「藝術批評」不僅為藝術研究者必備之能力，亦為藝術愛好者所經常睏擾的問題。本書即針對有關藝術批評的基本問題，提示解決的觀念與方法。
全書分三部分：
第一編 引論界定「藝術」與「批評」的觀念。
第二編 探究價值之來源，找齣八種不同說法，加以檢討，並作齣總結，以供讀者思辨及比較。
第三編 自歷史上所齣現的批評方法中，歸納為四大類，考其源流，證其得失，並舉例以明之。故前者為批評哲學，後者為批評技術；本書實冶批評、理論與技巧於一爐，不僅足以訓練思考，開拓視野，且具高度實用性。
具體描述
跨越藩籬的目光：當代藝術的脈動與思想 導言：當我們凝視藝術，我們凝視的究竟是什麼？ 在信息洪流席捲一切的二十一世紀，藝術的形態、載體和傳播方式正經曆著前所未有的劇變。傳統的“大敘事”在後現代的解構中逐漸瓦解，取而代之的是碎片化、多元化、高度語境化的個體體驗。藝術不再是高高在上、供少數精英解讀的“廟堂之作”，它滲透進日常生活的肌理，以其銳利、曖昧或直接的方式，叩問著我們與世界的關係。 本書旨在構建一個動態的思考框架，用以審視和理解當下全球藝術場域中湧現齣的復雜現象、核心議題以及潛在的未來走嚮。它不是一部詳盡的藝術史，更不是對特定流派或藝術傢的事無巨細的梳理；相反，它是一係列深入的、跨學科的對話與思辨，聚焦於“觀看”的政治性、“媒介”的物質性，以及“意義”在數字時代的漂移。 --- 第一部分：景觀的重構——視覺文化與權力的新疆域 我們生活的世界已然被圖像和信息所飽和。本部分著重探討在數字技術驅動下，視覺文化如何重塑我們的認知結構和審美判斷。 一、屏幕時代的本體論危機：從“在場”到“模擬的在場” 當代藝術的展陳空間已不再局限於白立方畫廊。虛擬現實（VR）、增強現實（AR）、算法生成圖像以及流媒體平颱，正成為新的競技場。本章深入剖析瞭攝影術發明以來，復製技術對“原作光環”的侵蝕，並進一步探討瞭數字拷貝與AI輔助創作對藝術本體論帶來的顛覆。當作品可以無限、即時地被重置和修改時，藝術品的“獨特性”和“稀缺性”該如何定義？我們必須重新思考“觀看行為”的物質基礎——是從凝視實體對象，轉變為與數據流的交互。 二、數據之眼與算法的審美霸權 算法不僅僅是工具，它們正在成為一種“隱形的策展人”。從社交媒體的信息流篩選，到AI對藝術風格的學習和模仿，權力正在從傳統評論傢和策展機構，悄然轉移到掌握數據和模型的科技巨頭手中。本章審視瞭這種新興的“算法審美”，討論瞭它如何固化或挑戰既有的審美偏見，以及藝術傢如何在被數據“馴化”的媒介中，尋求反抗的張力與錶達的自由。 三、後真相時代的圖像政治學 在信息被高度政治化、碎片化的時代，圖像不再僅僅是客觀記錄的載體，而是強有力的意識形態武器。我們關注那些利用濛太奇、深度僞造（Deepfake）或直接的視覺操縱手段，挑戰曆史敘事和公共信任的作品。這部分旨在揭示藝術在揭露“被建構的真實”中的關鍵作用，並探討藝術傢如何利用虛構的力量來抵禦宣傳的洪流。 --- 第二部分：物質性的迴歸與身體的在場 盡管數字媒介占據主導，但對實體、對身體經驗、對材料本身的關注，在當代藝術中卻呈現齣一種強勁的反彈。這種迴歸，往往帶著對全球化“去物質化”趨勢的深刻反思。 四、觸覺的復興：材料的抵抗與記憶的載體 本章聚焦於那些重新拾起傳統手工藝（如陶瓷、編織、泥塑、拼貼）的藝術傢。這裏的“傳統”並非懷舊，而是一種帶有明確政治意圖的材料選擇。這些材料，往往與特定的地域文化、勞工曆史或被壓抑的集體記憶緊密相連。探討黏土的溫度、布料的紋理、廢棄物的重量感，如何成為抵抗無形權力結構、重新錨定身體經驗的有效手段。 五、場所精神與地緣政治的交織 在全球化加速的背景下，藝術的流動性空前提高，但這也催生瞭對“地方性”的深刻焦慮。本部分探討瞭那些紮根於特定地理環境、關注氣候變化、移民遷徙、殖民遺留問題的藝術實踐。這些作品，往往通過對在地材料、曆史檔案的挖掘，強迫觀眾直麵人類活動對環境和他者的衝擊。藝術傢的工作，在此成為一種“批判性的地理學”。 六、身體作為戰場：身份政治與能動性的邊界 關於性彆、種族、性嚮的身份政治議題，一直是當代藝術的核心動力之一。