钢琴乐理课程第七册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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★『学音乐不能不学乐理，学乐理一定要透过练习』
　　钢琴乐理课程丛书一套共有七册，第一到四册专为学习钢琴的学生而写，可以配合市面上绝大多数的课本。五、六、七册为各乐器通用进阶乐理，除了钢琴以外，也适合弦乐、管乐、打击及其他乐器的学生进修使用。

　　★学完《小提琴乐理课》、《中提琴乐理课程》或《大提琴乐理课程》的学生可以从第五册开始衔接，补充进阶乐理知识。

　　★五、六、七册的进阶乐理有特别针对考试的设计，解说内容和题型都很适合参加检定考及升学音乐考试的使用。当作基础乐理的学习材料，或者作为练习和补充教材，都能发挥良好的功效。

　　☆《钢琴乐理课程第七册》包含了拍号转换、判断调性、移调、移调乐器、全音及半音音阶、中国五声及七声音阶、教会调式和泛音列等丰富内容，每一个单元都是升学考试的必考题型，也是想要钻研进阶音乐理论者必学的重要知识。

　　☆在拍号单元，本书详细介绍了拍号的转换方式以及转换后的乐谱记法，单拍子及复拍子的判断原则，相通拍的换算方法，内容完整涵盖了拍号相关知识，每单元还附有答题范例和丰富的题库。对于学生最常感到困扰的相通拍算法和改写方法，也提供了清楚的公式和易于记忆背诵的口诀，让学生更容易理解，作答更顺利。

　　☆在乐理试题中，最令人困扰的问题之一便是判断调性。即便已学过所有大小调的音阶型态，没有好的思考步骤和答题技巧，就很容易答错。本书的判断调性单元特别整理出清楚简单的步骤和原则，如果再搭配《钢琴乐理课程第六册》教授的各种音阶知识和调号排列顺序等知识，就能更迅速而正确的判断出调性。

　　☆移调乐器可以说是乐理考试中，最容易答错的题目。不是乐器的调性背错，音程算错，就是用错临时记号。为了解决这些困难，本书特别依照实际演奏音高和记谱的差异，做成清楚好背的表格，还附上标示记谱音与实际音的乐谱范例，解决记不住移调乐器和调性的问题。另外还提供了创新的图形作答法，只要依照规则填入音程和调性，就能避免移错调性，移高移低颠倒等常见错误。

　　☆在24个大小调音阶之外，全、半音音阶，中国五声音阶，雅乐七声音阶以及教会调式也是音阶范围最常出现的题型。在《钢琴乐理课程第七册》中除了详尽的解说和谱例，也针对作答时最常出错的部分，例如全音音阶和各种半音阶的记谱法、教会调式的背法等，提供了好背的口诀和答题方法。

　　☆本书的和絃部分包含了三和絃、七和絃、和絃转位、数字低音写法以及终止式等，研读这几个单元再利用习题练习作答，就可以扎实的建立和絃及数字低音的基础，无论考试、进修，或是要学习和声学之前的准备，本书都相当好用。

