古典音乐十五讲（修订版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　三十个音乐家，串连起西方古典音乐的历史。从文艺复兴时期、巴洛克时期、浪漫主义时期……一直到现代音乐的诞生，在这条蜿蜒流淌了四百多年的音乐长河里，两岸奔行的音乐家在不同年代，创造了属于他们的光辉，也为这条音乐长河汇入丰富的支流。

　　帕勒斯替那的复调音乐，韩德尔的清唱剧，威尔第与华格纳的歌剧，从舒伯特、舒曼到布拉姆斯的艺术歌曲……一部音乐史其实就是不断发现与创造人声与乐器在空气中振动的历史，于是有了从蒙特威尔第到巴赫的对乐器的顶礼膜拜，有了贝多芬所奠定的交响曲的艺术形式，有了荀白克对调性的彻底打破和十二音体系的建立……

　　音乐微妙的变化，情感曲折的选择，潜在价值的判断，都在音乐的变迁中折射出时代的光彩与音乐家探索的足印，同时也折射出人类和奇妙大自然交融的轨迹。

　　推广重点
　　1. 梳理西方音乐发展的重要阶段及人物，是古典音乐史必读的入门之作。
　　2. 以史说人，深入浅出带出30位音乐家的音乐追寻及其跌宕的一生。
　　3. 列举重要音乐作品，以实例论证四百多年音乐流变。

