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以〈吃西瓜的六种方法〉闻名的诗人罗青，不只写诗也画画，从小在墨彩名家溥心畲、任博悟习门下习画，四处看画展，他以诗人的灵魂、文人的笔墨，建构出他个人独特的水墨画，因此获奖无数，被楚戈先生赞为「新文人画的起点」。

　　在《墨彩之美》他以自身对墨彩画的研究与创作经验，为「墨彩画」正名，从三大方面：绘画美学、古典传统画流变、近代绘画的传承与发扬，切入墨彩画的发展历史、绘画内涵与特质。从「彩墨画」到王维提倡「水墨画」，无须彩色，运用不同墨法呈现「浓、淡、干、湿、燥」五色，形成文人画的传统，搭配赏析〈女史箴图卷〉、〈雪中芭蕉〉、〈清明上河图卷〉等画作。旁及唐、宋、元、明、清及民国以来的重要画家，王维、徐兢、石涛、王原祈、齐白石等，综论、赏析、重估，不只提供绘画相关知识，了解墨彩的历史渊源，还有中国独特的扇面绘画艺术和历史。篇篇新诠古典绘画美学，连接当代社会，配合独创的美学原则，具体而微的说明「墨彩画」的最新发展，并讨论二十世中国艺术史的编写之道，改写千年来的墨彩画史及美学史，回顾过去，展望未来。

琉璃乾坤：宋代瓷器艺术的流光溢彩 图书简介 本书《琉璃乾坤：宋代瓷器艺术的流光溢彩》是一部深入探究宋代（960年—1279年）五大名窑——汝、官、哥、定、钧——及其它重要窑口瓷器艺术成就的专著。它并非仅仅停留在对器物形制和纹饰的简单罗列，而是致力于构建一个多维度的研究体系，旨在揭示宋瓷在技术、美学、文化及历史背景下的独特地位及其对后世陶瓷艺术的深远影响。 全书分为八个主要章节，结构严谨，层层递进，力求展现宋代士大夫阶层所推崇的“雅”与“韵”。 第一章：时代的底色——宋代美学的孕育与陶瓷的觉醒 本章首先从宋代哲学的基调——理学思想对万物秩序与自然和谐的追求入手，阐述这种精神内核如何渗透到日常器用之中。宋代文人将“拙朴”、“内敛”和“天成”视为最高审美标准。瓷器不再是单纯的陈设品，而是文人修身养性的载体。我们详尽分析了宋代宫廷对用器的严格要求，以及窑场为满足这种审美趣味所进行的工艺革新。讨论了哥窑开片与汝窑天青色之间的哲学关联——即对“不完美中的完美”的追求。 第二章：北宋的巅峰——汝窑的“雨过天青云破处” 本章集中解析了汝窑的神秘面纱。通过对传世实物的细致比对，结合考古发掘报告，本书提出了关于汝窑胎土配方、施釉方式以及烧制温度的最新推测。重点描绘了汝窑标志性的“香灰胎”和其温润如玉的釉色，特别是那种难以言喻的“天青色”是如何通过精准的还原气氛控制达成的。我们探讨了汝窑器物造型的极简主义倾向，如葵口盘、盂等器型的典雅比例，并论证了其在宋代宫廷中的至尊地位。 第三章：帝王气象与权力象征——官窑的规范与威严 官窑（主要指北宋汴京官窑与南宋修内司、郊坛下官窑）的设立，标志着瓷器生产上升到国家礼器的高度。本章对比了南北宋官窑的异同。南宋官窑的釉色偏重于粉青、灰青，开片纹路（冰裂纹、蟹爪纹）的形成机制被重点解析。我们通过对釉层厚度、垂釉现象的测算，揭示了官窑在追求“温润如玉”时，如何巧妙地平衡了高温烧制下的釉料流动性与器物形态的稳定。 第四章：定窑的华章——“泪痕”与“覆烧”的工艺哲学 定窑以其精美的化妆土和刻划、覆烧工艺，在北方窑系中独树一帜。本章详尽分析了定窑的“覆烧法”对口沿无釉带来的“泪痕”问题，并深入探讨了古人如何将这种工艺的缺陷，转化为独特的审美特征——即对器物口沿边缘的素雅留白。同时，本书对定窑的刻花、划花、印花纹饰进行了分类学研究，尤其是卷草纹、婴戏纹的程式化演变，反映了当时世俗生活审美的渗透。 第五章：钧窑的变幻——釉料的“入窑一色，出窑万彩” 钧窑是宋代陶瓷艺术中最为神奇的一环，其钴料的呈色变化，几乎是化学反应的艺术展现。本章着重剖析了钧窑厚釉下形成的“月白”、“棠梨色”基调，以及在窑变中出现的紫红斑块——“窑变紫”。我们不仅展示了钧窑盘、碗、洗等器物的华丽，还特别关注了钧瓷的“支钉”技术，以及这种斑斓釉色与道家“变易”思想的契合。 第六章：民窑的活力——耀州青瓷与磁州窑的世俗叙事 宋代的艺术并非全然服务于宫廷。本章将焦点转向了地方窑系的巨大贡献。耀州窑的刻花青瓷，以其精湛的刀工和富有生命力的莲花、牡丹纹饰，展现了北方成熟的青瓷技术。而磁州窑，则以其质朴的白地黑花（或黑地白花）装饰技法，成为宋代民间生活和故事的载体。书中收录了大量描绘农耕、戏曲场景的磁州窑枕和梅瓶，体现了那个时代贴近人间的艺术趣味。 第七章：跨越山海的交流——宋瓷在东亚及伊斯兰世界的辐射 宋瓷的魅力并未止步于本土。本章探讨了宋代制瓷技术如何通过海陆丝绸之路传播。我们研究了高丽（朝鲜）青瓷对汝窑和定窑的模仿与再创造，分析了越南、日本陶瓷工艺如何吸收宋瓷的元素。通过对土耳其伊斯坦布尔托普卡帕宫及伊朗各地博物馆藏品的比对，揭示了宋青瓷（特别是龙泉窑的粉青、梅子青）如何成为伊斯兰世界贵族阶层追捧的珍品，甚至引发了中东地区本土陶器工艺的革新。 第八章：工艺的遗产与未来的回响 最后，本书总结了宋代瓷器留给后世的不可磨灭的遗产。它不仅是技艺的集合，更是一种对材料本质的深刻理解和对简约之美的极致追求。从明清的仿古之风，到近现代陶瓷艺术的复兴，宋瓷的“天真、自然、含蓄”始终是检验当代陶瓷艺术高度的标尺。本书通过大量的文物高清图片、断面微观分析图谱，以及严谨的文献考证，为宋代瓷器艺术爱好者、收藏家及研究人员提供了一部兼具学术深度与艺术审美的权威读本。

