吃书的马：空白地区 workshop 2009-2016 作品选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　一位设计师，三个名字：空白地区．Fi．彭星凯。未满三十的轻龄，拥有十二年工作资历与七年出版设计经验。他的作品优雅而富有哲学，温润却一针见血，连结作者与读者意识的彼端，让原本疏离的，产生共鸣，驯服每个素材，创造精准的视觉语言，完整商业目的同时达到难得的个人性与精神价值。

　　本书自彭星凯逾百本的优秀作品存菁，从理念综观到材质细节，以简约符号探透平面美学的可能性。更深刻地，他回头溯源出版的本质，整理设计师、编辑、作家对「理想书设计」的三方观点，再行自我验证与辩证，是一本台湾出版设计十年间的专业观察。

　　──「我想要写一本诚恳的书，它是我认识这个世界的方法。」

　　林夕、骆以军等，华文一线作家合作封面设计
　　两万字书写，中英对照
　　七年集成，平面作品自选辑

　　6位设计师×3位编辑×3位作家

　　Part 1 台港指标设计师选荐评析：黄家贤・叶忠宜・聂永真・颜伯骏・毛灼然・许瀚文──〈吃书的马的朋友们〉
　　Part 2 空白地区七年作品自选辑＋六篇创作短述──〈吃书的马（有时候也喝啤酒）〉
　　Part 3 与时报、远流、印刻出版社主编深刻对谈：嘉世强・张诗薇・丁名庆──〈编辑食堂〉
　　Part 4 台湾出版设计总体观察，设计师在创作之路的诚恳自白──后记〈表演者没说的事〉
　　Part SP 川贝母．Anthony Marra．骆以军，文学作家理想中的书设计──〈被诠释者．专访〉
　　附录《吃书的马》印刷工单

 

远方的回响：探寻记忆、技术与身体的交织 本书汇集了来自全球各地，跨越不同媒介和创作理念的艺术实践，旨在深入剖析当代社会中个体经验、集体记忆与物质世界的复杂互动关系。我们所关注的，并非特定某个艺术家的个案展示，而是那些在特定时间段内，对“在场感”、“信息流”与“身体感知”进行深刻反思和实验性探索的创作群像。 第一部分：代码的纹理与身体的拓扑 这一章节聚焦于数字技术对我们认知和感知世界的重塑。艺术家们不再将技术视为冰冷的工具，而是将其视为一种新的“皮肤”或“第二语言”。 数据景观的构建与消解： 探讨艺术家如何利用算法、大数据流以及实时渲染技术，构建出既具沉浸感又充满异化的虚拟空间。这些作品往往挑战观众对“真实”的固有界限，展示了信息过载时代下，我们如何构建意义的脆弱性。其中包含了对早期互联网美学（如低保真像素化、早期3D建模的粗粝感）的重新发掘，并将其与后数字时代的精致、平滑的界面进行对比，揭示了技术迭代中被遗忘的“温度”。 仿生与异化： 一系列作品关注了人机接口（HCI）的边界模糊化。通过可穿戴设备、生物反馈系统与装置艺术的结合，艺术家探讨了当身体的生理数据成为创作介质时，主体性如何被重新定义。这些实验性作品，有时近乎于科学报告的严谨，有时则流露出对未来赛博格状态的隐秘焦虑。例如，有几组雕塑作品，通过精密的机械运动和有机材料的并置，探讨了机械的“生命力”与有机体的“程序化”。 屏幕即窗户，屏幕即囚笼： 对显示媒介本身的批判性审视。作品不再仅仅是屏幕上的图像，而是将屏幕本身（无论是LCD、OLED还是投影）视为一个具有物理存在的对象。通过故意破坏、扭曲或多重叠加屏幕，艺术家揭示了我们日常观看习惯背后的意识形态陷阱。其中不乏对早期CRT显示器发出的独特嗡鸣声和扫描线的迷恋，将其视为一种“模拟时代的残响”。 第二部分：时间的褶皱与物质的记忆 本部分转向对历史、物质载体以及非线性叙事的兴趣。艺术家们拒绝线性的、记录性的历史书写，转而通过碎片化、考古学式的方法，挖掘被主流叙事遗漏的“角落”。 档案的重组与“不存在的”历史： 探索了如何通过对现有档案（照片、录音、文本）进行断裂、重新排列或语义替换，来创造出既似是而非的“替代性历史”。这些作品强迫观者意识到，任何历史叙述都是一种有目的的建构。其中部分作品运用了声音拼贴技术，将来自不同时代、不同地域的语音片段混合，形成一种“万国语言”的巴别塔效应。 物的灵性与衰变美学： 关注那些被日常消耗、被时间侵蚀的物品。从废弃的工业零件到被遗忘的家庭用品，艺术家通过精心的材料选择和处理，赋予这些残骸以近乎宗教般的仪式感。对锈蚀、氧化、分解过程的细致捕捉，体现了对“永恒性”的质疑和对“短暂存在”的赞颂。有几组摄影作品，以极慢的曝光捕捉了自然界中物质缓慢转化的过程，如同地质学的时间尺度。 空间叙事的现场性： 探讨了特定物理空间（如废弃工厂、旧剧院或未被使用的公共区域）如何承载和折射人类活动的痕迹。装置艺术家们利用场域的既有结构，通过光影、气味和微小的干预，激活了空间的潜藏记忆。这些作品强调了观看的“不可复制性”，它们只在特定的时间和地点对特定的人群生效。 第三部分：社群的碎片与身份的流动性 本章节探讨个体在快速变动的全球化语境下，如何定位自身的文化身份、社会角色以及情感联结。 集体表演的个体化： 考察了当代社会中，集体行动（无论是政治游行、网络狂欢还是日常仪式）的内在矛盾。艺术家通过记录和重演这些场景，放大了参与者面具下的焦虑与迷失。部分作品聚焦于“观看”这一行为本身，探讨了围观者在群体事件中的道德缺席。 跨文化符号的误读与重构： 面对文化全球化带来的符号泛滥，艺术家们进行了一系列“符号学考古”。他们故意挪用、混淆来自不同文化母体的视觉元素，目的在于揭示这些符号在传播过程中是如何被简化、异化，最终失去其原始力量的。这种处理方式既带着戏谑，也饱含着对文化霸权的警惕。 日常实践中的抵抗： 最后，一些作品回归到最微小、最私人的层面——饮食、睡眠、通勤。艺术家通过极端细致地记录这些被视为理所当然的日常行为，将其提升到哲学反思的高度。这是一种“慢行动主义”，通过对既定节奏的微小偏离，暗示了存在复杂性的可能性。例如，对特定区域天气数据的持续记录，被用来投射在日常家庭场景中，暗示了宏大环境与个体生活之间的隐形连接。 总体而言，这些作品共同构成了一个关于感知危机、技术伦理和身份重塑的对话场域。它们拒绝提供简单的答案，而是以其独特的物质性、介入性和时间感，邀请观者一同进入对“我们如何存在于当下”的持续追问之中。

