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叶维廉

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不同艺术间某种互相认同的关联的质素，彷彿那一瞬间，一张画、一件雕塑正欲发声为话语。──美国诗人庞德（Ezra Pound, 1885-1972） 作为城市漫游的摄影者，叶灼走访各地，以其灵视的眼光，瞬间凝住喧闹世界于一格，使生活中「既熟悉又陌生、既真实又奇幻的」影像／映象再现；而行遍天下，以比较文学理论驰名国际的叶维廉，生命中的触动，总涌为诗文。父子二人虽异，却又同——在寻索生命归属的过程中，在工业化绞动文化的阵痛中，虽熟识／陌生交错，传统／现代错位——却均「在紧张压迫的变化中兀然独立，在某种天平上游离其间」。而，这样的游离，对读者，并不陌生。 From 80+ evocative photographs, pregnant high visions, come poetic echoes of measured pulses and impulses. Two artists, father and son, engaging in a cross-cultural, multi-generational dialogue with rhythmic, vital energy, tracing for the reader an odyssey of cultural and living complexes, explore the push-and-pull interactions between poetry's linguistic signs (seething images in the heart/mind) and photography's visual signs. We experience in this gap what American poet Ezra Pound called the “inter-recognition” between arts, “where paintings or sculptures seem", as it were, “just coming over to speech.”

《光影的边界：跨媒介叙事的探索与实践》 内容简介 本书深入探讨了当代艺术与媒体领域中，影像（视觉艺术、电影、数字媒体）与文字（文学、文本、符号系统）之间日益模糊的界限以及由此产生的丰富张力与创新潜力。我们不再将影像和文字视为孤立的表达媒介，而是将其视为一个相互渗透、彼此建构的动态场域。 第一部分：媒介的交融与重塑 1. 从符号学到具身体验：视觉的“阅读”与文本的“观看” 本部分首先回溯了索绪尔以来的符号学理论，探讨了语言符号的任意性与视觉符号的直接性之间的传统二元对立。然而，随着技术的发展，这种对立正在瓦解。我们分析了文学作品中如何通过精妙的意象堆叠和结构安排，模仿视觉体验的即时冲击力（如乔伊斯的意识流叙事对感官的捕捉）。反之，我们考察了电影和摄影作品如何通过蒙太奇、景别和叙事节奏，构建出具有复杂语义深度的“文本性”。重点分析了超文本（Hypertext）理论，探讨了非线性叙事如何挑战传统线性阅读模式，将读者（或观众）置于一个由交叉节点构成的意义迷宫中。 2. 图像的修辞学：静止与运动中的意义生成 本章聚焦于图像的内在逻辑。我们研究了巴赞对真实性与时间性的坚持，以及戈达尔对电影语言的解构。讨论了“瞬间”与“持续”的辩证关系：静止的摄影如何通过对时间的凝固来暗示历史的重量，而流动的影像（电影、录像艺术）又如何通过其运动性来表达过程与变化。深入分析了新批评对文本的“封闭”解读，并将其应用于图像分析，探讨如何揭示图像背后的意识形态编码和权力结构。例如，广告影像中潜藏的欲望投射机制，以及纪实影像中“客观性”的修辞学陷阱。 3. 书写身体：行动、空间与触觉的介入 文字不再仅仅是抽象的思维载体，它被重新放置于物理空间中。本部分讨论了从具体诗歌（Concrete Poetry）到行为艺术中的文本展示。我们探讨了身体作为文本的载体，以及行动本身如何成为一种“书写”。例如，在城市漫游（Dérive）中留下的痕迹，以及装置艺术中材料的质感与文字标签之间的对话。触觉和空间感如何参与到意义的接收过程中，使得阅读成为一种全身心的体验，而非单纯的认知活动。 第二部分：中介场域的理论构建 4. 媒介考古学：回溯视觉与文本的共生史 媒介考古学为理解当下提供了历史深度。我们追溯了从古代壁画铭文、中世纪手抄本的插图，到文艺复兴时期的版画与印刷术，再到现代主义运动中对拼贴（Collage）技术的反复运用。关键在于发现影像与文字并非“相遇”，而是原生性地共存于媒介的演化史中。本章将重点审视早期电影对舞台剧文本的依赖，以及早期文学如何试图捕捉工业革命带来的视觉冲击。 5. 概念的弥散：原型、原型与叙事碎片 在后现代语境下，意义的中心性被消解。本部分探讨了“原型”（Archetype）如何在不同媒介中被重复、挪用和解构。影像提供了一种强烈的原型再现（如神话场景的视觉化），而文本则通过隐喻和典故对其进行复杂的心理和哲学解读。我们分析了叙事碎片如何在社交媒体和数字界面中漂流，并依赖于接收者的主动联结来重建意义。这种碎片化的状态，既是对宏大叙事的反叛，也是对个体经验的细致捕捉。 6. 叙事在场：体验经济与沉浸式叙事 随着虚拟现实（VR）、增强现实（AR）技术的成熟，叙事不再是“被告知”，而是“被经历”。本章考察了沉浸式叙事（Immersive Storytelling）如何要求观众成为叙事的一部分。影像成为环境，文字成为指令或环境中的隐藏信息。这种对“在场感”的强调，迫使我们重新审视“作者意图”与“读者能动性”之间的关系。媒介的边界消失，个体在跨越视觉、听觉、触觉和文本信息流动的过程中，共同编织出暂时的、动态的意义结构。 第三部分：实践与未来的展望 7. 电子文学与数字排版：文字的视觉革命 电子文学的兴起是文字媒介主动向视觉领域靠拢的显著标志。我们分析了动态文本、交互式小说（IF）以及电子书阅读器界面设计对阅读行为的根本性改变。排版不再是辅助工具，而是叙事本身的一部分。字体、间距、背景颜色的微小变化，都承载着情节的转折和情感的暗示。本部分将结合具体案例，展示文字如何利用屏幕的特性，模拟出传统印刷术无法达到的动态效果。 8. 档案、数据与“非虚构”的新形态 在信息爆炸的时代，“非虚构”面临新的挑战。数据可视化（Data Visualization）可以被视为一种高度结构化的“视觉文本”，它试图用图形语言来揭示隐藏在海量信息背后的真相。我们研究了“数据叙事”的伦理问题，以及艺术家和记录者如何通过影像和文本的并置，构建出更具批判性的档案视角。这要求我们像阅读小说一样去“阅读”图表和数据流，识别其中的叙事倾向。 9. 视听的生成性：算法与共创的未来 本书的最后一部分展望了人工智能和生成式算法对影像与文字创作的冲击。当算法能够自主生成文本、图像甚至交互式场景时，人类作者的角色将如何转变？是成为算法的“策展人”，还是仅仅提供初始的“语义种子”？我们探讨了这种“生成性”（Generative Nature）如何可能创造出超越人类个体经验限制的、全新的、混合媒介的叙事形态。这本书旨在提供一个坚实的理论框架，用以理解和参与到这一波跨媒介的创造浪潮之中。 --- 核心议题： 本书的核心目的在于打破“看”与“读”之间的壁垒，揭示在当代技术和文化背景下，影像与文字作为人类认知与表达的两大支柱，如何通过相互渗透，催生出更具深度、更贴近人类复杂体验的全新表达方式。它探讨的不是单一媒介的局限，而是两者交汇处涌现出的无限可能。

