中国书画定级图典

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具体描述

本书以国家文物局和文化部颁佈的权威条例为标准,按历史、艺术、科学三种价值分为国宝、一、二、三级。并由文物界的专家编写,是同类文物图书中的权威着作。本书所选书画涵盖了全国各地博物馆等文物保管部门的藏品,包括西晋开始直至近代名家书画608件作品。所收国宝级和一级品,多为耳熟能详的珍品,如陆机《平复帖》、张择端《清明上河图》等;二、三级品则主要针对收藏家实际需要,包括明清至近代一批书画名家的作品,如刘墉、赵之谦、潘玉良、张大千等人的作品。
浩瀚中华:一部跨越千年的艺术史诗 本书并非旨在为中国书画的等级进行权威界定,亦非一部旨在为收藏家提供估价指南的工具书。相反,它是一部旨在带领读者沉浸于中国艺术的宏伟图景之中,探索其跨越数千年的演变脉络、精神内核与审美情趣的文化之旅。我们将目光投向笔墨纸张之外,深入挖掘那些塑造了中国文人精神世界的思想源流、社会变迁以及不同地域的艺术生态。 第一篇:笔墨的源起与文明的初啼 中国艺术的根源深植于史前文明的陶器纹饰与岩画之中,那是人类早期对世界秩序与自然力量的初步摹写。本书从新石器时代的彩陶图案讲起,解析几何纹样与动物符号如何预示了后世艺术中“气韵生动”的雏形。 进入商周时期,青铜器上的铭文与饕餮纹,展现出早期权力与神灵的交织,其线条的力度与结构感,已然蕴含了后世书法“骨力”的萌芽。我们详细考证了这一时期祭祀礼仪对艺术形式的规范作用,以及“礼”如何与“美”紧密相连。 春秋战国,礼崩乐坏的时代催生了思想的爆发,也促进了艺术的世俗化与个体化倾向。《诗经》的吟咏与楚地瑰丽的漆器艺术,标志着对个体情感表达的初步重视。随后,秦汉大一统的格局下,隶书的成熟与汉代画像石的兴盛,反映出帝国对秩序、力量以及对生命不朽的渴望。画像石中对生活场景的写实描摹与对神仙世界的浪漫想象并存,为后世的叙事性绘画提供了丰富的母题。 第二篇:魏晋风骨与士人精神的觉醒 魏晋南北朝是中华艺术史上一个至关重要的转折点。玄学的兴起,使个体精神的自由与超脱成为时代的主旋律。曹衣带水、吴带当风的笔意,不再仅仅是技巧的展示,而是文人内心世界的外化。 我们聚焦于顾恺之的“以形写神”,探讨其如何将哲学思辨融入人物画的创作之中,特别是对“点睛”之妙的细致剖析。与此同时,书法领域也迎来了里程碑式的飞跃——王羲之的出现。他的行书与楷书,将法度与性情熔于一炉,确立了后世近两千年的审美标准。本书详细梳理了“二王”一脉的传承脉络,分析了他们在继承前人基础上所完成的风格革新。 这一时期,佛教艺术的传入与本土化过程,为中国绘画带来了全新的造型语言与叙事方式,尤其是壁画中人体结构的描绘和色彩的运用,极大地丰富了本土的视觉语汇。 第三篇:盛唐气象与宋代内敛的审美转向 隋唐盛世,国家自信与兼容并蓄的文化政策,使得艺术达到了前所未有的繁荣与辉煌。人物画追求“丰腴健美”,山水画开始从陪衬的地位走向独立。我们详细考察了吴道子的“吴带当风”,探讨其动态美学如何体现了时代的昂扬精神。青绿山水与水墨淡设的初步探索,也揭示了对不同地域山水气质的捕捉尝试。 步入宋代,审美趣味发生了显著的内向和精致化的转变。官方设立的翰林图画院,以其严谨的院体风格,对自然进行细致入微的观察与描摹,追求“格物致知”的理学精神。无论是范宽的雄伟、郭熙的“可游、可居”,还是李唐的“斧劈皴”,都体现了画家对特定自然景观的深度理解与哲学化提炼。 文人画思潮在宋代蓬勃发展,苏轼等人提出的“论画以形似,见与 শিশু事”的观点,将艺术的标准从“技”转向了“道”。对笔墨情趣的强调,使得绘画成为士大夫修身养性、寄托情怀的重要载体。 第四篇:元明清的笔墨传承与地域流变 元代,蒙古族的统治促使汉族文人进一步退守精神的净土。以“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)为代表的文人画,将山水画的笔墨语言推向了极致的个人化和象征化。倪瓒的“疏简空寂”,与其说是画山水,不如说是画一种孤独与高洁的人格。 明代,艺术格局更为多元。江南地区以吴门画派为代表,继承并发展了元代的笔墨传统,但更注重对生活情趣的描绘。而宫廷和新兴的地域性画派(如浙派)则保留了较强的写实功力和装饰性。这一时期,版画技术的发展,使得艺术的传播范围空前扩大,也催生了对生活细节的更多关注。 清代,随着“四王”的崛起,对元明文人画传统的复古与集大成达到了一个高峰,强调“笔墨当随时代”的理论争论也更加激烈。而以石涛、八大山人为代表的“个性派”画家,则以其强烈的反叛精神和独特的笔墨语言,对僵化的复古潮流进行了有力的冲击,为近现代艺术的变革埋下了伏笔。 结语:艺术的活水源头 本书旨在提供一个宏观的框架,让读者理解中国书画的演进,并非孤立的技术发展史,而是与中国哲学、文学、社会结构、乃至地理环境紧密交织的复杂文化现象。我们侧重于探讨艺术背后的精神追求、审美范式的转移,以及笔墨如何在不同历史阶段,承担起承载文化记忆与表达个体情感的重任。它是一部关于“如何看画、如何读画”的引导,而非对作品价值的片面判读。