作者简介    

罗青

　　本名罗青哲，湖南省湘潭县人，一九四八年九月十五日生于青岛。辅仁大学英文系毕业，美国西雅图华盛顿大学比较文学硕士，曾任辅仁大学、政治大学英语系副教授，台湾师范大学英语系所、翻研所、美术系所教授，中国语言文化中心主任。明道大学艺术中心主任、英语系主任。一九九三年获傅尔布莱德国际交换教授奖。

　　一九七四年获颁第一届中国现代诗奖，国内外获奖无数，被翻译成英、法、德、义、瑞典等十三种语言。画作亦获奖多次，并获大英博物馆、德国柏林东方美术馆、加拿大皇家安大略美术馆、美国圣路易美术馆、中国美术馆、辽宁省美术馆、深圳画院美术馆、台湾美术馆等国内外公私立美术馆收藏。曾出版诗集、诗画集、画集、论文集、画论集五十余种。
 

〔自序〕
「墨彩画」的再生      　      
 
上卷　概论篇
中国墨彩美学初探
漫谈中国艺术的特色
论文人水墨画
扇摇风生诗画香---扇画简史
 
中卷　古典篇
雪中芭蕉寓意多──论王维的画艺
被艺术史遗忘的绘画大师──北宋诗书画三绝的徐兢
清明上河图新解
诗中有画画中诗­──论玉涧的《山市晴峦图》
清奇古怪通鬼神──论陈洪绶的画
一唿前后九百年──谈石涛的一开册页
扇摇风生诗画香──扇画简史
 
下卷近代篇
漫谈民国「三石」的书画艺术
第一位名扬世界的中国墨彩画家
雕刻中的石像──苏立文《二十世纪中国艺术》读后〉
 

序

「墨彩画」的再生

　　要想与西方艺术市场抗衡对话的第一步，便是对自己民族的美术遗产做精深的研究及发扬；把过去的艺术成就与二十一世纪的生活及思想联系起来，这样方能吸引别人来观摩学习。中国艺术的特色之一，便是墨彩绘画，成就辉煌，足以傲视世界，领袖羣伦。因此对墨彩艺术及美学的深入研究，便成了艺术工作者应该努力的重点之一。