作者简介

叶灼（Jonas Yip）/摄影

　　叶灼在公共场所出现时，很少看见他两手空空的，手上总是拿着一两个照相机。出生于纽泽西州的普林斯顿，父亲是诗人—作家—教授，母亲专攻艺术史，他在一个创作的环境里成长，长年浸淫在艺术、诗、演出、设计、建筑和周游世界的自然人文风景里。可是，不知怎的，他变成一个工程师，在硅谷突然窜起的公司、高科技的新兴公司里建造他的事业，设计微电脑资料处理装置，硬体网路联络系统，发展e-商业网站，或当网路技术顾问。这些年来，他从未间断过创作激情的追寻：音乐、设计、摄影。叶灼已经离开高科技世界而全神贯注在小型的，合乎个人心思的计画，录制音乐并与许多乐队发表音乐，合作出书，包括限定版，或艺术、音乐、写作、摄影套式合作计画，磨鍊他独特的美术摄影的灵视。

　　Jonas Yip is a fine art photographer and musician based in the Los Angeles area. Born in Princeton, New Jersey to a poet-writer-professor father and an art historian mother, Jonas was raised in a creative environment steeped in art and music, poetry and performance, design and architecture, and plenty of world travel. Yet somehow Jonas became an engineer, building a successful career in Silicon Valley startup companies. Over the years, however, he never stopped pursuing his creative passions: music, design, and photography. Jonas has since left the high-tech world to concentrate exclusively on these smaller, more personal projects.

　　Jonas has been honored with numerous photography awards and his work has been exhibited internationally. Following the publication of the first edition of this book, Paris: Dialogues and Meditations (Nanjing University Press, 2008), an exhibition of photographs and poems excerpted from the book traveled through Taiwan, China and Hong Kong and was also exhibited at the San Diego Museum of Art and the University of California, San Diego. The photographs and poems from the series have been accepted into the permanent collections at the San Diego Museum of Art in San Diego, CA and the National Museum of Chinese Literature in Beijing, China.

叶维廉（Wai-lim Yip）/文

　　叶维廉是活跃在亚美两洲台港大陆三地的双语诗人，翻译家，诗学美学理论家，对比较文学、比较诗学有突破性的贡献。叶氏1937年生于广东中山，先后毕业于台大外文系、师大英语研究所，并获艾荷华大学美学硕士及普林斯顿大学比较文学博士。早期诗作〈赋格〉、〈降临〉及〈荒原〉（翻译）等曾对香港和台湾的中生代发生过不少的影响，在台湾读书时为《现代文学》及《创世纪》成员，以现代诗及现代诗论崛起，并数度获奖，包括教育部文学奖及入选为十大杰出诗人。

　　叶氏诗作、理论、翻译着作五十余种，重要的有《赋格》、《三十年诗》、《比较诗学》、《历史．传释．美学》、《解读现代．后现代》、《中国诗学》、《道家美学与西方文化》，以及Ezra Pound’s Cathay, Hiding the Universe: Poems of Wang Wei, Chinese Poetry: Major Modes and Genres等。近十年来，台湾大陆相继展出他的手稿和数度为他的理论和诗作举办国际性研讨会。2002-2004年安徽教育出版社出版其全集九大卷。鉴于他巨大的成果，2005年加州大学授予卓越教授荣誉。

