爵士吉他的伴奏手法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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就是现在，酷派音乐正式破解爵士吉他机密档案！

　　Jazz Guitar Walking Bass曾是传奇爵士吉他手Joe Pass名闻天下的独门绝活，巧妙的用一把吉他同时弹奏Walking Bass与伴奏和弦，呈现出令人惊艳的丰富与灵活，不仅为爵士吉他的演奏手法开创新局，同时也建立了不朽的典范。

　　Jazz Guitar Walking Bass看似繁复难学，经常令人心生敬畏、望而怯步，在缺乏正确观念的引导下，常使得有心学习这方面的爱乐者不得其门而入，半途而废。有鑑于此，酷派音乐吉他讲师庄智渊(Eric)，特别为所有喜好爵士吉他的同好们设计一系列的DVD影音教学课程，深入浅出并引用Berklee的教学体系，让国人轻易窥视爵士吉他的奥秘。

作者简介

庄智渊 Eric

　　毕业自全美最富盛名的现代音乐学院Berklee College of Music，在校期间追随Jon Damian、John Wiklins等名师，潜心研习爵士吉他，并于2002年取得吉他演奏(Guitar Performance )学位。2002年夏天，随Miles Ahead超里程乐团回台举办巡回演奏会并发行乐团首张专辑「Colors」。优越的表现，深获众人推崇。

摇滚乐黄金时代的吉他风潮：从布鲁斯根源到电声革新 本书深入剖析了20世纪中期，特别是1950年代到1970年代，摇滚乐如何在音乐版图上迅速崛起并确立其主导地位。我们不再聚焦于传统爵士乐的复杂和声或指弹技巧，而是将目光投向那股席卷全球的、充满原始力量与叛逆精神的电声浪潮。 第一部分：布鲁斯之血与乡村之魂的融合 摇滚乐的诞生，绝非空中楼阁。它是一次北美音乐谱系的激烈碰撞与重组。本部分首先回顾了战后美国南部，特别是密西西比三角洲和德州地区的布鲁斯音乐传统。我们将详细探讨泥泞的土地如何孕育出富有情感张力的电声布鲁斯，以及这种音乐形态如何通过移民潮进入芝加哥、底特律等工业重镇。 电声的觉醒： 分析早期吉他手，如马迪·沃特斯（Muddy Waters）和嚎叫的“嚎叫者”霍金斯（Howlin' Wolf），如何将传统原声布鲁斯的叙事性与新兴的电子放大技术结合起来，创造出具有穿透力的音色。重点解析他们对音量、失真（Distortion）和反馈（Feedback）的早期实验性运用，这彻底改变了吉他作为独奏乐器的角色。 乡村的回响： 紧接着，我们考察了阿巴拉契亚山脉的乡村音乐，尤其是“蓝草”（Bluegrass）和“山地乡村”（Hillbilly）风格对摇滚乐节奏和旋律结构的影响。探讨乡村音乐中简洁有力的和弦进行和叙事性的歌词是如何被吸收并转化的。探讨早期摇滚乐手如何借鉴乡村音乐中对“摇摆”（Shuffle）节奏的偏爱，构建出摇滚乐特有的律动基础。 第二部分：摇滚乐的黄金十年：结构、音色与叛逆精神（1955-1965） 这一部分将聚焦于摇滚乐从边缘走向主流的爆炸性增长期，分析那些奠定现代摇滚乐基础的技法和哲学。 三和弦的力量： 我们将详细解构早期摇滚乐（如“摇滚与滚” Rock and Roll）标志性的和弦进行——特别是“I-IV-V”的布鲁斯式进行在不同调式下的应用。探讨早期吉他手如何通过简单的和弦组合，结合强烈的扫弦（Strumming）技巧，创造出令人无法抗拒的驱动力。这部分会避免提及复杂的爵士和声理论，而是聚焦于其原始、直接的冲击力。 音色哲学： 详细审视当时吉他制造商和音箱技术的发展如何影响了音乐的走向。分析Fender Tweed系列音箱、Gibson Les Paul吉他以及早期晶体管效果器的出现，如何使吉他音色从干净的、木质的声音，转向更具攻击性和颗粒感的“温暖的失真”。重点分析颤音（Tremolo）效果器在营造运动感和戏剧性方面的作用。 切分音与律动： 深入分析早期的节奏吉他手如何处理切分音（Syncopation）。不同于爵士乐中复杂的即兴切分，摇滚乐的切分更加强调对强拍的“故意延迟”或“提前强调”，以增强音乐的紧张感和舞蹈性。通过分析特定歌曲的节奏部分，展示如何仅用基础的三和弦，通过节奏的细微变化来驱动整首歌曲。 第三部分：英伦入侵与音色的进化（1960年代中期） 当摇滚乐跨越大西洋到达英国时，它吸收了新的能量并开始分化。本部分侧重于英伦乐手对美国布鲁斯传统的再加工，以及由此产生的对音色和歌曲结构的新探索。 “英国布鲁斯”的野蛮生长： 探讨以英伦吉他手为代表的音乐人如何重新挖掘被美国主流商业音乐边缘化的原始布鲁斯唱片，并以一种更具侵略性的方式将其带回美国。分析他们如何通过提高音量和增加失真程度，来表达更为激进的时代情绪。 “嗡嗡声”的艺术： 详细解析法兹（Fuzz）效果器，特别是Maestro FZ-1和Dallas Arbiter Fuzz Face的出现，如何成为60年代中后期迷幻摇滚和硬摇滚的标志性音色。我们关注吉他手如何运用这种极端的波形削波，来模拟接近于合成器的音色质感，从而拓展了电吉他的表现边界。 Riff的统治地位： 摇滚乐的核心不再仅仅是独奏，而是标志性的“Riff”（重复的动机乐句）。本章将对比分析早期摇滚乐和中后期摇滚乐在Riff设计上的区别。早期Riff倾向于更具旋律性，而中期Riff则开始强调力量、低音区的使用以及对单一音符的反复敲击，服务于更强烈的节奏冲击。 第四部分：硬朗的冲击：从节奏到力量的转变（1970年代初） 随着技术的发展和音乐风格的深化，摇滚乐的伴奏也趋于更具重量感和结构性。 低音的介入： 考察1970年代早期，低音吉他（Bass Guitar）在摇滚伴奏中的地位提升。分析低音线如何从简单的“根音跟随”发展为更具旋律性、与主音吉他形成复杂对位的角色。这使得整体伴奏的“重量感”和“厚度”得到显著增强。 失真的精细化： 分析过载（Overdrive）和失真踏板从早期的“粗糙的噪音”向更具可控性的“压缩感”转变的过程。探讨吉他手如何通过对音量旋钮和音箱的精细调控，实现从干净节奏到饱满驱动的瞬间切换，这是构建现代硬摇滚音墙的关键技术。 结构化的重复与推进： 探讨歌曲结构如何变得更具史诗感。节奏吉他在长篇幅的歌曲中，如何通过精妙的节奏变化和重复段落的细微调整，来构建音乐张力，并引导听众进入高潮，而不是仅仅停留在基础的和弦铺陈。 本书旨在为研究摇滚乐的律动基础、音色发展以及其技术演变提供一个清晰的路线图，完全侧重于电声时代对节奏和驱动力的构建，而非传统吉他技巧的复杂训练。

