艺术家的自画像：从文艺复兴的杜勒到当代的巩立 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 艺术史
• 自画像
• 绘画
• 文艺复兴
• 现代艺术
• 杜勒
• 巩立
• 肖像画
• 艺术理论
• 西方艺术

二十位文艺复兴时期至当代的西方艺术家
二十种透过脸、透过身体观看世界的方式

用科学比例唿应古典理性的杜勒
借艺术之名加冕宫廷地位的维拉斯盖兹
以感情驱策线条与色彩的梵谷
将勇气与自信画在脸上的莫德松—贝克
在罗兰巴克眼中呈现「慾望高潮」的马波索博
用身体展现情绪张力的巩立

　　肖像画之所以充满魅力，正如本书作者所说，因为它是一种以「人」为对象的绘画类型的缘故。也因此，随着人文主义于文艺复兴时期抬头而广泛流行的自画像，就更是这一对人的兴趣的极致发挥，在这里，艺术家将目光由世界和他人转向自己，从而透过绘画中的脸和身体观看世界，并向世界揭开自己。

　　在本书中，毕业于英国格莱斯哥艺术史研究所的作者，以浅白而饱富艺术养份的文字，介绍二十位从文艺复兴时期至当代的西方艺术家以自己为对象的绘画、雕塑和摄影作品，引领读者顺着艺术家的二十种观看世界的方式，探勘二十个信仰艺术的瑰丽灵魂。

作者简介

方秀云

　　生于台北，1998年赴英国留学，分别在爱塞斯大学（Essex University）、爱丁堡大学（Edinburgh University）、格莱斯哥大学（Glasgow University）攻读艺术史，2006年获博士学位。