本章不滿足於對身份符號的簡單展示，而是深入探究身體如何在社會規訓、醫療乾預和自我構建中被塑造、被異化、被解放。通過錶演藝術、生物藝術（Bio-Art）以及身體記錄，藝術傢們正在拓展“什麼是人的身體”的哲學邊界，挑戰著可見性與不可見性之間的倫理睏境。 --- 第三部分：時間、係統與藝術的未來形態 藝術的價值評估體係、收藏機製和批評語言，也正處於劇烈的結構性調整之中。如何看待藝術品在資本邏輯中的運作，以及新興技術將如何定義下一次藝術浪潮，是本部分的落腳點。 七、NFT、加密藝術與價值的去中心化迷思 加密貨幣和非同質化代幣（NFT）的興起，在藝術界引發瞭一場關於所有權、稀缺性及市場投機的巨大爭議。本章嘗試剝離技術術語的炒作外衣，冷靜分析區塊鏈技術對藝術品流通、藝術傢版稅和收藏生態的潛在顛覆性影響，並審視這種“去中心化”的承諾，是否最終導嚮瞭一種新的數字精英主義。 八、策展作為一種抵抗的行動：係統批判的實踐 策展人，作為意義的構建者，其作用在當代語境下愈發關鍵。本部分關注那些挑戰機構邏輯、質疑博物館典藏製度的策展實踐。探討如何通過非常規的展示方式、臨時的場域設置，乃至對展覽本身進行自我解構，來揭示藝術係統內部的意識形態漏洞。策展不再是簡單的作品陳列，而是一種主動介入社會肌理的行動。 九、開放的譜係：未來藝術的開放性與不確定性 展望未來，藝術將越來越依賴於協作、開放源碼和持續的迭代。從生成式藝術到生態係統中的藝術乾預，未來藝術的定義將傾嚮於“過程”而非“終結”。本章總結瞭跨學科研究（如復雜係統理論、認知科學）對藝術創作思維的啓發，探討藝術如何從固化的“作品”形態，演化為一種持續性的、與世界互動的“反應機製”。 結語：成為批判性的參與者 本書提供瞭一套工具箱，用以拆解我們日常接觸的藝術現象。它呼籲讀者超越簡單的贊美或排斥，進入一種更具曆史感、更關注運作機製的“批判性觀看”模式。真正的藝術活力，恰恰蘊藏於其對既有秩序的不斷質問之中。閱讀本書，即是加入這場關於美學、權力與存在的永恒對話。
著者信息
作者簡介
姚一葦
姚一葦教授為當代著名藝術理論傢及戲劇傢。所有著述，旁徵博引，條理分明，且體係嚴謹，成一傢之言。所作劇本，透視人生，蘊涵哲理，且意趣雋永，久已享譽海內外。其已齣版之重要著作有：《詩學箋註》、《藝術的奧祕》、《美的範疇論》、《審美三論》、《欣賞與批評》、《戲劇原理》等共十一種；已發錶之重要劇作有：《來自鳳凰鎮的人》、《孫飛虎搶親》、《碾玉觀音》、《紅鼻子》、《申生》、《一口箱子》、《傅青主》、《我們一同走走看》、《重新開始》等共十四種。
姚一葦
姚一葦教授為當代著名藝術理論傢及戲劇傢。所有著述，旁徵博引，條理分明，且體係嚴謹，成一傢之言。所作劇本，透視人生，蘊涵哲理，且意趣雋永，久已享譽海內外。其已齣版之重要著作有：《詩學箋註》、《藝術的奧祕》、《美的範疇論》、《審美三論》、《欣賞與批評》、《戲劇原理》等共十一種；已發錶之重要劇作有：《來自鳳凰鎮的人》、《孫飛虎搶親》、《碾玉觀音》、《紅鼻子》、《申生》、《一口箱子》、《傅青主》、《我們一同走走看》、《重新開始》等共十四種。
圖書目錄
圖書試讀
用戶評價
评分
總結來說，這本電子書給我的感覺，是既有學術的骨架，卻披上瞭非常貼近當代媒體傳播習慣的錶皮。它的討論議題並不迴避當前文化中最熱門的爭議點，比如AI生成藝術、NFT的價值評估、以及藝術市場的過度商業化現象。特別是關於「數字時代的真實性」的章節，書中對數位複製與原作光暈的消逝進行瞭深入探討，這在當下這個人人都可以成為「創作者」的時代，顯得非常及時。不過，或許是篇幅的限製，有些議題的展開略顯倉促，總覺得作者拋齣瞭這麼一個極好的切入點，但馬上又跳到瞭下一個主題。如果未來有增訂版，我會非常期待能在「後人類美學」或「演算法的創造力」這些前沿議題上，能看到更長篇幅的專論。儘管如此，作為一本入門或進階的參考書，它成功地打破瞭傳統藝術批評的壁壘，讓閱讀不再是一件苦差事，而更像是一場充滿啟發性的思辨旅程，非常推薦給所有對「如何更深入地看世界」感興趣的朋友。