入门概念/Tow Feel Bass/Walking Bass原理/和弦伴奏概念

进阶和弦学习﹝一﹞/Tow Feel Bass加和弦

进阶和弦学习﹝二﹞/Walking Bass加和弦

综合应用示范

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经玩了几年吉他，但一直对爵士吉他望而却步的乐手，我一直觉得爵士吉他的学习门槛很高，需要掌握大量的和弦、音阶和复杂的理论。这本书的出现，可以说是彻底改变了我的看法。它并没有一开始就抛出让人眼花缭乱的和弦图表，而是从爵士吉他最核心的“伴奏”功能入手，这让我觉得非常实用。书中对“如何构建一个有效的爵士吉他伴奏”进行了非常系统性的讲解。它首先从最基础的rootless voicings（无根音和弦）开始，解释了为什么在爵士乐中，根音并不总是必须的，以及如何利用其他音来填充和声色彩。然后，它循序渐进地介绍了drop 2、drop 3等常见的和弦编配方式，并且深入探讨了如何在伴奏中运用各种装饰音、过门音和即兴旋律片段，让简单的和弦进行变得生动有趣。我印象最深刻的是关于“色彩和声”的章节，它让我明白了为什么有些爵士乐听起来会有那么丰富的层次感，原来是通过巧妙地运用大七、小七、九、十一、十三等扩展音，以及各种降、升和弦来实现的。这本书的另一个亮点在于，它提供了大量不同风格的爵士乐标准曲的伴奏示例，从经典的“Autumn Leaves”到Bebop的代表作“Donna Lee”，涵盖了多种演奏技巧和和声处理方式。作者在讲解时，总是能够结合乐曲的实际演奏，让我能够直观地感受到理论知识在实践中的应用。这本书对于想要从普通吉他手晋升为能够独立完成爵士吉他伴奏的乐手来说，是一本不可多得的指南。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书的时候，并没有抱太大的期望，只是觉得目录里的“即兴伴奏中的旋律织体”、“和弦功能的再审视”这些标题有点意思，想看看作者有什么独特的见解。没想到，这本书给我带来的惊喜远远超出了我的预期。它并不是一本简单的技巧堆砌的书，而是一本充满哲学思考和艺术洞察的书。作者在分析每一个伴奏手法时，都会深入到其背后的音乐逻辑和审美追求。例如，在讲解“和声对位”时，他不仅仅是列出了一些对位规则，而是将其提升到了“对话”的层面，强调了吉他手在伴奏时，如何在与主奏乐器或演唱者进行“对话”，如何通过旋律线条的交织来营造音乐的张力和色彩。这本书还有一个非常特别的地方，就是它大量引用了爵士乐大师们的演奏片段和访谈，通过这些真实的素材，来佐证作者的观点。我特别喜欢书中对Miles Davis和Bill Evans的伴奏风格的分析，他们那种极简却又充满力量的音乐处理方式，这本书给出了非常独到的解读。另外，书中对“空间感”和“留白”的强调，也让我受益匪浅。我以前总是追求弹满所有的音符，生怕漏掉什么，而这本书让我明白，有时候，沉默也是音乐的一部分，适当的留白更能突出旋律和和声的精妙之处。这本书更像是一本哲学读物，它不仅仅教会了我如何弹奏，更重要的是，它教会了我如何去“听”，如何去“感受”爵士乐。