　　中国绘画从彩陶开始，一直是彩墨并行，到了春秋战国时代，壁画及帛画盛行，遂有「绘事后素」的美学典范出现，强调绘者在施以彩、墨绘画之前，必须将墙壁粉刷平整成为「素壁」，帛布整治妥当成为「素帛」。这也就是说，必先把准备在其上绘画的各种不同材料，清理素净，才能在其上勾勒草稿，然后施以墨色及彩色。这种最后以施用彩色来完成作品的艺术，可称之为「彩墨画」，从战国到盛唐，独霸艺坛有一千多年的历史。

　　到了公元八世纪，诗画家王维（699-759）出现，着意于画笔下，追求佛家简净空寂之美，于是在〈山水诀〉一文中大胆提出：

　　夫画道之中，水墨为最上。肇自然之性，成造化之工，或咫尺
　　之图，写百里之景；东西南北，宛尔目前；春夏秋冬，生于笔底。

　　认为依靠单色「水墨」的丰富层次变化及灵动的笔法技巧，无须彩色，便可在一张小画里，以近乎「造化」的功夫，表达四季之不同，开启了「水墨美学」的新典范。此一「水墨」风气，发展了近三百年，在北宋初期，到达了顶峰，当时的绘画名家如荆浩、关仝、李成、范宽、董源、巨然、郭熙、许道宁、燕文贵…等，无一不是以水墨画为主，成就其艺术的独特面貌。

　　而这段期间，墨条与配合发墨的纸张，经过不断的研发，有了很大的改进。如南唐李廷珪的松烟墨，精良无比，就是一例；而南唐歙县的「澄心堂纸」，制造尤佳，最为名家爱用，与廷珪墨、龙尾砚、诸葛笔并称四宝。此外，苏州的「金栗山藏经纸」，湖北的「鄂州蒲圻纸」…等，亦名气响亮。名墨配上佳纸，把水墨的特色发挥到了极致，树立了新的美学品味与典范。

　　到了宋徽宗（1082-1135）即位，在翰林院中创立「画学」（1104），吸收了水墨画所发展出来的精华，以墨色的运用为主，重新让彩色回到绘画之中，变「彩墨」、「水墨」的传统为「墨彩」新猷，开创了影响广大的「墨彩画」时代，传承变化发扬至今，已有近千年的历史，成为农业时代美学与品味的代表，并继续向工业社会及后工业社会挺进。

　　自从一八四〇年鸦片战争迄至一九七〇年代，一百三十年间，传统农业社会遭到西方工业社会的巨大挑战，带来了深远的美术变革，「现代主义」（Modernism）风潮，随工业社会而起，所向披靡。许多现代主义画家，因为美学理论的不足与匮乏，仓促重新启用「水墨画」一词，借以代表东方精神，期望从「形式技巧」上与油彩画所代表的现代主义理论接轨，完全忽略了「墨彩画」基本美学的重新诠释、再开发与创造，丧失了自家艺术的立足点，成了西方现代主义的附庸与註解。等而下之者的作品，则成了机械形式与新奇技巧的大量复制，沦为可以批发代工的工艺美术品。

　　从一九八〇年代至今，近四十年间，因个人电脑及手机在海崃两岸的大量出现，有关后工业社会与「后现代主义」（Postmodernism） 的思想，勃然而兴，解构主义（Deconstructionism）、去中心主义（anti-logocentrism）与多元化（Pluralism）的风潮，刺激了艺术家对「墨彩画」根源的反省，大家开始分头在美学上探讨「墨彩画」的过去、现在与可预见的未来。

　　本书的上卷「概论篇」，就是在这个前提下写成的。其中〈中国墨彩美学初探〉、〈漫谈中国艺术的特色〉、〈论文人水墨画〉三篇通论文章，重新回顾了「墨彩画」的内涵与形式特质，希望找到其与当代社会的连接点。

　　接下来中卷「古典篇」，以〈雪中芭蕉寓意多──说王维的画艺〉、〈被艺术史遗忘的绘画大师──徐兢〉、〈张择端《清明上河图》新解〉、〈诗中有画画中诗¬──论玉涧的画〉、〈清奇古怪通鬼神──论陈洪绶〉、〈一唿前后九百年──说石涛画〉、〈墨中有色熟后生──论王原祈〉、〈扇摇风生诗画香──扇画简史〉八篇文章，分别选择唐、宋、元、明、清的重要画家，深入赏析，做为了解古典绘画史的钥匙。