作者简介

彭星凯

　　一九八六年生，空白地区工作室负责人、黑文化出版总编辑、学学文创讲师。装帧作品逾百本，曾获德国iF传达设计奖、台北书展金蝶奖银奖 / 铜奖 / 荣誉奖（二件）、海崃两岸十大最美图书、 APD（Asia Pacific Design）收录。着有散文诗集《不想工作》。

．吃书的马的朋友们．作品选荐
．吃书的马（有时候也喝啤酒）No.01—No.69
．被诠释者．理想中的书设计
．编辑食堂
．被诠释者．专访．骆以军
．表演者没说的事
．附录

 

推荐序

聂永真．永真急制负责人．台湾平面设计师

　　这个时代，很多设计师都有足够的聪明、天份及敏感度去为书籍制造引人入胜的视觉形式。越来越多作品诞生的目的具有更多展示的意图，彷彿是一场场为了赶赴神坛而铺陈装饰的修炼，轻易召唤普通读者对美的崇拜。他们却都忘记设计师应该要保有一个基本简单的道德：讯息与形式的自我约束。

　　我喜欢FI在《企鹅的忧郁》、《女儿》与《资本社会的17个矛盾》封面上的舒服控制，除了迷人的感受之外，也坚持讯息量不因形式目的而超标的逻辑，细节照料完整不碎琐、柔软且坚固。《g先生》与《种自己的树》我则把它们存入自己的reference索引里，它们穿的衣服因为一点都不华丽所以才让人过目不忘。

　　设计需要各种分类的洁癖，好的洁癖需要这些「刚好」的美德，也是设计师都该要有的道德。

毛灼然．milkxhake studio 负责人．香港平面设计师

　　近年台湾设计界冒起不少平面设计新锐，FI．彭星凯肯定是其中之一。第一次认识这位年轻的书籍设计师，不是在台湾，反而是在香港。二〇一五年三月，我们一起参与香港诚品的书籍设计节讲座。一位八〇后的设计师，已经完成过百的书籍封面，作品数量惊人。还记得他在当时的座谈，向在场朋友们极力推荐他的着作《不想工作》，我看到封面这四个字，便立即买下一本收藏。