　　Wai-lim Yip has been active as a bicultural poet, translator, critic and theorist with special contributions to East-West comparative literature, aesthetics and comparative poetics between Taiwan and America for over 45 years. He was born in Guangdong Province, China, in 1937. He received his B.A. and M.A. in English in Taiwan, his MFA from the University of Iowa and his Ph.D. in Comparative Literature at Princeton University. Wai-lim Yip has written more than 50 books in two languages, many of which have been widely read in Taiwan, Hong Kong and China, chief among them, Fugue, Thirty Years of Poetry, Comparative Poetics（《比较诗学》）, Chinese Poetics, Daoist Aesthetics and Western Culture. In recent years he has been honored with exhibitions devoted to his archives and conferences devoted to his (Chinese) Poetry, as well as publication of his Complete (Chinese) Works in 9 thick volumes. In view of his prolific outstanding achievements, the University of California, San Diego has conferred him the title of Distinguished Professor.
 

序

在光影微颤中寻索遗忘的时间与历史──叶灼《巴黎：对话与冥思》里的摄影艺术

　　一个城市
　　航行在梦中
　　……
　　勐然从黑暗
　　飞扬
　　出去
 
　　Jonas Yip（叶灼）是一位年轻的艺术家，也是当年台大外文系我的老同学叶维廉的公子。有一天，维廉突然打越洋电话给我──我身在香港，他仍住在阳光灿烂的南加州──他要我为叶灼的摄影作品写一篇文章，或可作为展览和出书时的序言，我也一口答应下来，因为我曾看过几幅，十分喜欢。答应之后才感到惶恐， 因为维廉自己才是最适当的人选，他着作等身，文艺理论的造诣远在我之上，而又是着名的诗人人；况且叶灼自幼耳濡目染，在摄影风格上多少沾了一点乃父的诗风。但维廉要避嫌，只把他为儿子这些作品写的诗（他说是与叶灼摄影作品的对话）附寄过来，我只好勉为其难，把他的诗和这十三幅摄影作品辗转阅读，越看越有味道。

　　下面所写的，只能算是我的一些杂感，并非学术文章，或者可以说是一篇半调子的艺术评论吧。然而，说来说去，还是和我的的学术背景──文学和思想文化史──有关。

　　乍看之下，可能有人会问：为什么这些照片都是黑白摄影，没有一幅是彩色？与明信片和好莱坞电影中的巴黎大异其趣，这哪里像《一个美国人在巴黎》（An American in Paris）或《巴黎四月天》（April in Paris）中的风景？恰好相反，照片中的这个城市显得烟雨蒙蒙，甚至阴影重重，有一种说不出来的凄清的感觉，怎么一个年轻人竟然也会爱上张爱玲的「苍凉」美学？或者有人会说：所有的「艺术」照片都是黑白的，有了彩色反而商业化了，也只有我等游客眼中的巴黎才是彩色的。

　　我认为这些论点皆不能成立。在我看来，照相机只不过是一个工具，它「复制」出来的现实，无论如何真实，都是形象；而形象却是一种虚无飘渺的东西，照相机把瞬间的形象捕捉下来，似乎把一种时间变成空间，把动感变成静止，也把瞬间变成永恆，这何尝不印证了波特莱尔（Charles Pierre Baudelaire, 1821-1867）有关「现代性」的铭言：「现代性是暂时的、过渡的、飘渺即逝的；它是艺术的一半，但另一半却是追求永恆。」（意译）摄影和绘画不同，和电影也不尽同；绘画中的经典作品只有「灵光」（aura），已经没有时间感；而电影却是一种「时间」的艺术，经它复制后的现实永远在动，达不到永恆和静止。摄影在这两者之间，其本身的艺术个性，伸缩性很大，全在摄影者的一份敏感和灵气。即使是事后再加工，也比不上油画和电影剪接的繁琐。

　　当然，这又是我主观的意见，文化理论界的行家未必赞同。（附带说一句牢骚话，当前研究中国的「文化研究」理论家往往太看重电影，几乎没有人钻研摄影。）我之所以喜欢叶灼的这些作品，也因为在主观层次上，它们引出了我的「时间感」和「历史感」。在这个健忘的后现代资本主义社会，一个在美国长大的年轻人能有这种感觉，实在难能可贵。更与我心有慼慼焉。

　　我看这十三幅照片，几乎每一张都使到我想到班雅明（Walter Benjamin, 1892-1940）。众所周知（也许毕竟还是学术界的「小众」吧），班雅明一生研究的城市就是巴黎──十九世纪资本主义发达时代的巴黎──而他召唤出来的诗人对象就是波特莱尔。四年前，我不自量力，带了一本英文版的班雅明巨着到香港，和中文大学文化研究系的研究生一起读将起来，这本一千多页的名着，就是班雅明花了多年心血仍未完成的巴黎《拱廊计画》（The Arcades Project），我和几个学生花了一个学期才读了不到一半，但竟然走火入魔，班雅明的阴魂上了身，使到我到处都看到他的影子，特别是当我观察现代都市文化的时候。