　　专长领域包括电影、摄影、超现实、现代艺术、达利美学、身体艺术、欧洲肖像、苏格兰艺术、中西肖像美学的比较。

好的，以下是一份关于一本不同主题图书的详细简介，力求自然流畅，不露痕迹，聚焦于一个假想的、与原主题完全不相关的书籍内容。 --- 《失落的星图：17世纪英格兰的航海、秘密社团与宇宙观的变迁》 本书导言：当巨轮驶离地平线 十七世纪，是一个矛盾与剧变的时代。一方面，大航海时代的余晖仍在照耀，渴望财富与新大陆的船队扬帆远航，挑战着旧有的地理认知；另一方面，科学革命的冷峻之光开始穿透迷信的阴霾，试图用数学和机械的逻辑来重新丈量宇宙。然而，在这些宏大叙事之下，隐藏着一股更为隐秘的力量——那些在伦敦阴暗的酒馆里密谋、在偏远的庄园中观测星象的“探寻者”们。 《失落的星图》深入剖析了这一时期英格兰社会中，航海实践、新兴科学思潮与民间神秘主义之间复杂且常常相互渗透的关系。它不再聚焦于宏伟的军事或政治冲突，而是将目光投向了那些在历史夹缝中，试图绘制一张涵盖了尘世航线和天界轨迹的“全景星图”的团体与个体。 第一部分：海洋的几何学与秘密的引力 航海术在此时期迎来了质的飞跃，经纬度测绘的精确性直接关系到国家的海权和商业利益。然而，本书着重考察的并非官方皇家学会的成就，而是那些在私人航海日志中偶然泄露出来的、关于“特殊导航法”的记载。这些记载暗示，部分船长和制图师不仅仅依赖于磁罗盘和象限仪，他们似乎拥有一种超越当时主流认知的、基于星辰周期和特定地理标记的“感应式定位法”。 我们追踪了活跃于1630年至1670年间，以科茨沃尔德（Cotswolds）地区为基地的一个松散组织——“环形观察者”。他们声称，通过对某些特定的星座（如大熊座的特定角度）在特定季节的特定时间点的观察，可以预测到某些海域异常的洋流和天气变化。本书通过对大量未曾出版的信件和家谱的梳理，揭示了这些观察者如何将古代炼金术的“元素对应论”与新发明的航海仪器进行融合，试图建立一个既能指导船只安全靠岸，又能揭示“宇宙秩序”的知识体系。 第二部分：从伽利略到“地狱之门”的解读 科学革命的浪潮席卷了欧洲，哥白尼和开普勒的发现动摇了神学对宇宙的绝对控制。然而，在英格兰，这种知识的接受并非一帆风顺。许多保守的知识分子和地主精英，将科学的进步视为对既有社会结构的威胁。 《失落的星图》探讨了这种张力如何体现在对“异常天象”的解读上。当彗星或月食发生时，官方的皇家学会倾向于用机械论和轨道计算来解释，将其视为自然过程。但本书关注的是那些民间流传的对这些现象的“预兆性”解读。我们发现，一个名为“炼金之瞳”的团体，坚信特定彗星的出现预示着某个“时空交汇点”的开启——他们称之为“地狱之门”（The Stygian Aperture）。 本书详细分析了他们如何将约翰·迪（John Dee）时代遗留的占星图谱，与托勒密的《至大论》中关于“九层天”的描述，通过复杂的数字编码进行重新排列，试图计算出何时何地会发生这种“交汇”。这种解读并非全然是迷信，它实际上反映了当时一部分人对主流科学范式的不安，以及试图在科学理性与古老智慧之间寻找中间道路的努力。 第三部分：秘密社团的建筑蓝图与天体对应 本书的重点转移到物质空间对宇宙观的反映。十七世纪的英格兰，庄园和公共建筑的设计往往蕴含着复杂的设计理念。我们跳脱出传统的建筑史分析，侧重于研究那些带有明显“宇宙符号”的私密空间。 例如，我们详细考察了位于威尔特郡一处被遗忘的贵族庄园。其花园的布局、林荫道的走向，甚至特定房间的开窗角度，都与某个特定星辰运行周期精确对应。这些“活体星图”并非简单的装饰，而是建造者用以观测、校准和“稳定”特定宇宙能量的装置。 我们通过重建这些空间的原始用途，揭示了这些团体如何利用建筑学作为一种“媒介”，试图在地球上复制或锚定他们所理解的天界秩序。这不仅仅是象征意义上的模仿，而是涉及到了对特定材料的选择（例如，特定矿石或木材的采购渠道），以及在特定时间进行“奠基仪式”的记录。这些秘密的建筑实践，是他们试图将“失落的星图”从书本和天空，转移到可触摸的、可感知的物质世界中的尝试。 结论：知识的碎片与后世的投影 《失落的星图》最终探讨了这些秘密知识体系的衰亡与遗存。随着启蒙运动的深入和经验主义的胜利，这些将航海、神秘学和早期科学混杂在一起的尝试，逐渐被主流历史所边缘化，或被浪漫化地归类为“迷信”。 然而，本书认为，这些失败的尝试并非毫无意义。它们是社会在面对剧烈认知变革时，一种复杂的心理反应的投射。它们提供了理解十七世纪英格兰社会深层焦虑和知识权力斗争的独特视角——在这个时代，确定“我们在哪里”不仅是一个地理问题，更是一个关于我们身份和宇宙位置的哲学拷问。通过对这些散落的线索进行拼凑，我们得以窥见一张比官方记录更为复杂、更富有人性挣扎的“失落的星图”。 ---