　　下卷「近代篇」，以〈漫谈民国「三石」的书画艺术〉、〈第一位名扬世界的中国墨彩画家---齐白石〉、〈雕刻中的石像---苏立文《二十世纪中国艺术》读后〉三篇文章，讨论民国以来的重要画家，配合上述通论所揭橥的美学原则，具体而微的说明「墨彩画」的最新发展，并讨论二十世，中国艺术史的编写之道，回顾过去，展望未来。

中国墨彩美学初探
 
（一）前言：绘画应以展现「生命力」为主
 
中国艺术的范围广阔，种类繁多，源远流长，代有发展。在理论与实践上，都能够与时推移，前后连接，绵延不断。就以绘画一项来说，便有壁画、砖画、帛画、绢画……等项目；而以绘画的颜料来分，则有漆画、油画、重彩画、淡彩画、水墨画……等类别。
 
历来艺术史家讨论绘画，多半以绢本与纸本为主，只有在绢本与纸本真迹缺乏的情况下，才转而研究以其他方法制做成的绘画，来证明时代思想风格的演变，以及形式技巧的发展。例如汉、魏、隋、唐各代所留下来的绢本或纸本绘画十分稀少，于是在讨论这一个阶段的绘画时，便不得不大量引用坟墓石室砖画、敦煌石窟壁画、石刻上的画像、佛画中的幡旗、彩漆屏风上的图绘、石棺碑片上的线刻等等，以为自己看法的佐证。可是，一旦绢本或纸本的真迹或材料充足，艺术史家便立刻回过头来，仔细研究论证，而把纸绢以外的品类，放在一边存查。这一点，我们看元明清以来的艺术史研究，便可清楚。这一大段的时间之内，纸绢以外的绘画材料，是十分丰富的，但研究者并没有充分利用。
 
这样的现象，使后来的人产生了一种错觉，认为历来的艺术史家或评论家，都是士大夫阶级，他们受了阶级观点的限制，有意提高他们所谓的正宗绘画，而故意忽略民间艺术的发展。因此，目前留传下来的画论及绘画史料当中所记载的，多半是所谓的正统或上层建筑的绘画历史，而民间匠意的成就，则付之阙如。
 
如果我们从另一个角度来看的话，上述种种现象的产生，可能另有复杂的原因，并非简单的阶级史观，可以解释得周全。

评分☆☆☆☆☆

我一直認為，好的藝術書籍，不應該只停留在理論的層面，而應該能夠觸動人心，引發共鳴。《墨彩之美》做到了這一點。它不是那種高高在上，讓人望而生畏的藝術評論，而是以一種非常親切、溫柔的筆觸，與讀者進行對話。書中關於「墨」的探討，我認為是它最獨特的地方。它不只是在講述墨的物理屬性，更在挖掘墨的精神內涵。作者通過對歷代書畫作品的細緻觀察，以及深入的文化解讀，讓我理解到，為何在中國傳統文化中，「墨」會佔有如此重要的地位。它不僅僅是一種書寫和繪畫的媒介，更是一種哲學、一種精神的象徵。書中提到，墨色中的「濃、淡、枯、濕」，不僅僅是筆墨技巧的體現，更是情感和心境的流露。例如，濃墨可以表現堅毅，淡墨可以傳達憂愁，枯筆則能傳達蒼勁。這些細膩的感悟，讓我對「墨」有了全新的認識，也讓我開始反思，在我們日常生活中，是否也應該學習這種「以墨觀心」的智慧。這本書像是一面鏡子，照出了我對藝術的理解，也引導我去看見更深層次的價值。

评分☆☆☆☆☆

說實話，我對藝術的了解並不算深，但《墨彩之美》卻讓我感到非常舒服和享受。它沒有讓我感到壓力，反而像是一場心靈的 SPA。書中對於「彩」的運用，我認為是它的一大亮點。它並沒有過多地強調複雜的色彩理論，而是以一種非常直觀的方式，展現了色彩在東方藝術中的獨特魅力。書中介紹了中國傳統的色彩觀，例如青、赤、黃、白、黑的五色，以及它們所蘊含的文化意義。我特別喜歡它探討如何運用色彩來營造意境的部分。作者通過分析不同畫作中的色彩運用，讓我理解到，原來色彩不只是為了讓畫面看起來更漂亮，更是為了傳達情感、烘托氣氛。例如，運用淡淡的藍色和綠色，可以營造出一種清新淡雅的感覺；而運用溫暖的紅色和黃色，則可以帶來一種熱情活潑的氛圍。書中還有一些關於色彩搭配的小技巧，非常實用，讓我受益匪淺。總之，《墨彩之美》是一本讓我從心靈上感到愉悅的書。它讓我看到了藝術的美好，也讓我對生活有了更多的感悟。我非常推薦給所有對藝術有興趣，但又想輕鬆閱讀的讀者。

