逾600張精美劇照、側拍、手稿×14篇、14萬字幕後團隊深度訪談
「置中狂」導演威斯・安德森電影專書首度中文化！
特別收錄大友剋洋所繪製的《犬之島》日本版電影海報插畫！
漫畫名作《末日》作者望月峯太郎繪製的漫畫版《犬之島》同步上市！
歡迎來到安德森星球，美學偏執狂照過來！
手工打造上百組布景＆逾韆隻不同比例、服裝、錶情的戲偶，
近70張臉上分毫不差的320顆雀斑（以及定位用雀斑北極星），
抽絲剝繭一一比對齣嚮葛飾北齋、黑澤明、小津安二郎、宮崎駿等日本大師緻敬畫麵……
沒看過這本書，別說你哈日！
最強的哈日阿宅原來是威斯．安德森！
1.本書為美國鬼纔名導威斯‧安德森最新停格動畫長片《犬之島》（Isle of Dogs）的電影製作特輯。威斯‧安德森如今已成為許多影迷最愛的電影導演之一，在2014年以《歡迎來到布達佩斯大飯店》贏得柏林影展評審團大獎，獨特的影片敘事、迷人的視覺美術風格，對畫麵置中對稱的偏執也為人津津樂道。他的拍片技藝和美學獨樹一格，從色調、構圖、美術設定，影片中的每一格都像一幅畫，是少數如同提姆‧波頓（Tim Burton）一樣，令影迷想要深究其背後創作脈絡與窺看其創作過程的導演。2013年起齣版瞭一係列的《Wes Anderson Collection》（威斯‧安德森作品集），本書即為最新作，也是現今唯一的安德森作品中文官方解析。
2.本書作者為資深編輯暨影評人，多次深入訪問導演威斯‧安德森和幕後各部門的工作人員，以精彩圖文完整解析《犬之島》的製作過程。安德森和其團隊將親自為讀者揭示所有來龍去脈，包含創作靈感來源、配音演員的選角和互動、驚人的美術設計、帥到極點的戲偶製作、拍攝停格動畫的過程、配樂的誕生，以及種種軼事。書中同時收入超過六百張的精采幕後花絮照片、構思階段的草圖插畫、導演手寫的筆記、分鏡錶等，實為一部值得收藏的藝術品。
3.榮獲2018年柏林影展最佳導演銀熊獎的《犬之島》（Isle of Dogs）是停格動畫，片中所見一切皆為純手工打造，質感獨具，既有導演的一貫風格，又有滿滿的驚喜。《犬之島》無論在劇情、構圖、攝影風格、美術設計和配樂等細節都揉閤瞭許多日本流行文化和歷史元素，並且嚮黑澤明、小津安二郎、宮崎駿、葛飾北齋等日本大師緻敬，無論是哈日族或美學控，都不容錯過。
名人推薦
★國立臺灣藝術大學多媒體動畫藝術學係石昌傑教授 推薦
具體描述
光影世界的迷人絮語：大師電影製作的幕後深度探索 本書將帶領讀者深入探索世界著名導演的創作奧秘，聚焦於他們如何將獨特的視覺美學、精密的敘事結構以及對細節的執著追求，融入到每一部光影作品之中。這不是對某一部特定電影的剖析，而是一次對電影語言本身的宏大梳理，旨在揭示那些讓作品經久不衰的藝術內核。 第一章：視覺哲學——構圖、色彩與對稱的魔力 本章著重探討導演們如何構建他們標誌性的視覺世界。電影的“臉麵”——構圖，不再是簡單的畫麵布局，而是一種敘事工具。我們將研究黃金比例在他們的鏡頭中如何被巧妙地運用，以及強迫透視和嚴格的水平/垂直綫如何營造齣既古典又充滿戲劇張力的空間感。 色彩理論的運用是本章的重中之重。我們不談通用的色彩搭配，而是深入分析導演如何通過特定的色盤選擇來定義角色的內心世界和故事發生的時代背景。例如，某些導演偏愛使用高飽和度的暖色調來營造夢幻或復古的氛圍，而另一些則傾嚮於低飽和度的冷色調，以此來暗示疏離感或深刻的憂鬱。我們將考察色彩如何在不依靠對白的情況下，傳遞情緒的微妙變化。 此外，場景設計與布景的極度程式化是這些大師作品的顯著特徵。本章將詳盡闡述道具、傢具乃至背景牆紙的選擇，是如何服務於整體美學理念的。每一個擺設都不是隨意的，而是經過精心挑選的“演員”，它們共同構成瞭一個個微縮的、自洽的藝術宇宙。 第二章：敘事機器的齒輪——節奏、剪輯與時間掌控 電影敘事的成功，很大程度上取決於對時間流逝的掌控。本章將解構導演們在剪輯節奏上的獨到之處。有些段落可能采取極端緩慢的、近乎凝滯的節奏，以突齣角色的內心掙紮或環境的壓抑感；而另一些關鍵轉摺點，則可能通過快速、精準的濛太奇手法，在瞬間完成信息量的爆炸。 我們將分析場麵調度（Mise-en-scène）在時間軸上的延伸意義。一個長鏡頭不僅僅是對演員錶演的考驗，更是導演對時間連續性的宣言。本章會探討這些長鏡頭背後的數學和邏輯，它們如何迫使觀眾以一種更沉浸、更不間斷的方式參與到故事之中，體會到事件發生的“真實”時間感。 敘事的非綫性結構也是重要的研究對象。如何通過閃迴、預敘或碎片化的記憶片段來重構一個完整的故事，同時不讓觀眾感到迷失？本章會考察這些敘事技巧如何服務於主題的錶達，例如探討記憶的不可靠性或時間循環的宿命感。 第三章：角色塑造的微觀宇宙——錶演、服裝與對白 成功的電影離不開令人難忘的角色。本章聚焦於導演與演員之間的閤作模式，以及他們如何共同雕琢齣具有深度和復雜性的銀幕形象。 錶演風格的指導是關鍵。一些導演可能要求演員采用高度風格化、略顯疏離的錶演方式，使角色更像舞颱劇中的人物，保持一種審視的距離感；而另一些則可能鼓勵一種近乎“自然主義”的、內斂的情緒錶達。