自序
第1篇 D?rer 酝酿的人本精神——阿尔布雷特．杜勒
第2篇 Anguissola兼具阳刚与柔顺的体现——苏菲妮丝芭．安贵叟拉
第3篇 Van Dyck全身上下的贵族气息——安东尼．范戴克
第4篇 Vel.zquez 画家们的画家——维拉斯盖兹
第5篇 Rembrandt 拥有自由的灵魂——林布兰特
第6篇 Messerschmidt 极度扭曲的脸——梅塞施米特
第7篇 Rodin 打开心门的省思——奥古斯特．罗丹
第8篇 Van Gogh燃烧自己照亮别人——文生．梵谷
第9篇 Klimt 浪漫的神祕隐藏——卡斯塔夫．克林姆
第10篇 Modersohn-Becker 自我实现的庆典——宝拉．莫德松-贝克
第11篇 Chagall自由与爱情的诗集——马克．夏卡尔
第12篇 Fontana 永恆存在的姿态标记——卢丘．封答那
第13篇 Dal? 横扫现代艺术的无能——萨维多．达利
第14篇 Kahlo 为人生演出最激情的一档戏——芙烈达．卡萝
第15篇 Sher-Gil 东西方融合后最美的极致——爱玛丽塔．雪吉尔
第16篇 Pollock 情绪奔放的挥洒——杰克森．帕洛克
第17篇 Hockney 从年轻的出走到老年的回归——大卫．霍克尼
第18篇 Long自然，行走与标记——理查．隆尔
第19篇 Mapplethorpe「反」争议性的存在——罗伯．马波索博
第20篇 Gormley道德剧《凡人》的再延伸——安东尼．巩立

作者序

方秀云

　　朋友问我，为什么喜欢人像画呢？有趣的是，生活中对不少事的反应，经常是无意识的动作，直到别人提起，为何这样，为何那样，我们才开始探查背后的理由。

　　童年时，每天傍晚我在窗口旁等待父亲回家，他踏进大门，将脚踏车停放墙边，可说是我整天下来最期待的一刻，好几年来，对这样一日复一日的习惯也未曾多想。然而去年在爱丁堡逛商业画廊时，我看到当代艺术家亚历山大．米勒（Alexander Millar）画的〈回家的路上〉，描绘一个五十多岁的中年男子，身穿灰绿的风衣与帽子，叨根烟，骑着单车，当时我眼睛一亮，泪水溢满眼眶然后直落了下来，在那刻我才明白，小时候从那一扇小窗望出去看到的世界一直还深藏在心底，那震撼力有多强，持续有多久，至今还澎湃依然。

　　1998 年，我离开台湾只身来到英国求学，临行前，母亲送我到机场，因第一次离家，又是我企盼已久的梦想，在出境机门跟妈妈道别时，我看着她大约有两秒钟，便狠下心不再回头，于是就直奔登机门，但这几年来，偶尔她以最美丽的身影到我梦里探访，我清楚的知道，九年前她在那儿望着，直到看不见我为止，但我两秒的回望，门框内的母亲却成为我一生难以忘怀的影像。

　　他们安身立命的过日子，用认真的态度勾勒出自己的容貌、姿态与性格，就在那关键的时刻，在框内作了定格，以最动人，最纯粹的脸与身体烙印在他们的自画像上。好几年来，我始终扛着这两幅肖像画，无论走到哪儿总跟我到哪儿。一般来说，颜料会随时间、温度与触摸逐渐的褪色，线条也越变越模煳，然而，我心中肖像人物的色彩与线条却越来越清晰，甚至他们的特征显得更突出，有趣，也更鲜活，散发一股人性洗鍊的精华，以及珍贵的爱情，也因这能量的源源不绝，我对「人」始终保持最浓厚的兴趣。
我特别喜爱人像画，大概因我相信「人」的缘故吧！

　　本书中我介绍二十位艺术家的自画像，分别是杜勒（D?rer），苏菲妮丝芭（Sofonisba），范戴克（van Dyck），维拉斯盖兹（Vel?zquez），林布兰特（Rembrandt），梅塞施米特（Messerschmidt），罗丹（Rodin），梵谷（van Gogh），克林姆（Klimt），莫德松-贝克（Modersohn -Becker），夏卡尔（Chagall），封答那（Fontana），达利（Dal?），卡萝（Kahlo），雪吉尔（Sher-Gil），帕洛克（Pollock），霍克尼（Hockney），隆尔（Long），马波索博（Mapplethorpe）与巩立（Gormley），涵盖从文艺复兴到当代，他们个个都是家喻户晓的人物，也擅长刻画自我肖像，更在肖像美学上作了突破的革新，我同时也顾及到年代、性别、风格、形式及地域的多样性。