　　我不知道叶灼有没有读过这本书，或其他班雅明的着作，对一个艺术家，这并不重要。然而老同学叶维廉一定对班雅明了如指掌，如不信，请看这几句诗：

　　坚硬的金属雕栏
　　被
　　记忆
　　渗入的光
　　软化
　　……

　　班雅明书中篇篇谈的都是历史和记忆。毕竟十九世纪的巴黎，对他也是一种过去的历史，他研究的方法，据我看来，就是在过去的物质文明中找寻残余的碎片，然后收集起来，藏书一样，盖一栋记忆的屋宇。十九世纪下半叶的巴黎物质文明，可以艾菲尔铁塔为象征，它是一种「金属」—钢铁—建成的，耸立于巴黎市中心，成为一个尽人皆知的座标，每一个游客都看过，更有人坐电梯上去，从尖针向下俯瞰全城。然而，很少人从远处看，更没有游客从丛丛黑叶之中去凝视铁塔和尖针「指挥」着浮云。我认为这种距离感恰恰构成了一种历史感：历史的阴魂不散，它也有「灵光」，甚至在「金属雕栏」上反照了出来。我初看这张照片，第一眼就被这一条铁雕栏上的光震住了，它在构图上也恰好把室内和室外一分为二（班雅明研究巴黎也是室内和室外并重），我们看不到室内是什么，但却在另一张照片中见到了。不错，是日常生活上的东西：一个酒瓶、两个碗、一张桌子和一张 椅子。但这道铁栏上的光何尝不也照明了我们的记忆？「照明」（illumination）这个字眼，哲学和文化寓意深厚，班雅明的另一本后人为他编的论文集，就以此为名。

　　绘画和摄影美学中有一个名词，叫作「明暗对照」（chiaroscuro），我觉得叶灼深谙此术，他把巴黎的各种都市风景，都从「明暗对照」中再现出来，看来容易，但此中大有学问。什么是「明」？什么是「暗」？如何「对照」？如何用光影把历史的记忆「软化」？如何从坚硬的钢骨水泥的现实中捕捉过去的幻影？

　　在班雅明的世界里，物质文明就是「东西」（things, objects），人的个性是从东西中显现出来的，不见得完全被「物化」或「商品化」（毕竟那还是十九世纪），但却与之产生一种辩证的关系，在他的心目中，都市里的个人和群众何尝不是如此？诗人的个人代表──波特莱尔──是一个都市的漫游者（flâneur），他冷眼旁观，面对千夫群众，但也时时溶入群众，变成它的一份子；这个人在初期的商场（拱廊）前驻足游移，但最终也是进入商场，被新兴的资本主义的商业文明所「软化」。这一套论述，当然在学术界尽人皆知。

　　然而，从一个二十世纪末或二十一世纪初的「后现代化」的立足点（而不是立场）来看，这个过去的园景又会变得如何？如何解读？

　　记得四十年前我在冬天去威尼斯游览数日，立刻爱上了这个城市（但后来在夏天去却不大喜欢）。巴黎对我则依然如故，我第一次去（约在1968年），从初秋住到深秋，一个人每天到处游荡，那种既凄凉又温馨的孤独感，此后数次重游都不能「复制」，直到我看到这十三幅照片，那种四十年前的感觉又油然而生，而且—也因为我上了年纪—更深沉了。但也令我惊奇：怎么叶灼这个年轻人竟然也捕捉得到这份感觉？在这些照片中，几乎没有人，而群众呢？也许早已消失了，且看叶维廉的诗：

　　滂沱的大雨
　　离去

　　魍魉　群众　散没
 
　　寂然
 
　　未被污染的灵气
　　拥抱
　　一个无名的目击者

　　这首诗的英文版，「魍魉」是“Spectra”，也就是阴魂的多数，也许十九世纪的群众都成了「魍魉」，散没了。有人说，「阴魂不散」，其实不然，我认为历史的幽魂早已逐渐被「现代性」沖散了，你不去抓它们的尾巴的话（语出老友张错的一句诗：「抓住青春的尾巴」），恐怕连「招魂」也找不到！这幅摄影中只剩下一个拿着雨伞的孤独者，他在一栋建筑物的阴影下伫立，在滂沱的大雨中（或之后）更显得孤独。然而，我就喜欢这种感觉，况且，他正在悠闲地观赏另一种「明暗对照」：阴影似的大楼在后。他的右前方却是一个照明的玻璃金字塔、贝聿铭设计的罗浮宫博物馆，这个现代化的物质文明代表物──玻璃──又恰好与其他照片中的铁栏成对比，非但古今相映，而且在玻璃镜中反照到历史的幽灵──「照魂」，不是招魂──再加上这个孤独的旁观者（onlooker），令我想起卞之琳的那首看风景的人被另一个看风景的人从更高更远的视角观看的名诗〈断章〉。这里，我们要问：谁在看风景？谁在看「回光返照」下的巴黎风景？这个打着雨伞的人在看，我们在他的身后也在看，叶灼摄影的摄镜艺术部署在此表露无遗。

　　维廉在英文文本里把班雅明常用的“aura”突出，前面再加上艾当诺（Theodor W. Adorno, 1903-1969）要追回的真诗所用的形容词：“untarnished”（未被污染），背后彷彿要回到一种原初。滂沱大雨就好比是一种「净化」。这样叶灼摄取的「瞬间」又好像再转深一层。我生活在香港，空气污染得厉害，唯有在大风大雨后，说不定第二天才有希望看到几朵白云或一小片蓝天。这现代化的文明把我们都「推压着推压着」，快压垮了！维廉在另一首诗中有这样压迫性的句子：「一岭一岭的／石岩／房子推／压着更多更多石岩的／房子推／压着一万只／黑压压的眼睛⋯⋯」如果断章取义的话，这些字句恰可作现代香港「石屎森林」的写照，但他写的是巴黎，后面还有铁塔和「腾腾的行云」，而行云虽然夹有阴云，但毕竟看到阳光。我初看这张照片，就喜欢这点阳光，难道又是「夕阳无限好」的个人心理在作祟？说不定叶灼拍的是清晨，巴黎人从睡梦中逐渐醒了，从窗前眺望，穿过层层黑叶子，看到远处的艾菲尔铁塔和尖针后的浮云，这是另一种「照明」，它照出来的是巴黎的历史。而香港的历史却早已被大部分香港人所遗忘了。