我們將探究這些風格差異背後的藝術意圖。 服裝與造型設計在角色構建中的作用，遠超於僅僅是“穿衣打扮”。本章會詳細分析服裝的象徵意義。例如，一套西裝的剪裁、一種特定的顔色組閤，甚至是一副眼鏡的選擇，如何成為角色社會地位、心理狀態乃至道德立場的視覺標簽。 對白的設計是檢驗導演文學素養的試金石。本章將審視那些充滿機鋒、節奏感極強、或是充滿奇特口頭禪的颱詞風格。對白的密度、語速以及其與畫麵産生的對比或和諧，共同定義瞭角色的智力水平和情感錶達的深度。 第四章：主題的哲學深度——重復、秩序與人性睏境 偉大的電影作品往往是對人類共同境遇的深刻反思。本章將從更宏觀的哲學層麵，探討這些導演作品中反復齣現的主題母題。 秩序與失序的永恒辯證是核心之一。許多大師的作品都沉迷於建立一個看似完美無缺的、高度秩序化的世界，但恰恰是這個秩序的裂縫，引齣瞭所有的人性衝突。本章將考察這種對“完美結構”的癡迷，以及當秩序被打破時，角色所麵臨的道德和生存睏境。 孤獨感與疏離感是貫穿不同作品的隱形綫索。無論故事背景設置在多麼繁華的都市或多麼奇特的異世界，角色往往被置於一種內在的、無法與外界有效溝通的狀態。我們將分析導演如何通過空間布局、光影處理和角色互動模式，來放大這種存在主義式的孤獨。 此外，對“童真”與“成人世界”的對立的探討也至關重要。許多導演的視角似乎始終保留著一種對童年純真或幻想世界的懷念與眷戀，而將成人世界的復雜、腐敗和無可奈何作為反襯。 結語：電影作為一種私人化的信仰體係 最終，本書旨在闡明，這些電影大師的作品並非僅僅是娛樂産品，而是一種高度個人化、近乎宗教般的信仰體係的視覺化錶達。他們的每部電影都是對某一特定哲學問題的持續追問，是對美學極限的不斷挑戰。通過對上述元素——視覺、敘事、角色和主題——的交叉分析，我們得以更清晰地理解，這些作品如何在當代電影史上留下瞭不可磨滅的印記，並持續激發著無數後來者的創作靈感。本書提供的視角，是理解電影作為一種復雜藝術形式的深度鑰匙。
著者信息
作者簡介
蘿倫‧威佛＆萊恩‧史蒂文生
蘿倫．威佛（Lauren Wilford）和萊恩．史蒂文生（Ryan Stevenson）現為《明牆/暗房》（Bright Wall/Dark Room）網路雜誌編輯，該雜誌專門刊載關於電影的長篇評論。他們自2015年結縭至今，現居美國羅德島州的普洛威頓斯。
蘿倫‧威佛＆萊恩‧史蒂文生
蘿倫．威佛（Lauren Wilford）和萊恩．史蒂文生（Ryan Stevenson）現為《明牆/暗房》（Bright Wall/Dark Room）網路雜誌編輯，該雜誌專門刊載關於電影的長篇評論。他們自2015年結縭至今，現居美國羅德島州的普洛威頓斯。
圖書目錄
前言 文｜麥特?佐勒?塞茨
引言 文｜泰勒?拉摩斯、周思聰
序言 威斯‧安德森、黑澤明，以及一部停格動畫劇情片的拍攝過程
?
ACT 1：說個故事
接下來呢？威斯．安德森、羅曼?柯波拉＆傑森?施瓦茲曼的訪談
尋找翻譯 日文大功臣野村訓市的訪談
棄犬 配音代錶布萊恩．剋蘭斯頓的訪談
軍旗 主分鏡師傑伊?剋拉剋＆動態分鏡腳本剪接師艾德華?伯爾希的訪談
?
ACT 2：設計世界觀
關於戲偶
會迴話的狗 戲偶部門主管安迪‧根特的訪談
帥到極點的戲偶 服裝設計師瑪姬‧哈登的訪談
美術設計
完美的淩亂 美術指導保羅‧哈洛德的訪談
安德森星球 圖像設計師艾莉卡‧多恩的訪談
?
ACT 3：讓畫麵動起來
動畫製作
玩娃娃 主動畫師傑森?斯塔爾曼的訪談
聲音 主動畫師金?格可列勒的訪談
電影攝影
陰翳禮讚 攝影指導崔斯坦?奧利佛的訪談
愉快的驚嚇 資深視覺特效指導提姆?萊德伯裏的訪談
在架構裡玩耍 動畫指導馬剋?魏林的訪談
伴著戲劇而樂 太鼓作麯傢／顧問渡邊薰的訪談
對當下的狀態感到意外 二訪威斯?安德森
?
參考資料＆緻謝
引言 文｜泰勒?拉摩斯、周思聰
序言 威斯‧安德森、黑澤明，以及一部停格動畫劇情片的拍攝過程
?
ACT 1：說個故事
接下來呢？威斯．安德森、羅曼?柯波拉＆傑森?施瓦茲曼的訪談
尋找翻譯 日文大功臣野村訓市的訪談
棄犬 配音代錶布萊恩．剋蘭斯頓的訪談
軍旗 主分鏡師傑伊?剋拉剋＆動態分鏡腳本剪接師艾德華?伯爾希的訪談
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ACT 2：設計世界觀
關於戲偶
會迴話的狗 戲偶部門主管安迪‧根特的訪談
帥到極點的戲偶 服裝設計師瑪姬‧哈登的訪談
美術設計
完美的淩亂 美術指導保羅‧哈洛德的訪談
安德森星球 圖像設計師艾莉卡‧多恩的訪談
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ACT 3：讓畫麵動起來
動畫製作
玩娃娃 主動畫師傑森?斯塔爾曼的訪談
聲音 主動畫師金?格可列勒的訪談
電影攝影
陰翳禮讚 攝影指導崔斯坦?奧利佛的訪談
愉快的驚嚇 資深視覺特效指導提姆?萊德伯裏的訪談
在架構裡玩耍 動畫指導馬剋?魏林的訪談
伴著戲劇而樂 太鼓作麯傢／顧問渡邊薰的訪談
對當下的狀態感到意外 二訪威斯?安德森
?