《西方艺术史：从古典主义到印象派的辉煌之路》 内容简介 本书旨在为读者系统梳理西方艺术史中一个至关重要的发展阶段——从18世纪古典主义的严谨理性到19世纪印象派的色彩革命之间的波澜壮阔的演变历程。本书并非专注于某一特定艺术门类的深入剖析，而是致力于构建一个宏观的、相互关联的艺术图景，展现不同时期、不同流派之间在美学理念、社会背景和技术革新上的传承与冲突。 第一部分：启蒙的理性之光——古典主义的复兴与确立（约18世纪中后期） 本部分将深入探讨启蒙运动对艺术思潮的深刻影响。在对古希腊罗马艺术的重新发掘与推崇中，艺术审美转向对“永恒的、普遍的真理”的追求。 1. 建筑的秩序与庄严： 我们将考察雅克-日耳曼·苏夫洛（Soufflot）的先贤祠等标志性建筑，分析其如何通过严格的比例、清晰的结构和纪念碑式的体量，来表达理性的、公民的理想。重点剖析新古典主义建筑如何作为新生的资产阶级和政治力量的文化宣言。 2. 绘画中的道德剧： 大卫（Jacques-Louis David）的作品被置于核心位置。我们将细致分析《贺拉斯兄弟之誓》等作品中对线条的绝对控制、清晰的透视、以及强烈的道德叙事主题。探讨这种“崇高”（Sublime）的美学如何服务于政治教化和英雄主义的塑造。 3. 雕塑的宁静与理想化： 介绍安东尼奥·卡诺瓦（Antonio Canova）的工作，分析他如何将新古典主义的理想美推向极致，追求大理石材料的极致光洁与人物姿态的优雅克制，及其与古希腊雕塑的细微差别和时代烙印。 第二部分：情感的觉醒与冲突——浪漫主义的崛起（约19世纪初至中期） 随着拿破仑战争的结束和工业革命的深入，社会动荡不安，人们开始反思启蒙运动的过度理性。浪漫主义艺术是对冰冷秩序的反叛，高举情感、想象力、异域风情和个体经验的旗帜。 1. 德拉克洛瓦与色彩的激情： 深入分析欧仁·德拉克洛瓦（Eugène Delacroix）如何运用动态的构图、对比强烈的色彩和富有表现力的笔触来捕捉瞬间的戏剧性与澎湃的情感。《自由引导人民》将被视为浪漫主义精神的图腾，探讨其在历史事件记录与主观激情表达之间的张力。 2. 戈雅的黑暗预言与内心景观： 弗朗西斯科·戈雅（Goya）的作品被视为浪漫主义的先驱和黑暗面的揭示者。我们将考察他如何从宫廷画师转向对战争残酷、迷信荒诞的深刻批判，并分析其《黑色绘画》系列中对潜意识和非理性力量的探索。 3. 景观的崇高与人的渺小： 英国风景画，特别是特纳（J.M.W. Turner）和康斯太勃尔（John Constable）的贡献。特纳对光线、大气和自然力量的痴迷，如何将风景提升到哲学和形而上学的层面，使自然成为人类情感的投射对象。 第三部分：现实的镜像与技艺的革新——现实主义的介入（约19世纪中期） 19世纪中期，社会矛盾日益尖锐，艺术界开始厌倦浪漫主义的逃避与虚饰，转向对“此时此地”的忠实描摹。现实主义的出现标志着艺术与社会现实的直接对话。 1. 库尔贝与“丑陋的”真实： 古斯塔夫·库尔贝（Courbet）的革命性在于他拒绝了官方学院派对题材的等级划分，坚持描绘劳动者、农民和日常生活中的粗粝细节。《采石工人》和《奥尔南的葬礼》将作为案例，分析其对传统“美”的颠覆。 2. 米勒与田园的诗意： 探讨让-弗朗索瓦·米勒（Millet）如何以一种既尊重又带有一定理想化色彩的方式，描绘农村生活的艰辛与尊严，分析其作品中潜在的人道主义关怀。 3. 摄影术的挑战与绘画的自省： 简要分析摄影术的发明对绘画构图和题材选择带来的冲击，促使画家必须重新定义“绘画性”（Pictorial Quality）的价值。 第四部分：光影的捕捉与瞬间的永恒——印象派的革命（约19世纪后半叶） 印象派是艺术史上最受大众欢迎，同时也最具革命性的运动之一。它彻底改变了人们观察世界和描绘世界的方式。 1. 科学理论与户外写生： 考察光学理论（如谢弗勒尔的色彩理论）如何被印象派画家吸收。重点分析户外写生（Plein Air）实践，及其如何使得艺术创作摆脱画室的束缚，走向真实的光影环境。 2. 莫奈：光与时间的诗人： 克劳德·莫奈（Monet）被视为核心人物。通过对其系列作品（如干草堆、鲁昂大教堂、睡莲）的细致解读，揭示其核心目标：不是描绘物体本身，而是描绘特定时刻的光线投射在物体上所产生的视觉印象。分析其笔触如何变得破碎、松散，以适应瞬间的感知。 3. 巴黎都市生活的剪影： 德加（Degas）和马奈（Manet）的作品。探讨马奈如何作为古典技巧与现代主题（如《草地上的午餐》）之间的桥梁人物。分析德加如何运用非传统的构图和对日常场景（如芭蕾舞排练、咖啡馆）的捕捉，展现现代城市生活的疏离感和节奏感。 总结：从殿堂到街头 本书最后将总结古典主义的理性秩序如何被浪漫主义的情感爆发所冲击，又如何被现实主义的社会批判所修正，最终在印象派对光与色彩的纯粹迷恋中，彻底转向了现代艺术的开端。读者将清晰地看到，艺术不再是模仿客观世界或宣扬单一真理，而是日益成为艺术家对经验、感知和时代精神的独特记录。

作者简介

肖复兴

　　1982年毕业于中央戏剧学院。曾到北大荒插队六年，当过大、中、小学教师十年。曾任《小说选刊》副总编、《人民文学》杂志社副主编、北京市写作学会会长。已出版长篇小说、中短篇小说集、报告文学集、散文随笔集和理论集百余部。着有《肖复兴散文100篇》、《肖复兴新散文画卷》、《肖复兴音乐文集》、《中国文学百家‧肖复兴卷》等。曾获得全国以及北京、上海优秀文学奖、冰心散文奖、老舍散文奖多种。