　　走笔至此，才发现自己的思绪有点「错位」，干脆将错就错，错位到底，且学着诗人发点诗样的遐思，但可能更语无伦次。

　　我这份对巴黎的幽情，往往是自己当年游览时坐在公园的椅子上遐思出来的，所以我甚爱内中两张有椅子的作品，看来维廉也如此，他的那首「空　公园／空　椅子」的诗也最简单、抒情，而且押韵，任何人都看得懂。另一首则奇了，一开首就来一道「外星的异光」！不错，我仔细一看，才发现椅子后真有一道异光，来自一艘外星人驾驶的飞碟，如果真的外星人降临今天的巴黎，又会作何感想？也许它们根本不想了，其智慧早已超越任何人类思想之上。我看着看着，感到这一堆弃置的空椅子一张张都在慢慢移动，逐渐被这道光吸去了（极强的电力又磁性？），然而，如果飞碟中的外星人走出来，坐在这些椅子上，又会如何？我又是看好莱坞的电影太多了，《第三类接触》（Close Encounters of the Third Kind），走出来的除了外星人之外，还有多年前飞机遇难的机师；那么，十九世纪的巴黎人是否有的也没有死，也走出来？说不定还有波特莱尔和班雅明？他们对当今的巴黎又作何感想？我猜必然心神愉悦：巴黎还没有变，十九世纪的建筑豪华气派和韵味犹存，连那几张公园的椅子和剪裁整齐的小树都没有变，树下还有石子路，可以散步，这「方阵」式的幽灵幻景（phantasmagoria）其实并不是幻觉，是真的，照片中看来像是一个幻景，然而显得更真实。我认为巴黎的历史和回忆并没有间断，而且是延续不绝的；最有历史感的中国人反而最健忘，早已把自己的十九世纪抛在脑后，甚至连二十世纪的「幽魂」也留不住了，这些幽魂不久都会乘那艘外星人的飞碟离去，甚至连公园中的椅子也所剩无几了。

　　这十三幅照片中，有一张最能引起我的遐思：在故意模煳（叶灼的朦胧摄影技巧运用得的确得心应手）的光影对照下，我们看到一个穿黑衣的人拿一条细棍在拨弄池中的一只小帆船。我也和维廉一样，第一眼就觉得这个人像是个巫师，甚至幻想他是一个华人，他穿的是十九世纪末香港乡下人的唐装！一个昔代华人怎么到巴黎来了？有没有搞错？

　　搞错了又有什么关系？我故意把一个局外华人的「主体性」拉进来，庶几填补一点椅子上的空白和「各自主人的／遗忘的自我」，我一厢情愿地幻想着这个巫师「用一根棍子／把帆拨正／好避过／沉船在远方」──这里所指的「沉船在远方」，我看就是香港，就是中国。在二十一世纪科技文明和商品文化大盛之际，我们每一个人都像那艘池塘中的小玩具船，非但成了跨国大公司的玩物，而且早已不知不觉在下沉之中，我们就需要着巫师—管他来自何方──把我们的帆拨正。

　　记得班雅明曾经说过，每一个时代都在作将来的另一个时代的梦，但梦醒后，才发现说的就是现在和过去。
前言

游离其间：走向映像与文字的中际思域

　　收集在本书《游离其间──走向映像与文字的中际思域》的是三个不同瞬间里我的诗和儿子叶灼高度含蓄多义的艺术摄影的对话：《巴黎：对话与冥思》（2008）；「肥沃的黑暗」和「错置的记忆」（后两组诗的对话约完成在2013-14之间），期间除了《巴黎》一书中的「冥思」部分，三组的作品都是採取一诗（中英文并列）对一图。「冥思」的部分则是我们在沿塞纳河左岸Quai St-Michel一所三楼，日日和对岸的圣母院大教堂对看，的住宅数度较长的停驻、浸染、感染的文化情怀，各自（我用诗、他用镜头）的发挥。

　　叶灼平日话不多，但他的画面则涌溢着滔滔的话语。从小学开始他便常常是照相机不离身的。世界知名的记者／小说家萧干在他的《一本褪色的相册》一书里，不但选用了叶灼替他拍的侧面放在首页，而且称他为最年轻的摄影家，那时他才十二岁。熟识我的散文，譬如我的《红叶的追寻》和《幽悠细味普罗旺斯》的读者，必然会在阅读过程中作久久的停驻和浏览他的彩照，因为这些照片替我行旅的抒情散文增加了强烈的临场感。那里面的彩照，与其说是插图，反不如说是他跟我和慈美周游世界各地自然、文化景观时摄取他独具只眼的灵视纪录。但后来成为「巴黎对话」主轴的十三张摄影所激发的「对话」却是别有天地非人间了。