參考資料＆緻謝
圖書試讀
引言
泰勒?拉摩斯、周思聰
有人說，世上沒有什麼關係能比得上小男孩和他的狗，或許這正是為什麼有那麼多部動畫片都選擇瞭這個主題。
過去二十年間，美國導演們已經詮釋過十多種變化形式：男孩和他的巨型機器人（《鐵巨人》，The Iron Giant）、男孩和他的中型機器人（《大英雄天團》，Big Hero 6）、男孩和他的龍（《馴龍高手》，How to Train Your Dragon）、男孩和他的怪物狗（《科學怪犬》，Frankenweenie），以及關係有點反過來的，恐龍和他的野孩子（《恐龍當傢》，The Good Dinosaur）。在這麼多部電影中，人類和狗／機器人／恐龍世界之間的鴻溝，正是片中笑點與戲劇張力的來源。
乍看之下，《犬之島》是威斯．安德森對類似領域的探索。不過這一次，差別在於「阿中」（Atari，即「小林中」，Atari Kobayashi）和「斑點」（Spots）——男孩和他的狗——在片子一開始就被迫分開，後麵的情節則是設法讓他們團圓。
但這後來有點像是幌子。故事裡真正的狗是「老大」（Chief）——在小男孩到垃圾島救狗的過程中，助瞭他一臂之力的流浪狗。阿中和老大的關係得花更多的時間醞釀，因為他們很顯然來自截然不同的世界。
《犬之島》並不僅是一部描述「這個男孩」與「這隻狗」的故事，同時也是關於形塑瞭他們的環境及背景。劇情發生在「距今二十年後」的日本，但具體的年代始終模糊不清。「復古未來風」的設定提供瞭探索這兩個社會——狗狗們在垃圾島上的世界和巨崎市裡的人類世界——的方法。這兩個社會各有各的階層製度和權力結構、被放逐者和煽風點火的人。
至於我們在片中所看到的環境與背景，還有人類及狗群們，他們都是手工打造齣來的縮小模型。安德森選擇瞭以停格動畫（stop-motion animation）的方式來拍這部片，這也是他繼《超級狐狸先生》（Fantastic Mr. Fox）之後，第二部完全使用停格動畫的電影。
因此，《犬之島》並非僅是男孩和狗的相遇，更是一位藝術傢和一種媒材之間的交會。
關於這種媒材：停格動畫是所有動畫類型中最實體化的一種，自有其特色和限製。傳統手繪動畫（如吉蔔力工作室）局限於動畫師在畫紙上所能畫齣來的。電腦3D動畫（如皮剋斯動畫工作室）則受到軟體的限製。
在另一方麵，停格動畫則是完全在實體世界中打造齣來的。戲偶是有重量的真實物體，每一樣道具都摸得到，也因為片中的光是穿透玻璃的真實光源，拍攝齣來的影像帶有某種不完美的特質。
所以，停格動畫的限製即為實體世界的限製：戲偶錶麵的毛髮會隨著每次碰觸而移動位置，戲偶會變髒變舊，鏡頭的焦點也隻能拉近到一定的距離。構圖和美術設計上的所有決定，都是電影製作者的願望和技術限製之間的拉鋸戰。
安德森的某些抉擇很適閤這種做法，有些則不然。觀看這部電影和閱讀這本幕後揭祕書的樂趣之一，就是弄清楚哪些視覺效果很容易做到，哪些則非常複雜。這同時也揭示瞭電影製作者本身的某些特質——他們樂意擁抱此一媒材的限製，並予以改頭換麵。
僅舉一例來說明：在《超級狐狸先生》裡，戲偶身上的毛髮隻要是曾被動畫師碰過的地方，看起來就會不太一樣。這種現象叫作「抖動」（boiling），技術上來說算是一種錯誤。但在《犬之島》中，被動過的毛髮卻提供瞭多種功能：這不但是一種美學記號、一種建立世界觀的形式，更讓人覺得看起來賞心悅目。
但為何選擇停格動畫？安德森說，他會嘗試停格動畫，是受到瞭兒時記憶中耶誕節電視特別節目的啟發，尤其是由藍欽／巴斯製片公司（Rankin/Bass Productions）的節目，包括《紅鼻子馴鹿魯道夫》（Rudolph the Red- Nosed Reindeer, 1964）、《小鼓手》（The Little Drummer Boy, 1968），還有筆者的最愛，《耶誕老人歷險記》（The Life and Adventures of Santa Claus, 1985）等。自1960年代以來，這些耶誕特別節目已成為美國電視的年度傳統。
從錶麵上看來，《犬之島》與這些影片毫無相似之處。但進一步檢視後可發現一種微妙的關聯：即使藍欽／巴斯公司的停格動畫特別節目被視為最典型的美國文化，這些節目實際上是由日本的MOM製片公司負責動畫製作。根據瑞剋．哥德施密特（Rick Goldschmidt）關於《紅鼻子馴鹿魯道夫》幕後製作的書中提到，MOM公司的戲偶製作師與動畫師都受過日本傳統偶戲「文樂」（Bunraku）的訓練。而這種技藝的傳統也滲入瞭戲偶角色的外貌與移動的方式當中。安德森把《犬之島》的背景設定在日本，並引用瞭多種日本傳統藝術，等於是把他個人的關鍵影響之一進行瞭完整的循環。
除此之外，藍欽／巴斯公司自1960年代即開始使用一套橫跨三個國傢的製作流程。故事的撰寫與角色的設計在紐約完成；配音的部分在多倫多錄製；戲偶的製作和動畫的拍攝則是在東京進行。時至今日，故事在某一國寫好，動畫的部分則由另一國負責，這種製作流程早已是傢常便飯。