　　喜欢这部作品，是因为书名正是我近年心里的写照。从事多年平面设计，也不断思考如何好好停下来──为了不想工作而努力工作──是希望在未来有更好的开始。这部作品结合散文、海报、摄影、平面设计及印刷工艺，是一本既独立又充满实验性的出版物，FI可算是身兼了文青、设计与编辑。近年台湾社会正经历着鉅变，政治、文化、建筑及艺术设计如是；喜见能在这时候认识像他这样条件优秀的新生代设计师，可以想像，FI与朋辈们也将成为设计界的重要推手。

许瀚文．汉字字体设计师、文字设计师

　　认识FI，是在一次公开演讲谈字体的场合，那时我们都是受邀嘉宾，我静静坐在位子，倾听这位书籍设计师对字体设计的一番独特见解，雀跃非常。对我来说，FI无论个人还是作品，在我脑海里的关键词都是「谦逊」和「一体」。

　　谈「谦逊」。以《暗店街》为例，阿FI每件作品的字体大概都会经他修整过。可是在我来看，那并不是为了显现「我懂修标准字」、或是以字体技艺去卖弄个人风格。相反，他对字体设计的坚持，更多是为了让作品的整体体验（包括那些从别的公司购回来的字型）统一化，形成强而一力、给书店里读者视觉的一记重击──这是阿FI「一体」的世界。

　　我想，这一切都是源于阿FI对每件以「空白地区．彭星凯」名字推出的作品有一种完美的执着，而自然产生的素质。作为阿FI好友，也作为旁观者，往往也会因为他对作品的坚持、整体的拿掐而得到感动，我想，这是今世代设计师在面对艰难环境下，重要的「peer influence」，即使隔个海崃，我还是可以感受到他对设计赤诚的心，对我带来的影响。

　　感谢他对我带来热血和鼓动。

 

Part 3 编辑食堂 - 1
 
二月二十日．与Ｊ在 Gordon Biersch．谈文本诠释
 
嘉世强．时报出版文学线主编。合作案例依时间序：《生命如不朽繁星》、《父亲的灵魂在雨中飘升》、《暗店街》修订新版、《等待》十五週年新版、《战废品》十週年新版、《半场无战事》、《黑发女大学生之死》、《天上再见》。在文中以Ｊ简称。
 
1.
 
Ｆ：我们初次接洽的书，是《生命如不朽繁星》（註作品编号）。在这之前，我对时报出版的印象是体制与规范很严格，所以一开始是想拒绝的。与你合作之后，发现公司过去的限制可以被打破，让我对封面的想像一下子变得很广，我现在还是很感谢你当时有进一步说服我。你最初找我合作的契机是什么？
 
Ｊ：我先是找到你的网站，在上面看到蒋友梅的《浮生记行》（註作品编号），还有其它好几个。我觉得画面很干净、工很细。我会形容它们都有重量，感觉是一个有份量的视觉作品。有位设计师的作品就太乱（Ｊ把名字写在餐巾纸上），习惯把版面涂满。
 
Ｆ：哈哈哈哈，我要拿走证据。
 
Ｊ：这样的设计师处理业主的事情，动作调整很快。
 
Ｆ：我觉得他有达到很多台湾编辑对「丰富」的需求。
 
Ｊ：是啊，就是那种「哇哇哇，好满。点点要多亮有多亮，东西要多满有多满」的感觉。但我觉得，做文学书有时候只是一个情绪而已，它没有明确的心法，最后只剩抽象的感受。有些文本的包装就是要抽象才能传达力量，否则就会太片面或太局部。
 
Ｆ：收到《生命如不朽繁星》的提案时，你有什么想法？
 
Ｊ：我那时候看，觉得它没有故事性。不过你后来跟我解释蓝色是人的长影，我就可以理解。唯一我仍感到可惜的，是原文比中文跳，看起来太像外文书。后来《半场无战事》（註作品编号）跟《暗店街》（註作品编号）开始改变，原文字慢慢被稀释，不再成为画面的主角。如果这本书可以再来一次，我会希望中文书名多一些表现。
 
Ｆ：我们合作《暗店街》时，我才开始将设计重心放在中文字体上。中文字形不特别经过设计，放大到画面的某个比例就会很像一块块砖头，很难好看，但不正确的字体又会扭曲文字本身的传达与感受。我想是我过去还没办法拿捏设计与文学的平衡点，只好收敛中文字，让气质突出一些，企图藏拙。