　　☆本书后附有解答，让教师批改作业更方便而迅速。

好的，以下是根据您的要求撰写的图书简介，内容完全不涉及《钢琴乐理课程第七册》的具体内容，并力求详尽自然： 音乐的殿堂：一部跨越时空的和声与结构的探寻之旅 图书名称： 音乐的殿堂：一部跨越时空的和声与结构的探寻之旅 作者： [此处可留空，或填写虚构的作者名，例如：阿历山大·冯·舒曼] 页数： 约620页 装帧： 精装，附赠高分辨率乐谱插图集 定价： 188.00 元 --- 导言：聆听无形的建筑 音乐，是时间中的雕塑，是空气中的数学。它并非仅仅是悦耳的音符组合，而是一套严谨、优雅且极富表现力的结构体系。本书《音乐的殿堂》旨在引导读者，无论您是初涉音乐理论的学徒，还是已在键盘上徜徉多年的演奏家，都能以全新的视角审视音乐的内在骨架与情感脉络。我们拒绝将音乐知识碎片化为枯燥的规则列表，而是将其置于历史的长河中，探究这些“规则”是如何在人类情感的驱动下，一步步演化、定型，并最终服务于伟大的艺术表达。 本书的结构设计，模仿了一座古典主义的宏伟建筑，从坚实的地基（音高与节奏的基础概念）开始，逐步向上构建墙体（和声功能）、屋顶（曲式结构），直至精美的穹顶（风格分析与配器色彩）。我们将重点关注那些塑造了西方音乐美学核心的几大关键领域，力求在理论的严谨性与实际的听觉体验之间架起一座坚实的桥梁。 --- 第一部分：基础的拓扑学——声音的几何构造 在深入探讨复杂的和声进行之前，我们必须重新审视声音的物理本质及其在人类听觉系统中的感知方式。本部分致力于打牢坚实的理论基础，但其侧重点在于“为什么是这样”，而非仅仅“它是什么”。 第一章：音高的感知与微调体系的诞生。 我们将详细考察毕达哥拉斯的发现如何奠定了最初的音程认知，并追溯从五度律到平均律的漫长演变历程。探讨半音与全音的构建逻辑，以及这些基础间隔如何定义了不同的调式世界。着重分析音分（Cents）在描述音高差异中的精确性，以及在不同文化音乐体系中对“纯粹性”的追求与妥协。 第二章：节奏的度量与时值的空间分配。 节奏不仅是时间的划分，更是音乐驱动力的源泉。本章深入分析拍号体系的结构意义，区分绝对节拍与自由节奏。引入“重音的层次化”概念，探讨如何通过微妙的力度变化和时值压缩/拉伸（如Rubato的内在机制），赋予单纯的节拍以生命力和方向感。我们将通过分析巴赫赋曲中精确的脉动与德彪西作品中流动的节奏，对比不同时代对时间感知的处理差异。 第三章：调性的核心——功能与倾向的张力。 调性，是西方音乐中最具统治力的组织原则。本部分将系统梳理主音（Tonic）、属音（Dominant）和下属音（Subdominant）这三位一体的功能关系。着重分析半音化进行如何强化这种功能倾向，以及“导音”在建立解决感与推动力方面的关键作用。我们不仅罗列和弦的名称，更要理解它们在听觉空间中产生的引力与斥力。 --- 第二部分：和声的精炼——从三和弦到色彩的扩展 一旦理解了基本的调性引力，我们便可以进入和声的“建筑学”领域，探索音符如何通过叠加，构建出复杂的情感景观。 第四章：三和弦的语汇：大、小、增与减的性格分析。 本章细致区分四种基本三和弦的听觉“温度”与功能倾向。通过大量实例分析，展示三和弦如何根据其在调性中的位置，承担起建立稳定、引导过渡或制造冲突的任务。 第五章：七和弦的丰富性与功能拓展。 七和弦的引入是音乐进入更广阔表达空间的里程碑。我们将全面解析属七和弦（V7）的解决路径，以及其带来的强劲导向力。同时，对次属七和弦（Secondary Dominants）的运用进行深入剖析，揭示它们如何在不改变主调性的前提下，实现调性色彩的临时转移与增添戏剧性。 