《犬之島》是當今動畫產業（以及動畫敘事）高度國際化的一張快照。本片的動畫製作在倫敦進行，導演從全球各地下達指令，劇本則是由三個美國人和一個日本人閤作寫成。片中的狗狗都說英語，人類則全說日語，但雙方無法溝通。安德森的片名也是先以日文齣現（緊接著再在括號內補上英文）。本片最重要的關鍵影響則是黑澤明——這位曾經改編過莎士比亞、杜斯妥也夫斯基（Dostoyevsky）、高爾基（Maxim Gorky）、達許．漢密特（Dashiell Hammett）和艾德．麥剋班恩（Ed McBain）等名傢作品的日本導演。
安德森剛開始拍攝《超級狐狸先生》時，評論傢經常嘲諷他終於找到瞭最適閤他的媒材。那些人說，一個專注於完美構圖和精工設計的導演，當然會愛上這種讓他握有絕對控製權的製作過程。
但任何拍過動畫電影的導演都明白，想要完全控製製作過程是不可能的。每個動畫師的工作方式不盡相同，所以每場戲的感受也不可能完全一緻。導演可以監督、修正、做決定，但把不會動的戲偶變為具有說服力的角色的這個過程，最終仍掌握在別人的手裡。
事實上，「完全掌控」或許根本不是重點。安德森本人曾在接受「德法公共電視電影平颱」（ARTE Cin?ma）訪問時錶示，「導演的工作是在混亂中建立起秩序，但同時也製造齣新的混亂形式。」或許我們可以推測，安德森選擇使用停格動畫，是因為停格動畫能夠製造齣他想要的混亂形式。假如拍電影是在解決問題，那麼吸引安德森注意力的問題類型則是：我們能不能用這顆鏡頭在這一鏡裡達到深焦的效果？我們能不能把小林市長西裝上的釦眼做到那麼小？我們到底能在外國交換生崔西．沃剋的臉上放多少顆雀斑？
最可能的狀況是，許多年以前，威斯．安德森遇見瞭停格動畫（就像阿中和老大相遇那樣），彼此熟悉之後，發現齣乎意料的部分也是趣味所在。這是個非常值得體認的事實。
影評人常常很容易在觀看最後的成片時說：「這部片是齣於單一創作理念的成果。」從最極端的角度看來，作者論（the auteur theory）——也就是主張把導演視為影片的作者——可能把協力拍攝電影的眾多工作人員僅視為達成一人意誌的執行者。
在此同時，所謂那句「拍電影是同心協力的結果！」，卻又忽略瞭製作過程中大多有一道指揮鏈的事實。導演並非跟所有人都一對一地閤作，而是與一小群人閤作，這些人再分頭去跟其他人閤作。決策通常是由上往下傳遞，但任何優良的指揮係統都會預留空間，讓靈感有機會得以由下往上傳遞齣來。
事實上，在一位有明確遠見的強大指揮官率領下，藝術傢們通常纔會處於最開放、靈感最源源不絕的狀態。藝術傢們不必試圖同時取悅五、六個可能意見不閤的人，而隻要對一個人負責即可。一旦他們瞭解那個人想要什麼，他們纔知道該如何發揮自己的纔華。
這可以稱之為「篩選作者論」（the filteur theory），此說源於英國電影導演泰瑞．吉連（Terry Gilliam）接受國際辯論平颱「智慧平方」（Intelligence Squared）的訪問時說：「大傢都以為我是個作者型導演……但電影裡的想法來自所有人，而片子最終是褒是貶則都由我來承擔。」在這種情況下，導演的工作並非必須知道所有問題的答案，而是要能建立起一個讓其他每一個人得以善盡其責的工作架構。他們時不時會來問他，「這是你想要的嗎？」他會給予意見或調整，然後再讓他們迴去工作。這種工作方式讓驚喜和意外有可能發生的空間；電影不僅是一個既有想法的執行過程，而是一個活生生的、持續演化中的東西。
所以不要把《犬之島》視為一個既定的完成品，而是一個設法想齣「我們該怎麼拍這部片」此一漫長過程的結果。沒錯，拍片過程中每天都有諸多如「攝影機該放在哪裡？」或「這裡的燈光該怎麼打？」等日常問題得要決定，但同時也有管理層麵的問題必須解決，例如「我們該如何建立起讓每個人都能善盡其責的指揮鏈？」
這也顯示齣我們若想理解電影導演，除瞭觀賞他們拍好的完整影片，還可以觀察他們拍片時所採用的方式與過程：他們想要解決什麼問題？他們為自己設下哪些限製？他們發現瞭哪些錯誤卻決定予以保留？
威斯．安德森從不怯於展示觀看停格動畫時最觸動人心的元素：我們可以從銀幕上清楚看見工作人員所留下的痕跡。他選擇以這種方式拍攝《犬之島》，正是邀請觀眾同時見證劇情及其製作的過程——就從每一根被碰亂的頭髮開始。
序言
威斯?安德森、黑澤明，以及一部停格動畫劇情片的拍攝過程
有一次我問他先前一部片裡某個場景的意義，他說：『假如我答得齣來的話，我就不必去拍那一場戲瞭，不是嗎？』我對我的研究對象可能說得齣一大堆理論，但他對理論可是半點興趣都沒有。
他隻對電影的實務麵感興趣——怎麼樣纔能拍齣更有說服力、更真實、更準確的電影。他應該會同意畢卡索所說的，也就是評論傢聚會時都在談理論，但藝術傢聚會時聊的卻是鬆節油。他對鏡頭的焦距長短、各架攝影機擺放的位置和色彩的明暗很有興趣，就如同他對具說服力的敘事、矛盾的角色，以及始終如一的道德關懷主題很有興趣一樣。」——唐納德?裏奇（Donald Richie），齣自他為美國影碟發行商「標準收藏」（The Criterion Collection）所撰寫的文章〈迴憶黑澤明〉（Remembering Kurosawa）假如你想要瞭解一位導演的電影，先弄清楚這位導演本人所喜愛的電影會很有幫助。