评分☆☆☆☆☆

一直對書法有種莫名的情愫，總覺得字跡中藏著一個人的靈魂。最近終於讓我等到一本讓我眼睛一亮的好書，《墨彩之美》。一翻開，那沉甸甸的質感就讓我愛不釋手，彷彿捧著的是千年的智慧。書中的文字編排非常雅致，不是那種生硬的排版，而是如同行雲流水般的自然。我尤其喜歡它介紹不同書體的段落，從篆書的古樸莊重，到隸書的蠶頭燕尾，再到楷書的端正秀麗，最後到行草的飄逸灑脫，每一種書體都有其獨特的韻味。而且，書中不只是單純的介紹，還穿插了許多關於書法發展歷史的小故事，讓我在學習書法的過程中，也能對這門藝術的淵源有更深的了解。舉例來說，它提到王羲之是如何在不斷的練習中，將書法推向高峰，那種堅持不懈的精神，真的非常勵志。還有，書中的插圖，那些歷代名家的墨跡，真的讓人賞心悅目，即使我不是科班出身，也能感受到那份力透紙背的功力。我常常會拿著書，反覆端詳那些字，試圖從中領略大師們的心法。這本書就像一位溫柔的導師，引導我進入書法的世界，讓我不再覺得書法是遙不可及的藝術，而是可以親近、可以欣賞、甚至可以嘗試的。對於像我這樣對書法有興趣，但又不知從何入門的讀者來說，這絕對是一本絕佳的啟蒙書。

评分☆☆☆☆☆

老實說，一開始是被《墨彩之美》的書名吸引，感覺很有詩意，但又擔心內容會不會太過學術或枯燥。沒想到，這本書完全顛覆了我的想像。它沒有讓我感受到任何學習的壓力，反而像是在一場優雅的品茗會，緩緩地引導我認識「墨」與「彩」在藝術中的無限可能。書中對於水墨畫的解析，我認為是做得非常到位。它不只告訴你「什麼是水墨畫」，更重要的是，它告訴你「為什麼水墨畫如此迷人」。作者運用了非常生動的比喻，將抽象的筆觸和墨色，轉化成具體的意境。例如，它用「詩人的眼淚」來形容淡墨的運用，又用「畫龍點睛」來闡述濃墨的關鍵作用。這些譬喻讓我一下子就抓住了水墨畫的精髓，也讓我理解到，原來看似簡單的黑白，其實蘊含著如此豐富的情感和層次。我特別喜歡書中探討「留白」的部分，這是我過去對水墨畫比較忽略的細節，但書中卻將留白的重要性闡述得淋漓盡致，讓我明白，適當的空隙，才能讓畫面呼吸，讓觀者有想像的空間。這本書的閱讀體驗，就像在一個寧靜的午后，泡上一壺好茶，靜靜地欣賞一幅畫，內心會湧起一股淡淡的寧靜與感動。它讓我重新認識了東方藝術的含蓄與深邃。

评分☆☆☆☆☆

作為一個平常就喜歡動手做一些小東西的人，我對《墨彩之美》的期待，其實更多是在於它能不能提供一些實用的技巧。結果，這本書真的沒有讓我失望，甚至可以說，它超出了我的預期！書中有一大部分是關於如何運用墨色和色彩來創作。它非常詳細地講解了不同種類的墨（例如松煙墨、桐油墨）的特性，以及它們在不同紙張上的表現。我最感興趣的是它介紹了如何調製和運用色彩。不是那種生硬的調色盤介紹，而是結合了中國傳統的五色觀，從而引導讀者去理解色彩的搭配與運用，如何在水墨的基礎上，增添畫面的生命力。它分享了一些簡單卻又非常實用的技法，比如如何運用乾濕濃淡的筆觸來表現物體的質感，以及如何巧妙地運用色彩來烘托主題。書中還有一些實際操作的範例，步驟非常清晰，我按照書中的指示，嘗試著畫了一些簡單的山水和花鳥，雖然成果還不能和書中的範例相比，但過程中我真的獲得了很大的樂趣。它讓我明白，原來繪畫並非遙不可及，只要掌握了方法，人人都可以嘗試。這本書不只是一本藝術欣賞的書籍，更像是一本充滿啟發的實踐指南，鼓勵我去探索和發揮自己的創造力。