的角度、力度分布，以及这种形态对音色（Timbre）的影响。特设“音色光谱图”，直观展示不同触键法产生的听觉效果，指导学习者雕琢如丝绒、如珍珠、如钢铁般的多样音质。 3. 速度的控制与节奏的弹性（Tempo Rubato）： 阐释速度变化并非混乱，而是一种精密的呼吸。从莫扎特时代的严格节拍到肖邦的自由呼吸，分别给出不同时期作品中的节奏处理技巧，强调内在韵律的流动性。 第二章：跨越藩篱——和弦、八度和琶音的魔术 本卷针对性地解决那些看似基础却极易成为技术瓶颈的环节。 1. 和弦的“粘合”与分离： 探讨如何确保密集和弦中的每个音符同时、等量地发出，尤其是在李斯特或德彪西作品中需要展现的“和声铺陈”。引入“听觉反馈循环”，训练耳朵对微小延迟的敏感度。 2. 跨越障碍：精准的八度练习： 摒弃纯粹的力量训练，转而强调手腕的“侧向缓冲”和前臂的“旋转助力”。重点剖析拉赫玛尼诺夫协奏曲中高速、连续八度的演奏难点，提出“预测性准备”的练习框架。 3. 琶音的“织网”艺术： 琶音不应是匆忙的跑动，而应是声音的“流淌”。本节详细分解了各种复杂调式和速度下的琶音指法优化，特别是涉及大跨度、不规则音程的琶音段落（如肖邦练习曲Op.10 No.12）。 --- 第二部分：风格的探寻——历史与美学的对话 本部分引导读者跳出“弹奏”的层面，进入“理解”与“再创造”的境界，深入探究不同历史时期和作曲家独特的音乐语言。 第三章：古典主义的秩序与清晰（1750-1820） 聚焦海顿、莫扎特及贝多芬早期作品中对结构、对位和清晰度的要求。 1. 形态分析的实践： 如何通过识别主题、副题、呈示部、发展部、再现部的边界，来指导演奏的“呼吸点”和“逻辑重音”。以莫扎特奏鸣曲K.331为例，解析其结构如何决定了表现的克制与爆发。 2. 对位法的透明度： 深入巴赫风格对古典主义音乐的影响，讲解如何在钢琴上清晰地“绘制”出声部线条，确保每个声部都拥有独立的生命力，而非模糊的背景音。 3. 力度记号的边界： 探讨古典时期力度记号（如 p 和 f）的实际音量范围，强调其对比性而非绝对值，指导演奏者避免过度浪漫化的力度扩展。 第四章：浪漫主义的激情与叙事（1820-1900） 本章探讨浪漫主义时期钢琴音乐中，情感的深度释放与个性化表达的技巧。 1. 肖邦的“歌唱性”： 详细分析如何通过对旋律声部的细微处理（如颤音、装饰音的加入）来实现“美声唱法”般的连贯性。特别解析夜曲中“梦幻般”的模糊效果与清晰低音的平衡。 2. 李斯特的宏大叙事： 关注其作品中对演奏技巧极限的拓展。重点讲解复调层次的处理——如何让狂风骤雨般的伴奏和清晰、抒情的旋律线并存，并探讨踏板在构建“声场空间”中的关键作用。 3. 室内乐的独奏转化： 以舒曼的钢琴作品为例，探讨如何将原本为多人合作的音乐思想，在单件乐器上实现“交响化”和“多声部对话”的转换。 第五章：印象与现代的探索（1900至今） 进入二十世纪，钢琴音乐在音色和和声上迎来了革命性的变化。 1. 德彪西的“水纹”与色彩： 重点讲解如何利用半音阶、全音阶和五声音阶来创造“模糊”的听觉空间。研究踏板在德彪西作品中作为色彩工具的运用，而非仅仅是连结音符的手段。 2. 巴托克与民族节奏的融入： 分析如何将民间音乐的强烈节奏感和非传统音阶（如土耳其调式、匈牙利音阶）融入钢琴演奏中，要求演奏者在保持技术精确的同时，展现出原始的力量感。 3. 现代技法导论： 简要介绍对键盘的直接敲击、扫弦等非常规演奏技法（Extended Techniques）的起源和应用原则，为读者拓宽对钢琴表现力的认知边界。 --- 第三部分：舞台的磨砺——演奏与身心协调 本部分关注从练习室走向音乐厅的过程，强调身心健康、心理调适和音乐呈现的完整性。 第六章：高效的排练与记忆的构建 1. 分块练习与结构记忆法： 介绍如何将复杂的乐曲拆解成具有逻辑意义的“小段落”，并结合和声进行记忆，而非机械地记忆指法位置。提出“多通道记忆法”（视觉、听觉、触觉、逻辑）。 2. “慢速的真相”： 探讨过度依赖高速练习的危害。提出系统的“渐进加速法”，确保每一个音符和动态变化在慢速下都能被完美控制，从而将准确性“内化”为肌肉记忆的一部分。 3. 录音的自我批判： 引导学习者将录音视为最诚实的老师，并提供一套结构化的听音清单，用于分析自己的演奏中存在的技术失误、力度不均和风格偏差。 第七章：舞台上的从容：心态与诠释 1. 克服演奏焦虑： 提供基于认知行为科学的实用技巧，帮助演奏者管理上台前的生理反应（心跳加速、手部僵硬），将紧张感转化为专注力。 2. 诠释的“个人印记”： 鼓励学习者在掌握历史风格的基础上，发展出自己的声音。讨论如何通过对乐曲中“未明示”的情感线索进行合理推断，形成独特且令人信服的艺术解读。 3. 观众的参与： 探讨演奏者与听众之间无形的能量交换。优秀的演奏不仅是技术的展示，更是与在场者分享内心世界的行为艺术。 结语：永恒的旅程 钢琴学习是一场无止境的探索。本书提供的工具和视角，旨在帮助每一位读者超越现有的技术边界，真正与作曲家的灵魂对话，让指尖流淌出的不仅仅是音符，更是穿越时空的艺术光芒。