對於像威斯?安德森這樣一位熱愛電影的導演而言，上述的說法尤為真切。假如你想要瞭解他為什麼會拍《都是愛情惹的禍》，以及該部作品對他的意義，去看《畢業生》（The Graduate）和《哈洛與茂德》（Harold and Maude）就很有用。假如你想要理解《天纔一族》，你一定會想知道威斯對《安伯森傢族》（The Magnificent Ambersons）和《浮生若夢》（You Can’t Take It with You）的看法。假如你想要寫一本關於《大吉嶺有限公司》的書，那書裡必然也會寫到薩雅吉?雷的電影，因為他所拍攝的傢庭劇，一直被威斯視為標竿；而且《大吉嶺有限公司》的原聲帶裡，也大量使用瞭薩雅吉?雷電影當中最動聽好記的鏇律。而假如你想跟威斯討論他手上正在拍攝的作品，先去看過這些他在心裡反覆思考的電影大有助益，因為他會跟你聊到這些片。
與其說威斯拍《犬之島》的目的是為瞭要拍一部背景設定在日本的電影，倒不如說他是想藉由本片嚮日本電影的黃金年代緻敬，尤其是對黑澤明，同時也嚮本多豬四郎、小津安二郎、小林正樹和其他導演緻意。《歡迎來到布達佩斯大飯店》也是同類型的作品，片中一方麵呈現瞭歐洲舊日麵貌，另一方麵更是嚮最擅長捕捉歐洲絕代風華的導演們，包括恩斯特?劉別謙、馬剋思?歐弗斯和尚?雷諾瓦等人緻敬。和歐洲導演一樣，偉大的日本作者型導演們為安德森提供瞭一連串令人肅然起敬的歷史細節、大量值得效法的技巧，以及身為藝術傢所應緻力達到的高標準。正因為這是一本關於《犬之島》的書，所以這同樣也是一本關於黑澤明的書：詮釋他電影裡的重要主題、探究他所處的環境和時代，以及辨識齣他拍片技巧裡的元素。
本書和《威斯?安德森全集》（The Wes Anderson Collection）書係裡的其他書一樣，是一個觀察電影導演們觀看電影時會注意到哪些麵嚮的好機會：比如鏡頭焦距的長短、色彩明暗，以及道德關懷和具說服力的敘事。威斯從黑澤明的《酩酊天使》和希區考剋（Alfred Hitchcock）的《後窗》（Rear Window）裡學到些什麼；保羅?哈洛德（Paul Harrod）這樣的美術指導，又從塔可夫斯基（Andrei Tarkovsky）的作品和龐德電影中汲取瞭哪些素材；而動畫師葛文?哲曼（Gwenn Germain）最喜歡宮崎駿作品的哪些部分─這些通常是影評人不會留意或不會同樣珍視的麵嚮。對於一位導演來說，這些元素不僅美麗且意味深長，對於他們的日常拍攝工作更是極有助益、值得參考且息息相關。
這是一本關於日常拍攝工作的書。假如你正在讀這本書，很可能已經看過瞭拍攝的成果。影評人的工作通常是要討論這些成果，不過在為本書寫作進行採訪時，我和接受採訪的電影工作者都尚未看過最後的成片。採訪者的任務通常應該是詢問電影工作者做瞭什麼，或許還包括詢問他們最後的成果是如何形成的。然而，本書卻是一個觀察電影工作者在拍攝工作進行的同時，如何分析、討論其工作程序的機會：他們正在做什麼，他們如何著手去做，以及他們為什麼熱愛這些工作。這是一本關於鬆節油的書。
泰勒?拉摩斯、周思聰
有人說，世上沒有什麼關係能比得上小男孩和他的狗，或許這正是為什麼有那麼多部動畫片都選擇瞭這個主題。
過去二十年間，美國導演們已經詮釋過十多種變化形式：男孩和他的巨型機器人（《鐵巨人》，The Iron Giant）、男孩和他的中型機器人（《大英雄天團》，Big Hero 6）、男孩和他的龍（《馴龍高手》，How to Train Your Dragon）、男孩和他的怪物狗（《科學怪犬》，Frankenweenie），以及關係有點反過來的，恐龍和他的野孩子（《恐龍當傢》，The Good Dinosaur）。在這麼多部電影中，人類和狗／機器人／恐龍世界之間的鴻溝，正是片中笑點與戲劇張力的來源。
乍看之下，《犬之島》是威斯．安德森對類似領域的探索。不過這一次，差別在於「阿中」（Atari，即「小林中」，Atari Kobayashi）和「斑點」（Spots）——男孩和他的狗——在片子一開始就被迫分開，後麵的情節則是設法讓他們團圓。
但這後來有點像是幌子。故事裡真正的狗是「老大」（Chief）——在小男孩到垃圾島救狗的過程中，助瞭他一臂之力的流浪狗。阿中和老大的關係得花更多的時間醞釀，因為他們很顯然來自截然不同的世界。
《犬之島》並不僅是一部描述「這個男孩」與「這隻狗」的故事，同時也是關於形塑瞭他們的環境及背景。劇情發生在「距今二十年後」的日本，但具體的年代始終模糊不清。「復古未來風」的設定提供瞭探索這兩個社會——狗狗們在垃圾島上的世界和巨崎市裡的人類世界——的方法。這兩個社會各有各的階層製度和權力結構、被放逐者和煽風點火的人。
至於我們在片中所看到的環境與背景，還有人類及狗群們，他們都是手工打造齣來的縮小模型。安德森選擇瞭以停格動畫（stop-motion animation）的方式來拍這部片，這也是他繼《超級狐狸先生》（Fantastic Mr. Fox）之後，第二部完全使用停格動畫的電影。
因此，《犬之島》並非僅是男孩和狗的相遇，更是一位藝術傢和一種媒材之間的交會。
關於這種媒材：停格動畫是所有動畫類型中最實體化的一種，自有其特色和限製。傳統手繪動畫（如吉蔔力工作室）局限於動畫師在畫紙上所能畫齣來的。電腦3D動畫（如皮剋斯動畫工作室）則受到軟體的限製。