评分☆☆☆☆☆

拿到《吃书的马：空白地区 workshop 2009-2016 作品选》这本书，我其实是带着一种审慎的态度去翻阅的。因为“workshop”这个词，总让人觉得是某种过程中的记录，而不是最终的成品。然而，这本书彻底打消了我的疑虑。它所呈现的作品，无论从哪个角度看，都充满了艺术的完整性和生命力。 我尤其对其中一首诗歌印象深刻。它并没有华丽的辞藻，也没有复杂的结构，但每一个字都像是在敲击我的心弦。它描绘的场景，可能只是一片被遗忘的角落，一束透过窗户的光，或者一个短暂的瞬间。但诗人（或者说创作者）却能从中捕捉到一种深刻的情感，一种对生命、对存在状态的敏锐洞察。读完之后，我久久不能平静，仿佛自己也经历了那个瞬间，感受到了那种微小而又巨大的力量。

评分☆☆☆☆☆

这本《吃书的马：空白地区 workshop 2009-2016 作品选》，说实话，第一次看到书名的时候，我脑子里闪过的第一个画面就是一匹吃书的马……然后就陷入了无限的遐想。读进去之后，才发现它远比我想象的要深刻和有趣得多。它给我的感觉就像是在参加一个非常私密的、充满创造力的分享会，你能够窥探到一群艺术家或者创作者们在长达七年的时间里，那些不为人知的、充满探索和实验的瞬间。 我最着迷的是那些作品之间微妙的联系。虽然它们来自不同的年份，但总能找到一些共同的线索，像是某种隐藏的语言，在作品之间悄悄传递。有时候是一抹相似的色彩，有时候是一种重复出现的意象，有时候是某种抽象的几何图形。这种“点”与“点”之间的连接，让我觉得自己像是在解一个巨大的谜题，一边欣赏作品的美，一边又忍不住去思考这些作品背后的动机和逻辑。这种沉浸式的阅读体验，让我感到既满足又充满了惊喜。

评分☆☆☆☆☆

这本书，我必须说，它真的不走寻常路。我之前读过的很多作品集，通常都是按照时间顺序或者主题来编排，逻辑性非常强。但《吃书的马：空白地区 workshop 2009-2016 作品选》给我的感觉更像是一场精心策划的“意外”。它抛开了固有的框架，让我有一种随机翻阅却又总能被吸引住的感觉。 有一段文字，没有署名，也没有明确的标题，只是几行看似随意的句子，但字里行间却透露出一种强烈的个人思考，关于时间、关于记忆，还有关于“空白”本身。我反复读了好几遍，每次读都有新的体会。它没有直接给你答案，而是提供了一个思考的起点，让你在自己的脑海里构建出属于自己的理解。这种开放式的呈现方式，真的让我觉得非常过瘾，好像每一次翻阅都是一次全新的发现。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我本来以为《吃书的马：空白地区 workshop 2009-2016 作品选》会是一本比较硬核或者学院派的艺术作品集，可能需要一些专业知识才能欣赏。但事实证明，我的担心是多余的。这本书以一种非常友好的方式，将那些充满实验性和探索性的作品展现在读者面前。 我最喜欢的部分是那些看似“不完美”的作品。可能是略显粗糙的笔触，可能是略显突兀的色彩搭配，甚至是某种不合逻辑的叙事。但正是这些“不完美”，让作品充满了真实感和人情味。它让我意识到，艺术并不总是需要追求完美无瑕，有时候，那些原始的、未经雕琢的情感和想法，反而更能打动人心。这本书让我重新思考了“美”的定义，以及艺术创作的无限可能性。

评分☆☆☆☆☆

天啊，我最近刚读完一本叫做《吃书的马：空白地区 workshop 2009-2016 作品选》的书，简直让我惊为天人！虽然我事先对“空白地区 workshop”这个名字有些模糊的印象，但这本书完全颠覆了我所有的期待。刚翻开，那种沉甸甸的纸张触感和印刷的质感就让人爱不释手，好像手中握着的是一件艺术品，而不是简单的文字载体。书中的每一页都散发着一种难以言喻的、独特的“空白”气息，不是那种空洞的乏味，而是充满可能性、等待被填满的张力。 我特别喜欢其中一幅画，大概是关于一个老旧的火车站，灰蒙蒙的天空下，几条孤零零的铁轨消失在远方，画面构图简洁却极具故事性。你能感受到那种久别的离愁，仿佛空气中都弥漫着一种淡淡的忧伤和对远方的憧憬。虽然没有人物，但整个画面却饱含着情感，让我脑海中自动浮现出各种各样的故事场景，甚至能听到远方火车汽笛的鸣响。这种通过视觉元素勾起读者内心无限联想的能力，真的太厉害了！