「藝術批評」不僅為藝術研究者必備之能力，亦為藝術愛好者所經常困擾的問題。本書即針對有關藝術批評的基本問題，提示解決的觀念與方法。
全書分三部分：
第一編 引論界定「藝術」與「批評」的觀念。
第二編 探究價值之來源，找出八種不同說法，加以檢討，並作出總結，以供讀者思辨及比較。
第三編 自歷史上所出現的批評方法中，歸納為四大類，考其源流，證其得失，並舉例以明之。故前者為批評哲學，後者為批評技術；本書實冶批評、理論與技巧於一爐，不僅足以訓練思考，開拓視野，且具高度實用性。
具体描述
跨越藩篱的目光：当代艺术的脉动与思想 导言：当我们凝视艺术，我们凝视的究竟是什么？ 在信息洪流席卷一切的二十一世纪，艺术的形态、载体和传播方式正经历着前所未有的剧变。传统的“大叙事”在后现代的解构中逐渐瓦解，取而代之的是碎片化、多元化、高度语境化的个体体验。艺术不再是高高在上、供少数精英解读的“庙堂之作”，它渗透进日常生活的肌理，以其锐利、暧昧或直接的方式，叩问着我们与世界的关系。 本书旨在构建一个动态的思考框架，用以审视和理解当下全球艺术场域中涌现出的复杂现象、核心议题以及潜在的未来走向。它不是一部详尽的艺术史，更不是对特定流派或艺术家的事无巨细的梳理；相反，它是一系列深入的、跨学科的对话与思辨，聚焦于“观看”的政治性、“媒介”的物质性，以及“意义”在数字时代的漂移。 --- 第一部分：景观的重构——视觉文化与权力的新疆域 我们生活的世界已然被图像和信息所饱和。本部分着重探讨在数字技术驱动下，视觉文化如何重塑我们的认知结构和审美判断。 一、屏幕时代的本体论危机：从“在场”到“模拟的在场” 当代艺术的展陈空间已不再局限于白立方画廊。虚拟现实（VR）、增强现实（AR）、算法生成图像以及流媒体平台，正成为新的竞技场。本章深入剖析了摄影术发明以来，复制技术对“原作光环”的侵蚀，并进一步探讨了数字拷贝与AI辅助创作对艺术本体论带来的颠覆。当作品可以无限、即时地被重置和修改时，艺术品的“独特性”和“稀缺性”该如何定义？我们必须重新思考“观看行为”的物质基础——是从凝视实体对象，转变为与数据流的交互。 二、数据之眼与算法的审美霸权 算法不仅仅是工具，它们正在成为一种“隐形的策展人”。从社交媒体的信息流筛选，到AI对艺术风格的学习和模仿，权力正在从传统评论家和策展机构，悄然转移到掌握数据和模型的科技巨头手中。本章审视了这种新兴的“算法审美”，讨论了它如何固化或挑战既有的审美偏见，以及艺术家如何在被数据“驯化”的媒介中，寻求反抗的张力与表达的自由。 三、后真相时代的图像政治学 在信息被高度政治化、碎片化的时代，图像不再仅仅是客观记录的载体，而是强有力的意识形态武器。我们关注那些利用蒙太奇、深度伪造（Deepfake）或直接的视觉操纵手段，挑战历史叙事和公共信任的作品。这部分旨在揭示艺术在揭露“被建构的真实”中的关键作用，并探讨艺术家如何利用虚构的力量来抵御宣传的洪流。 --- 第二部分：物质性的回归与身体的在场 尽管数字媒介占据主导，但对实体、对身体经验、对材料本身的关注，在当代艺术中却呈现出一种强劲的反弹。这种回归，往往带着对全球化“去物质化”趋势的深刻反思。 四、触觉的复兴：材料的抵抗与记忆的载体 本章聚焦于那些重新拾起传统手工艺（如陶瓷、编织、泥塑、拼贴）的艺术家。这里的“传统”并非怀旧，而是一种带有明确政治意图的材料选择。这些材料，往往与特定的地域文化、劳工历史或被压抑的集体记忆紧密相连。探讨黏土的温度、布料的纹理、废弃物的重量感，如何成为抵抗无形权力结构、重新锚定身体经验的有效手段。 五、场所精神与地缘政治的交织 在全球化加速的背景下，艺术的流动性空前提高，但这也催生了对“地方性”的深刻焦虑。本部分探讨了那些扎根于特定地理环境、关注气候变化、移民迁徙、殖民遗留问题的艺术实践。这些作品，往往通过对在地材料、历史档案的挖掘，强迫观众直面人类活动对环境和他者的冲击。艺术家的工作，在此成为一种“批判性的地理学”。 六、身体作为战场：身份政治与能动性的边界 关于性别、种族、性向的身份政治议题，一直是当代艺术的核心动力之一。