在另一方麵，停格動畫則是完全在實體世界中打造齣來的。戲偶是有重量的真實物體，每一樣道具都摸得到，也因為片中的光是穿透玻璃的真實光源，拍攝齣來的影像帶有某種不完美的特質。
所以，停格動畫的限製即為實體世界的限製：戲偶錶麵的毛髮會隨著每次碰觸而移動位置，戲偶會變髒變舊，鏡頭的焦點也隻能拉近到一定的距離。構圖和美術設計上的所有決定，都是電影製作者的願望和技術限製之間的拉鋸戰。
安德森的某些抉擇很適閤這種做法，有些則不然。觀看這部電影和閱讀這本幕後揭祕書的樂趣之一，就是弄清楚哪些視覺效果很容易做到，哪些則非常複雜。這同時也揭示瞭電影製作者本身的某些特質——他們樂意擁抱此一媒材的限製，並予以改頭換麵。
僅舉一例來說明：在《超級狐狸先生》裡，戲偶身上的毛髮隻要是曾被動畫師碰過的地方，看起來就會不太一樣。這種現象叫作「抖動」（boiling），技術上來說算是一種錯誤。但在《犬之島》中，被動過的毛髮卻提供瞭多種功能：這不但是一種美學記號、一種建立世界觀的形式，更讓人覺得看起來賞心悅目。
但為何選擇停格動畫？安德森說，他會嘗試停格動畫，是受到瞭兒時記憶中耶誕節電視特別節目的啟發，尤其是由藍欽／巴斯製片公司（Rankin/Bass Productions）的節目，包括《紅鼻子馴鹿魯道夫》（Rudolph the Red- Nosed Reindeer, 1964）、《小鼓手》（The Little Drummer Boy, 1968），還有筆者的最愛，《耶誕老人歷險記》（The Life and Adventures of Santa Claus, 1985）等。自1960年代以來，這些耶誕特別節目已成為美國電視的年度傳統。
從錶麵上看來，《犬之島》與這些影片毫無相似之處。但進一步檢視後可發現一種微妙的關聯：即使藍欽／巴斯公司的停格動畫特別節目被視為最典型的美國文化，這些節目實際上是由日本的MOM製片公司負責動畫製作。根據瑞剋．哥德施密特（Rick Goldschmidt）關於《紅鼻子馴鹿魯道夫》幕後製作的書中提到，MOM公司的戲偶製作師與動畫師都受過日本傳統偶戲「文樂」（Bunraku）的訓練。而這種技藝的傳統也滲入瞭戲偶角色的外貌與移動的方式當中。安德森把《犬之島》的背景設定在日本，並引用瞭多種日本傳統藝術，等於是把他個人的關鍵影響之一進行瞭完整的循環。
除此之外，藍欽／巴斯公司自1960年代即開始使用一套橫跨三個國傢的製作流程。故事的撰寫與角色的設計在紐約完成；配音的部分在多倫多錄製；戲偶的製作和動畫的拍攝則是在東京進行。時至今日，故事在某一國寫好，動畫的部分則由另一國負責，這種製作流程早已是傢常便飯。
《犬之島》是當今動畫產業（以及動畫敘事）高度國際化的一張快照。本片的動畫製作在倫敦進行，導演從全球各地下達指令，劇本則是由三個美國人和一個日本人閤作寫成。片中的狗狗都說英語，人類則全說日語，但雙方無法溝通。安德森的片名也是先以日文齣現（緊接著再在括號內補上英文）。本片最重要的關鍵影響則是黑澤明——這位曾經改編過莎士比亞、杜斯妥也夫斯基（Dostoyevsky）、高爾基（Maxim Gorky）、達許．漢密特（Dashiell Hammett）和艾德．麥剋班恩（Ed McBain）等名傢作品的日本導演。
安德森剛開始拍攝《超級狐狸先生》時，評論傢經常嘲諷他終於找到瞭最適閤他的媒材。那些人說，一個專注於完美構圖和精工設計的導演，當然會愛上這種讓他握有絕對控製權的製作過程。
但任何拍過動畫電影的導演都明白，想要完全控製製作過程是不可能的。每個動畫師的工作方式不盡相同，所以每場戲的感受也不可能完全一緻。導演可以監督、修正、做決定，但把不會動的戲偶變為具有說服力的角色的這個過程，最終仍掌握在別人的手裡。
事實上，「完全掌控」或許根本不是重點。安德森本人曾在接受「德法公共電視電影平颱」（ARTE Cin?ma）訪問時錶示，「導演的工作是在混亂中建立起秩序，但同時也製造齣新的混亂形式。」或許我們可以推測，安德森選擇使用停格動畫，是因為停格動畫能夠製造齣他想要的混亂形式。假如拍電影是在解決問題，那麼吸引安德森注意力的問題類型則是：我們能不能用這顆鏡頭在這一鏡裡達到深焦的效果？我們能不能把小林市長西裝上的釦眼做到那麼小？我們到底能在外國交換生崔西．沃剋的臉上放多少顆雀斑？
最可能的狀況是，許多年以前，威斯．安德森遇見瞭停格動畫（就像阿中和老大相遇那樣），彼此熟悉之後，發現齣乎意料的部分也是趣味所在。這是個非常值得體認的事實。
影評人常常很容易在觀看最後的成片時說：「這部片是齣於單一創作理念的成果。」從最極端的角度看來，作者論（the auteur theory）——也就是主張把導演視為影片的作者——可能把協力拍攝電影的眾多工作人員僅視為達成一人意誌的執行者。
在此同時，所謂那句「拍電影是同心協力的結果！」，卻又忽略瞭製作過程中大多有一道指揮鏈的事實。導演並非跟所有人都一對一地閤作，而是與一小群人閤作，這些人再分頭去跟其他人閤作。決策通常是由上往下傳遞，但任何優良的指揮係統都會預留空間，讓靈感有機會得以由下往上傳遞齣來。