　　这里面的十三张摄影原是他2007年放在一个别出心裁的盒子里送给我和慈美的圣诞礼物，相对于他过去跟我们分享的照片或提供给我前述那些书里视觉性鲜明、透明，写实上完整灵显性的彩照，这里的十三张黑白照片彷彿提供了一些舞台、场景，涵蕴丰富的神祕、玄奥、超现实、待解寓言的谜样，视觉上是星云状的杳霭，指义上有高度的减缩，氛围上有些几近鬼气憧憧和耸然不安，邀我们进入寻索，把我们置身在一种aporia之前某种景象的边缘，有很多意义和事相在那里微颤，一时无法决定「义」的取舍，而又顿觉此刻同时包蕴多义，等待着观者拆解。

　　但收到这些作品的当时，只是兴奋，还没有完全掌握到其中挑逗性表达的潜能和思动的力道，直到我们把十三张摄影作品和从香港来参加当晚诗人张错的圣诞晚会的老友李欧梵分享才激发、激动起来。欧梵与我同是六十年代初在台北由白先勇、王文兴带动的《现代文学》的编辑委员。我在发刊号上翻了一篇介绍卡夫卡的评论，编译了一期法国超现实诗人濮斯（St.-John Perse）的专号，写了一些现代主义的诗，和一篇极短的小说〈Ulysses在台北〉（只一页）（欧梵很喜欢）。李欧梵是《现代文学》里的法国新潮电影的专家。

　　那天晚餐会上，话题流转到欧梵最近几篇文章谈到六十年代初他跟我、慈美在台北看前卫电影亚伦．雷奈（Alain Resnais, 1922-2014）的《广岛我爱》（Hiroshima Mon Amour）的意外经验；散场时灯光一亮，全戏院只剩下我们三人！电影里故事线切断后的时空交错，全剧只借着片断映像、破碎记忆交错互玩来经营意象、音质、气氛，这些呈现的方式，对当年的观众来说大多不能接受。

　　就在这个关键时刻，慈美提到叶灼的摄影并取出传阅，没想到欧梵、张错和好几个在场的朋友，都非常肯定，都说每一张都可以独立成为一首诗。就是说，叶灼的摄影与亚伦．雷奈的运作方式有着重要的回响—电影透过一组破碎的、或幻真幻假的虚构的浓缩多义强烈的事件与鲜明的形象，打破一般故事发展的线性逻辑，用时空跳跃交错凝混的方式托现深层生命寻索的迷惑，叶灼的照片彷彿是把构成类似电影经验的千万镜头里面把能涵蕴最多最复杂的感知面的镜头（「瞬间」）割切出来；这些映像就是我上面所说的：「把我们置身在一种aporia之前某种景象的边缘，有很多意义和事相在那里微颤，一时无法决定『义』的取舍，而又顿觉此刻同时包蕴多义，等待着观者拆解。」

　　叙旧的回忆一直断续到深夜。回到家里便被疲倦击倒，第二天一大早我再把盒子打开，真正开始进入这些摄取的瞬间，十三首英文诗如泉涌出，几乎没有修改，彷彿是一种神赐的意外，连我自己都感到微微惊异。此时，慈美催促我把英文诗写成中文，以便与华文区的读者分享。随后由展演顺理成章便出版成书。我们非常感激此时对视觉艺术与历史研究已名震天下的欧梵拔刀相助，为我们的《巴黎：对话》用双语写下如此灵动的序言。
 

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，真正的理解，往往诞生于不同观念的碰撞和融合之中。 《游离其间：走向映像与文字的中际思域》这个书名，恰恰就传递出一种拥抱这种碰撞和融合的姿态。“游离其间”，这不仅仅是一种漂浮，更是一种主动的探索，一种在不同思想土壤之间播撒自己疑问的勇气。 “走向映像与文字的中际思域”，更是将这种探索的目的地描绘得淋漓尽致。我脑海中浮现的是一个充满动态的场域，在这里，视觉的冲击力与文字的逻辑性相互激荡，共同构建出我们对世界的认知。这本书会不会是在探讨，当“映像”以其直观而强大的力量冲击着我们的感官时，“文字”又是如何介入，如何引导我们的理解，甚至如何去挑战或重塑“映像”所传递的信息？ “中际思域”，这个词组对我而言，既陌生又充满诱惑。它暗示着一个超越了单一学科、单一文化视角的“中间地带”，一个充满潜能的，能够孕育新思想的 fertile ground。我期待这本书能够带我进入这个“中际思域”，去观察“映像”与“文字”是如何在这个独特的空间里共舞，相互启迪，最终帮助我们形成一种更加丰富、更加 nuanced 的理解。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在思考一个问题：在信息碎片化、视觉化如此显著的当下，我们如何才能保持独立思考的能力，不被海量的图像和简化的文字所裹挟？ 《游离其间：走向映像与文字的中际思域》这个书名，恰好击中了我的这个痛点。 “游离其间”，这四个字本身就充满了动态和自由感，仿佛是一种主动的、不被束缚的观察姿态。而“走向映像与文字的中际思域”，更是为这种“游离”指明了方向和目标——那是视觉与语言交织、融合，却又保持着微妙界限的复杂地带。我猜想，这本书并非简单地罗列一些案例，而是会深入探讨“映像”的语言特质，比如它的直观性、情感冲击力，以及它在构建叙事和传递意义时所扮演的角色。同时，它也会关注“文字”在其中扮演的角色，不仅仅是简单的说明或解释，更有可能是在引导、解读，甚至是对抗“映像”的潜在影响。 “中际思域”，这个概念在我看来，是一种对当下文化生态的精准捕捉。它暗示着一个充满张力、充满不确定性的空间，不同文化、不同媒介、不同个体在这个空间里相互博弈、相互转化。我希望这本书能够提供一种方法论，帮助读者穿越这个复杂的“中际思域”，去辨别信息的真伪，去理解表象之下的深层含义，最终形成自己独立而清醒的判断。