绪论
第一讲 帕勒斯替那和蒙特威尔第－16世纪和17世纪的音乐
第二讲 巴赫和韩德尔－巴洛克时期的音乐
第三讲 莫札特和贝多芬－古典时期的音乐
第四讲 韦伯和舒伯特－浪漫乐派的奠基者
第五讲 白辽士和李斯特－巴黎乐坛上的激进派
第六讲 孟德尔颂和萧邦－浪漫派中的两个柔弱的极致
第七讲 舒曼和布拉姆斯－一条河的上游和下游
第八讲 罗西尼和比才－19世纪两位不对称的天才
第九讲 华格纳和威尔第－19世纪歌剧艺术两座不可逾越的高峰
第十讲 布鲁克纳和马勒－后浪漫主义音乐
第十一讲 德布西和拉威尔－浪漫派音乐的异军突起
第十二讲 柴可夫斯基和强力集团－关于俄罗斯民族音乐
第十三讲 史密塔纳和德沃夏克－捷克民族音乐的兴起
第十四讲 葛利格和西贝辽士－斯堪的那维亚的双子星座
第十五讲 李察．史特劳斯和荀白克－世纪之交的新音乐
修订后记

绪论
 
叔本华早就从形而上学的角度指出，音乐的内容联系着宇宙的永恆，音乐的可能性与功能超越其他一切艺术之上。对比文字，他曾经这样说：「音乐比文字更有力；音乐和文字结婚就是王子与乞儿结婚。」
　　
现在，我却要做这种无力的事情，以有限的文字来阐释无限的音乐。这本小书，其实就是在做这种王子与乞儿结婚的事情。不过，话又说回来了，谁又能说非得王子和公主才能够结婚，而王子和乞儿结婚的童话，为何就不能够成为我们的一种想像和现实？
　　
就让我试着来做一次。
　　
其实，音乐在历史长河的发展中，和文学的发展有非常相似乃至神似的方面。
　　
它们存在的方式都是以时间为单位，读文学要一页一页地看，听音乐也要一个小节一个小节地听，它们都不像绘画、雕塑，一幅绘画我们瞬间就可以把它看完，用不着时间流淌的过程，即使雕塑的背面你看不见，放一面镜子也就看见了。但音乐和文学的材料不同，音乐的材料是乐器和人的声音，文学的材料是文字。在一句话当中只能有一个主语，如果不同的人从不同的角度同时发出各自的一种声音，那将是一种新的声音，却是一种杂乱的声音，我们甚么也听不清的声音。而乐器放在一起，发出各自的不同声音，合在一起却可以是非常好听的音乐。在那里，每种乐器都是一张嘴，可以在同一时间，形成一种众神喧哗、多声部的效果，这就是音乐的神奇。文学完全可以向音乐学习，巴赫金就创造了复调小说的理论，文学的叙述角度也可以是多声部的，形成一种交响的效果。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的编排设计简直是为我量身定做的。我一直觉得古典音乐的学习，需要一个清晰的脉络，而《古典音乐十五讲（修订版）》恰恰做到了这一点。它并非简单地按照时间顺序堆砌，而是将不同时期、不同风格的音乐巧妙地串联起来，让我在欣赏贝多芬的英雄气概时，也能联想到前承莫扎特的优雅，又为后来的浪漫主义音乐埋下了伏笔。每个“讲”都像一个精心设计的章节，既有独立的完整性，又能与其他部分有机地联系。我尤其欣赏作者对于不同音乐流派的界定和阐述，比如如何区分巴洛克时期的严谨与古典时期的均衡，如何理解浪漫主义音乐中澎湃的情感宣泄。书中对具体作品的解读也十分到位，不仅仅是旋律和和声的分析，更是从历史、文化、社会等多个角度，阐释了这些音乐作品的意义和价值。读完之后，我感觉自己对古典音乐的整体认知水平得到了极大的提升，不再是碎片化的了解，而形成了一个更为系统和完整的知识体系。 this edition feels very thorough.