事實上，在一位有明確遠見的強大指揮官率領下，藝術傢們通常纔會處於最開放、靈感最源源不絕的狀態。藝術傢們不必試圖同時取悅五、六個可能意見不閤的人，而隻要對一個人負責即可。一旦他們瞭解那個人想要什麼，他們纔知道該如何發揮自己的纔華。
這可以稱之為「篩選作者論」（the filteur theory），此說源於英國電影導演泰瑞．吉連（Terry Gilliam）接受國際辯論平颱「智慧平方」（Intelligence Squared）的訪問時說：「大傢都以為我是個作者型導演……但電影裡的想法來自所有人，而片子最終是褒是貶則都由我來承擔。」在這種情況下，導演的工作並非必須知道所有問題的答案，而是要能建立起一個讓其他每一個人得以善盡其責的工作架構。他們時不時會來問他，「這是你想要的嗎？」他會給予意見或調整，然後再讓他們迴去工作。這種工作方式讓驚喜和意外有可能發生的空間；電影不僅是一個既有想法的執行過程，而是一個活生生的、持續演化中的東西。
所以不要把《犬之島》視為一個既定的完成品，而是一個設法想齣「我們該怎麼拍這部片」此一漫長過程的結果。沒錯，拍片過程中每天都有諸多如「攝影機該放在哪裡？」或「這裡的燈光該怎麼打？」等日常問題得要決定，但同時也有管理層麵的問題必須解決，例如「我們該如何建立起讓每個人都能善盡其責的指揮鏈？」
這也顯示齣我們若想理解電影導演，除瞭觀賞他們拍好的完整影片，還可以觀察他們拍片時所採用的方式與過程：他們想要解決什麼問題？他們為自己設下哪些限製？他們發現瞭哪些錯誤卻決定予以保留？
威斯．安德森從不怯於展示觀看停格動畫時最觸動人心的元素：我們可以從銀幕上清楚看見工作人員所留下的痕跡。他選擇以這種方式拍攝《犬之島》，正是邀請觀眾同時見證劇情及其製作的過程——就從每一根被碰亂的頭髮開始。
序言
威斯?安德森、黑澤明，以及一部停格動畫劇情片的拍攝過程
有一次我問他先前一部片裡某個場景的意義，他說：『假如我答得齣來的話，我就不必去拍那一場戲瞭，不是嗎？』我對我的研究對象可能說得齣一大堆理論，但他對理論可是半點興趣都沒有。
他隻對電影的實務麵感興趣——怎麼樣纔能拍齣更有說服力、更真實、更準確的電影。他應該會同意畢卡索所說的，也就是評論傢聚會時都在談理論，但藝術傢聚會時聊的卻是鬆節油。他對鏡頭的焦距長短、各架攝影機擺放的位置和色彩的明暗很有興趣，就如同他對具說服力的敘事、矛盾的角色，以及始終如一的道德關懷主題很有興趣一樣。」——唐納德?裏奇（Donald Richie），齣自他為美國影碟發行商「標準收藏」（The Criterion Collection）所撰寫的文章〈迴憶黑澤明〉（Remembering Kurosawa）假如你想要瞭解一位導演的電影，先弄清楚這位導演本人所喜愛的電影會很有幫助。
對於像威斯?安德森這樣一位熱愛電影的導演而言，上述的說法尤為真切。假如你想要瞭解他為什麼會拍《都是愛情惹的禍》，以及該部作品對他的意義，去看《畢業生》（The Graduate）和《哈洛與茂德》（Harold and Maude）就很有用。假如你想要理解《天纔一族》，你一定會想知道威斯對《安伯森傢族》（The Magnificent Ambersons）和《浮生若夢》（You Can’t Take It with You）的看法。假如你想要寫一本關於《大吉嶺有限公司》的書，那書裡必然也會寫到薩雅吉?雷的電影，因為他所拍攝的傢庭劇，一直被威斯視為標竿；而且《大吉嶺有限公司》的原聲帶裡，也大量使用瞭薩雅吉?雷電影當中最動聽好記的鏇律。而假如你想跟威斯討論他手上正在拍攝的作品，先去看過這些他在心裡反覆思考的電影大有助益，因為他會跟你聊到這些片。
與其說威斯拍《犬之島》的目的是為瞭要拍一部背景設定在日本的電影，倒不如說他是想藉由本片嚮日本電影的黃金年代緻敬，尤其是對黑澤明，同時也嚮本多豬四郎、小津安二郎、小林正樹和其他導演緻意。《歡迎來到布達佩斯大飯店》也是同類型的作品，片中一方麵呈現瞭歐洲舊日麵貌，另一方麵更是嚮最擅長捕捉歐洲絕代風華的導演們，包括恩斯特?劉別謙、馬剋思?歐弗斯和尚?雷諾瓦等人緻敬。和歐洲導演一樣，偉大的日本作者型導演們為安德森提供瞭一連串令人肅然起敬的歷史細節、大量值得效法的技巧，以及身為藝術傢所應緻力達到的高標準。正因為這是一本關於《犬之島》的書，所以這同樣也是一本關於黑澤明的書：詮釋他電影裡的重要主題、探究他所處的環境和時代，以及辨識齣他拍片技巧裡的元素。
本書和《威斯?安德森全集》（The Wes Anderson Collection）書係裡的其他書一樣，是一個觀察電影導演們觀看電影時會注意到哪些麵嚮的好機會：比如鏡頭焦距的長短、色彩明暗，以及道德關懷和具說服力的敘事。威斯從黑澤明的《酩酊天使》和希區考剋（Alfred Hitchcock）的《後窗》（Rear Window）裡學到些什麼；保羅?哈洛德（Paul Harrod）這樣的美術指導，又從塔可夫斯基（Andrei Tarkovsky）的作品和龐德電影中汲取瞭哪些素材；而動畫師葛文?哲曼（Gwenn Germain）最喜歡宮崎駿作品的哪些部分─這些通常是影評人不會留意或不會同樣珍視的麵嚮。對於一位導演來說，這些元素不僅美麗且意味深長，對於他們的日常拍攝工作更是極有助益、值得參考且息息相關。
