王童七日谈：导演与影评人的对谈手记 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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一回令人再三吟咏的相逢──
王童导演与资深影评人蓝祖蔚的七日对谈。

　　镜头是眼，也是心……
　　捕捉、还真出时光里的一幕幕影像，
　　交织出一场又一场
　　平凡与不凡的人间风景！

　　七部电影里的七个故事：看海的日子、策马入林、稻草人、香蕉天堂、无言的山丘、红柿子、苦恋，如同十四世纪义大利作家薄伽丘《十日谈》以人性为中心，戏而不谑地写下世间小人物的悲喜剧。

　　从文本改编、美术设计、角色选择、场景刻画、音效灯光，甚至是现场调度的应变，走过台湾电影戒严与风华年代的王童洒落道出一个导演的能与不能、取与舍，从土法炼钢到国际电影工业新科技的发展，其中点滴与光影间隙里或工笔或写意的择取拿捏，无所不言，言而不尽。

　　本书跟着两位电影界资深前辈的牵引，循着七天七出戏七个故事构筑出一个壮阔无尽的视角，适足以满足偶尔总会在某部电影中发现熟悉场景或氛围的你我，以及所有的电影爱好者。

作者简介

蓝祖蔚

　　一位热爱电影，生活重心不外乎就是看电影、写电影、拍电影和说电影的电影爱好者。

　　1984年，从电影记者起步，见証了台湾新电影的中兴与转型，首开风气前往国际影展现场目击报导。曾接任TVBS娱乐新闻制作人，带动了台湾有线电视的娱乐新闻风潮；1996年，短暂出任中影制片部经理，协助《河流》和《美丽在唱歌》两部电影开拍，分别在柏林影展和东京影展上获奖。

　　1996年，制作主持台北爱乐电台「电影最前线」节目至今，2004年获得流行音乐节目主持人金钟奖。

　　1999年在公共电视制播主持「电影音乐精灵」节目，替台湾重要的电影配乐家留下了影音历程纪录。

　　2005年接受两厅院委託，企画制作「华语电影百年音乐会」，纪念华人电影诞生一百年，重新编曲呈现了电影音乐的多重风貌；另外亦在台北光点、新竹电影博物馆、高雄电影图书馆企画「声影纪事」影展，重现半世纪以来台港电影音乐的多重风貌。