本章不满足于对身份符号的简单展示，而是深入探究身体如何在社会规训、医疗干预和自我构建中被塑造、被异化、被解放。通过表演艺术、生物艺术（Bio-Art）以及身体记录，艺术家们正在拓展“什么是人的身体”的哲学边界，挑战着可见性与不可见性之间的伦理困境。 --- 第三部分：时间、系统与艺术的未来形态 艺术的价值评估体系、收藏机制和批评语言，也正处于剧烈的结构性调整之中。如何看待艺术品在资本逻辑中的运作，以及新兴技术将如何定义下一次艺术浪潮，是本部分的落脚点。 七、NFT、加密艺术与价值的去中心化迷思 加密货币和非同质化代币（NFT）的兴起，在艺术界引发了一场关于所有权、稀缺性及市场投机的巨大争议。本章尝试剥离技术术语的炒作外衣，冷静分析区块链技术对艺术品流通、艺术家版税和收藏生态的潜在颠覆性影响，并审视这种“去中心化”的承诺，是否最终导向了一种新的数字精英主义。 八、策展作为一种抵抗的行动：系统批判的实践 策展人，作为意义的构建者，其作用在当代语境下愈发关键。本部分关注那些挑战机构逻辑、质疑博物馆典藏制度的策展实践。探讨如何通过非常规的展示方式、临时的场域设置，乃至对展览本身进行自我解构，来揭示艺术系统内部的意识形态漏洞。策展不再是简单的作品陈列，而是一种主动介入社会肌理的行动。 九、开放的谱系：未来艺术的开放性与不确定性 展望未来，艺术将越来越依赖于协作、开放源码和持续的迭代。从生成式艺术到生态系统中的艺术干预，未来艺术的定义将倾向于“过程”而非“终结”。本章总结了跨学科研究（如复杂系统理论、认知科学）对艺术创作思维的启发，探讨艺术如何从固化的“作品”形态，演化为一种持续性的、与世界互动的“反应机制”。 结语：成为批判性的参与者 本书提供了一套工具箱，用以拆解我们日常接触的艺术现象。它呼吁读者超越简单的赞美或排斥，进入一种更具历史感、更关注运作机制的“批判性观看”模式。真正的艺术活力，恰恰蕴藏于其对既有秩序的不断质问之中。阅读本书，即是加入这场关于美学、权力与存在的永恒对话。
著者信息
作者簡介
姚一葦
姚一葦教授為當代著名藝術理論家及戲劇家。所有著述，旁徵博引，條理分明，且體系嚴謹，成一家之言。所作劇本，透視人生，蘊涵哲理，且意趣雋永，久已享譽海內外。其已出版之重要著作有：《詩學箋註》、《藝術的奧祕》、《美的範疇論》、《審美三論》、《欣賞與批評》、《戲劇原理》等共十一種；已發表之重要劇作有：《來自鳳凰鎮的人》、《孫飛虎搶親》、《碾玉觀音》、《紅鼻子》、《申生》、《一口箱子》、《傅青主》、《我們一同走走看》、《重新開始》等共十四種。
姚一葦
姚一葦教授為當代著名藝術理論家及戲劇家。所有著述，旁徵博引，條理分明，且體系嚴謹，成一家之言。所作劇本，透視人生，蘊涵哲理，且意趣雋永，久已享譽海內外。其已出版之重要著作有：《詩學箋註》、《藝術的奧祕》、《美的範疇論》、《審美三論》、《欣賞與批評》、《戲劇原理》等共十一種；已發表之重要劇作有：《來自鳳凰鎮的人》、《孫飛虎搶親》、《碾玉觀音》、《紅鼻子》、《申生》、《一口箱子》、《傅青主》、《我們一同走走看》、《重新開始》等共十四種。
图书目录
图书试读
用户评价
评分
閱讀過程中，我時常需要停下來，不是因為內容太難，而是因為作者在闡述某些批評方法論時，總會拋出一些發人深省的問題，逼著你立刻檢視自己過去的偏見。例如，關於「什麼才算是好的藝術？」這個永恆的難題，本書提供了一個相當務實的視角，它不像某些歐美理論那樣一味強調形式主義的純粹性，反而把目光投向了藝術在社會中的「功能性」和「參與性」。在討論到當代藝術中那些看起來很「怪」的作品時，書中的論述語氣變得十分的辯證，它沒有急著給出一個標準答案，而是引導讀者去思考，那些看似挑戰傳統美學的作品，它們在當下的文化場景中扮演了什麼樣的「攪局者」角色。這種不預設立場，強調開放解讀的態度，讓我覺得這本書的價值遠超過一本純粹的教學指南。它更像是一本「批評的武器庫」，教你如何拆解、如何質疑、如何享受那些模糊地帶，而不是教你如何去「標準化」藝術品，這一點，我個人給予高度肯定。