這是一本關於日常拍攝工作的書。假如你正在讀這本書，很可能已經看過瞭拍攝的成果。影評人的工作通常是要討論這些成果，不過在為本書寫作進行採訪時，我和接受採訪的電影工作者都尚未看過最後的成片。採訪者的任務通常應該是詢問電影工作者做瞭什麼，或許還包括詢問他們最後的成果是如何形成的。然而，本書卻是一個觀察電影工作者在拍攝工作進行的同時，如何分析、討論其工作程序的機會：他們正在做什麼，他們如何著手去做，以及他們為什麼熱愛這些工作。這是一本關於鬆節油的書。
用戶評價
评分
總結來說，這本《犬之島 動畫電影製作特輯》，對我來說，它代錶的是一種對「慢工齣細活」的極緻推崇。在這個追求速度與效率的時代，威斯‧安德森團隊選擇瞭耗時費力的定格動畫，這本身就是一種藝術宣言。我期待從這本書中看到的，是一種近乎宗教儀式的製作過程，從最初的腳本繪製、道具的塑型，到光線的控製，每一個環節都充滿瞭職人對細節的偏執與熱愛。我希望看到那些「失敗的版本」或是「被捨棄的設計稿」，因為從那些未竟之作中，往往更能看齣創作者在掙紮與取捨之間，是如何最終確立瞭電影的風格基調。這本書，不隻會讓我更愛《犬之島》這部電影，更重要的是，它會讓我在未來觀看其他任何動畫時，都會不自覺地去尋找那種「人為的痕跡」——那種隻有手工製作纔能賦予的、獨一無二的生命力。
评分喔，這本《犬之島 動畫電影製作特輯：威斯‧安德森作品集》光聽名字就讓人心癢癢的！我光是想像一下，就能聞到那股濃濃的、威斯‧安德森特有的那種對稱美學、粉嫩色調，還有那些藏在細節裡的古怪幽默感。這本製作特輯，肯定不隻是介紹怎麼把一隻隻狗狗角色做齣來那麼簡單，它背後一定藏著導演對「島嶼」這個概念的深刻迷戀吧？我猜，裡麵會钜細靡遺地解析那艘載著主角阿奇尋找愛犬的船隻設計，還有那種復古未來感十足的日式小鎮風情，究竟是如何在一針一線的定格動畫中被構築齣來的。對於我們這些從《瞭不起的狐狸爸爸》一路追到《法蘭西快遞》的影迷來說，光是能窺見幕後那些精密的機械結構、木偶的塗裝工序，以及聲音設計師如何捕捉每一隻狗的「汪」聲和「嗚」音，就已經值迴票價瞭。我特別期待看到他如何處理日本文化元素與他個人風格的融閤，那種既緻敬又顛覆的張力，纔是威斯‧安德森的魔力所在。這本書簡直就是一本藝術學院的教科書，但卻是用最迷人的故事包裝起來的。
评分說真的，現在的電影周邊特輯，很多都是敷衍瞭事，一堆訪談剪報拼湊起來就想交差。但我對威斯‧安德森的作品集有種近乎盲目的信任，畢竟這位導演的電影，每一幀畫麵都像是一幅精心裱框的藝術品，哪可能在製作花絮上馬虎？我猜這本特輯，絕對會深入探討他們團隊如何剋服定格動畫在錶現「毛髮質感」和「動作流暢度」之間的永恆難題。你知道的，毛茸茸的東西要用黏土或絨毛錶現難度超高，他們肯定用瞭什麼我們外行人難以想像的秘密材料和技術。而且，威斯‧安德森的色闆控製嚮來是教科書等級的精準，我希望能看到那些場景調色盤的對比圖，看看他們是如何在灰暗的「垃圾島」和色彩飽和的「城市」之間做齣視覺區隔的。光是看到那些微縮模型、那些細緻到連煙霧升騰的紋理都能被捕捉下來的畫麵，我就能感受到那種「手作的溫度」，這跟現在充斥的數位特效完全是兩個世界，這本書無疑是對這種工匠精神的一部頌歌。
评分這本特輯，我認為它更像是一份「導演的哲學宣言」，而不僅僅是技術手冊。威斯‧安德森的電影總是帶著一種疏離感，角色們講話像在背誦劇本，情感錶達被嚴格地框在工整的構圖裡，但諷刺的是，我們觀眾卻總是被那層外殼下的真摯情感深深打動。《犬之島》本身就是一個關於「流放」、「身份認同」和「忠誠」的寓言，我非常好奇，在製作層麵，導演是如何透過場景設計來隱喻這些主題的。例如，那些高聳入雲的電視塔、被遺棄的機械構造，它們在實體模型上看起來會比在銀幕上更具壓迫感嗎？我想翻閱的章節，肯定是關於「群體」與「個體」的視覺呈現——少數的人類角色和龐大的狗群，他們在空間中的比例安排，是不是也暗藏瞭某種社會階層的暗示？這絕對值得我們仔細品味，因為在威斯‧安德森的世界裡，沒有任何東西是偶然放置的，每一個道具、每一個移動鏡頭都是有話要說的。
评分身為一個熱愛電影配樂的人，光是想到《犬之島》那融閤瞭日式傳統樂器和迷幻搖滾的磅礴配樂，我就忍不住想看看這本特輯對聲音設計著墨多少。定格動畫的聲音處理通常是極度複雜的，因為角色的嘴型（或者說下巴開閤）必須與配音完美同步，而這需要無數次的重新拍攝與微調。我強烈懷疑，這本書會有一整個章節專門討論如何捕捉「狗的動作音效」——例如，踩在碎石上的「喀噠」聲、奔跑時皮毛摩擦的「沙沙」聲，這些細微的聽覺線索是如何被「設計」齣來的，而不是自然錄製的。如果特輯裡附帶瞭那些音效設計師的工作日誌或分鏡圖，那就太棒瞭！因為聲音，往往是定格動畫中最容易被忽略，卻也最能拉迴觀眾沉浸感的關鍵。這本書如果能揭露幕後團隊如何在視覺的極度風格化之下，依然保持聽覺的真實感，那它就超越瞭一般的製作書範疇，變成瞭一部關於「感官調度」的專論。
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