　　2007年和2008年连续出任台北电影节评审。

《光影浮沉录：百年电影工业的兴衰与变革》 一部深度剖析全球电影产业百年变迁的恢弘史诗，聚焦技术革命、商业模式重塑以及艺术创作的永恒张力。 本书导语： 电影，作为二十世纪最具影响力的艺术形式，其发展历程本身就是一部浓缩的人类社会变迁史。从卢米埃尔兄弟那模糊的、带着颤抖的影像，到如今沉浸式的数字视听盛宴，电影工业经历了无数次的颠覆、重生与迭代。本书并非聚焦于某一位导演的创作心法，或某一群特定影评人的理论探讨，而是以一种宏大而细腻的史学视角，深入解构支撑起这个庞大光影帝国的结构性力量——那些塑造了我们“观看方式”的工业逻辑、技术飞跃以及市场风暴。 第一章：默片的黄金年代与有声革命的冲击波 本章追溯了电影艺术的起源，重点描绘了默片时期在叙事语言、视觉风格以及早期明星制度上的探索与成就。我们考察了D.W.格里菲斯等先驱如何确立了现代电影的语法基础，以及欧洲表现主义、苏联蒙太奇学派等对电影可能性的哲学思辨。 然而，真正的行业巨变始于“有声电影”技术的横空出世。本章详尽分析了这项技术如何瞬间瓦解了好莱坞既有的权力结构和叙事惯例。从《爵士乐之王》的横空出世，到“有声”对演员表演模式的强制性改造，再到环球影业、派拉蒙等制片厂如何迅速调整其流水线生产机制以适应新的市场需求。我们探讨了这场技术革命对全球电影市场，特别是欧洲和亚洲电影制作生态的连锁反应，指出声音不仅是一种技术升级，更是一场深刻的媒介本体论危机。 第二章：好莱坞制片厂制度的全盛与衰落：流水线上的艺术 二十世纪三十至五十年代，好莱坞进入了“制片厂制度”的巅峰期。本章将制片厂系统视为一种高度工业化的、垂直整合的商业模式典范。我们详细剖析了米高梅、华纳兄弟、福克斯等“五大”制片厂如何通过控制从剧本购买、演员合约到影院发行的每一个环节，确保了其稳定的产出与利润。 重点分析了“明星工厂”的运作机制——如何系统性地塑造和营销明星，以及这种工业化生产对电影艺术的局限性与意外的创造力。随后，我们聚焦于1948年美国最高法院的“派拉蒙判决”（United States v. Paramount Pictures, Inc.），该判决强制解除了制片厂对院线的垄断。本章论证了这一判决如何成为好莱坞工业体系的第一个重大结构性松动，为独立制片和后来的电视媒体的兴起埋下了伏笔。 第三章：电视的挑战与宽银幕的对策：媒介竞争下的工业自救 五十年代，电视的普及对电影业构成了前所未有的生存威胁。家庭娱乐的兴起使得影院的上座率急剧下降。本书本章详述了好莱坞如何利用其在“规模”和“体验”上的绝对优势进行绝地反击。 我们深入研究了“宽银幕”技术（如CinemaScope、VistaVision）的研发动机与市场效果。宽银幕不仅仅是一种画幅选择，它是一种重新定义“大银幕体验”的策略。此外，本章还考察了彩色技术的发展（如特艺彩色）如何被用作区分电视黑白画面的核心卖点，以及科幻、史诗大片等“非电视可比拟”类型的兴盛。同时，我们探讨了美国电影艺术与科学学院（AMPAS）在这一时期，如何通过奥斯卡奖的推广，重新确立电影作为一种“重要文化事件”的地位。 第四章：新浪潮的冲击与类型片的复兴：艺术与商业的再平衡 六十年代末至七十年代初，欧洲“新浪潮”运动和亚洲电影的崛起，对好莱坞的叙事陈规发起了猛烈冲击。本章分析了法国新浪潮对作者论的强调，以及日本、瑞典等国电影如何通过更个人化、更具哲学思辨性的表达，影响了年轻一代的美国电影人。 这种外部的艺术压力，恰逢制片厂制度瓦解后的权力真空。本书随后聚焦于“新好莱坞”的崛起，分析了科波拉、斯皮尔伯格、卢卡斯等导演如何将作者的个人风格与高度工业化的制作手段相结合。本章特别探讨了《大白鲨》和《星球大战》如何开创了现代意义上的“暑期大片”模式，这种模式重新聚焦于高概念、高投资和全球发行的连锁反应，标志着好莱坞从过去以导演为核心的松散结构，转向以“项目”为核心的精益管理。 第五章：数字革命的浪潮：从胶片到像素的产业迁徙 本书的后半部分，重点关注了自九十年代以来，由电脑图形技术（CG）和数字摄影所引发的、更为深刻的工业变革。本章详细梳理了数字特效从早期辅助工具（如《终结者2》）到成为叙事核心（如皮克斯动画工作室的崛起）的历程。 我们探讨了数字发行（DVD、蓝光，乃至流媒体）如何颠覆了传统的“窗口期”模式，直接影响了电影的盈利结构和全球同步发行策略。本章还分析了“IP经济”的成熟：电影公司如何将焦点从单纯的电影制作，转向对知识产权的长期孵化与跨媒介运营（漫画、游戏、周边）。 第六章：流媒体时代的权力转移与未来展望 本章讨论了当前电影工业面临的最具颠覆性的力量——以奈飞、亚马逊为代表的流媒体巨头。我们分析了这些科技公司如何利用数据驱动的算法来决策内容投资，以及他们如何绕过传统的院线发行系统，直接面向消费者。 深入剖析了院线与流媒体之间的紧张关系，探讨了“院线窗口期”的持续缩短对电影制作规模和艺术野心的潜在影响。最后，本书展望了虚拟现实（VR）、增强现实（AR）等前沿技术可能如何进一步改变叙事载体，并探讨在高度个性化和碎片化的娱乐市场中，电影艺术如何坚守其作为公共体验的独特价值。 结语：永恒的媒介与不断变化的观看 本书旨在为读者提供一个全面的框架，理解电影作为一种技术、一种艺术和一种全球性商业体系的复杂互动关系。它关注的不是某部影片的幕后轶事，而是支撑起光影世界的坚实骨架，以及这些骨架在过去一百多年中，如何适应、抵抗或屈服于技术、资本与观众口味的无情更迭。