第六章：非功能性和弦的探索与应用。 并非所有和弦都遵循严格的主属功能。本部分将关注那些在古典晚期及浪漫主义时期日益重要的“色彩和弦”：如挂留和弦（Sus Chords）如何通过悬置解决来延迟满足感；九和弦、十一和弦、十三和弦如何通过增加音高密度来渲染特定的情绪氛围；以及减七和弦在连接远关系调性中的“万能钥匙”作用。 第七章：调式与半音的融合——教会调式与弗里吉亚的呼吸。 调性体系并非一成不变。本章将重返中世纪和文艺复兴的调式遗产，探讨教会调式（如多利亚、利底亚）如何为后世的和声创新提供了丰富的非大小调色彩。分析半音化进行的策略，理解巴赫如何巧妙地运用半音关系来模糊调性界限，以及肖邦如何在看似传统框架内注入异域风情。 --- 第三部分：结构的维度——曲式的逻辑与宏大叙事 音乐的宏大结构，是思想得以完整表达的容器。本部分将探讨作曲家如何运用既有的框架，实现个性化的叙事。 第八章：乐段与主题的构建：音乐的最小语义单位。 任何伟大的作品都是由无数个精心设计的“句子”构成的。本章分析乐段（Phrase）的平衡原则（如“问与答”结构），以及如何通过动机（Motive）的变形、增值与减值，创造出连贯且具有内在张力的主题。 第九章：奏鸣曲式的内省：冲突与解决的戏剧性模型。 奏鸣曲式是古典主义音乐的巅峰结构。我们将以严谨的视角解构呈示部、展开部和再现部的功能三角：呈示部确立（并质疑）主题；展开部是冲突与远行；再现部则是最终的回归与统一。重点分析转调策略在结构中的叙事意义。 第十-十一章：复调的艺术与赋格的精妙。 复调音乐（Polyphony）是将多条独立的旋律线组织在一起的复杂工艺。第十章聚焦于对位法的基本规则（如不协和音的进入与解决）。第十一章则将赋格（Fugue）作为复调艺术的典范，分析呈头、应答、间奏、推移以及最高潮的“紧缩模仿”等技法如何共同服务于一个统一的思想主题。 第十二章：变奏曲与回旋曲的灵活性。 探讨变奏曲（Variations）作为一种“主题的无限衍生”的形式，如何通过节奏、和声、织体等不同层面的改变来展示主题的生命力。分析回旋曲（Rondo）的A-B-A-C-A结构如何创造出一种既重复又充满惊喜的巡游感。 --- 第四部分：织体与色彩——声音的质地与时代印记 音乐的最终效果，往往取决于其“织体”（Texture）的疏密与配器（Orchestration）的选择。 第十三章：从单音到管弦乐的密度变化。 梳理音乐织体的演变：从单音音乐（Monophony）到主调音乐（Homophony）的清晰化，再到浪漫主义时期对复杂复调（Polyphony）的回归。分析如何通过增减声部、改变音程分布（如宽音域与窄音域的使用），来制造空间感和心理压力。 第十四章：调性之外的景观：印象主义与序列主义的先声。 随着十九世纪末的到来，作曲家们开始系统地挑战传统调性的束缚。本章将初步介绍五声音阶、全音音阶的运用，以及德彪西和拉威尔如何利用和声的“悬浮性”来描绘光影流转的瞬间。同时，简要触及勋伯格早期对十二音体系的构想，展示音乐如何走向更抽象的表达。 --- 结语：永恒的对话 《音乐的殿堂》并非终点，而是通往更深层次聆听的起点。音乐理论的价值，不在于束缚创造力，而在于提供一个共享的语言，使我们能够理解历代大师的匠心独运，并最终，用这些知识去构建我们自己的声音世界。愿读者在翻阅这些结构与和声的图纸时，能同时在心中听到那些不朽的旋律。 附录： 常用术语词典（含德语、法语、意大利语原文对照）；巴洛克至浪漫主义时期重要作品和声分析简表。