评分☆☆☆☆☆

第一次看到《游离其间：走向映像与文字的中际思域》这个书名，我的第一反应是：“这绝对是一本不走寻常路的读物。” 它的名字，不像那些直白的学术论文，也不似通俗的畅销书，而是一种带有某种诗意和哲思的召唤。 “游离其间”，这个词组就暗示着一种不被固定的状态，一种在不同领域、不同思想之间自由穿梭的能力。而“走向映像与文字的中际思域”，则将这种“游离”的方向和目的地指向了“映像”与“文字”的交汇地带。这让我立刻联想到，这本书可能是在探讨，在这个信息爆炸、媒介融合的时代，我们如何去理解和处理视觉信息与文本信息之间的关系。 它会不会是对当代文化现象的一种深刻剖析？比如，我们每天接收到的海量图片、视频，以及伴随其出现的各种文字解释、评论、甚至误导，它们是如何相互作用，形成我们对世界的认知？ “中际思域”，这个略显抽象的词汇，在我看来，更像是在描绘一个思想的“夹缝空间”，一个不同文化、不同观点、不同媒介相互碰撞、相互影响的独特地带。我期待这本书能够提供一个全新的视角，帮助我去审视那些看似日常的传播现象，去理解“映像”和“文字”是如何在“中际思域”中彼此塑造，从而影响我们的思维方式和价值判断。

评分☆☆☆☆☆

当我第一次看到《游离其间：走向映像与文字的中际思域》的书名时，脑海中立即浮现出一种画面：一个人，在广阔的思想海洋中，不再被固定的岛屿所束缚，而是自由地穿梭于不同的浪潮之间。 “游离其间”，这本身就带有一种探索的意味，一种不满足于单一视角、勇于挑战既定边界的姿态。而“走向映像与文字的中际思域”，则为这种探索提供了具体的指向。“映像”和“文字”，人类最古老也最现代的两种沟通方式，它们之间的互动，总是充满了无限的可能性。这本书会不会是在探讨，在当今这个视觉文化盛行的时代，文字的边界正在被如何拓展和重塑？抑或是，当图像信息以惊人的速度淹没我们的生活时，文字如何才能保持其独特的价值和力量，成为我们理解世界的锚点？ “中际思域”，这个词组尤其让我感到新奇。它似乎是在描述一个介于不同领域、不同文化、不同媒介之间的“中间地带”，一个思想交融、观念碰撞的场域。我设想，作者可能通过对电影、摄影、艺术、广告，甚至是互联网时代的各种新媒体内容进行深入分析，来揭示“映像”和“文字”在这个“中际思域”中是如何相互作用，产生新的意义和解读。我期待这本书能够为我打开一扇窗，让我能够更深刻地理解这个日益复杂的世界。

评分☆☆☆☆☆

我最近对“意义是如何被构建”这个问题产生了浓厚的兴趣。在这个信息爆炸、媒介多元的时代，我们每天都在接收和处理海量的信息，而这些信息，绝大多数都是通过“映像”和“文字”的形式呈现给我们的。 《游离其间：走向映像与文字的中际思域》的书名，一下子就抓住了我的注意力。 “游离其间”，这是一种自由、不受拘束的状态，暗示着这本书可能会打破学科的壁垒，从不同的角度去审视问题。 “走向映像与文字的中际思域”，则更具体地指出了探讨的方向——那是一个“映像”与“文字”相互交织、相互影响，却又保持着某种微妙界限的独特空间。我猜想，这本书不会简单地停留在对某个具体作品的评论，而是会深入到对“映像”本身的语言特质、叙事方式的分析，以及“文字”如何与之配合，甚至如何超越“映像”的局限，去构建更深层次的意义。 “中际思域”，这个词组的出现，让我觉得这本书的视野非常开阔。它不仅仅局限于讨论艺术或媒体，而是可能在探索一种更广阔的文化现象，一种不同文明、不同思想在此交汇、碰撞的空间。我希望这本书能提供一种分析的工具，帮助我理解那些看似零散的“映像”和“文字”背后，是如何形成一种连贯的、有影响力的意义体系的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名着实引人遐想，初见之下，我脑海中便勾勒出了一幅幅流动的画面。它似乎并非聚焦于某个具体的故事或事件，而是更像在描绘一种心境，一种介于具象与抽象之间的游弋。我尤其对“中际思域”这个词组感到好奇，它暗示着一个空间，一个思想交织、观念碰撞的场域。是存在的边界？是意识的缝隙？抑或是不同文化、不同媒介之间相互渗透、融合的独特地带？“映像”与“文字”这两个意象的并列，更是让我想到了艺术评论、文化研究，甚至是哲学思辨的领域。我期待这本书能够带领我深入探索那些模糊却又真实存在的“间隙”，理解那些看似遥远却又息息相关的“映像”与“文字”是如何相互启发、相互塑造的。它会是一本关于如何观察世界、如何解读信息、如何构建自我理解的指南吗？或者，它更像是一场邀请读者一同进行的深度对话，去审视我们当下所处的文化景观，去辨析那些潜藏在表象之下的深刻含义。我迫不及待地想翻开它，跟随作者的笔触，一同在“游离其间”的辽阔思域中，寻找属于自己的理解和共鸣。