序
王童七日谈之一　看海的日子
王童七日谈之二　策马入林
王童七日谈之三　稻草人
王童七日谈之四　香蕉天堂
王童七日谈之五　无言的山丘
王童七日谈之六　红柿子
王童七日谈之七　苦恋
结语
附录：王童纪事年表

王童七日谈之三：稻草人
每个人风格不同，有人含蓄暧昧，我就是喜欢清楚，捉重点式地告诉大家我要讲的是一个怎样的故事，不爱啰嗦。如果前三场戏都还不能让人明白究竟发生了什么事……这个本子就可以不要写了。──王童

《稻草人》─1987
一部站在庶民立场，透过曾经存在，却又极其荒谬的情节，突显台湾人在日治时期困苦的生活情貌。台湾人那种逆来顺受，却又能苦中作乐的憨厚天性，贯穿全片，成为台湾电影史上罕见的荒谬喜剧。

《稻草人》以台湾日治时期的最后年代为背景，台湾壮丁被征赴南洋作战，铁器及牛只都要以报效国家之名为国捐赠，一对生活困苦的佃农兄弟，平常只能靠祭拜土地公及稻草人诉说生活愁苦，率真又质朴的语言，让原本只能在电视上露脸的本土演员张柏舟和卓胜利等人展现了可亲又动人的淳厚面貌，留下了最鲜活，最有生命力的台湾人形相写真图。

从小处中见人性，是王小棣与宋纮两位编剧最成功的雕刻工法。例如扎了稻草人 却赶不走麻雀，张柏舟干脆自己来扮稻草人；例如地主到郷下躲空袭，佃农刻意宰鸡杀鱼，盛宴款待，让平常饭都吃不饱的佃农小孩看得口水直流，眼看鱼肉已被客人合食下肚，无缘分享时不禁放声大哭的尴尬人生；例如，饱食后的地主却急着要变卖田地，换取移居日本的盘缠；例如学校老师以放大镜奖励捡获弹壳的学生，导致学生争相恐后地到弹落地等候 美军投弹，在漫天烟尘中搏命拣拾…期待与失望，梦想与现实的瞬间落差，构成了让人哭笑不得的剧情核心。

王童的作品中处处可见可笑，但又可爱的小人物，他们的鲁直愚昧让人啼笑皆非，但是峰回路转，「天公疼戆人」的美妙结局，更让小人物的悲喜人生，有如黑夜中的那一荧灯火，黯黑中仍有不灭的希望。

问：凡事总有缘起吧，《稻草人》的故事与你过去的作品迥然不同，怎么选中这样的一个故事，又拍成这款味道呢？

答：一位想说故事或想画画的人必定会先在心头累积了一些东西，成熟之后，就会油生一些话想要来说，我开始拍电影的时候，最初都是别人先选好了题材，再交给我来执行，拍完《看海的日子》之后，我开始对于这块土地上的人物与情感有了较多的想法，也开始问自己：「到底拍了半天电影，究竟想要拍些什么呢？」《策马入林》拍完之后，中影总经理林登飞很喜欢这样的作品，林太太还连看了七遍，评论界虽然认为有一点黑泽明的影子，但是大致还算肯定，于是林登飞一口气就交代了我再拍三部新写实主义的武侠电影，但是我心里很抗拒，因为我最想拍的是台湾史的故事。