　　在研究与撰写的过程中，我发现到不少艺术家刻意或不经意留下来的秘密，我也替他们作了解码，因此，特别产生一种私探他人秘密的快感。我常想，这些艺术家都在努力证明自己的存在与不平凡，他们用图像来描绘自己的生命，经常一不小心陷入水仙花般的自恋。他们有的扮演先知的角色预言了未来；有的用自制扩音器作美学的、精神的、政治的、文化的、宗教的宣扬；有的不得志倾吐心中的郁闷；有的揭露对生活的态度与体会；有些说出自个儿的丰功伟业；有的却展现普度众生的雄心，不论哪一种，最让我感动的还是看见二十位艺术天才的叛逆，创意，幽默，热情与执着，他们都未曾浪费过一丁点的青春，所谓的不平凡，也就在此。

评分☆☆☆☆☆

《艺术家的自画像：从文艺复兴的杜勒到当代的巩俐》这个书名，让我立刻联想到了一场跨越时空的艺术对话。从文艺复兴时期，那个将自我观察推向全新高度的杜勒，他的自画像不仅仅是对外貌的记录，更是对内心情感、智慧和艺术地位的深刻表达。他的作品，充满了人文主义的光辉，展现了艺术家作为一个独立个体的价值和尊严。而将目光转向当代，巩俐，这位在国际影坛上拥有举足轻重地位的中国女演员，虽然她的“自画像”更多地以银幕形象的方式呈现，但她对每一个角色的投入和理解，以及她所散发出的强大气场，本身就是一种独特的自我呈现。她通过自己的表演，塑造了一个又一个令人难忘的女性形象，这些形象必然也包含了她自身对生活、对人性、对世界的理解。这本书似乎在试图连接这两个看似遥远的艺术领域，去探讨艺术家如何通过不同的媒介，来捕捉和表达“自我”的本质。我非常期待，书中能够深入分析杜勒作品中蕴含的哲学思考，以及巩俐在塑造角色时所展现出的精神力量，并从中找到一种跨越时代的艺术共鸣，理解艺术家们是如何在不断变化的时代背景下，坚持对自我和世界的探索。