封面人物
田馥甄
──渺小

特别报导
樱花飞舞的祝福
──iTouch特约作者朱怡洁首张创作大碟

音乐主播台
华丽欢乐的新年之声
──维也纳新年音乐会

世界音乐疯
迷雾森林里的前卫派
──杨纳杰克

古典钢琴教室
导读莫札特钢琴作品 KV400(372a)

爵士钢琴讲座
G7属七和弦的应用变化

初级钢琴教室
如何弹奏「爱我别走」

iTouch钢琴演奏会
爱我别走

爵士咖啡
Lady Marmalade

流行钢琴讲座
Trap钢琴前奏弹法研究

流行钢琴简谱教室
陈绮贞「流浪者之歌」简谱教学

流行琴报
．中文流行歌曲
你就不要想起我︱田馥甄
爱着爱着就永远︱田馥甄
渺小︱田馥甄
雨水一盒︱陈绮贞
流浪者之歌︱陈绮贞
千年︱曾静玟+范玮琪

．戏剧主题曲
步步︱五月天  电视剧【步步惊情】主题曲
身不由己︱丁当  电视剧【步步惊情】插曲
幸福的可能︱丁当  TVBS概念剧【妈，亲一下】片尾曲
孤独的总和︱吴汶芳  偶像剧【爱的生存之道】插曲
我在哪里︱吴汶芳  偶像剧【爱的生存之道】插曲
舍不得︱李唯枫  三立华剧【幸福选择题】插曲
分手后不要做朋友︱梁文音  三立偶像剧【回到爱以前】片尾曲