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一直以来，我都在寻找能够拓展我认知边界的读物，而《游离其间：走向映像与文字的中际思域》这个书名，就充满了这种吸引力。 “游离其间”，这个词组让我联想到一种自由的、不受限制的探索状态，一种在不同思想和领域之间穿梭的能力。而“走向映像与文字的中际思域”，则为这种探索指明了方向。我立刻想到，这本书很可能是在探讨，在这个视觉信息爆炸的时代，我们如何理解和解读那些瞬间涌入的“映像”，以及它们是如何与“文字”相互作用，共同塑造我们的认知和情感。 “中际思域”，这个概念在我看来，是对我们所处的文化生态的一种精准概括。它可能是一个介于不同文化、不同媒介、不同思想之间的“中间地带”，在这里，各种观念相互碰撞、相互融合，产生新的意义和理解。我期待这本书能够深入剖析“映像”的叙事逻辑和情感力量，同时也会关注“文字”在其中扮演的角色，它不仅仅是简单的说明，更有可能是在引导、解读，甚至是在挑战“映像”的潜在含义。我希望通过阅读这本书，能够更清晰地认识到，在“映像”与“文字”共同构筑的“中际思域”中，我们是如何被影响，又是如何进行思考的。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，语言是人类思想最精密的载体，而影像则是直抵人心的最直接触媒。这两者，在现代社会中，似乎又被前所未有地拉近了距离，甚至相互渗透，模糊了界限。所以，当我在书架上看到《游离其间：走向映像与文字的中际思域》时，一种强烈的探索欲便油然而生。书名本身就极具画面感和哲学深度，“游离其间”，仿佛一种自由自在的漂浮，一种超越束缚的探寻。“映像与文字”，这两大截然不同的表达方式，却被放置在“中际思域”这个颇具象征意义的场域中，这让我产生了无限的联想。这是不是在探讨，当图像信息爆炸的时代，文字的意义和价值如何被重塑？抑或是，当文字承载了更多视觉化的叙事，它又会呈现出怎样的新面貌？这本书会不会深入分析不同媒介的特质，以及它们在信息传播和文化构建中所扮演的角色？我设想着，作者可能通过大量的案例分析，比如电影、摄影、广告、新媒体内容，来阐释“映像”的叙事逻辑和情感力量，同时又会剖析文字如何与之互动，如何为其增添深度、引导理解，甚至反转其原有含义。而“中际思域”这个概念，或许是对我们所处时代的文化交汇点、观念碰撞区的概括，是理解当下复杂文化现象的一个关键视角。

评分☆☆☆☆☆

我最近对“媒介即讯息”这句话有了更深的体会，尤其是在这个视觉化内容占据主导地位的时代。 《游离其间：走向映像与文字的中际思域》这个书名，仿佛是对我这种思考的一种回应。 “游离其间”，这是一种主动的、不受拘束的观察姿态，一种不被固定定义所限制的自由。而“走向映像与文字的中际思域”，则将这种“游离”的焦点指向了两个截然不同的但又紧密相连的领域——视觉呈现和语言表达。 我很好奇，这本书会如何去阐释“映像”的特质，它是如何直接触动我们的感官，又是如何在无声中传递情感和观念的。同时，它又会如何看待“文字”在其中的作用？是作为“映像”的补充，还是作为一种独立的解释和批判？ “中际思域”，这个概念尤其让我觉得新颖。它似乎在描述一种介于不同文化、不同学科、不同媒介之间的“夹缝空间”，一个观念在此交汇、碰撞、融合的场域。我设想，这本书可能会通过分析大量的当代艺术、电影、广告，甚至是社交媒体上的内容，来揭示“映像”与“文字”在这个“中际思域”中是如何相互作用，从而影响我们的认知和判断。我期待这本书能给我带来一些关于如何在这个信息洪流中保持清醒认知的启发。

评分☆☆☆☆☆

我在阅读时，常常被那些能够打破常规、引发深层思考的作品所吸引。 《游离其间：走向映像与文字的中际思域》这个书名，就具备了这种潜力。“游离其间”，这几个字给我一种自由自在、不受拘束的感觉，仿佛在邀请读者一同进行一场跨越界限的探索。而“走向映像与文字的中际思域”，则更为具体地勾勒出了这场探索的方向和领域。我立刻联想到，这本书很可能是在探讨，在这个信息爆炸、视觉文化盛行的时代，“映像”和“文字”这两种截然不同的表达方式是如何相互交织，相互影响，从而在我们的认知中形成一种复杂的“中际思域”。 我对“映像”的叙事力量一直很好奇，它如何能够绕过语言的障碍，直接触动我们的情感和潜意识。而“文字”又如何在其中扮演角色？它是作为“映像”的注解，还是作为一种独立的解读，甚至是一种批判？“中际思域”，这个概念的出现，让我觉得这本书的视野非常宏大。它可能是在探讨一种文化现象，一种不同思想、不同媒介在此交汇、碰撞、融合的独特空间。我希望这本书能够提供一种全新的视角，帮助我理解那些潜藏在“映像”与“文字”背后，影响我们思考和判断的深层机制。