作者简介

陈加容

　　怎么样可以让学生学的更好？
　　怎么说会更容易懂？
　　怎么教可以更有效？

　　20年来，陈加容老师每天都在教学实践中不停的思索这些问题。辅仁大学音乐研究所毕业、精通多种乐器及音乐理论的陈加容老师认为，老师不能只是把资讯供应给学生，而要多想十步一百步，先规划好蓝图和目标，再依照学生的特性，用最适当的方法，给予最容易吸收的课程内容。
    
　　在多年的教学生涯中，陈加容老师开发了许多种不同的教学方法，也辅导多位学生跨进音乐班窄门就读知名音乐班校，担任知音音乐班主任期间，还因教学和行政效率卓越，连续两年获新北市教育局颁发优良补习班奖章。
 

一、转换拍号        1
二、相通拍    5
三、计算演奏时间        11
四、判断调性        15
五、移调        19
六、不改变音符位置的移调        23
七、移调乐器        25
八、全音音阶        37
九、中国五声音阶        39
十、中国雅乐七声音阶        43
十一、教会调式    51
十二、半音阶        47
十三、三和絃        55
十四、三和絃的和絃级数    57
十五、七和絃        61
十六、七和絃的和絃级数    65
十七、三和絃的转位与数字低音        69
十八、七和絃的转位与数字低音        73
十九、终止式        79
二十、泛音    81

评分☆☆☆☆☆

对于一位追求音乐境界的钢琴学习者而言，乐理知识的深度和广度是直接决定演奏水平和艺术鉴赏力的重要因素。《钢琴乐理课程》系列，尤其是其中的第七册，在我看来，似乎承载着一种“集大成”的意味。 我一直觉得，音乐的魅力不仅仅在于旋律的优美或技巧的华丽，更在于其背后严谨的逻辑和深邃的内涵。第七册的出现，让我对这方面的探索有了新的期待。它或许会带领我们深入到更复杂的和声织体，理解不同音响效果是如何通过精妙的配器和声部进行而产生的。 我尤其好奇，这本书对于某些相对冷门但极具艺术价值的音乐理论点，例如某些古代音阶的应用，或者现代音乐中常用的拓展和弦，是否会有详细的阐述和分析。在我以往的阅读经验中，这类内容往往是乐理进阶者最渴望补充的知识盲区。 对于教材的实用性，我非常看重。一味地罗列概念而缺乏实际的应用指导，很容易让学习者感到枯燥。我希望第七册能够提供一些能够直接应用于钢琴演奏的乐例，并且通过分析这些乐例，帮助我们理解理论是如何在实际音乐作品中发挥作用的。 当然，对于一本人数众多的课程系列中的第七册，其编排的系统性和连贯性也是我关注的重点。我希望能看到它与前几册的知识体系紧密相连，并且能够为读者提供一个清晰的学习方向，让知识的积累更加稳固和高效。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐道路上坚持了多年的爱好者，我始终坚信，对音乐理论的深入理解，是通往更高演奏境界的必经之路。《钢琴乐理课程》这个系列，尤其是其中的第七册，在我看来，它代表着一种更为专业和系统化的音乐理论教学。 我一直认为，音乐的生命力在于其内在的逻辑和结构。《钢琴乐理课程》第七册，从其命名便足以看出，它将带领学习者进入一个更深层次的乐理探索之旅。我期望它能够详细介绍那些构成复杂音乐作品骨架的理论，例如高级和声学、对位法的精妙之处，亦或是某些特定乐器在音乐织体中的独特作用。 我尤其关注书中关于音乐创作原理的论述。我希望它能揭示不同音乐风格的形成原因，以及作曲家们是如何运用各种乐理手段来表达思想和情感的。这对于我深入理解作品的内涵，以及在自己的演奏中更准确地传达作曲家的意图，有着不可估量的价值。 在我看来，一本真正优秀的乐理书籍，应该能够激发学习者的主动思考和探索精神。我希望第七册不仅能传授知识，更能引导我去发现音乐中隐藏的规律和美学价值，从而在潜移默化中提升我的音乐素养。 我也非常期待它能提供一些与时俱进的乐理视角，例如对现代音乐理论发展趋势的介绍，或者是一些前沿的音乐分析工具的应用。这将有助于我跟上音乐理论发展的步伐，并更好地理解当代音乐的创新与演变。