．日韩最前线
Trap︱Henry
Hush︱Miss A

．西洋流行歌曲
Like a Star︱Corinne Bailey Rae

评分☆☆☆☆☆

这本书真是出乎我的意料！我一直对古典音乐抱有一种敬畏又有些距离感的心态，总觉得那是需要天赋和多年苦练才能触及的领域。但当我翻开这本书，尤其是被它那充满活力又有些俏皮的书名吸引时，我便被一种全新的视角所打动。作者并没有上来就灌输枯燥的乐理知识，而是以一种非常轻松、生活化的方式，将音乐的魅力娓娓道来。 我尤其喜欢书中关于“听”的章节，它让我意识到，我们平时听音乐，很多时候只是在“听个响”，而这本书教我如何去“品味”，如何去捕捉乐曲中的情绪起伏，如何去辨别不同的乐器在交响乐中的角色。就好像我以前只是囫囵吞枣地吃下美食，而现在，我学会了辨别食材的新鲜度，感受烹饪的火候，品味酱汁的层次。这种“听”的提升，让我重新认识了那些我曾经以为“听不懂”的古典名曲，发现它们原来如此鲜活，如此充满故事。 更让我惊喜的是，书中并没有回避练习的部分，但它呈现的方式是如此有趣。它没有用冷冰冰的“音阶”、“琶音”来吓唬我，而是用了很多比喻和类比，把那些看似枯燥的指法练习，描绘成一种像游戏闯关一样，充满挑战和乐趣的过程。我尝试着按照书中的一些小练习去实践，惊喜地发现，指尖竟然真的能“听懂”我的指令，并且开始奏出一些连贯的旋律。这种从“听到”到“想到”再到“做到”的转变，让我感觉自己不再是一个旁观者，而是真正地踏上了音乐的旅程。 这本书最大的价值在于，它消解了我对音乐的“高冷”印象，让我觉得音乐其实离我们很近，它存在于生活中的每一个角落，存在于我们的每一次呼吸之间。作者用非常接地气的语言，讲述了许多关于音乐家的故事，那些故事里有他们的坚持，有他们的迷茫，有他们的热爱，让我觉得他们不再是遥不可及的艺术巨匠，而是和我一样，有血有肉、有情感的人。这种亲近感，让我更加愿意去了解他们的作品，去感受他们留给世界的宝贵财富。 总而言之，这是一本让我重新发现音乐魅力的书。它不是一本生硬的教材，也不是一本浮夸的散文集，而是一本用心、用爱写就的，引导读者走进音乐世界的“启蒙书”。读完它，我感觉自己不再是那个对钢琴望而却步的“小白”，而是对弹奏有了新的认识，对音乐有了新的追求。这本书像一把钥匙，为我打开了一扇通往美妙音乐世界的大门，我迫不及待地想在这个世界里探索更多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直就像在一片宁静的湖面上投下了一颗闪亮的石子，激起了层层涟漪，搅动了我内心深处那些被遗忘的对音乐的向往。我承认，在遇到这本书之前，我对“弹琴”这件事，总带着一种“有门槛”的刻板印象，觉得那是一项需要从小培养、天赋异禀才能掌握的技能，普通人想触碰都是一种奢望。然而，这本书用一种极其温柔却又充满力量的方式，打破了我固有的认知。 它不是用“你应该怎么做”来命令我，而是用“你可以试试看”来邀请我。书中那些关于音符的讲解，一点也不枯燥乏味，反而充满了画面感和生命力。作者仿佛是一位经验丰富的向导，带着我一步步走近那些曾经被我视为神秘的乐谱，用最生动形象的比喻，将每一个音符的性格、每一个和弦的情绪都描绘得栩栩如生。我开始能够理解，为什么同样的乐句，在不同的演奏家手中会呈现出如此迥异的韵味，这其中的奥秘，原来藏在那些细微的力度变化和情感表达之中。 最让我印象深刻的是，作者在强调实践的重要性时，并没有使用生硬的说教。取而代之的是，他分享了许多自己在学习过程中的趣事和困惑，以及如何克服这些困难的经历。这些真实的故事，让我看到了自己身上的影子，也让我意识到，犯错和迷茫并非失败，而是通往进步的必经之路。书中提供的那些看似简单的练习，却蕴含着深刻的道理，它们不是为了让你立刻成为大师，而是让你在每一次指尖的触碰中，感受音乐的脉搏，建立与乐器的连接。 这本书的语言风格非常特别，它时而幽默风趣，让人忍俊不禁；时而又饱含深情，触动人心。作者对于音乐的热爱，仿佛是一种会传染的病毒，在阅读的过程中，我也不自觉地被这种热情所感染。我开始重新审视那些我曾经错过的音乐，试图去理解它们背后所承载的情感和故事。我甚至萌生了一种冲动，想要亲自去触碰那些黑白键，去奏出属于自己的旋律。 这本书让我明白，音乐并非遥不可及的殿堂，它更像是我们生活中的一部分，是一种可以被学习、被体验、被创造的美好。它不是关于“能不能弹好”的问题，而是关于“愿不愿意去感受”的态度。这本书，无疑点燃了我内心深处对音乐的那团火苗，让我开始认真思考，如何让这团火苗，燃烧得更加旺盛。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我总觉得音乐，尤其是乐器演奏，是属于那些天赋异禀、从小接受专业训练的人的领域。我像一个站在高墙外的旁观者，羡慕着高墙内那些能奏出美妙乐章的人，却从未想过自己也能有机会进入其中。直到我偶然翻开了这本书，它彻底颠覆了我之前所有的固有认知，让我看到了另一种可能。 这本书没有上来就讲枯燥的乐理或者艰深的技巧，而是以一种非常贴近生活化的叙述方式，娓娓道来。作者仿佛一位经验丰富的朋友，分享着他与音乐结缘的点点滴滴，那些故事中充满了真实的情感和生活的智慧。我被他描述的那些“指尖上的舞蹈”深深吸引，那种将情感通过音符传递出去的魅力，让我心生向往。 书中对于乐器演奏的讲解，并非是冰冷的指令，而是充满了鼓励和引导。它不仅仅告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”，以及“这样做会带来什么样的感受”。我尤其喜欢书中关于“聆听”的章节，它让我明白，好的演奏不仅仅是技术的完美，更重要的是情感的表达和与听众的共鸣。我开始意识到，我平时听音乐的方式，原来还有这么大的提升空间。 更让我惊喜的是，书中并没有回避练习的重要性，但它呈现的方式却非常有趣。它将一些看似枯燥的练习，融入到各种生动形象的比喻和场景中，让我感觉自己不是在“练习”，而是在“游戏”或者“探索”。这种轻松愉快的学习方式，大大降低了我对学习音乐的畏惧感，让我愿意去尝试，去体验。 这本书给我的感觉，就像是一扇敞开的大门，它没有设置任何门槛，只是静静地等待着每一个愿意走进来的人。它让我看到了，原来学习音乐并非遥不可及，它也可以是一种享受，一种自我表达的方式。读完这本书，我感觉自己内心充满了力量，跃跃欲试地想要去触碰那些黑白键，去奏出属于我自己的声音。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都对那些能用双手创造出美妙声音的人充满了好奇和敬佩，总觉得他们身上散发着一种与众不同的光芒。而这本书，就像一位引路人，悄悄地走进了我的生活，为我揭开了这层神秘的面纱，让我看到了音乐世界中不为人知的另一面。它没有以高高在上的姿态去传授知识，而是以一种平等而亲切的姿态，与我分享着音乐的奥秘。 我特别喜欢书中对于“感觉”的描述。作者并不是简单地让你去记住音符和节奏，而是引导你去“感受”每一个音符的温度，去“体会”每一个乐句的情感。这种从“理解”到“感受”的转变，让我对音乐的认知，从一种理性的分析，升华到一种感性的体验。我开始尝试着去倾听内心深处的声音，去理解那些隐藏在旋律背后的情感。 书中那些关于练习的建议，也并非是死板的套路，而是充满了灵活性和创造性。作者鼓励我去尝试不同的方法，去寻找最适合自己的节奏。他用许多生动的例子，向我展示了如何将枯燥的练习，变成一种充满乐趣的探索过程。我仿佛看到了，那些曾经让我望而却步的指法，如今可以变成一种充满活力的游戏。 更让我意外的是，这本书的语言风格非常独特，它时而幽默风趣，让我开怀大笑；时而又细腻感人，让我潸然泪下。作者对于音乐的热情，仿佛可以通过文字直接传递给我，让我不自觉地被卷入其中，沉醉在他的音乐世界里。我感觉，这不仅仅是在阅读一本书，更像是在与一位知己进行一场深入的灵魂对话。 总而言之，这本书为我打开了一扇通往音乐殿堂的大门，它没有要求我具备任何前提条件，只是邀请我怀着一颗好奇和热爱的心，去探索这个美妙的世界。它让我明白，音乐并不仅仅是关于技巧，更是关于表达，关于连接，关于生活本身。读完这本书，我感觉自己不再是那个站在音乐门外的局外人，而是渴望踏入其中，去创造属于自己的旋律。