评分☆☆☆☆☆

初次接触爵士乐，是被那种自由洒脱、即兴碰撞的魅力所吸引。我本来是抱着学习一些基础乐理，能够跟着唱片扒拉几句旋律的期望来翻阅这本书的。然而，这本书的内容远比我想象的要丰富得多。它不仅仅是教你几个和弦进行的套路，更是深入浅出地剖析了爵士乐的精髓。书中关于“节奏”的部分，简直是打开了新世界的大门。我以前总是觉得爵士乐的节奏很难把握，听起来乱糟糟的，但这本书通过详细的图表和案例，让我明白了Swing、Bebop等不同风格的节奏特点，以及如何在指尖上“摇摆”起来。尤其是那些关于切分音和对位节奏的讲解，虽然一开始有些挑战，但一旦理解了，再听爵士乐时，那种内在的律动感就仿佛清晰可见了。而且，作者在讲解时，并没有使用过于晦涩的术语，而是用非常生动的比喻和类比，让即使是初学者也能轻松理解。我最喜欢的是它对不同爵士乐大师吉他伴奏风格的分析，例如Wes Montgomery那流畅的八度音程，Joe Pass那如同一个人在弹奏多个声部的充实感，还有Pat Metheny那富有诗意的旋律线条。通过对比分析，我不仅学会了如何模仿，更重要的是，开始思考如何在这些大师的基础上，形成自己的声音。这本书的排版也很清晰，大量的乐谱示例配合文字说明，非常便于对照练习。总而言之，这本书就像一位经验丰富的老师，循循善诱地引导我进入爵士吉他的精彩世界。

评分☆☆☆☆☆

我是一名爵士乐的狂热爱好者，平时也喜欢尝试自己扒一些歌曲，但总觉得自己在编配伴奏方面总是差那么一点意思。这本书就像是给我打通了任督二脉。我之前总是习惯性地用一些固定的和弦套路，缺乏变化和创意，这本书让我认识到了“和弦外音”的巨大作用，尤其是如何利用b9、#9、b5、#5等这些听起来“不和谐”，但实际上能极大地丰富和声色彩的音。书中对“功能和声的解构与重塑”的讲解，简直是颠覆了我对传统和声的理解。它让我明白，在爵士乐中，很多时候和弦的功能是可以灵活变通的，同一个和弦，在不同的语境下，可以扮演不同的角色。书中举了很多例子，比如如何将一个简单的ii-V-I进行，通过加入代理和弦、替代和弦、以及使用转调等手法，变成一个听起来非常复杂而又充满惊喜的段落。我特别喜欢它对“节奏型”的分类和讲解，它将各种常见的爵士节奏型进行了系统的梳理，并且提供了非常实用的练习方法。我以前觉得很多节奏型很难掌握，但通过这本书的指导，我发现只要掌握了核心的律动感，并且反复练习，就能够将其融入到自己的演奏中。而且，这本书的内容非常有条理，从易到难，循序渐进，让我能够一步一步地深入理解爵士吉他的伴奏精髓。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，这本书并非仅仅是一本关于吉他伴奏技巧的书籍，它更像是一扇通往爵士乐理解之门。我曾误以为爵士吉他伴奏就是指尖在指板上快速滑动，弹奏出一串串复杂的和弦。然而，这本书打破了我这种片面的认知。作者以一种极其细腻且富有洞察力的方式，剖析了爵士吉他伴奏中那些“看不见”却又至关重要的元素。例如，书中对“律动”的阐述，不仅仅是节奏型的堆砌，更是对音乐内在呼吸感的捕捉，是如何通过细微的力度变化、音符时值的微调，来营造出那种令人沉醉的“摇摆”感觉。我尤其欣赏书中关于“动态”的讨论，它深入到吉他手如何在伴奏中扮演“支撑”与“引导”的角色，如何通过音量、音色的变化来烘托主旋律，甚至在何时“缺席”比弹奏更多音符来得更为重要。书中对“留白”的强调，让我意识到音乐的空间感同样是构成音乐的重要部分，那些恰到好处的寂静，能够让听者更好地体会旋律与和声的精妙。此外，作者在阐述每一个概念时，总是能巧妙地引用爵士乐史上的经典乐句和大师的演奏片段，这使得抽象的理论变得鲜活而具有说服力。这本书并非简单地教授“如何弹”，而是引导读者去“如何思考”爵士乐的伴奏，它所传递的，是一种对音乐的深刻理解和对艺术的敬畏之心。