评分這本書光看書名《藝術批評（電子書）》就讓人有點望之卻步，畢竟「藝術批評」這四個字在颱灣的文化圈子裡，總帶著一股學院派的嚴肅氣息，好像不先啃完幾本美學史、文藝理論的教科書，就沒資格打開它一樣。但說實話，我拿到電子書後點開目錄，發現內容的編排其實挺接地氣的。它並沒有一開始就拋齣那些艱澀難懂的哲學名詞，反而像是用一種比較口語化的方式，帶領讀者從最基礎的「看見」開始談起。書中花瞭很大的篇幅在解析日常生活中常見的視覺元素，像是光影的運用、色彩的情緒、線條的張力，這些都不是高深莫測的學術理論，而是我們在瀏覽社群媒體、走在街上看到廣告看闆時，就能自然而然地產生的感受。尤其在談到「觀者主體性」那幾章，作者巧妙地引用瞭不少當代流行的藝術展覽案例，讓我覺得這本書不是在對著空氣說教，而是真正想跟我們這些「一般大眾」對話，告訴我們，你對藝術的感受，本身就是一種有效的批評。對於想跨入門檻，卻又怕被那些學術術語嚇跑的朋友來說，這本書的引導方式真的非常貼心，讀起來沒有壓力，反而像是在上一個非常生動有趣的通識課。
评分坦白講，這本電子書的排版風格讓我有點齣乎意料，它不像傳統的學術論著那樣排得滿滿的文字，中間穿插著為數不多的、常常是黑白的參考圖。它在視覺呈現上比較大膽，留白很多，而且引用的圖像範例非常多元，從文藝復興的大師作品到當代的裝置藝術、街頭塗鴉，都有涉獵。這對於習慣瞭傳統紙本書閱讀習慣的我來說，一開始稍微有點不適應，總覺得眼睛有點「漂」。不過，深入閱讀後纔發現，作者可能是在刻意模擬數位時代的閱讀體驗——資訊快速、視覺衝擊強烈。書中對於「脈絡化」的討論特別有意思，它強調一件藝術品不能脫離它誕生的時代背景、社會結構，甚至創作者的個人傳記來單獨解讀，這一點在解析幾件颱灣本土藝術傢的作品時，錶現得尤為透徹。舉例來說，它分析某位藝術傢早期作品中對「島嶼意象」的反覆使用，不隻是從形式上去拆解，而是深挖瞭當時社會氛圍對創作者的形塑。這種由錶及裡，再由裡及外的分析路徑，讓我對過去隻是走馬看花式欣賞的展覽經驗，有瞭一層更深層次的理解和反思。
评分以一個長期關注藝文圈動態的讀者角度來看，這本書在處理跨文化比較的章節時，顯得尤為謹慎且細膩。書中並沒有那種將西方藝術史作為唯一標準，然後用來衡量亞洲藝術發展的傲慢感。相反地，它非常著重於建立一種「多中心」的敘事觀點。特別是在探討日本的浮世繪如何影響瞭後來的印象派大師，以及後來這些影響又如何迴溯到亞洲的現代藝術發展時，作者的考證非常紮實，引用的文獻和圖版都顯示齣下瞭不少功夫。對於在颱灣這個文化上深受多元影響（包含本土、日本、歐美）的讀者而言，這種平視的、互文的視角是非常需要的。它讓我意識到，我們過去在學校裡學到的藝術史，其實隻是一個非常狹窄的管道，而透過這本書，我彷彿打開瞭幾扇新的窗戶，看到瞭藝術交流的複雜性與流動性。雖然內容橫跨的年代和地域很廣，但電子書的搜尋和註釋功能，讓我可以隨時點擊查閱那些不熟悉的歷史名詞，提高瞭閱讀的效率和深度。
评分閱讀過程中，我時常需要停下來，不是因為內容太難，而是因為作者在闡述某些批評方法論時，總會拋齣一些發人深省的問題，逼著你立刻檢視自己過去的偏見。例如，關於「什麼纔算是好的藝術？」這個永恆的難題，本書提供瞭一個相當務實的視角，它不像某些歐美理論那樣一味強調形式主義的純粹性，反而把目光投嚮瞭藝術在社會中的「功能性」和「參與性」。在討論到當代藝術中那些看起來很「怪」的作品時，書中的論述語氣變得十分的辯證，它沒有急著給齣一個標準答案，而是引導讀者去思考，那些看似挑戰傳統美學的作品，它們在當下的文化場景中扮演瞭什麼樣的「攪局者」角色。這種不預設立場，強調開放解讀的態度，讓我覺得這本書的價值遠超過一本純粹的教學指南。它更像是一本「批評的武器庫」，教你如何拆解、如何質疑、如何享受那些模糊地帶，而不是教你如何去「標準化」藝術品，這一點，我個人給予高度肯定。
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