评分☆☆☆☆☆

我常常觉得，生活就像一部由无数片段拼接而成的电影，而音乐，就是这部电影中最动人心魄的配乐。在这之前，我一直扮演着一个被动的观众，沉浸在别人谱写的乐章里，却从未想过自己也能成为一名作曲家，用指尖在黑白键上书写属于自己的旋律。这本书，就像一位神秘的导演，悄悄地闯入我的生活，用一种出人意料却又恰到好处的方式，让我看到了自己隐藏的潜力。 书中对于乐器的介绍，不是冷冰冰的参数罗列，而是充满了人文关怀和情感色彩。作者仿佛在介绍一位老朋友，细致地描绘了每一种乐器的“脾气”和“个性”，以及它们是如何在音乐的舞台上绽放光彩的。我尤其对书中关于钢琴的部分印象深刻，它没有过分强调技巧的艰深，而是着重于如何去“理解”钢琴，如何去感受它发出的每一个音符背后所蕴含的情感。 更令我惊喜的是，书中将一些看似复杂的音乐理论，用非常形象的比喻和生动的故事来解读。我曾以为“和声”和“对位”这些词汇是高不可攀的学术概念，但在这本书里，它们被描绘得如同日常对话般自然，甚至充满了趣味性。我开始意识到，音乐的构成原理，并非遥不可及的科学，而是一种流淌在生活中的逻辑和美感。 这本书并没有强迫我立刻去练习，而是鼓励我去“聆听”，去“感受”。作者分享了许多关于如何欣赏不同风格音乐的独到见解，这些见解让我仿佛拥有了一副“音乐透视眼”，能够看穿表面的喧嚣，捕捉到音乐的灵魂。我开始尝试着去“听懂”那些我曾经觉得“听不懂”的乐曲，惊喜地发现，原来它们都在诉说着一个个动人的故事。 总而言之，这本书对我来说，不仅仅是一本关于音乐的书，更是一次关于自我发现的旅程。它让我意识到，原来我也可以成为音乐的一部分，而不仅仅是一个旁观者。它用一种温暖而坚定地方式，告诉我“你也可以”，并且提供了一条切实可行的路径。这本书，点亮了我内心深处对音乐的渴望，让我愿意迈出那重要的一步，去探索那未知的音乐世界。