一提到史，大家就会想到大人物的大事件，题材太大，我却想从不同时代的小人物着手，来看到不同时代的台湾情貌，我就发愿要拍个台湾三部曲，可是台湾至少四百年历史，究竟要如何取材？汉人移民史的过程中又以日本人统治时期最悲惨，恨过之后，似乎又有了爱（微妙的心情，似乎又像极了《策马入林》的弹珠），压迫久了，变成依赖与尊敬，台湾的历史，地理与人文的传奇太过精彩，我自己对日本电影的喜爱，对于日本文化根流台湾的一些人文风范（例如小镇上爱过日本教育的老医师，还有教过我作画的廖继春和李石樵等画家），于是就先选择了从对台湾影响很大的大正年代说起。

之前的日本人对台湾人有过镇压与屠杀，是应该有些批判，我最初想拍的《梅与樱》，后来转成《无言的山丘》，规模太大，至少要三千万的预算，没有人敢拍，只好另寻发展，有了妄想，想要找日本最红的田中裕子来演，她的条件是一切都得要到日本来拍摄，太不可能了，只好放弃。

当时，我心里一直惦记着《无言的山丘》的拍摄想法，有空就会四处走走去找景，有一个下雨天，带着副导演和灯光师来到台北县的菁桐附近山区随意走走，突然遇见了一个类似精神异常的男子，身着矿工服，头戴矿工帽，却也很像日本兵的便帽，整个村子都没有人，他一个人就呆立雨中在说着话，呢呢喃喃的模样，似在说话，亦像控诉，因为都是日本话，没有人知道到底说的是啥，我立刻被他吸引住了，虽然看景车子很快就经过了这个人，但我一路上都在想这个人究竟怎么了？有什么委屈要让他在空旷的雨天里，对着空旷的神社大声说话呢？想着想着，故事的空间似乎就越来越辽阔了。

问：创作的缘起往往就是一个念头，一个人影或者一句话，一般台湾人谁会再穿日本军服呢？是不是就因为台日之间过去纠结难分的历史恩怨，所以带给你更多的发想灵感？

答：：「他一定有故事！」遇见了这个人之后，我就转身告诉副导演陈胜昌说我们来发想他有什么故事吧…

我开始找台湾史的书来仔细阅读，从日据时代的制度与行政管理法或者物价指标等相关书籍都不放过，我的第一个推想是：他可能是台湾兵，受到了委屈，战败回到了台湾，他尊敬天皇，自己却已经一无所有了，却依旧相信也坚持着日本文化的洗礼；其次，他可能是一位谨守本份的辛勤农夫，却因为政治变迁的调整不及，被认定为只效忠日本的异议份子，这两个前提，基本上都是老梗，但是如果能给这个人物一点喜感的解读，或许意境就全然不同了。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，真正的好电影，是可以跨越时间，触及人心的。而王童导演的许多作品，正是我心目中的经典。每次重看他的电影，总能从中发现新的感动和新的理解。这次的《王童七日谈：导演与影评人的对谈手记》，对我而言，是了解这位伟大导演创作灵魂的一次绝佳机会。我特别期待在书中看到，导演是如何将他对台湾这片土地的深情，他对人民的关怀，化为影像的。那些电影中的场景，那些人物的塑造，背后一定有着深刻的思考和不为人知的付出。而影评人，作为电影的解读者，他们的提问往往能直击要害，引发更深层次的讨论。我好奇的是，在对话中，导演和影评人是否会触及一些关于电影美学、叙事手法，甚至是审查制度的议题？又或者，他们会一起回顾那些曾经辉煌的台湾电影年代，探讨那个年代的独特魅力和如今的变迁？这本书，对我来说，不仅仅是读一本关于电影的书，更是读一段关于台湾电影历史，关于一位电影人传奇人生的故事。