评分☆☆☆☆☆

作为一名一直致力于提升钢琴演奏技巧和理论素养的业余爱好者，我对于市面上各种音乐理论书籍都有着相当的关注。最近，我购入了一本叫做《钢琴乐理课程》的系列书籍，特别是第七册，让我眼前一亮。虽然我还没有完全深入研读，但从初步的翻阅和对它整体架构的理解来看，这本书似乎提供了一个非常系统和进阶的学习路径。 我个人对乐理的理解一直停留在比较基础的阶段，例如认识音程、和弦、调式等。但随着演奏的深入，我越来越感到需要理解更复杂的音乐结构和表现手法。第七册的名字就预示着它可能涵盖了更高级的主题，比如更精细的和声分析、复调织体的处理、甚至是某些特定时期或作曲家的音乐语言特点。我很期待这本书能够帮助我跨越目前的瓶颈，更深层次地理解我所演奏的乐曲，从而在指尖上更好地诠释音乐的灵魂。 我一直认为，扎实的乐理功底是 pianist 的“内功”。很多人可能只注重指法练习和乐句的雕琢，却忽略了音乐内在的逻辑和美学原理。一本好的乐理教材，能够像一张地图一样，指引我们穿越错综复杂的音乐海洋。 我尤其欣赏那些能够将抽象理论与实际演奏相结合的书籍。如果第七册能够提供清晰的图示、丰富的乐例，甚至是一些便于练习的小练习曲，那将是非常理想的。我希望这本书不仅能让我“知道”，更能让我“做到”，将理论知识转化为实际的音乐表现力。 我关注的不仅仅是理论的深度，还有教材的编排和语言的易懂性。有时候，一本理论书写得过于晦涩，反而会打击学习者的积极性。我希望第七册在保持专业性的同时，也能照顾到不同程度的学习者，语言清晰，逻辑严谨，能够引导读者循序渐进地掌握知识。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一位在音乐世界里不断摸索的学习者来说，找到一本能够真正启发思考、拓宽视野的乐理书籍，是件十分难得的事情。《钢琴乐理课程》系列，尤其是第七册，在我初次接触时，便给我留下了深刻的印象。 我始终认为，音乐理论的学习，绝不应仅仅是枯燥的符号和规则的记忆，而应是通往更深层次音乐理解的钥匙。第七册，作为这个系列中的一个重要组成部分，我期望它能够带领我进入一个更广阔的音乐理论殿堂，接触到一些更具挑战性和深度的议题。 我尤其关注书中对于音乐分析方法的阐述。我希望能看到它提供一些系统性的分析框架，比如如何对一段复杂的乐曲进行结构分析、和声分析，甚至是指挥家在处理大型作品时所依据的乐理原则。这些内容对于提升我的音乐品鉴能力，是非常有帮助的。 此外，我非常期待这本书能够包含一些对特定音乐风格或流派的乐理特征的深入探讨。例如，一些现代音乐技法，或者某些特定历史时期独有的作曲手法，如果能在第七册中得到详细的介绍和讲解，将极大地丰富我的音乐知识储备。 我更希望的是，这本书能够以一种引人入胜的方式呈现这些知识。避免过于学术化和冰冷的语言，而是用更生动、更具启发性的方式来引导读者去思考，去发现音乐的奥秘。我希望它能成为我钢琴学习道路上的一位良师益友。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对音乐充满好奇心的探索者，一直试图在钢琴演奏的道路上不断超越自己。近期接触到的《钢琴乐理课程》系列，特别是其中被誉为“进阶篇”的第七册，引起了我极大的关注。 我深信，音乐的理解与演奏，如同建造一座宏伟的建筑，需要坚实的地基和精巧的结构。《钢琴乐理课程》第七册，从书名来看，它很可能是在前几册的基础上，进一步深入挖掘音乐的精髓，探讨更高级的音乐构建原理。 我特别希望这本书能够详细介绍一些在现今音乐创作中扮演重要角色的理论，比如各种形式的复调写作技巧，或者对不同时期作曲家独特的和声语言进行深入剖析。这对于我理解和模仿不同风格的音乐作品，有着至关重要的意义。 在我看来，一本优秀的乐理教材，不应该仅仅是理论的堆砌，更应该成为连接理论与实践的桥梁。我期待第七册能够提供足够多的、具有代表性的音乐片段，并对这些片段进行细致的分析，从而帮助我理解这些复杂的理论是如何体现在实际的音乐创作中的。 更重要的是，我希望这本书能够帮助我提升对音乐的整体感知能力。例如，如何通过乐理知识来更准确地把握音乐的情感走向，如何理解作曲家在音乐结构上的匠心独运，以及如何通过这些理解来指导自己的演奏，使其更富表现力和感染力。