评分☆☆☆☆☆

如果要我推荐一本关于古典音乐的书，我一定会毫不犹豫地推荐《古典音乐十五讲（修订版）》。这本书最大的优点在于它的“适度性”。它既有足够的研究深度，能够满足对古典音乐有一定了解的读者；又不会过于专业，让初学者望而却步。作者在内容的取舍上拿捏得恰到好处，既涵盖了古典音乐发展的关键节点和代表人物，又能在细节处进行精彩的展开。我最欣赏的是作者对于“为什么”的解答。很多音乐书籍会告诉你“是什么”，但这本书更侧重于“为什么”。为什么某个作曲家会采用某种音乐手法？为什么某个作品会产生如此深远的影响？这些追根溯源的探讨，让我对古典音乐的理解上升到了一个全新的高度。修订版在原有的基础上，进一步优化了内容和结构，使得阅读体验更加流畅，信息更加准确。It's clearly a labor of love, and the revisions show it.

评分☆☆☆☆☆

这套书着实让我眼前一亮，我一直对古典音乐有着浓厚的兴趣，但总感觉隔靴搔痒，无法深入理解其精髓。市面上同类书籍不少，但很多要么过于枯燥晦涩，要么流于表面，难以真正触及音乐的灵魂。《古典音乐十五讲（修订版）》恰恰填补了这一空白。作者的笔触细腻而富有感染力，将那些抽象的乐理和复杂的作曲家生平，化为一个个生动的故事，仿佛置身于那个辉煌的时代。我特别喜欢其中关于巴赫的部分，作者不仅仅罗列了他的作品，更是深入剖析了他音乐的结构之美，以及他对后世音乐发展的深远影响。阅读过程中，我常常会停下来，去寻找书中提到的那些乐章，反复聆听。每一次重温，都会有新的感悟。而且，书中提及的很多作曲家，我之前只是模糊地听过名字，经过作者的介绍，我对他们的音乐风格、创作背景有了更清晰的认识，甚至能体会到他们音乐中蕴含的独特情感。这本书真的像一位循循善诱的老师，带我一步步走进古典音乐的殿堂，让我不再是旁观者，而是能真正地去感受、去欣赏、去理解。 revisions are always a good sign of a book that cares about its audience.

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我重拾对古典音乐热情的书。我曾经有过一段对古典音乐非常着迷的时期，但后来因为学业繁忙，渐渐疏远了。当偶然翻开《古典十五讲（修订版）》时，那种久违的感动又回来了。书中很多细节的描写，比如作者对某个作曲家在创作某个作品时的心路历程的猜测，或者对某个乐章的独到见解，都充满了人文关怀和艺术的温度。我特别喜欢其中关于歌剧的部分，作者并没有将歌剧仅仅视为一种音乐形式，而是将其置于戏剧、文学、美术等更广阔的艺术背景下进行解读，让我看到了歌剧背后更丰富的文化内涵。这本书不仅让我重新认识了那些耳熟能详的古典名曲，更让我发现了许多我之前从未接触过的宝藏。阅读的过程，就像是在与历史上的伟大灵魂对话，受益匪浅。The book is definitely improved.

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，理解音乐，最重要的是要能“听懂”。《古典音乐十五讲（修订版）》在这方面做得非常出色。作者并没有直接抛出大量的专业术语，而是用非常通俗易懂的语言，引导读者去感受音乐。例如，在讲解交响乐的构成时，作者会用生动的比喻，将乐器之间的配合描绘得如同一个庞大的合唱团，各个声部是如何互相支持，共同营造出宏伟的音响效果。我最喜欢的部分是关于音乐的“情感表达”的探讨。作者详细分析了不同乐器、不同旋律走向、不同和声色彩如何传递出喜悦、悲伤、激昂、宁静等丰富的情感。读完这些章节，我再听那些曾经让我觉得“好听”但不知所以的作品时，突然间豁然开朗，仿佛能看到作曲家在创作时，是如何用音符来描绘内心的世界。这本书让我真正体会到了“听音乐”的乐趣，不再是被动地接受，而是能够主动地去解读、去共鸣。The revisions are substantial and valuable.