评分☆☆☆☆☆

对于许多像我一样，从小看着台湾电影长大的观众来说，王童导演的名字，本身就代表着一份深刻的记忆与情感。他的电影，不仅是娱乐，更是我们集体文化认同的一部分。这次的《王童七日谈：导演与影评人的对谈手记》，让我觉得像是在一个特殊的频道，能够直接听到这位大师的声音。我迫不及待地想知道，在“七日谈”的密集交流中，王童导演是否会分享一些关于他早期作品创作的细节，那些奠定了他影像风格的关键时刻？他又如何看待电影产业在不同时期所面临的挑战和机遇？尤其是，面对如今快速变化的媒体环境和观众口味，他对未来的电影创作，是否有着自己的展望和坚持？我尤其期待的是，当影评人将自己的专业知识和对电影的独特见解融入到提问中时，这种“针锋相对”的交流，是否会激发出更多意想不到的思考火花？这本书，对我而言，是一次与大师对话的宝贵机会，也是一次梳理台湾电影发展脉络的绝佳载体，我相信它能带给我更丰富的知识和更深刻的情感共鸣。

评分☆☆☆☆☆

作为一名电影爱好者，能够有机会“近距离”接触王童导演的创作哲学，本身就是一件令人兴奋的事。我的印象中，王童导演的电影总是带着一股浓浓的人情味，无论是在描绘小人物的辛酸，还是在展现时代洪流的裹挟下个体的命运，他总能以一种温和而犀利的笔触，触及我们内心最柔软的部分。这次的“七日谈”形式，更是给了我一种“亲历”的错觉，仿佛我也可以置身于那场对谈之中，聆听导演的娓娓道来。我好奇的是，在日复一日的拍摄过程中，导演是如何保持创作的热情和敏感度的？他又如何看待电影作为一种艺术形式，在记录社会、影响人心方面的作用？还有，影评人在这场对谈中扮演的角色，是仅仅作为一个提问者，还是也能提出一些颠覆性的观点，与导演激荡出更多火花？这本书，在我看来，不仅仅是电影评论的文本，更像是一份珍贵的文化遗产，它记录了一个时代的电影记忆，也为后来的创作者和观众提供了一面反思的镜子。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对我来说，就像是收到一份迟来的珍宝。这些年，台湾电影经历了起起伏伏，而王童导演的作品，始终是我心中那座巍峨的山，即便时代变迁，他的电影所承载的那份厚重与温情，依然能够穿透岁月，触动人心。我一直觉得，要真正理解一部电影，光看是远远不够的，还需要了解它诞生的土壤，导演的初心，以及时代赋予它的特殊意义。《王童七日谈》这本书，恰恰满足了我对这一切的好奇。我迫不及待地想知道，在导演与影评人的深度对话中，那些曾经的拍摄趣事、遇到的困境、以及对于电影艺术的坚持，是如何被揭示出来的。我特别想看看，当影评人抛出一些尖锐的问题时，王童导演会如何回应？他是否会袒露一些不为人知的创作秘辛？又或者，他对当下台湾电影的现状，是否有他独到的观察与建言？这本书，不只是关于电影的讨论，更像是导演个人生命历程与时代变迁的一次深刻交织，我期待它能给我带来更广阔的视野和更深的思考。

评分☆☆☆☆☆

老实说，拿到《王童七日谈：导演与影评人的对谈手记》这本书的时候，我内心是既期待又有点忐忑的。王童导演，那可是台湾电影黄金时代的重要推手之一，他的作品，从《稻草人》到《红柿子》，再到《香蕉天堂》，每一部都深深烙印在我的集体记忆里，也是我作为台湾观众，理解那个时代变迁、社会脉络的重要窗口。这次竟然能透过“七日谈”的形式，直接窥见导演的创作心路历程，再加上影评人犀利的提问与解读，这本身就充满了戏剧张力。我尤其好奇的是，在这些对谈中，王童导演会如何回溯那些经典的瞬间？那些被我们津津乐道的画面，背后的灵感来源是什么？是童年记忆的碎片，是社会现实的触动，还是纯粹的艺术构思？而影评人又会从怎样的角度切入，挖掘出我们这些普通观众可能忽略的深层意涵？我期待的不仅仅是导演的“独白”，更是这种思想碰撞的火花，能够让我在重温旧片时，获得全新的视角和更深刻的体悟。这本书，对我而言，不只是一本阅读材料，更像是一张通往过去的美好时光的单程票，让我有机会再次走进那些熟悉的银幕世界。