著者信息

图书目录

图书序言

图书试读

用户评价

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我一直对中国传统文化情有独钟,尤其对水墨丹青有着难以言喻的热爱,虽然算不上什么行家,但一直渴望能有更系统、更深入的了解。拿到这本《中国书画定级图典》时,我立刻被它沉甸甸的分量和精美的印刷所吸引。翻开书页,那些高清的画作和书法作品,仿佛就在眼前徐徐展开,让人心生敬畏。我最欣赏的是,这本书并没有将所有的作品一股脑地呈现,而是经过了“定级”的处理,虽然我还不完全理解“定级”的具体标准,但这种分类和筛选,无疑为我这样的初学者提供了更清晰的导向,让我能够优先接触到那些最经典、最具代表性的作品。同时,书中对于每一件作品的介绍,都力求详尽,不仅有作者、年代、尺寸等基本信息,更包含了对作品风格、艺术特色、历史意义等方面的深入解读。这些解读,语言生动,分析透彻,即使是对艺术理论不太熟悉的我,也能轻松理解,并且从中获得极大的启发。它让我明白,一幅好的作品,不仅仅是纸上的墨迹,更是作者内心世界的映射,是时代精神的凝结。

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这本书,我拿到手的时候,简直就抱着不撒手了!首先,它的装帧就非常大气,厚重而有质感,封面设计也透着一股古朴典雅的中国韵味,一看就知道是精心制作的。打开后,那一幅幅精美的书画作品扑面而来,真是让人目不暇接。作为一名普通爱好者,我之前对书画的了解主要停留在一些名家名作的浅显印象,很多时候只是“看个热闹”,对作品背后的历史背景、作者的生平、技法的独特性,以及不同朝代、不同流派的风格差异,都知之甚少,甚至是一知半解。而这本书,则像一位学识渊博的引路人,它不仅仅是简单地罗列作品,而是通过大量详实的信息,为我打开了一扇深入了解中国书画艺术的大门。那些曾经觉得晦涩难懂的笔触、墨韵,现在似乎都有了更深的理解。它让我意识到,每一幅作品都是一个时代的缩影,一段历史的见证,承载着作者的情感、思想和时代精神。我特别喜欢它那种细致入微的解读,不是那种干巴巴的学术论述,而是用一种非常容易理解的方式,将复杂的艺术语言转化为生动的故事。

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这本书的到来,可以说是对我多年来对中国书画模糊认知的“一次洗礼”。我一直觉得中国书画有着无穷的魅力,但往往停留在“觉得美”的层面,难以言传。拿到这本《中国书画定级图典》后,我才真正有机会从更专业的角度去审视这些艺术瑰宝。首先,它的内容之丰富,堪称一部小型艺术博物馆,收录的作品横跨各个朝代,涵盖了书法的篆、隶、楷、行、草,以及绘画的山水、花鸟、人物等多种题材。其次,它在作品的呈现上,注重细节,几乎每一幅作品都配有放大局部图,配合着详尽的文字解读,让我能够清晰地看到笔触的细腻之处,墨色的微妙变化,以及构图的巧妙安排。更重要的是,它不仅仅是图录,更是鉴赏指南。那些关于作品的“定级”和评价,虽然我不是专家,但也能从中感受到作者的专业度和严谨性,这为我提供了一个判断作品优劣的参考,让我对书画作品的价值有了更清晰的认知。这本书让我觉得,我不再是那个只能“看热闹”的观众,而是开始能够“看门道”的鉴赏者。

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作为一名对中国古代艺术稍有涉猎的普通读者,我对于如何系统性地学习和鉴赏书画一直感到有些茫茫然。市面上的书画类书籍多如牛毛,但真正能够兼顾学术性和可读性的却不多。当我拿到《中国书画定级图典》这本书时,我立刻就被它所展现出的专业性和严谨性所折服。书中的排版设计非常考究,每一幅作品都配有高质量的图片,细节清晰可见,这对于鉴赏来说至关重要。更难得的是,它不仅仅提供了精美的图片,更在文字部分做了大量深入浅出的阐释。这些阐释,并非空泛的赞美,而是从笔墨技法、构图章法、意境传达等多个维度,对作品进行了细致的剖析。我尤其喜欢它在介绍作品时的历史纵深感,能够将作品置于其所处的时代背景下进行解读,让我能够更深刻地理解作品的内涵和价值。这本书让我觉得,学习中国书画不再是一件遥不可及的难事,而是一次充满乐趣和启迪的探索过程。

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说实话,我一开始买这本书,只是抱着一种“收藏”的心态,想着家里有这么一本高品质的书画鉴赏类的书籍,会显得比较有文化品味。但没想到,它带给我的惊喜远远超出了我的预期。这本书的编排非常用心,它不是那种按照年代或者作者简单堆砌的图录,而是有逻辑地将不同风格、不同主题的书画作品呈现出来,让我在欣赏的过程中,能够清晰地感受到中国书画艺术的发展脉络和演变过程。我最喜欢的是它在介绍作品时,不仅仅是给出作者和年代,还会深入挖掘作品的创作背景、艺术价值、以及在艺术史上的地位。很多我之前只是听过名字,但从未真正领略过其神韵的艺术家,在这本书里得到了生动而全面的介绍。特别是那些对于作品的细节解读,比如笔法的运用,墨色的浓淡干湿,构图的虚实相生,色彩的搭配等等,都写得非常到位,让我这个门外汉也能品味出其中的奥妙。这本书让我觉得,欣赏中国书画不再是枯燥的“看图”,而是一场穿越时空的文化之旅,充满了发现和惊喜。

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