评分☆☆☆☆☆

当我看到《艺术家的自画像：从文艺复兴的杜勒到当代的巩俐》这个书名时，我的脑海里立刻涌现出无数的画面。我脑补着杜勒在画室里，一丝不苟地描绘自己，每一个笔触都充满了对精确和真相的追求。他的自画像，总是带着一种近乎科学的冷静，同时又蕴含着深深的个人情感。他无疑是那个时代艺术与知识结合的典范。然后，我的思绪便跳跃到了现代，想象着巩俐在电影镜头前，或是接受采访时，她那从容自信的气场，以及她对每一个问题的深刻见解。她是如何看待自己？她又是如何看待自己所处的时代和文化？这本书似乎试图在不同时空、不同艺术领域的艺术家之间建立一种联系，去探究“自我”的描绘在艺术创作中的演变和共性。我很好奇，作者会如何处理这种跨越时空的对比？是会强调技法上的差异，还是会更侧重于精神层面的共通之处？例如，杜勒对细节的极致追求，与巩俐对角色情感的精准把握，两者之间是否存在某种内在的联系？这本书能否帮助我理解，无论是以画笔还是以表演，艺术家们都在用自己的方式，不断地探索和呈现那个独一无二的“我”。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，能够直面内心，并将之转化为视觉语言，是艺术家最令人敬畏的能力之一。这本书的书名《艺术家的自画像：从文艺复兴的杜勒到当代的巩俐》恰恰触及了这一点。从文艺复兴时期，当艺术家们开始将目光从神圣的宗教题材转向对人自身的探索时，自画像的意义便被大大拓展了。杜勒，这位北方文艺复兴的巨匠，他的自画像不仅仅是技艺的展示，更是他对自我价值、社会地位以及艺术使命的宣言。他的每一根线条，每一处阴影，都充满了深思熟虑。而跨越数百年，来到当代，巩俐，这位在国际影坛享有盛誉的中国女演员，虽然她的“自画像”更多地体现在她所塑造的银幕形象之中，但她对角色的深入理解和情感的极致投入，本身就是一种强烈的自我表达。这本书能否将这两者巧妙地联系起来，探讨自画像这一艺术形式在不同时代、不同媒介、不同文化背景下所呈现出的多样性和普适性？我渴望看到书中如何分析艺术家如何运用绘画、摄影、甚至表演这些不同的艺术语言，来捕捉并传达他们内在的精神世界，以及这些“自画像”如何成为理解艺术家个体命运和社会历史的一扇独特窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术家的自画像：从文艺复兴的杜勒到当代的巩俐》的书名本身就足以激起我的好奇心。自画像，这件艺术史中历久弥新的创作形式，总是承载着艺术家最真挚的情感和最深刻的自我审视。从那个将铜版画技艺推向极致，用严谨的线条和细腻的光影勾勒出不朽的《忧郁 I》的杜勒，到我们这个时代，那位凭借精湛演技和独特魅力征服世界的巩俐，这中间跨越了几个世纪，却都殊途同归地通过自身形象，展现了那个时代、那个艺术家独特的人生哲学和艺术追求。我迫不及待地想知道，作者是如何在他们之间建立起一条清晰的脉络，如何解读那些隐藏在笔触、色彩和表情背后的信息。是关于技法的演变？还是关于社会变迁对个体身份认同的影响？亦或是艺术家内心世界的不断探索与挣扎？我尤其期待书中能够深入剖析杜勒的自画像如何体现了文艺复兴时期人文主义思潮的兴起，以及艺术家个体意识的觉醒。同时，对于巩俐，这位跨越东西方文化语境的女性，她的“自画像”又将呈现出怎样的多元面貌？是她在镜头前塑造的角色，还是她私下里真实的自我流露？这本书能否为我揭示这些艺术大师们超越时代、连接彼此的共性与个性，填补我对于艺术史中“人”这一重要元素的认知空白，让我更深刻地理解艺术的本质，以及它如何反映并塑造了人类文明的进程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字，乍一听，就有一种穿越时空的奇妙感。《艺术家的自画像：从文艺复兴的杜勒到当代的巩俐》，这简直是一条横跨了艺术史上最激动人心的几个时期。杜勒，那张坐在窗边，目光深邃，带着一丝哲学思考的自画像，至今仍让我觉得震撼。他不仅仅是描绘自己的容貌，更是在描绘一个时代的思想者，一个对知识和艺术充满无限渴望的个体。想象一下，在那个信息相对闭塞的年代，艺术家能够如此自信地将自己置于艺术创作的中心，这本身就是一种革命。而将目光投向当代，巩俐，虽然她并非传统意义上的画家，但她所塑造的那些鲜活、充满力量的女性角色，何尝不是一种“自画像”的延伸？她通过自己的身体、表情、声音，将角色的灵魂注入生命，而这些角色，也必然折射出她自身对生活、对女性、对社会独特的理解和感知。这本书能否挖掘出这种看似截然不同的艺术形式背后，艺术家们共同的探索精神？他们是如何通过不同媒介，不断追问“我是谁”、“我为何在此”的终极命题？我期待这本书能够提供一种新的视角，让我重新审视那些耳熟能详的艺术作品，并从中发现隐藏在它们之下的，艺术家们最真实、最动人的内心世界。