评分這本書光看書名《藝術批評（電子書）》就讓人有點望之卻步，畢竟「藝術批評」這四個字在台灣的文化圈子裡，總帶著一股學院派的嚴肅氣息，好像不先啃完幾本美學史、文藝理論的教科書，就沒資格打開它一樣。但說實話，我拿到電子書後點開目錄，發現內容的編排其實挺接地氣的。它並沒有一開始就拋出那些艱澀難懂的哲學名詞，反而像是用一種比較口語化的方式，帶領讀者從最基礎的「看見」開始談起。書中花了很大的篇幅在解析日常生活中常見的視覺元素，像是光影的運用、色彩的情緒、線條的張力，這些都不是高深莫測的學術理論，而是我們在瀏覽社群媒體、走在街上看到廣告看板時，就能自然而然地產生的感受。尤其在談到「觀者主體性」那幾章，作者巧妙地引用了不少當代流行的藝術展覽案例，讓我覺得這本書不是在對著空氣說教，而是真正想跟我們這些「一般大眾」對話，告訴我們，你對藝術的感受，本身就是一種有效的批評。對於想跨入門檻，卻又怕被那些學術術語嚇跑的朋友來說，這本書的引導方式真的非常貼心，讀起來沒有壓力，反而像是在上一個非常生動有趣的通識課。
评分總結來說，這本電子書給我的感覺，是既有學術的骨架，卻披上了非常貼近當代媒體傳播習慣的表皮。它的討論議題並不迴避當前文化中最熱門的爭議點，比如AI生成藝術、NFT的價值評估、以及藝術市場的過度商業化現象。特別是關於「數字時代的真實性」的章節，書中對數位複製與原作光暈的消逝進行了深入探討，這在當下這個人人都可以成為「創作者」的時代，顯得非常及時。不過，或許是篇幅的限制，有些議題的展開略顯倉促，總覺得作者拋出了這麼一個極好的切入點，但馬上又跳到了下一個主題。如果未來有增訂版，我會非常期待能在「後人類美學」或「演算法的創造力」這些前沿議題上，能看到更長篇幅的專論。儘管如此，作為一本入門或進階的參考書，它成功地打破了傳統藝術批評的壁壘，讓閱讀不再是一件苦差事，而更像是一場充滿啟發性的思辨旅程，非常推薦給所有對「如何更深入地看世界」感興趣的朋友。
评分以一個長期關注藝文圈動態的讀者角度來看，這本書在處理跨文化比較的章節時，顯得尤為謹慎且細膩。書中並沒有那種將西方藝術史作為唯一標準，然後用來衡量亞洲藝術發展的傲慢感。相反地，它非常著重於建立一種「多中心」的敘事觀點。特別是在探討日本的浮世繪如何影響了後來的印象派大師，以及後來這些影響又如何回溯到亞洲的現代藝術發展時，作者的考證非常紮實，引用的文獻和圖版都顯示出下了不少功夫。對於在台灣這個文化上深受多元影響（包含本土、日本、歐美）的讀者而言，這種平視的、互文的視角是非常需要的。它讓我意識到，我們過去在學校裡學到的藝術史，其實只是一個非常狹窄的管道，而透過這本書，我彷彿打開了幾扇新的窗戶，看到了藝術交流的複雜性與流動性。雖然內容橫跨的年代和地域很廣，但電子書的搜尋和註釋功能，讓我可以隨時點擊查閱那些不熟悉的歷史名詞，提高了閱讀的效率和深度。
评分坦白講，這本電子書的排版風格讓我有點出乎意料，它不像傳統的學術論著那樣排得滿滿的文字，中間穿插著為數不多的、常常是黑白的參考圖。它在視覺呈現上比較大膽，留白很多，而且引用的圖像範例非常多元，從文藝復興的大師作品到當代的裝置藝術、街頭塗鴉，都有涉獵。這對於習慣了傳統紙本書閱讀習慣的我來說，一開始稍微有點不適應，總覺得眼睛有點「漂」。不過，深入閱讀後才發現，作者可能是在刻意模擬數位時代的閱讀體驗——資訊快速、視覺衝擊強烈。書中對於「脈絡化」的討論特別有意思，它強調一件藝術品不能脫離它誕生的時代背景、社會結構，甚至創作者的個人傳記來單獨解讀，這一點在解析幾件台灣本土藝術家的作品時，表現得尤為透徹。舉例來說，它分析某位藝術家早期作品中對「島嶼意象」的反覆使用，不只是從形式上去拆解，而是深挖了當時社會氛圍對創作者的形塑。這種由表及裡，再由裡及外的分析路徑，讓我對過去只是走馬看花式欣賞的展覽經驗，有了一層更深層次的理解和反思。
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